Культура.РФКультура.РФ — портал культурного наследия, традиций народов России. Бесплатное кино, спектакли онлайн, виртуальные музеи. Расписание выставок, концертов, спектаклей.ruhttp://yandex-rss.herokuapp.com«Театр меня выбрал — забрал целиком и полностью»Интервью с режиссером Евгением Славутиным.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/255279/teatr-menya-vybral-zabral-celikom-i-polnostyuMon, 23 Dec 2019 09:20:38 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«Театр меня выбрал — забрал целиком и полностью»

ТеатрыПубликации раздела Театры

Художественный руководитель театра МОСТ Евгений Славутин рассказал порталу «Культура.РФ» о том, почему он стал режиссером, а не научным работником, что изменилось в его театре за прошедшие 20 лет и для чего вообще существует искусство.


Художественный руководитель театра МОСТ Евгений Славутин. Фотография: m24.ru

— Вас ждала научная карьера. Вы — кандидат наук, автор книги «История диофантова анализа от Диофанта до Ферма» (история алгебры за полтора тысячелетия). Как вы пришли в театр? Почему театр оказался важнее науки?


— Выбор профессии и судьба — вещь загадочная. В детстве я четко видел впереди научную карьеру. А когда я уже стал режиссером, по прошествии многих лет, вдруг начал вспоминать, что, когда еще был ребенком, мы с друзьями натягивали во дворе самодельный занавес и устраивали театральные представления.


Было время, когда я совмещал работу в Академии наук и в университетской театральной студии, а затем в Студенческом театре МГУ. Я уже работал над докторской диссертацией, когда понял, что совмещать становится невозможно, и выбрал театр. А может быть, это театр меня выбрал — забрал целиком и полностью.


В середине 1980-х, в начале перестройки, у меня вышли спектакли, которые взорвали театральную Москву. На спектакль «Черный человек, или Я, бедный Сосо Джугашвили» зрители записывались за несколько недель, а мы играли по восемь спектаклей в месяц в зале на 450 мест. А, выпущенный в 1989 году спектакль-кабаре «Синие ночи ЧеКа», который мы при полном зале 20 дней подряд играли на Эдинбургском фестивале, вошел в программу Би-би-си «Лучшее на Фриндже». Учитывая, что в каталоге фестиваля было 357 спектаклей, можно сказать, это был полный успех.


Художественный руководитель театра МОСТ Евгений Славутин. Фотография: teatrmost.ru

— Поначалу ваш театр был любительским. Есть ли у любительского театра преимущества по сравнению с профессиональным?


— В определенном смысле очень существенные. Для профессионала театр — это работа, а для любителя — счастье.


— То есть театр не должен быть профессиональным?


— Отнюдь. Театр должен быть суперпрофессиональным. Таким, каким он был у Мольера и у Шекспира. Это должно быть какое-то братство компании талантливых и веселых людей. Понимаете? В профессиональном мире это чувство, конечно, возникает на определенных проектах. Но чаще, если в театре кто-то с кем-то дружит, то непременно против кого-то. Я говорю сейчас не о каком-то конкретном театре, а о тех малосимпатичных театральных традициях, описанных еще самим Станиславским. Мало что изменилось за прошедшие сто лет.


— А в театре МОСТ все не так?


— Категорически не так. У нас формально профессиональный театр, мы в ведении Департамента культуры города Москвы. Но мы делаем все, чтобы наш театр был не просто профессиональным, а еще и студийным — то есть живым, настоящим, творческим и здоровым. А актер — интеллигентным и умным. Мы обучаем актерскому мастерству тех, кто получает или уже получил высшее академическое образование, — даем талантливым молодым людям шанс творчески реализоваться. А себе — возможность собрать в основной труппе самых достойных.


Художественный руководитель театра МОСТ Евгений Славутин. Фотография: russcult.ru

— Вы считаете, что для работы в театре актеру не нужно заканчивать театральный вуз? Что достаточно позаниматься всего несколько месяцев, а остальные навыки придут в процессе работы?


— Диплом надо получать, потому что реалии нашей жизни таковы, что без диплома возникают те или иные сложности. И многие наши актеры обучаются на заочной форме в театральных вузах. Но мы знаем, что ни Фаина Раневская, ни Татьяна Пельтцер, ни многие другие выдающихся актеры театрального института не заканчивали.


— В этом году театру МОСТ исполняется 20 лет. Что изменилось за эти годы?


— 20 лет назад у нас не было своего помещения для работы, а спустя 10 лет после основания театра МОСТ мы открыли наш чудесный камерный театр на Большой Садовой, недалеко от метро «Маяковская». И вот уже 10 лет благодаря правительству Москвы у нас есть свой дом. Более того, в этом году, 9 декабря, мы открыли Новую сцену, совсем недалеко от Основной — на Новинском бульваре. В небольшом старинном особнячке разместятся наши спектакли для детей и детские учебные студии.


Если актерские студии для студентов Москвы — это основа нашего существования: именно из числа выпускников формируется наша труппа, то работу с детьми мы начали года три назад, и это направление существенно дополняет творческую жизнь театра.


Новую сцену мы планируем отдать под экспериментальные работы и под просветительские и культурологические проекты. Это новый вектор. И еще: 20 лет назад у нас в репертуаре было пять-шесть спектаклей, а теперь их более 20, а в труппе 50 актеров и примерно столько же стажеров. Раньше наш коллектив был значительно скромнее в количественном отношении. Теперь он разнообразный и сильный. Поэтому открытие Новой сцены очень важно для более комфортной организации нашей внутренней жизни.


И последнее, но не менее важное. У нас сложился круг единомышленников, с которыми мы строим наш театр — а это ежедневная бескомпромиссная работа. И прежде всего это Георгий Долмазян — режиссер, который сложился как художник в рамках нашего театра, но при этом обладает совершенно самостоятельным видением и его постановки постоянно отмечаются различными театральными премиями.


Художественный руководитель театра МОСТ Евгений Славутин. Фотография: moscultura.ru

— А сильно изменилась жизнь и люди за эти годы?


— Жизнь «за окном» изменилась — это заметно для всех. А вот люди, вообще, очень редко меняются. Есть разница, так сказать, в технической оснащенности процесса. Раньше актеры читали текст по тетрадке, а теперь читают в айфоне. А в целом театр по-прежнему должен дарить людям счастье. Конечно, жизнь берет свое и разрушает человека. Чем дальше, тем труднее сохранять желание делать открытия, влюбляться, совершать добрые поступки. Когда актеры приходят в театр, я им даю совет: «Как быть счастливым? Нужно делать счастливыми других. Никакого персонального счастья не может быть».


— Говорят, что режиссеры ставят спектакли для того, чтобы что-то изменить в мире или что-то изменить в себе. К какому типу вы относитесь?


— Я не коммунист. Это они считают, что они могут изменить мир. Я не знаю, как его менять. Я считаю, что искусство занимается красотой, которая является критерием морального и аморального. А красота, может быть, не спасет мир, как считал Достоевский, но мы должны спасти красоту.


— Зачем сегодня, по вашему мнению, необходим театр?


— Я хочу видеть в моем театре счастливых актеров, счастливые лица зрителей, хочу, чтобы театр дарил радость. Мы забываем, что театр родился в Греции в атмосфере праздника вина. Во время этих празднеств зрители смотрели историю Эдипа или историю Медеи. Но уходили после этих спектаклей счастливыми, потому что в конце концов испытывали катарсис, когда порочный круг мести размыкался и возникало всепонимание и всепрощение.


— Если бы вы могли выбрать зрителей, как актеров в труппу, каких бы вы выбрали?


— Тех людей, которые жаждут духовной пищи. А идеальный спектакль — это тот, который актеров и зрителей объединяет между собой общим чувством понимания, сочувствия и радости. В нашем театре зритель — непосредственный участник спектакля и, я бы сказал, его главное действующее лицо.


Художественный руководитель театра МОСТ Евгений Славутин. Фотография: teatrmost.ru

— Почему ваш театр называется МОСТ?


— Расшифровка его названия — «Московский открытый студенческий театр»: именно таким он был создан правительством Москвы на базе Студенческого театра МГУ. Почему он московский — понятно. Открытый — поскольку мы существуем в одном пространстве со зрителем, включая и себя в пространство зрителя, и зрителя в свое пространство. Студенческий театр — потому что мы были студенческим театром в МГУ, и университетская культура и образованность остались.


— Вы автор многих статей по культурологии, собранных в книгу «Структура сюжета», а также книги «Загадка Гамлета». Когда у вас возник интерес к исследовательской работе в области литературоведения?


— Когда я после окончания университета работал в институте Академии наук, я там познакомился и подружился со многими крупными учеными гуманитарного направления, хотя сам работал в секторе истории математики. И я стал вести в университете культурологические семинары для студентов, с которыми работал как режиссер, и приглашать на эти семинары таких выдающихся ученых, как Владимир Библер, Георгий Гачев, Александр Жолковский, Наум Клейман и Мераб Мамардашвили. Под влиянием этого процесса я и сам обнаруживал в художественных текстах, к которым мы обращались, скрытые от общих глаз секреты, отличающие самые совершенные произведения Пушкина, Гоголя, Шекспира. А много лет спустя один из моих тогдашних учеников — Владимир Пименов, который очень увлекся этим процессом, — предложил опубликовать наши наработки, и так появились эти книги.


— А сколько вы поставили спектаклей?


— Трудно сказать навскидку. Можно сказать, что я только этим и занимаюсь всю свою сознательную жизнь — учебными занятиями и постановкой спектаклей. На слуху у зрителей, наверное, остаются самые громкие, такие как «Черный человек, или Я бедный Сосо Джугашвилли» по пьесе Виктора Коркия, «Вальпургиева ночь» по пьесе Венечки Ерофеева. Кстати, в прошлом сезоне я выпустил новую версию. «Сирано», «Дорогой Бог!». «Маленький лорд Фаунтлерой» и «Три Ивана» — это для детей. Но мне дороги все мои спектакли — ведь они как дети, в каждый вложена частица души.


— Что вы говорите актерам перед выходом на сцену?


— Сегодня, когда будешь играть эту роль, испытай счастье от своего присутствия в театре.


Беседовала Ольга Романцова

]]>
Олег Меньшиков. Цитаты из фильма «Покровские ворота»Вспоминаем любимые моменты.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/56476/oleg-menshikov-citaty-iz-filma-pokrovskie-vorotaFri, 06 Nov 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Олег Меньшиков. Цитаты из фильма «Покровские ворота»

КиноПубликации раздела Кино
Аудиоверсия: Русский балет за рубежом


Текст цитаты

Чья цитата

sdvgdsfvgd

ссылка 1

ссылка 2

lkmfjlskjjsdlk
ссылка 3

svdsdv

sdvsdsdfcxs

Леонид Пастернак

ХудожникРоссия










*

]]>
Выставка «Время собирать… Князь Юсупов и его библиотека» пройдет в РГБОна откроется 16 сентября.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/254875/vystavka-vremya-sobirat-knyaz-yusupov-i-ego-biblioteka-proidet-v-rgbMon, 09 Sep 2019 16:40:50 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Выставка «Время собирать… Князь Юсупов и его библиотека» пройдет в РГБ

Новости

Выставка «Время собирать… Князь Юсупов и его библиотека» откроется в Российской государственной библиотеке 16 сентября. Она приурочена к 100-летнему юбилею музея-усадьбы «Архангельское» и посвящена наследию библиотеки Николая Борисовича Юсупова.


Фотография: www.mkrf.ru

Библиотека Юсупова — один из ценнейших книжных памятников эпохи Просвещения в России. В 18–19 веках она была важнейшей частью музея-усадьбы «Архангельское». Выставка пройдет в Ивановском зале и займет сразу два этажа.


На первом этаже представят первопечатные книги — инкунабулы и палеотипы. Посетителям покажут оформленные тома издательских домов Этьенна, Альдов, Бодони, альбомы с гравюрами, составленные по распоряжению князя, и книги с его пометками.


Центральный раздел экспозиции — «Уникальные издания». Он познакомит посетителей с печатными изданиями, которые существуют в единственном экземпляре. В этом списке — поэма «Освобожденный Иерусалим» Т. Тассо с рисунками крепостных Юсупова.


Коллекция второго этажа раскроет разные грани личности Николя Юсупова — верховного маршала трех коронаций, арт-агента Екатерины II и Павла I, директора Эрмитажа, собирателя и создателя образцовой усадьбы «Архангельское». Мультимедийная экспозиция позволит посетителям «полистать» наиболее интересные экземпляры, представленные в витринах.


Выставка будет работать до 19 января 2020 года.

]]>
Фестиваль «Война и Миръ» приглашает на дворянский бал пушкинской эпохиОн пройдет в усадьбе «Остафьево» 28 сентября.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/254901/festival-voina-i-mir-priglashaet-na-dvoryanskii-bal-pushkinskoi-epokhiWed, 11 Sep 2019 12:52:39 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Фестиваль «Война и Миръ» приглашает на дворянский бал пушкинской эпохи

Новости

Открытие первого исторического фестиваля «Война и Миръ» состоится 28 сентября 2019 года в 12:00 в государственном музее-усадьбе «Остафьево» — «Русский Парнас». Событие будет посвящено российской истории и культуре первой половины XIX века.

Фестиваль «Война и Миръ». Фотография: ostafyevomuseum.ru

Фестиваль пройдет в месте, где жил и работал над «Историей государства Российского» историк и писатель Николай Карамзин, а также гостили великие русские поэты и писатели Александр Пушкин, Василий Жуковский, Николай Гоголь и другие.

Окунуться в атмосферу XIX века гостям помогут дворянские развлечения, мастер-классы и лекции. А главным событием фестиваля станет дворянский вечерний бал пушкинской эпохи с участием клубов исторической реконструкции, попасть на который посетители смогут по входному билету в парк.

Праздник исторической реконструкции станет ежегодным. Он направлен на популяризацию и сохранение историко-культурного наследия России и на развитие Государственного музея-усадьбы «Остафьево» — «Русский Парнас». Усадьба Остафьево — уникальный памятник русской архитектуры конца XVIII — начала XX вв., внесенный в Перечень объектов исторического и культурного наследия федерального значения.

]]>
Выставка карет князей Юсуповых открылась в АрхангельскомПроект приурочен к 100-летию музея-усадьбы.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/254917/vystavka-karet-knyazei-yusupovykh-otkrylas-v-arkhangelskomMon, 16 Sep 2019 14:06:45 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Выставка карет князей Юсуповых открылась в Архангельском

Новости

Выставка «Каретная галерея» открылась в отреставрированном Западном флигеле дворца Юсуповых 14 сентября. Она представляет единственное уцелевшее в России собрание экипажей, принадлежавших частной дворянской семье.


Один из экспонатов выставки. Фотография: krasnogorskriamo.ru

В коллекции — карета-купе императрицы Екатерины II, подаренная императором Николаем I князю Юсупову в дни коронационных торжеств; необычная карета-дормез князя, кузов которой оборудован спальными местами, и другие экспонаты.


Выставка представляет и старинные предметы конского убранства. Посетители увидят пять комплектов сбруи XVII—XVIII веков с клеймами, в которых зашифрованы имена султанов Османской империи, и картины с изображениями верховых лошадей, демонстрирующие удивительную красоту скакунов.


Путешествия и деловые поездки были важной частью жизни князя Юсупова, именно поэтому основной темой выставки «Каретная галерея» стала тема дороги. Вниманию посетителей представят путеводители со старинными картами и месяцесловы 1810-х годов с личными путевыми заметками князя Н.Б. Юсупова.


Также экспозиция познакомит с необычными предметами дорожного обихода благородных путешественников. В коллекцию вошли «дорожный погребок» с графинами для спиртных напитков, кофейник, дорожный чернильный прибор и туалетный набор с флаконами для духов.


Выставка собрана при помощи Государственного Эрмитажа, Государственного исторического музея, Музея коневодства РГАУ-МСХА имени Тимирязева, Фонда Андрея Первозванного, Российской государственной библиотеки и Музея карет и экипажей Wagenburg в Шёнбрунне при Музее истории искусств в Вене.

]]>
Стать онлайн-участником лектория «Исторические субботы» можно на портале «Культура.РФ»На сайте можно смотреть не только трансляции, но и записи прошедших встреч.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/255126/stat-onlain-uchastnikom-lektoriya-istoricheskie-subboty-mozhno-na-portale-kultura-rfMon, 23 Dec 2019 09:30:31 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Стать онлайн-участником лектория «Исторические субботы» можно на портале «Культура.РФ»

Новости

В Историческом музее проходит лекторий «Исторические субботы». Лекции пройдут 11, 18 и 25 января. Трансляции и записи доступны на портале «Культура.РФ».


Государственный исторический музей, Москва. Фотография: guu.ru

Образовательный проект Государственного исторического музея, Музея военной истории РВИО и Российского военно-исторического общества рассказывает о происхождении, становлении и развитии Российского государства на протяжении столетий, его культуре и религии, войнах и революциях, внешнеполитических событиях и реформах.


Тематические встречи с участием известных ученых интересны широкой аудитории, но рассчитаны прежде всего на аудиторию старшеклассников, абитуриентов и студентов. Они помогают юным слушателям понять причины, предпосылки и результаты многих важнейших исторических событий.


Лекции проводятся каждую субботу в 12.00. Вход свободный. Посмотреть записи прошедших встреч можно на портале «Культура.РФ». В числе тем — «Рюриковичи: легенды и реальная история», «Мифы о Григории Потёмкине. К 280-летию со дня рождения великого сына России», «Военные и дипломатические битвы Александра Невского» и другие.


Расписание лекций на январь 2020 года


11 января, 12:00


«Диковины при дворе Ивана III и Василия III»
Лектор: Матасова Татьяна Александровна — кандидат исторических наук, кафедра истории России до начала XIX века МГУ им. М.В. Ломоносова


18 января, 12:00


«Династические связи Романовых в XVIII веке»
Лектор: Пчелов Евгений Владимирович — кандидат исторических наук, заведующий кафедрой историко-архивного института РГГУ


25 января, 12:00


«Висло-Одерская операция Красной Армии и освобождение Польши»
Лектор: Исаев Алексей Валерьевич — кандидат исторических наук, военный историк


Место проведения: Главное здание Государственного исторического музея, Красная площадь д. 1

]]>
5 маяков РоссииИстории самых интересных маяков страны.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/254914/5-mayakov-rossiiMon, 23 Sep 2019 17:00:45 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

5 маяков России

АрхитектураПубликации раздела Архитектура

На территории России сохранилось около 30 маяков. Здание по проекту японского инженера, петербургские Ростральные колонны и заброшенная башня на Сахалине — рассказываем истории самых интересных.


Петровский маяк в Махачкале



Петровский маяк — одно из самых старых сооружений Махачкалы. Его построили в гавани городского порта в 1866 году. Каменная восьмиугольная башня достигала 27-метровой высоты. Маяк помогал кораблям не садиться на мели и лучше ориентироваться в Каспийском море — он обеспечивал видимость до 24 километров.


В 1895 году белую башню раскрасили красными горизонтальными полосами, поэтому она хорошо выделялась на фоне заснеженных гор. В годы Великой Отечественной войны работники маяка защищали суда с нефтепродуктами, которые шли через Махачкалу из Баку. В конце XX века здание стало разрушаться, поэтому его сразу начали восстанавливать. На маяке поставили новое устройство с белым проблесковым огнем, которое освещало пространство на 38 километров. Старинный Петровский маяк работает и сегодня.


Маяк Анива



С начала освоения Сахалина, когда остров еще принадлежал Японии, в районе мыса Анива проходил сложный морской путь. Корабли часто разбивались о подводные скалы и каменистые берега. В 1939 году здесь решили построить маяк.


Здание возвели по проекту японского инженера Миуры Синобу на крайней точке мыса Анива, на скале Сивучьей. Круглая бетонная башня достигала 31 метра в высоту. На последнем этаже располагался вращательный механизм оптической системы — его нужно было заводить каждые три часа. Свет девятиэтажного маяка суда видели на расстоянии до 35 километров.


В СССР сигнальная башня работала на дизельных генераторах и резервных аккумуляторах, а с 1990 года ее перевели в автоматический режим. В 2006 году закончился срок службы последней изотопной установки, и с тех пор маяк Анива заброшен.


Анапский маяк



Маяк в Анапе начали строить в 1898 году на останках древнего кургана. Изначально сигнальная башня освещала путь кораблям, которые входили в Анапскую бухту. Маяк не раз перестраивали, а в 1943 году немецкие войска во время отступления взорвали его.


В 1955 году на этом же месте построили новую сигнальную башню. На современном маяке используют собственную радиостанцию и автономный дизельный генератор.


Посетители маяка могут подняться на смотровую площадку, откуда открывается вид на отроги Большого Кавказа. Они начинаются с Лысой горы и переходят в горный хребет Семисам. Также отсюда можно увидеть полуостров Утриш, который появился после землетрясения больше двух тысяч лет назад.


Плавучий маяк «Ирбенский» в Калининграде



Единственный сохранившийся в России плавучий маяк находится в Калининграде. Его выпустили в 1961 году в Финляндии. В 1970–80-е годы он располагался в Балтийском море и указывал путь судам в Рижском торговом порту.


После списания маяк сначала собирались сдать на металлолом, но потом передали в собрание Музея Мирового океана. Судно отремонтировали, восстановили линзу Френеля — оптический прибор, который усиливал свет лампы. Из калининградского храма на маяк вернули один из старейших в Российском флоте судовых колоколов весом 400 килограммов, который отлили еще в 1885 году.


Сегодня маяк «Ирбенский» пришвартован к Набережной исторического флота Музея Мирового океана. Экспозиция на борту рассказывает о мореплавании и маячном деле с начала XIX до конца XX века.


Маяки на стрелке Васильевского острова



В 1805–1810 годах по проекту французского архитектора Тома де Томона на стрелке Васильевского острова построили ростральные колонны. Их расположили по обеим сторонам здания Биржи. Колонны задумывались как маяки: по ночам и в туманную погоду в чашу на вершине наливали смолу или масло и затем поджигали. Огонь направлял суда, идущие в морской порт.


Ростральные колонны выполняли роль маяков до 1885 года: одна из них указывала путь к Малой Неве, другая — служила маяком для кораблей Большой Невы. В 1957 году к колоннам подвели газ. Сегодня их зажигают только по большим торжества всего на пару часов: 9 Мая, в День снятия блокады Ленинграда и День города, а также на праздник выпускников — «Алые паруса».


Автор: Ирина Малахова

]]>
VII Всероссийская акция «Ночь искусств» состоится накануне Дня народного единстваКультурные учреждения по всей России представят посетителям специальные программы и мероприятия.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/255090/vii-vserossiiskaya-akciya-noch-iskusstv-sostoitsya-nakanune-dnya-narodnogo-edinstvaMon, 28 Oct 2019 18:00:12 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

VII Всероссийская акция «Ночь искусств» состоится накануне Дня народного единства

Новости

3 ноября 2019 года в седьмой раз состоится ежегодная Всероссийская культурно-образовательная акция «Ночь искусств». В этом году акция приурочена ко Дню народного единства и проходит под девизом «Искусство объединяет».



В акции примут участие все 85 регионов России. По традиции наибольшее число мероприятий запланировано в Москве, но обширную программу представят также учреждения Белгородской, Владимирской, Кемеровской, Кировской и Тюменской областей, а также Краснодарского края. Всего в рамках «Ночи искусств» пройдет более 3500 мероприятий.


Чтобы вы легко могли найти интересное событие, портал «Культура.РФ» и мобильное приложение 2ГИС подготовили специальную подборку мероприятий к акции. Переходите по ссылке и прокладывайте маршруты до учреждений культуры, участвующих в «Ночи искусств».


В этом году зрителей ждут не только выставки, концерты и постановки, но и прямые трансляции из культурных учреждений 47 регионов. Пользователи интернета смогут посетить виртуальные концертные залы и увидеть спектакли и музыкальные выступления в высоком качестве.


Трансляции интересных мероприятий со всей России пройдут также на портале «Культура.РФ». Их можно будет посмотреть как на самом сайте, так и в социальных сетях «ВКонтакте» и «Одноклассники». В режиме онлайн можно будет посетить следующие учреждения:


Государственный Дарвиновский музей


Лекция «Кино будущего: тенденции развития и подготовка новых кадров».


Музей «Чайковский и Москва»


Экскурсия по выставке «Спящая красавица. Французская сказка на русский лад», приуроченной к 130-летию со дня премьерного показа «Спящей красавицы» на сцене Мариинского театра.


Ямало-Ненецкий окружной музейно-выставочный комплекс им. И.С. Шемановского


V Международный фестиваль «Неделя графики и дизайна в столице Ямала».


Театр эстрады им. Аркадия Райкина


Трансляция постановок фестиваля Международного фестиваля пластических театров «Куранта».


Белгородский государственный литературный музей


Лекция «Мир закулисья. Люди театра. Профессия художник-сценограф» и творческая встреча с театральным режиссером Аркадием Фридриховичем Кацем.


Музейный центр «Палаты»


Вечерняя экскурсия по музейному комплексу XVIII века.


Организаторы сообщают, что трансляции событий акции посмотрят более 40 миллионов человек.


Портал «Культура.РФ» выступает генеральным информационным партнером «Ночи искусств». Полную программу мероприятий акции можно увидеть на официальной странице.

]]>
«Ночь искусств — 2019» в Москве и Санкт-ПетербургеСпециальные экскурсии, концерты, мастер-классы и выставки.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/255106/noch-iskusstv-2019-v-moskve-i-sankt-peterburgeThu, 31 Oct 2019 17:50:20 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«Ночь искусств — 2019» в Москве и Санкт-Петербурге

Новости

Всероссийская акция «Ночь искусств — 2019» пройдет уже в это воскресенье, 3 ноября. Галереи, театры и парки Москвы и Санкт-Петербурга подготовили для своих гостей специальные программы, а экспозиции крупнейших музеев будут открыты для посещения до поздней ночи. Рассказываем о самых интересных событиях «Ночи искусств — 2019» в Москве и Санкт-Петербурге.


Москва: программа «Ночь с природой»



3 ноября в Новой Третьяковке на Крымском Валу в одной программе объединят разные виды искусств — музыку и живопись, звуковые инсталляции и световое шоу. «Ночь искусств» будет посвящена пейзажам художника Василия Поленова и особенному отношению к природе в русской культуре. Музейный куратор Снежана Крастева прочтет лекцию об экологии в искусстве, а с помощью звуковой инсталляции «Колокола» посетители услышат звуки Москвы XIX — начала XX века. Также здесь с концертом выступит фолк-группа Hodila Izba, для посетителей проведут мастер-классы по рисунку, коллажу и мозаике.


Подробнее о программе «Ночь с природой».



Москва: «Ночь искусств» в Пушкинском музее



В «Ночь искусств» Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина предлагает посетить специальные экскурсии по постоянной экспозиции, которые проведут участники Клуба юных искусствоведов. Гости также увидят выставку «Восточный джаз / East West Jazz». В ней представлена коллекция старинных среднеазиатских халатов и живописные абстракционистские полотна, мотивы которых перекликаются с восточными орнаментами и палитрой. Помимо картин из фондов Пушкинского музея, здесь можно увидеть полотна из собрания швейцарского коллекционера Жана Клода Гандюра и Центра Жоржа Помпиду в Париже. В Итальянском дворике театр «Балет Москва» представит танцевальную инсталляцию «Fluid Motion».


Подробнее о «Ночи искусств» в Пушкинском музее.



Москва: «Ночь искусств» в Российской государственной библиотеке



В «Ночь искусств» в Российской государственной библиотеке пройдут несколько театральных постановок. Московский театр «Тень» представит проект «Театр воображения». Здесь зрители должны сами вообразить пьесу: перед ними будет только черный экран с титрами. Затем можно будет посмотреть спектакль по мотивам романа Федора Достоевского «Преступление и наказание» — его разыграют артисты мастерской Брусникина. Также гостей ожидает пьеса Александры Ловянниковой «Пушкин в кругу друзей», а выпускники ГИТИСа прочтут фрагменты романа «Мастер и Маргарита» Михаила Булгакова в разных авторских редакциях.


Подробнее о «Ночи искусств» в Российской государственной библиотеке.



Москва: «Ночь искусств» в Музее Москвы



В «Ночь искусств» в Музее Москвы пройдут музыкальные представления и драматические спектакли. Танцующий джазовый оркестр под управлением Петра Востокова и «Коллаборация крымовцев» покажут зрителям перформанс Дмитрия Крымова «Train to Chattanooga ChooChoo». Фантасмагорическая история объединит музыку, графику, поэзию и прозу. Студия SounDrama сыграет отрывки из постановки «Однорукий из Спокана», за который режиссера Владимира Панкова удостоили премии «Золотая маска». А вечером здесь покажут спектакль по автобиографическому произведению Владимира Маяковского «Я сам».


Подробнее о «Ночи искусств» в Музее Москвы.



Москва: «Ночь искусств» на Пушкинской площади



На Пушкинской площади в «Ночь искусств» пройдут интерактивные программы и хореографические спектакли, посвященные Александру Пушкину. Здесь соберутся 50 актеров из разных московских театров в образе поэта. Уличный театр «Черный квадрат» представит фантазийный спектакль с элементами клоунады, пантомимы и цирковой акробатики.


Подробнее о «Ночи искусств» на Пушкинской площади.



«Ночь искусств» на Киевском вокзале



В «Ночь искусств» на Киевском вокзале пройдет концерт неоклассической музыки. Государственный академический русский хор им. А.В. Свешникова представит специальную программу «Vauxhall Song. Большая ночная серенада». После этого здесь выступит группа Екатерины Гришаевой «КУБАнаТЫ» с зажигательными композициями в латиноамериканском стиле. А завершит вечер вокально-танцевальный флешмоб «Поющие пассажиры» для участников «Ночи искусств».


Подробнее о «Ночи искусств» на Киевском вокзале.



Москва: «Ночь искусств» во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства



В «Ночь искусств» во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства можно бесплатно посмотреть несколько выставок. Здесь открыт масштабный проект с произведениями художественного стекла Веры Мухиной, Николая Тырсы, Алексея Успенского, работает выставка резных икон и распятий Троице-Сергиева монастыря и экспозиции с лаковой миниатюрой, советским фарфором, старинными кружевами и вышивками. Для гостей проведут художественные мастер-классы и расскажут о фотографии для социальных сетей. В Морозовском холле пройдет концерт музыки для кларнета, а в Балконном зале выступит лауреат международных конкурсов пианистка Яна Костина.


Подробнее о «Ночи искусств» во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства.



Москва: «Ночь искусств» в Музее кино



В Государственном центральном музее кино в «Ночь искусств» пройдет театрализованная программа «Кинопленка зовет на помощь». Также здесь состоится лекция «Кино: на границе искусств», несколько кураторских экскурсий по выставкам, встреча «О пользе плохих экранизаций. «Преступление и наказание». Дети смогут посетить мастер-классы по рисованию мультипликационных кадров на стекле и работе с диафильмами. В конце вечера пройдет беседа «Кино: синтез искусств или неполноценное искусство?».


Подробнее о «Ночи искусств» в Музее кино.



Москва: «Ночь искусств» в Музее музыки



Музей музыки приглашает на экскурсию «По следам древнегреческого театра» по интерактивной выставке «Звук и… Вселенная. Человек. Игра», где на специальном стенде Yamaha посетители смогут попробовать сыграть на различных музыкальных инструментах и сочинить собственное произведение. Здесь пройдет концерт, на котором прозвучат произведения Модеста Мусоргского, скрипачка Наталья Шиткова сыграет на никельхарпе — скандинавском струнном инструменте. Также в музее выступят турецкие музыканты Чихат Ашкин и Зайнеп Юшсбасаран: они исполнят турецкие национальные мелодии и произведения русских композиторов.


Подробнее о «Ночи искусств» в Музее музыки.



Москва: выставка «Москва НЕ провалится, 2.0»



В Музее современной фортификации «Бункер-703 МИД СССР» в «Ночь искусств» откроют выставку «Москва НЕ провалится». В галереях в 42 метрах под землей выставят живописные полотна и фотографии, посвященные столичным подземельям. Здесь пройдут творческие встречи с популярными блогерами, фотографами, а также с иллюстратором ТАСС Анастасией Зотовой и экспертом по подземным сооружениям Всероссийского общества охраны памятников Геннадием Виноградовым. Гости смогут осмотреть все помещения бункера, увидеть специальные защитные двери и запустить сирену оповещения о ядерном нападении.


Подробнее о выставке «Москва НЕ провалится, 2.0».



Москва: «Ночь искусств» в Музее им. Андрея Рублева



В «Ночь искусств» в Музее им. Андрея Рублева пройдет музыкальный вечер. Студенты Московского государственного института им. А.Г. Шнитке исполнят музыку из советских кинофильмов и концертные произведения композиторов XX века. Позже здесь состоится творческая встреча с участниками группы Soda of Brass. Музыканты играют не только на распространенных духовых музыкальных инструментах, но и на редких — высоко звучащем флюгельгорне, саксофоне-теноре и басовом сузафоне. Они исполнят несколько танцевально-джазовых композиций. Здесь также пройдет показ фильма «Царь Иван Васильевич Грозный» и мастер-класс для детей «Сотворение мира».


Подробнее о «Ночи искусств» в Музее им. Андрея Рублева.



Санкт-Петербург: «Ночь искусств» в Центральном парке культуры и отдыха им. С.М. Кирова



В Центральном парке культуры и отдыха им. С.М. Кирова для гостей проведут мастер-классы: в Творческой даче пройдут художественные занятия, в Стеклодувной мастерской участники смогут изготовить собственное изделие, а в Музее художественного стекла покажут, как и чем расписывать такие предметы. В Конюшенном корпусе проведут квест «Большая регата» на интерактивной выставке «Барон Мюнхгаузен — король лжецов».


Подробнее о «Ночи искусств» в Центральном парке культуры и отдыха им. С.М. Кирова.



Санкт-Петербург: «Ночь искусств» в театре «На Литейном»



В Драматическом театре «На Литейном» для посетителей подготовили игровой маршрут. Начнется он в большом фойе — актеры разыграют фрагменты известных спектаклей из репертуара театра и попросят зрителей ответить на вопросы о них. В театральном буфете артисты проведут для зрителей интеллектуальную игру с вопросами об истории театра. А в завершение на большой сцене труппа представит новый спектакль-импровизацию о театре «На Литейном» с элементами танца, кино, и пантомимы.


Подробнее о «Ночи искусств» в театре «На Литейном».



Санкт-Петербург: «Ночь искусств» в Театре комедии им. Н.П. Акимова



Академический театр комедии им. Н.П. Акимова в «Ночь искусств» приглашает на экскурсию по театру. Гости пройдут по парадной лестнице с плакатами режиссера и художника Николая Акимова, посетят фойе и комнату-музей с его личными вещами, а также увидят гримерки артистов и мастерские. В полночь здесь покажут спектакль по пьесе Николая Гоголя «Игроки». В основе сюжета — встреча шулеров в провинциальной гостинице за азартной игрой, в которой каждый старается сорвать куш.


Подробнее о «Ночи искусств» в Театре комедии им. Н.П. Акимова.



События «Ночи искусств — 2019» в вашем городе ищите в афише портала «Культура.РФ» и на официальной странице акции.


Обзор составлен по материалам «PRO.Культура.РФ» (ранее — АИС ЕИПСК).

]]>
В «Ночь искусств» в России открылись 7 новых виртуальных концертных заловЖители российских регионов смогут смотреть концерты в режиме онлайн.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/255112/v-noch-iskusstv-v-rossii-otkrylis-7-novykh-virtualnykh-koncertnykh-zalovMon, 04 Nov 2019 14:45:38 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

В «Ночь искусств» в России открылись 7 новых виртуальных концертных залов

Новости

3 ноября, в ходе акции «Ночь искусств — 2019», заместитель Министра культуры РФ Ольга Ярилова объявила об открытии новых виртуальных концертных залов в семи российских городах: это Назрань (Республика Ингушетия), Магадан, Унеча (Брянская область), Жуков (Калужская область), Буй (Костромская область), Кандалакша (Мурманская область) и Остров (Псковская область).



В 2019 году проект «Всероссийский виртуальный концертный зал» реализуется в рамках национального проекта «Культура». Виртуальные концертные площадки открываются по всей стране, и на данный момент в России работают уже более 50 залов, которые позволяют посетителям смотреть трансляции мероприятий из крупнейших учреждений культуры в режиме онлайн в высоком качестве.


«Мы часто говорим об укреплении общественного и межнационального согласия, о нравственных ориентирах и идеалах, о единении и сосуществовании многочисленных народов нашей страны. И роль культуры здесь сложно переоценить. Если хотите, это цивилизационная основа, которая уже давно объединяет регионы России в единое целое, — отметила Ольга Ярилова. — Уже на протяжении нескольких лет мы всеми силами повышаем доступность культуры, прежде всего в регионах, в малых городах и селах, в самых отдаленных уголках нашей страны. И одним из своеобразных проводников культуры для них стал проект «Всероссийский виртуальный концертный зал».



Всероссийская акция «Ночь искусств» прошла в России уже в седьмой раз. 3 ноября музеи и театры, выставочные и концертные залы, библиотеки и культурные клубы по всей стране работали непривычно долго и представили посетителям специальные программы: тематические мероприятия, встречи с писателями, музыкантами, художниками и актерами и многое другое. В 2019 году «Ночь искусств» установила новый рекорд: в рамках акции по всей стране состоялось более 4,5 тысячи мероприятий.

]]>
Памятник Дмитрию Хворостовскому установлен в КрасноярскеМонумент размещен на территории Института искусств.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/254955/pamyatnik-dmitriyu-khvorostovskomu-ustanovlen-v-krasnoyarskeWed, 25 Sep 2019 15:50:19 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Памятник Дмитрию Хворостовскому установлен в Красноярске

Новости

Памятник прославленному оперному певцу Дмитрию Хворостовскому, ушедшему из жизни в 2017 году, установили в родном городе артиста, Красноярске. Монумент размещен на территории Сибирского государственного института искусств, где учился певец.


Памятник в сквере, расположенном на нижнем ярусе Сибирского государственного института искусств, Красноярск. Фотография: tvkultura.ru

Авторами памятника стали заслуженный художник России, скульптор Владимир Усов и архитектор, член Союза архитекторов России Андрей Касаткин. Монумент вылит из бронзы, его высота составляет 3,5 метра.


В родном городе выдающегося баритона его имя носят международный аэропорт Красноярска, Сибирский государственный институт искусств, Театр оперы и балета и детская музыкальная школа № 4. Кроме того, в городе будет проводиться фестиваль имени Дмитрия Хворостовского. Первый пройдет с 16 по 26 октября на сценах Большого концертного зала и Красноярского театра оперы и балета.

]]>
25-метровый монумент в память о погибших подо Ржевом представят в марте 2020 годаТакже в память о битве в прокат выйдет фильм «Ржев».http://yandex-rss.herokuapp.com/news/255208/25-metrovyi-monument-v-pamyat-o-pogibshikh-podo-rzhevom-predstavyat-v-marte-2020-godaFri, 29 Nov 2019 16:45:49 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

25-метровый монумент в память о погибших подо Ржевом представят в марте 2020 года

Новости

25-метровый монумент, посвященный одному из самых кровопролитных сражений Великой Отечественной войны — Ржевской битве, представят общественности в марте 2020 года, объявленного Годом памяти и славы.


Концепт Ржевского мемориала. Фотография: souzveche.ru

Ожесточенные сражения по периметру Ржевско-Вяземского выступа продолжались 14 месяцев: с 8 января 1942 года по 31 марта 1943 года — и сыграли огромную роль в достижении перелома в пользу Красной армии на всем советско-германском фронте.


Открытие монумента станет одним из центральных событий 75-летия Победы в Великой Отечественной войне. В основе идеи центральной фигуры памятника, созданной скульптором Андреем Коробцовым, — стихотворение Александра Твардовского «Я убит подо Ржевом».


25-метровую скульптуру солдата установят на 10-метровом восьмигранном холме. Мемориальный комплекс будет включать музей, который станет филиалом Музея Победы. Имена павших будут увековечены на стальных плитах и в мультимедийной экспозиции музея. В настоящее время идет сбор информации от россиян, чьи родные и близкие имели отношение к Ржевско-Вяземской операции.


О подвиге советских солдат россиянам расскажет фильм «Ржев» режиссера Игоря Копылова, который выйдет в широкий прокат 5 декабря. Сценарий основан на повести «Искупить кровью» писателя-фронтовика, очевидца и участника событий Вячеслава Кондратьева.


«После боев под селом Овсянниково от роты советских солдат осталась только треть. Бойцы пытаются продержаться до прихода подкрепления. Но из штаба поступает приказ удержать деревню любой ценой. Значит, отступать нельзя», — рассказывает автор о сюжете картины.


Проект является общественной инициативой и реализуется Российским военно-историческим обществом при поддержке Союзного государства, Минкультуры России и правительства Тверской области.

]]>
Награждение лауреатов Всероссийского конкурса артистов балета состоится 18 сентябряВ этот же день пройдет концерт финалистов.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/254925/nagrazhdenie-laureatov-vserossiiskogo-konkursa-artistov-baleta-sostoitsya-18-sentyabryaTue, 17 Sep 2019 18:10:23 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Награждение лауреатов Всероссийского конкурса артистов балета состоится 18 сентября

Новости

Концерт лауреатов Всероссийского конкурса артистов балета и хореографов состоится в Ярославле 18 сентября. В этом году конкурс представил масштабную образовательную программу. О творческой лаборатории «Метод групповой резонансной композиции» рассказала хореограф, педагог, танцовщица, автор программы Екатерина Стегний.


Хореограф и педагог Екатерина Стегний. Фотография: dovbysh.ru

— Екатерина, расскажите о творческой лаборатории, на чем она основана?


— Лаборатория основана на моем личном исследовательском опыте поиска композиции в различных сферах театра: в драматическом, музыкальном, в современном танце и перформансе. Я знакомлю ребят с подходами, которые мне самой помогли на практике, но главная идея — научиться выстраивать взаимодействие между всеми участниками творческого процесса для сотворчества. «Метод групповой резонансной композиции» — это своего рода «мозговой и телесный штурмы», все учащиеся вовлечены в процесс создания, они имеют возможность понимать и рефлексировать, предлагать свое видение смыслов и событий, обмениваться идеями и способами их реализации.


— Как вы выстраиваете процесс?


— Занятие длится по три часа в день и для меня оно условно делится на три части. В первой — мы уделяем больше внимания изучению возможностей тела, работаем с его различными качествами, ограничениями, внутренним отношением ко времени. Вторую часть мы посвящаем работе с пространством, взаимодействию танцовщиков друг с другом. Третья — это время для создания конструкций из того материала, который мы уже наработали в уроке, а также анализ и обсуждение наших экспериментов.


— Насколько универсальна эта методика?


— Большинство европейских и израильских хореографов уже давно работают подобным образом, то есть я не придумала и не изобрела этот способ, просто поняла, что мне он подходит и начала развивать. С точки зрения поиска неожиданных решений, такой метод работы — самый эффективный. Мы учимся соединять потенциалы участников группы в единое творческое поле и пробуем создавать смыслы совместно.

— Как проявляют себя в лаборатории участники Всероссийского конкурса артистов балета и хореографов?


— У нас собралась очень талантливая группа, многие ребята открываются для меня по-новому в течение класса; я вижу, как загораются их глаза, когда они придумывают что-то необычное. Некоторые участники подходили ко мне со своими постановками, и мы находили дополнительное время посмотреть и проанализировать, как можно применить к конкретной композиции все то, о чем мы поговорили на лаборатории. Надеюсь, наше совместное исследование вдохновит участников применять такой способ работы при создании новых произведений.



Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов стартовал в Ярославле 13 сентября. В этом году в крупнейшем отечественном смотре принимают участие исполнители современного танца в двух возрастных группах — младшей (от 14 до 18 лет) и старшей (от 19 до 35 лет включительно). Конкурс учрежден Правительством Российской Федерации и Министерством культуры Российской Федерации.

]]>
25 исполнителей вышли в 3-й тур Всероссийского конкурса артистов балета и хореографовКонцерт лауреатов состоится 18 сентября.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/254916/25-ispolnitelei-vyshli-v-3-i-tur-vserossiiskogo-konkursa-artistov-baleta-i-khoreografovMon, 16 Sep 2019 11:28:20 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

25 исполнителей вышли в 3-й тур Всероссийского конкурса артистов балета и хореографов

Новости

25 исполнителей в двух возрастных категориях стали участниками 3-го тура II Всероссийского конкурса артистов балета и хореографов, который проходит в Ярославле на сцене КЗЦ «Миллениум» с 13 по 18 сентября.


Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов. Фотография: ocdod74.ru

В категории «младшая группа» в 3-й тур прошли Максимова Диана (Кострома), Алексеева Анна (Челябинск), Лазарева Алеся (Москва), Мазуркевич Елизавета (Нижний Тагил), Алексеева Алина (Челябинск), Полушина Елена (Йошкар-Ола), Ахметова Арина (Нефтеюганск), Горбунов Николай (Санкт-Петербург), Давыдов Сергей (Йошкар-Ола), Матвеев Иван (Якутск) и Малов Данил (Йошкар-Ола).


В старшей группе — Котовская Елена (Самара), Арчая Виктория (Москва), Алдонина Олеся (Красноярск), Чернова Елизавета (Пермь), Михайлова Кристина (Йошкар-Ола), Опарина Анна (Ярославль), Маслинкова Анастасия (Москва), Сандаков Эрдэм (Улан-Удэ), Мустафин Роман (Белорецк), Стариков Роман (Йошкар-Ола), Видманкин Валерий (Улан-Удэ), Козичев Илья (Череповец), Тагиров Ильдар (Йошкар-Ола), Масленников Максим (Великий Новгород).


В этом году в состязании принимают участие исполнители современного танца в двух возрастных группах: младшей (от 14 до 18 лет) и старшей (от 19 до 35 лет включительно).


В программу его открытия 13 сентября вошли одноактные спектакли «Транскрипция цвета» и «Эквус» театра «Балет Москва». Перед торжественной церемонией в фойе Большого зала открылась выставка балетной фотографии Александра Панкова.


Регулярно в дни конкурса для участников и всех ценителей хореографического искусства проходят лекции, кинопоказы и концерты. Хореограф, педагог, танцовщица, автор образовательных программ Екатерина Стегний проводит для участников творческую лабораторию «Метод групповой резонансной композиции», созданную на основе европейских программ изучения техник современного танца.


16 сентября в Большом зале состоится концерт с участием артистов Большого театра, Театра им. Станиславского и Немировича-Данченко и Детского театра им. Н. Сац. Артисты представят программу «Письма с фронта» хореографа Нины Мадан на музыку Валерия Гаврилина. В основе либретто — подлинные письма солдат Великой Отечественной войны (1941—1945), за которыми стоят трагические судьбы простых людей.


17 сентября впервые в рамках конкурса пройдет Ассамблея Международной федерации балетных конкурсов, главной задачей деятельности которой является поиск новых талантливых исполнителей. На Ассамблею в Ярославль приедут представители 24 крупнейших балетных смотров мира.


Подведение итогов Всероссийского конкурса артистов балета и хореографов и концерт лауреатов состоится на сцене КЗЦ «Миллениум» 18 сентября.


Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов, учрежденный Правительством Российской Федерации и Министерством культуры Российской Федерации в 2013 году, проходит ежегодно, четырехлетним циклом, по специальностям «Хореографы», «Характерный и народно-сценический танец», «Современный танец в музыкальном театре» и «Артисты балета». Подробная программа — на сайте конкурса.

]]>
Подведены итоги II Всероссийского конкурса артистов балета и хореографовПремий удостоены 13 исполнителей современного танца.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/254928/podvedeny-itogi-ii-vserossiiskogo-konkursa-artistov-baleta-i-khoreografovWed, 18 Sep 2019 15:20:04 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Подведены итоги II Всероссийского конкурса артистов балета и хореографов

Новости

Объявлены имена лауреатов II Всероссийского конкурса артистов балета и хореографов, который проходил в Ярославле с 13 по 18 сентября. Премии получили 13 исполнителей современного танца в музыкальном театре.


Обладатели золотых медалей солисты Ансамбля им. Моисеева Артем Анисимов и Юлия Шутова. Фотография: mk.ru

Лауреатами в младшей возрастной категории среди девушек стали: 1-я премия — Мазуркевич Елизавета (Нижний Тагил), Максимова Диана (Кострома); 2-я премия — Лазарева Алеся (Москва), Ахметова Арина (Нефтеюганск); 3-я премия — не присуждена. Дипломами отмечены: Полушина Елена (Йошкар-Ола), Алексеева Алина (Челябинск), Алексеева Анна (Челябинск).


В младшей группе среди юношей не были учреждены 1-я и 3-я премия; 2-ю премию получил Давыдов Сергей (Йошкар-Ола). Дипломантами стали Матвеев Иван (Якутск), Малов Данил (Йошкар-Ола) и Горбунов Николай (Санкт-Петербург).


Победителями в старшей категории в женской группе стали: 1-я премия — Алдонина Олеся (Красноярск) и Арчая Виктория (Москва); 2-я премия — Михайлова Кристина (Йошкар-Ола); 3-я премия — Чернова Елизавета (Пермь) и Опарина Анна (Ярославль). Дипломанты конкурса: Котовская Елена (Самара) и Маслинкова Анастасия (Москва).


В старшей группе среди мужчин лауреатами стали: 1-я премия — Тагиров Ильдар (Йошкар-Ола); 2-я премия — Мустафин Роман (Белорецк); 3-я премия — Стариков Роман (Йошкар-Ола). Дипломанты: Масленников Максим (Великий Новгород), Козичев Илья (Череповец).


Грамоты за участие в финале получили: Видманкин Валерий (Улан-Удэ) и Сандаков Эрдэм (Улан-Удэ).


Специальных премий в младшей группе удостоены: педагог Ольга Герасимова («За успешную подготовку участников конкурса»), хореографы Юлия Репицина (номер «Инифинитив») и Диана Максимова (номер «Кем быть?») («За лучшую хореографию номеров, специально поставленных для конкурса»).


В старшей группе специальными призами отметили работу педагогов Ольги Полторак, Евгения Шевцова и хореографов Олеси Алдониной (номер «Повесть») и Тасенко Сергея (номер «Артефакт»).

Награждение и концерт лауреатов состоятся в Большом зале КЗЦ «Миллениум» 18 сентября в 19:00.


Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов учрежден Правительством Российской Федерации и Министерством культуры Российской Федерации. В этом году в крупнейшем отечественном смотре принимали участие исполнители современного танца в двух возрастных группах — младшей (от 14 до 18 лет) и старшей (от 19 до 35 лет включительно).


В состав жюри традиционно вошли авторитетные российские хореографы, ведущие солисты балета, педагоги, руководители театров. Среди них — главный балетмейстер — художественный руководитель театра «Кремлевский балет» Андрей Петров, художественный руководитель Марийского государственного театра оперы и балета им. Э. Сапаева Константин Иванов, художественный руководитель балета и главный балетмейстер Астраханского государственного театра оперы и балета Константин Уральский, художественный руководитель Театра-студии современной хореографии Ирина Афонина, художественный руководитель театра танца «Скрим» Эльвира Первова, балетмейстер Свердловского государственного академического театра музыкальной комедии Сергей Смирнов, один из ведущих мировых хореографов и балетмейстеров Александр Пепеляев, педагог-репетитор балетной труппы Большого театра Юрий Васюченко, хореограф, балетмейстер, либреттист Александр Полубенцев. Возглавил конкурсное жюри народный артист СССР Юрий Григорович. Ответственный секретарь — первый вице-президент Международного союза деятелей хореографии, заслуженный деятель искусств Российской Федерации» Сергей Усанов.


В Год театра конкурс представил масштабную внеконкурсную программу. В КЗЦ «Миллениум» прошли выставки и концерты, кинопоказы и лекции, творческие мастерские и мастер-классы, а также деловые мероприятия.

]]>
Dance Open представит в Дортмунде звезд петербургского балетаГала-концерты пройдут 21 и 22 сентября.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/254933/dance-open-predstavit-v-dortmunde-zvezd-peterburgskogo-baletaThu, 19 Sep 2019 15:45:24 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Dance Open представит в Дортмунде звезд петербургского балета

Новости

Гала-концерты Dance Open пройдут в Германии в рамках проекта «Русские сезоны» 21 и 22 сентября. Он представит солистов ведущих театров Петербурга и Дортмунда.


Фотография: danceopen.com

В программу войдут как самые яркие сцены из классических балетов отечественных хореографов, так и фрагменты современных постановок, вдохновленных новыми смыслами древних сказок.


Ведущие солисты Театра балета им. Л. Якобсона Софья Матюшенская и Андрей Сорокин представят па-де-де из балета «Пламя Парижа» Василия Вайнонена и «хореографические миниатюры» Леонида Якобсона, а Алла Бочарова и Денис Климук — «Венский вальс». Артисты Мариинского театра Денис и Анастасия Матвиенко воплотят на сцене фрагмент из сказочного балета-спектакля «Пер Гюнт» в хореографии Эдварда Клюга и па-де-де из балета «Корсар» Мариуса Петипа.


Также в программе — эпизод из балета «Спартак» Георгия Ковтуна в исполнении солистов Михайловского театра Марата Шемиунова и Ирины Перрен, па-де-диан из балета «Эсмеральда» в хореографии Агриппины Вагановой и гран-па из балета «Дон Кихот» Александра Горского, которые исполнят приглашенные артисты Михайловского театра.


Театр Дортмунда представят Анна Цыганкова, Анна Тихомирова и Истван Симон. Публика увидит новый балетный номер, созданный специально для «Русских сезонов», а также адажио из балета «Ромео и Джульетта» Леонида Лавровского и фрагмент балета Михаила Фокина «Видение Розы».


Начало концерта — 21 сентября в 19:30, 22 сентября — в 18:00.


Кроме того, в рамках проекта в Главном зрительском фойе Театра Дортмунда с 20 по 22 сентября пройдет выставка работ мастеров балетной фотографии.



Проект реализуется Санкт-Петербургским международным фестивалем балета Dance Open по государственному заказу Комитета по культуре Санкт-Петербурга.

]]>
На Волковском фестивале покажут 10 спектаклей российских и зарубежных театровОткрылась программа балетами Михаила Фокина.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/254961/na-volkovskom-festivale-pokazhut-10-spektaklei-rossiiskikh-i-zarubezhnykh-teatrovThu, 26 Sep 2019 16:20:45 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

На Волковском фестивале покажут 10 спектаклей российских и зарубежных театров

Новости

Юбилейный, XX Международный Волковский фестиваль проходит в Российском государственном академическом театре драмы им. Федора Волкова с 23 по 29 сентября. В программе — 10 спектаклей российских и зарубежных театров.


«Балеты Михаила Фокина» Пермского театра оперы и балета на открытии XX Международного Волковского фестиваля. Фотография: city-news.ru

Первым на смотре показали спектакль Пермского театра оперы и балета им. Чайковского — одноактные балеты и хореографические сюиты «Шопениана», «Видение Розы», «Умирающий лебедь» и «Половецкие пляски» Михаила Фокина.


В юбилейном фестивале принимают участие коллективы из Москвы, Санкт-Петербурга, Воронежа, Барнаула, Республики Саха, Новосибирска, а также из Эстонии и Франции.


Зрителю представят постановки разных жанров: моноспектакль «Беженец» Яана Каплински (театр R.A.A.A.M., Эстония), документальное расследование по мотивам жизни и смерти Федора Волкова в жанре сторителлинг — «Федор Волков» Елены Носовой («Театр.doc», Москва), кукольный спектакль «La M ridienne» (театр Thtre de la Massue, Франция), «Бойцовский клуб» по культовому роману Чака Паланика в постановке Максима Соколова (Молодежный театр Алтая им. Золотухина), «Близкие друзья» Елизаветы Бондарь по повести Евгения Водолазкина (Санкт-петербургский ТЮЗ им. Брянцева) и другие.


Закроется фестиваль 29 сентября спектаклем «Горе от ума» Новосибирского городского театра.


Театр им. Волкова — первый русский профессиональный театр, основанный в 1750 году в Ярославле и названный в честь основателя — режиссера, актера, художника, предпринимателя Федора Волкова. Театр является постоянным участником международных фестивалей и конкурсов, обладателем множества престижных наград, в том числе четырех национальных театральных премий «Золотая маска», премии Станиславского «За вклад в развитие сценического искусства и театрального дела в России».

]]>
Учащиеся Академии балета Вагановой дадут три концерта в ГрецииОни выступят в афинском театре с 1 по 3 ноября.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/255096/uchashiesya-akademii-baleta-vaganovoi-dadut-tri-koncerta-v-greciiTue, 29 Oct 2019 16:05:16 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Учащиеся Академии балета Вагановой дадут три концерта в Греции

Новости

В дни осенних школьных каникул учащиеся Академии русского балета им. А.Я. Вагановой отправятся на гастроли в Грецию. Они выступят с признанными мастерами балетной сцены Виталием Амелишко и Никой Цхвитария в афинском Christmas Theater 1, 2 и 3 ноября.


Изображение: christmastheater.gr

В программу концертов войдут фрагменты из произведений, составляющих классику мирового балетного и музыкального наследия.


60 студентов средних и старших курсов ведущей балетной школы мира и артисты Самарского театра оперы и балета исполнят «Танцы дня и ночи» из оперы «Джоконда» (хореография Мариуса Петипа, редакция Николая Цискаридзе), Па-де-де из балета «Лебединое озеро» (хореография Мариуса Петипа), Большое адажио и «Розовый вальс» из 3-го акта балета «Щелкунчик» (хореография Василия Вайнонена), Сюиту из балета «Фея кукол» (хореография Николая и Сергея Легатов, восстановление Николая Цискаридзе).


Организаторами гастролей выступают компания We Production, специализирующаяся на организации и проведении культурных мероприятий в Греции и за рубежом, и Федеральная дирекция музыкальных и фестивальных программ «Росконцерт».


Академия русского балета им. А.Я. Вагановой относится к числу старейших балетных школ в мире. Она была основана в 1738 году императрицей Анной Иоанновной и с тех пор сохраняет статус одного из ведущих образовательных балетных учреждений мира. Вагановскую академию прославили не только знаменитые балетмейстеры, но и талантливые выпускники, такие как Анна Павлова, Марина Семенова, Галина Уланова, Владимир Пономарев, Матильда Кшесинская, Вацлав Нижинский, Михаил Барышников, Ульяна Лопаткина и другие.


Виталий Амелишко и Ника Цхвитария — выпускники Академии русского балета им. А.Я. Вагановой, солисты Самарского театра оперы и балета, до 2018 года были артистами Мариинского театра. Являются лауреатами международных конкурсов.

]]>
Фрагменты из балета «Дракула. Начало» показали в Московском метрополитене в ХеллоуинПремьера спектакля пройдет в Кремлевском дворце 3 ноября.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/255110/fragmenty-iz-baleta-drakula-nachalo-pokazali-v-moskovskom-metropolitene-v-khellouinFri, 01 Nov 2019 15:30:03 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Фрагменты из балета «Дракула. Начало» показали в Московском метрополитене в Хеллоуин

Новости

Фрагменты балета «Дракула. Начало» показали на закрытой станции Московского метрополитена «Деловой центр» 31 октября. Мероприятие, которое прошло в Хеллоуин, стало первым предпремьерным показом сцен из новой постановки.


Сцена из фрагмента балетной постановки Алексея Голубева «Дракула. Начало». Московский метрополитен, Москва. Фотография: mosmetro.ru

Премьера балета по мотивам «Дракулы» Брэма Стокера состоится в Государственном Кремлевском дворце 3 ноября. В постановке используются элементы эстрады и кино, а также 3D-технологии, что делает ее уникальной в своем роде.


По мнению режиссера постановки Алексея Голубева, ей нет аналогов. «Мы рассказываем историю от начала и до конца, о человеке, который ради любви ушел на черную сторону, а в финале, когда он нашел любовь, — вернулся», — сообщает режиссер. Хореографом балета является Иван Васильев.


По словам заместителя начальника Московского метрополитена по развитию клиентских сервисов и работе с пассажирами Юлии Темниковой, метро в наши дни становится интеллектуальной и творческой площадкой. Она также отметила, что подобные мероприятия позволяют работникам метрополитена сблизиться с пассажирами.


«Дракула» Брэма Стокера считается одним из лучших детективных романов всех времен. На его основе было создано множество спектаклей, фильмов, мюзиклов и ледовых шоу.

]]>
Премьерные показы балета «Красная Шапочка» проходят в МосквеСпектакль создан Россом Фредди на музыку Кирилла Рихтера.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/255315/premernye-pokazy-baleta-krasnaya-shapochka-prokhodyat-v-moskveMon, 30 Dec 2019 12:45:01 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Премьерные показы балета «Красная Шапочка» проходят в Москве

Новости

Премьерные показы балета «Красная Шапочка» проходят в Московском концертном зале «Зарядье» 29 и 30 декабря. Сюжет сказки братьев Гримм и народная легенда легли в основу постановки британского хореографа Росса Фредди на музыку Кирилла Рихтера.


Изображение: zaryadyehall.com

Образ Красной Шапочки воплощает Лаура Фернандес-Громова, волка — датский артист балета Йохан Кобборг. Роль Вудсмана исполняет прославленный танцовщик и глава Благотворительного фонда поддержки и развития искусств Сергей Полунин, который также является инициатором создания балета.


«Я знал, что Росс Фредди хочет сделать сказку и думает о «Красной Шапочке». Начал смотреть, кто из артистов сможет сказку сделать былью», — отметил Сергей Полунин.


В балете объединены сюжет сказки братьев Гримм и ее источник — народная легенда. Новым прочтением станет любовная тема, которая захватывает всех персонажей.


Музыка балета написана Кириллом Рихтером на основе его юношеских сочинений. Она представляет одновременно средневековую музыку и ранний Ренессанс. Как отметил автор, «народная музыка — самая искренняя и трогательная».

]]>
Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов представит масштабную внеконкурсную программуСобытия пройдут в Ярославле с 13 по 18 сентября.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/254874/vserossiiskii-konkurs-artistov-baleta-i-khoreografov-predstavit-masshtabnuyu-vnekonkursnuyu-programmuMon, 09 Sep 2019 15:55:34 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов представит масштабную внеконкурсную программу

Новости

Всероссийский конкурс артистов балета и хореографов представит масштабную внеконкурсную программу, приуроченную к проведению Года театра в России. В ней примут участие артисты Большого театра, МАМТ им. Станиславского и Немировича-Данченко, Театра им. Н. Сац и других ведущих театров страны.



С 13 по 18 сентября 2019 года на сценах КЗЦ «Миллениум» (г. Ярославль) пройдут выставки и концерты, кинопоказы и лекции, творческие мастерские и мастер-классы. Откроется внеконкурсная программа выставкой балетной фотографии Александра Панкова, которую презентуют в фойе Большого зала КЗЦ 13 сентября в 18:30. Проект «Танец — близко и высоко» представляет современный танец как альтернативу строгим классическим формам, обладающую безграничной свободой в выражении чувств и расширяющую границы мысли, музыки и тела.


В 19:00 в Большом зале КЗЦ состоится торжественное открытие конкурса, в программе которого — вечер одноактных балетов «Транскрипция цвета» и «Эквус» в исполнении Театра «Балет Москва». 14 сентября для зрителей выступят артисты Театра имени Н. И. Сац. Они представят балеты Русских сезонов «Шахерезада», «Шопениана» и «Половецкие пляски». 16 сентября в рамках конкурса состоится гала-концерт современного танца с участием артистов Большого театра, МАМТ им. Станиславского и Немировича-Данченко и Театра им. Н. Сац.


Кроме того, ценители хореографии смогут посетить показы фильмов, посвященных балету. 14 сентября в афише — лента «Империя балета» Дмитрия Семибратова, 15 сентября — «Большой» Валерия Тодоровского, 17 сентября — «После тебя» Анны Матисон. Все картины будут транслировать в кинозале КЗЦ «Миллениум». В этом году в крупнейшем отечественном смотре хореографии примут участие исполнители по специальности «Современный танец в музыкальном театре». Насыщенную образовательную программу для них проведут заслуженные деятели искусств, хореографы, педагоги и критики.


Первый Всесоюзный конкурс артистов балета и балетмейстеров проводился в Москве в 1965 году. В разные годы жюри возглавляли такие знаменитые балетмейстеры и хореографы, как народный артист СССР Игорь Моисеев, народный артист СССР Юрий Григорович, народный артист РСФСР Петр Гусев, народная артистка СССР Софья Головкина.


В 2013 году с инициативой возрождения лучших традиций отечественной хореографии и проведения Всероссийского конкурса артистов балета и хореографов выступил выдающийся деятель современного балетного искусства Юрий Григорович. Учредители мероприятия — Правительство Российской Федерации и Министерство культуры Российской Федерации. Организатор — ФГБУК «Росконцерт».

]]>
Крылатая «Ника» для ЛииТрагикомическая актриса, гений гротеска Лия Ахеджакова преданно любима своими зрителями. Одно лишь появление актрисы на экране вызывает добрую улыбку у самых разных людей. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/50259/krylataya-nika-dlya-liiTue, 31 Mar 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Крылатая «Ника» для Лии

НовостиКино

Трагикомическая актриса, гений гротеска Лия Ахеджакова преданно любима своими зрителями. Одно лишь появление актрисы на экране вызывает добрую улыбку у самых разных людей.

]]>
«За честь и достоинство»Приз в номинации «За честь и достоинство» национальной литературной премии «Большая книга» получит писатель, драматург и сценарист Леонид Зорин.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/28259/za-chest-i-dostoinstvoMon, 24 Nov 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«За честь и достоинство»

Новости

Приз в номинации «За честь и достоинство» национальной литературной премии «Большая книга» получит писатель, драматург и сценарист Леонид Зорин.

]]>
Анимационные КанныФильм Константина Бронзита «Мы не можем жить без космоса» стал победителем Международного анимационного фестиваля в Анси. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/51405/animacionnye-kannySat, 20 Jun 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Анимационные Канны

НовостиКино

Фильм Константина Бронзита «Мы не можем жить без космоса» стал победителем Международного анимационного фестиваля в Анси.


«Под утро мне приснилась сцена из будущего мультфильма, – рассказал Константин Бронзит. – Я очнулся, но сцена оставалась в голове, и я буквально за пять минут раскрутил ее в целую историю. Никогда не верил в подобные рассказы, думал, что это красивые сказки, сочиненные режиссерами и сценаристами. Не верил, пока это не случилось со мной».


Фрагменты мультфильма «Мы не можем жить без космоса». Режиссер К. Бронзит

Константин Бронзит уже неоднократно становился обладателем призов фестиваля в Анси за мультфильмы Switchcraft (Гран-при за лучший короткометражный анимационный фильм), «Крепкий орешек» (Гран-при, категория телевизионных фильмов), «На краю земли» (специальный приз жюри, приз публики, приз «За самый смешной фильм»).


На победу в крупнейшем международном смотре анимационного кино претендовали несколько российских лент. Каждый год курортный городок Анси, расположенный на берегу одноименного озера на востоке Франции, превращается в столицу мировой мультипликации.


Параллельно с фестивалем – анимационный форум – кинорынок MIFA. Здесь закупщики подбирают мультфильмы для телеканалов и кинотеатров, студии ищут партнеров для совместного производства, обсуждаются перспективы сотрудничества, заключаются контракты. 700 участников из 75 стран, 2600 фильмов, в том числе 23 – из России.


«В последние годы российская анимация переживает период бурного роста, – рассказала исполнительный директор Ассоциации анимационного кино России Ирина Мастусова. – Еще 10 лет назад в стране существовала всего одна индустриальная мультипликационная студия... Без поддержки государства такого интенсивного роста индустриальной анимации невозможно было бы достичь, причем речь идет не только о количестве выпускаемых проектов, но, что гораздо важнее, об их качестве, которое заметно повысилось за последние годы. Рынок в Анси – это «окно в Европу», на котором благодаря поддержке Фонда кино и Министерства культуры РФ существует стенд российской анимации, где российские продюсеры могут оперативно знакомиться с новыми проектами, «модными» решениями и трендами, внедряя их в свои проекты».


В конкурсные программы на этот раз попали сразу четыре российские ленты. За главный приз – «кристалл» – в номинации «Короткометражный мультфильм» боролись Константин Бронзит с лентой «Мы не можем жить без космоса» (фаворит Суздальского фестиваля и обладатель премии «Икар») и Василий Чирков с дебютной картиной «Другие берега».


Короткометражный фильм Василия Чиркова «Другие берега», вошедший в альманах «Зеркало», также был отмечен на фестивале в Суздале. Чирков получил призы за лучший дебют и лучшую режиссуру. Монохромное кино, снятое в «норштейновской» стилистике, завораживает туманностью изображения и атмосферой неизбывной печали. «Когда я готовился к съемкам, много читал Арсения Тарковского и Мандельштама», – признается режиссер.

Кино: Мы родом из мультиков. Сто лет российской анимации

Юбилейный мультпросвет

На краю земли


Конкуренцию этим мультипликационным лентам составили работы режиссеров в том числе из Греции, Эстонии, Германии. Всего более пятидесяти короткометражек. В программу телевизионных фильмов в третий раз вошел «старожил» фестиваля – сериал «Маша и Медведь» студии «Анимаккорд». Компания впервые показала и свой новый проект «Бон Вояж», рассчитанный на взрослую аудиторию.


Эпизод «Легкий слон» на смотре представил медиапроект «Летающие звери». История о слоне, мечтающем летать, но работающем уборщиком в цирке. Этот мультфильм – одна из серий благотворительного мультсериала «Летающие звери». «Звери» – это паровоз нашего благотворительного бренда. Эти мультфильмы мы делаем для детей от 6 до 10 лет и стараемся, чтобы они были интересны и нравились всей семье», – рассказал режиссер фильма Михаил Сафронов.


«Летающие звери» (режиссер Михаил Сафронов, 2015)

После долгого перерыва возвращается к российским и зарубежным зрителям знаменитая «Веселая карусель» студии «Союзмультфильм». Мультипликационный журнал, появившийся на телеэкранах в 1969 году, подарил зрителям рыжего Антошку, двух веселых гусей и героев знаменитой сказки о теремке. В 2001 году вышел последний сборник «Веселой карусели», после чего производство мультжурнала заморозили. На анимационном смотре состоялась премьера: в 2014 году студия сняла сразу три выпуска «Карусели» по три серии в каждом. Теперь «Союзмультфильм» планирует вместо традиционных девяти эпизодов в год выпустить сразу 14.


«Веселая карусель». Трейлер

Среди других участников фестиваля в Анси – «ДА-студия», «Киноатис», «Мастерфильм», студия «Паровоз», известная поклонникам анимации по сериалам «Бумажки», «Волшебный фонарь» и «Ми-ми-мишки», а также школа-студия «Шар» с проектом «Ин и Яна».


«Ин и Яна» (приз за лучший сериал на суздальском фестивале) – история о дружбе девочки и инопланетянина, который попал на землю в поисках универсального топлива для своей летающей тарелки. Топливо – это информация, и, чтобы его получить, неразлучные друзья исследуют планету, в каждой серии рассказывая о традициях и обычаях того или иного народа. «Цель сериала – рассказать детям в увлекательной форме о современном мире, о многообразии народов, его населяющих, о разности культур и обычаев», – говорят создатели сериала.


«Ин и Яна: Запретная еда» (режиссер Олег Ужинов, 2015)

Во внеконкурсной программе Россию представил фильм «Скамейки № 0458» режиссера Ивана Максимова и полный метр студии Wizart Animation «Снежная королева – 2».


«Снежная Королева». Трейлер

Компания активно продвигает и другие проекты: на суд зарубежных коллег представлен анимационный сериал для дошкольников «Йоко» и полнометражный мультфильм «Волки и овцы». Несмотря на название, отсылающее зрителей к пьесе А.Н. Островского, новый мультфильм компании Wizart Animation создан по оригинальному сценарию. Шутки, превращения и самая настоящая история взросления главного героя – вот то, что ждет зрителей мультфильма будущей весной, когда запланирована премьера.

]]>
Переосмыслить роль культурыПрезидент России утвердил проект, в котором сформулированы основные принципы, цели и задачи в культурной политике. В документе нет цифр или прямых указаний. Как пояснил Владимир Путин, «в проекте отражено отношение к культуре как к миссии, историческому благу и наследию», и «такое всеобъемлющее понимание культуры означает кардинальное изменение самих приоритетов государственной политики».http://yandex-rss.herokuapp.com/news/30061/pereosmyslit-rol-kulturyMon, 29 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Переосмыслить роль культуры

Новости

Президент России утвердил проект, в котором сформулированы основные принципы, цели и задачи в культурной политике. В документе нет цифр или прямых указаний. Как пояснил Владимир Путин, «в проекте отражено отношение к культуре как к миссии, историческому благу и наследию», и «такое всеобъемлющее понимание культуры означает кардинальное изменение самих приоритетов государственной политики».

]]>
«Филармония-2»23 декабря в столичной Олимпийской деревне Московская филармония представит акустический концертный зал мирового уровня на тысячу мест. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/27143/filarmoniya-2Thu, 11 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«Филармония-2»

НовостиТеатры

23 декабря в столичной Олимпийской деревне Московская филармония представит акустический концертный зал мирового уровня на тысячу мест.

]]>
Прощание с Еленой ОбразцовойПевицу похоронят на Новодевичьем кладбище.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/32701/proshanie-s-elenoi-obrazcovoiWed, 14 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Прощание с Еленой Образцовой

НовостиТеатры

Певицу похоронят на Новодевичьем кладбище.

]]>
МультнеделяВ дни школьных каникул в Москве открывается Большой фестиваль мультфильмов.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/55792/multnedelyaThu, 29 Oct 2015 16:45:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Мультнеделя

НовостиКино

30 октября стартует один из крупнейших отечественных смотров анимации.


Мероприятие откроется мультфильмом «Мальчик-фантом» режиссеров Алена Ганьоля и Жана Лупа Фелисьоли. Этот творческий дуэт известен зрителям по фильму «Жизнь кота», три года назад номинированному на «Оскар».


В этом году на экраны фестиваля возвращается мультсериал «Везуха!», дважды получивший приз в Суздале.


Без паники

Семейный2013

Дело чести

Семейный2012

Мой папа — Лев Толстой

Семейный2012


Юбилей муми-троллей (45 лет со дня создания книги) отметят сразу тремя мультфильмами о «дальних потомках норвежских троллей». Все они вошли в программу полнометражной анимации и понравятся даже самым маленьким гостям фестиваля. Для детей постарше — история «Далеко на север» режиссера Реми Шейе о юной аристократке Саше, отправившейся в Арктику. На взрослую аудиторию рассчитана мрачноватая «Малышка из рыбной лавки» — новая интерпретация хорошо знакомого сюжета о Русалочке.


Трейлер к мультфильму «Далеко на север». Режиссер Р. Шейе



Специальный блок короткометражек «Такова жизнь» напомнит зрителям о делах насущных: в подборке — фильмы об отношениях детей и родителей, профессиональной жизни, мечтах и, конечно же, любви.


Одной из самых необычных программ фестиваля станет блок «Немецкий авангард 1920–30-х годов». Здесь представят предметные работы художников-авангардистов и силуэтную анимацию Лотты Райнигера.


Героями программы «Встречи, лекции и мастер-классы» в этом году станут создатель знаменитого «Ежика в тумане» Юрий Норштейн и один из самых успешных современных российских режиссеров-аниматоров Константин Бронзит, чьи фильмы в этом году собраны в отдельную программу.


Фрагменты мультфильма «Мы не можем жить без космоса». Режиссер К. Бронзит



Молодежная анимация представлена как работами российских студентов, так и ретроспективой самой знаменитой школы анимации Англии — Royal College of Art, студенты которой в 2015 году взяли главные студенческие призы на самых престижных фестивалях мира.


Подборка «Суздаль-2002» представит лучшие фильмы открытого Российского фестиваля анимационного кино. В блоке «Пропущенные фильмы 90-х» покажут те мультфильмы, которые вышли (а скорее, не вышли) в прокат до открытия суздальского смотра.


С 4 октября на фестивале начнет работу «Фабрика мультфильмов» — развлекательно-развивающая площадка, на которой параллельно действуют более 20 мини-студий анимации. В этом году «Фабрика» обосновалась в Культурном центре ЗИЛ.


Закроется фестиваль в последний день школьных каникул, 8 ноября, мультфильмом «Девочка-спутник и дойная корова» корейского режиссера Чан Хён Юна.

]]>
Возвращение «Хованщины»В Москве состоится одна из самых интересных премьер нового сезона. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/37244/vozvrashenie-khovanshinyTue, 17 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Возвращение «Хованщины»

НовостиТеатры

В Москве состоится одна из самых интересных премьер нового сезона.

]]>
Спасти и сохранитьТак называется открытый культурно-просветительский проект, организованный Институтом культурного и природного наследия имени Д.С. Лихачева и движением «Архнадзор» при поддержке «Проекта Белый Город» и Ассоциации «Хранители наследия».http://yandex-rss.herokuapp.com/news/37623/spasti-i-sokhranitFri, 20 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Спасти и сохранить

НовостиЛекции

Так называется открытый культурно-просветительский проект, организованный Институтом культурного и природного наследия имени Д.С. Лихачева и движением «Архнадзор» при поддержке «Проекта Белый Город» и Ассоциации «Хранители наследия».

]]>
Великолепная семеркаРоссийские фильмы, участвующие в Берлинале http://yandex-rss.herokuapp.com/news/34619/velikolepnaya-semerkaThu, 05 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Великолепная семерка

НовостиКино

Российские фильмы, участвующие в Берлинале

]]>
Эрмитажу 250 лет«Бал истории» в честь 250-летия Эрмитажа увидят 6 декабря гости музея-дворца. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/28264/ermitazhu-250-letTue, 02 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Эрмитажу 250 лет

НовостиМузеи

«Бал истории» в честь 250-летия Эрмитажа увидят 6 декабря гости музея-дворца.

]]>
«Красная армия» наступает!На экраны США выходит фильм «Красная армия» канадского режиссера Гейба Польски. Документальная картина посвящена героическому взлету и падению советской сборной по хоккею в 80-х годах прошлого века.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/32933/krasnaya-armiya-nastupaetFri, 23 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«Красная армия» наступает!

НовостиКино

На экраны США выходит фильм «Красная армия» канадского режиссера Гейба Польски. Документальная картина посвящена героическому взлету и падению советской сборной по хоккею в 80-х годах прошлого века.

]]>
Дух в движенииФильм «Дух в движении» – это истории о том, что кажется невозможным. О том, что человеческий дух способен на невероятное. О спортивных достижениях и о победе над собой. «Дух в движении» – официальный фильм ХI зимних Паралимпийских игр. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/38844/dukh-v-dvizheniiWed, 04 Mar 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Дух в движении

НовостиКино

Фильм «Дух в движении» – это истории о том, что кажется невозможным. О том, что человеческий дух способен на невероятное. О спортивных достижениях и о победе над собой. «Дух в движении» – официальный фильм ХI зимних Паралимпийских игр.

]]>
Год России в МонакоЗа несколько дней до наступления Нового года торжественно откроется Год России в Монако. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/26670/god-rossii-v-monakoThu, 11 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Год России в Монако

Новости

За несколько дней до наступления Нового года торжественно откроется Год России в Монако.


За несколько дней до наступления Нового года торжественно откроется Год России в Монако. 19 декабря труппа Большого театра и хореограф Балета Монте-Карло Жан-Кристоф Майо представят постановку «Укрощение строптивой». Легкий и обаятельный спектакль, мировая премьера которого прошла в Большом летом 2014 года, под занавес театрального сезона. И теперь «шекспировские страсти» покажут на родине хореографа, на сцене Salle de Princes Форума Гримальди в Монако.


«Для меня балет — искусство эротическое, а «Укрощение…» — самая сексуальная пьеса Шекспира, написанная с иронией, юмором и здоровой долей цинизма», — говорит Жан-Кристоф Майо, который многие годы мечтал создать хореографию именно для этой комедии. Работать в Большом его пригласил художественный руководитель балетной труппы театра Сергей Филин.


«Я не думаю о том, будет ли новаторской моя хореография. Самое главное — показать правду образов и отношения героев»

Жан-Кристоф Майо


Главные партии в его «Укрощении строптивой» танцуют солисты Большого: Екатерина Крысанова, Кристина Кретова (Катарина), Владислав Лантратов, Денис Савин (Петруччио), Ольга Смирнова, Анастасия Сташкевич (Бьянка), Артем Овчаренко, Семен Чудин (Люченцио).


«Я всегда говорю, что это не хореографы выбирают артистов на роли, а танцовщики делают так, что у хореографа не остается выбора и он должен именно этого артиста брать на роль. И Катя Крысанова, которая танцует в моем спектакле Катарину, как раз очень яркий пример такого отбора. Сначала я не видел ее в этой роли. Но ее желание работать со мной абсолютно убедило меня, что именно она должна эту роль исполнить. Наши отношения развивались, мы вырабатывали свой язык, что особенно трудно в пластике», — говорит хореограф, признаваясь, что для него в образе «строптивой» на всю жизнь останется именно Катя Крысанова.


Большой театр

Свободное, полупрозрачное, с легким намеком на историзм, платье балерины, так же как и другие костюмы для артистов «Укрощения строптивой», создал Огюстен Майо, сын хореографа и ученик Карла Лагерфельда.


Легендарная труппа выступит в сопровождении Филармонического оркестра Монте-Карло под управлением заслуженного артиста России Игоря Дронова. В балете «Укрощение строптивой» Майо соединил Шекспира и музыку к кинофильмам, написанную Дмитрием Шостаковичем. «Думаю, это один из немногих композиторов, у которых такая большая музыкальная палитра. А для меня музыка очень важна, — признаётся хореограф. — Я не могу прийти домой и начать придумывать движения. Мне нужен импульс. Эмоциональная и музыкальная партитура спектакля для меня связаны воедино. Именно поэтому мне хотелось, чтобы в балете звучал Шостакович».


Не случайно Год России в Монако открывается балетом. У Большого театра и Балета Монте-Карло родственные связи. В начале XX века княжество стало домом и репетиционной базой «Русских сезонов».


«Весь современный балет вырос из «Русских сезонов» Дягилева. Иногда мне кажется, что публика не понимает, насколько он изменил мир балета. Монегаски всегда считали его своим»

Жан-Кристоф Майо


В Год России в Монако запланировано около 130 мероприятий: выставки, концерты классической музыки и театральные постановки. В программе заявлены гастроли трупп Большого и Мариинского театров, Академического ансамбля песни и пляски Российской Армии имени А. В. Александрова. В июне 2015 года пройдет премьера оперы «Иоланта» П. И. Чайковского в постановке Оперного театра Монте-Карло, главную партию исполнит Анна Нетребко. Публике представят балет «Анна Каренина» Бориса Эйфмана, а также концерт Филармонического оркестра Монте-Карло под руководством Валерия Гергиева. Монегаски пышно отметят Масленицу – русская деревня откроется в порту Эркюль весной.


Интервью пресс-секретаря Большого театра Катерины Новиковой с Жан-Кристофом Майо.

Благодарим Большой театр за предоставленное интервью.

]]>
«Левиафан»Одна из самых резонансных отечественных картин 2014 года выходит в прокат. 5 февраля в российских кинотеатрах начнутся показы «Левиафана» Андрея Звягинцева. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/27378/leviafanThu, 11 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«Левиафан»

НовостиКино

Одна из самых резонансных отечественных картин 2014 года выходит в прокат. 5 февраля в российских кинотеатрах начнутся показы «Левиафана» Андрея Звягинцева.

]]>
Хороший шансМеждународный кинофестиваль «Балтийские дебюты» – смотр работ начинающих кинематографистов из стран Северной Европы – открывается в Светлогорске на Янтарном берегу. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/51845/khoroshii-shansSun, 26 Jul 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Хороший шанс

НовостиКино

Международный кинофестиваль «Балтийские дебюты» – смотр работ начинающих кинематографистов из стран Северной Европы – открывается на Янтарном берегу в Светлогорске. «Именно в этом крае, где россияне последними в своей стране встречают восход солнца, некоторым дебютантам повезет на первый восход в их кинокарьере», – говорит генеральный продюсер кинофорума Андрей Малышев.


В конкурсной программе восемь дебютных лент из Швеции, Норвегии, Латвии, Германии, Дании, Финляндии, Нидерландов, Эстонии. Российское кино представит остросюжетная драма о событиях, произошедших в 1935 году на острове Врангеля, «Трагедия в бухте Роджерс» Филиппа Абрютина. Жюри возглавил режиссер, сценарист, педагог, народный артист России Владимир Хотиненко.


Трейлер «Трагедия в бухте Роджерс»

Кинофорум на Балтийском берегу открывает «Битва за Севастополь», картина лауреата «дебютов» 2008 года Сергея Мокрицкого.


Трейлер «Битва за Севастополь»

Фильмом закрытия станет российско-ирландская лента Джонни О’Райлли «Москва никогда не спит». Ирландскому режиссеру удалось собрать звездный состав российских актеров и представить свой взгляд на судьбы жителей российского мегаполиса. «Показ этого фильма в очередной раз подчеркивает важную особенность фестивальной программы – многие кинокартины сделаны в совместном производстве стран Балтийского региона и Северной Европы», – отмечает программный директор фестиваля Леонид Демченко.


Киносмотр, который проходит уже в 12-й раз, привлек внушительную команду звезд отечественного кино. По красной дорожке пройдут Федор Бондарчук, Александр Балуев, Сергей Никоненко, Аркадий Инин, Борис Грачевский, Валерия Ланская, Ирина Мазуркевич, Лев Прыгунов, Леонид Серебряников, Ирина Медведева, Юрий Беляев, Анастасия Макеева, Глеб Матвейчук.

Великолепная семерка

Что фильм грядущий нам готовит

Светлогорск: Дом-музей Германа Брахерта


По сложившейся традиции важной частью «Балтийских дебютов» станет программа российских премьер – панорама новых картин отечественных режиссеров, в том числе победителей и участников «Кинотавра», Берлинского фестиваля и Московского. Это и «Звезда» Анны Меликян, «Под электрическими облаками» Алексея Германа – младшего, «Наследники» Владимира Хотиненко, «Однажды» Рената Давлетьярова, «Две женщины» Веры Глаголевой. В финале картина, набравшая большее количество голосов, получит «Приз зрительских симпатий».


Трейлер «Две женщины»

Внеконкурсная программа «Балтийских дебютов» состоит из секций «Мир анимации» и «Кино для детей», которая с 2014 года стала особенно популярной. Зрители первыми в России увидят фильм «Небесный верблюд» режиссера Юрия Фетинга, а также историческое фэнтези «Тайна Сухаревой башни. Чародей равновесия».


Трейлер «Небесный верблюд»

На утренних сеансах будут демонстрироваться новинки отечественной мультипликации, традиционно предоставленные фестивалем анимационного кино в Суздале.


]]>
70 лет освобождения будапештского геттоАкадемический Ансамбль песни и пляски Российской Армии им. А.В. Александрова впервые выступит в самой большой в Европе Будапештской синагоге.Вечер памяти станет выражением благодарности и признательности советскому народу.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/31287/70-let-osvobozhdeniya-budapeshtskogo-gettoSat, 17 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

70 лет освобождения будапештского гетто

Новости

Академический Ансамбль песни и пляски Российской Армии им. А.В. Александрова впервые выступит в самой большой в Европе Будапештской синагоге.Вечер памяти станет выражением благодарности и признательности советскому народу.

]]>
О ревности и долге В прокат вышел фильм «Две женщины» – новая экранизация пьесы Ивана Сергеевича Тургенева. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/32939/o-revnosti-i-dolgeFri, 23 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

О ревности и долге

НовостиКино

В прокат вышел фильм «Две женщины» – новая экранизация пьесы Ивана Сергеевича Тургенева.

]]>
«Время первых»Фильм о первом человеке в открытом космосе с актером Евгением Мироновым выйдет в прокат осенью 2016 года.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/50454/vremya-pervykhFri, 10 Apr 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«Время первых»

НовостиКино

Фильм о первом человеке в открытом космосе с актером Евгением Мироновым выйдет в прокат осенью 2016 года.

]]>
Театральное «золото» в регионахЛучшие спектакли в городах России. Их увидят на сценах в Омске, Екатеринбурге и Каменск-Уральском, Петрозаводске и Костомукше, Красноярске, Ульяновске и Димитровграде, Череповце, Новосибирске, в Беларуси и странах Балтии. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/50640/teatralnoe-zoloto-v-regionakhTue, 26 May 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Театральное «золото» в регионах

НовостиТеатры

Отбор из 636 номинантов. Месяцы просмотров с вечера до глубокой ночи экспертными советами. Труппы со всей страны, сменяя друг друга, показывали достойнейшее из собственного репертуара. И финал: жюри «Золотой маски», главной театральной профессиональной премии в стране, выбрало победителей из «длинного списка» 54 претендентов. В результате получился настоящий срез обязательных к просмотру успешных театральных проектов. Спектакли-лауреаты ждет целый год гастролей. Ближайшие – в Омске (28.05.2015–03.06.2015) и Красноярске (02.07.2015–14.07.2015).


Лидер и по количеству наград, собравший пять «Золотых масок» в номинациях: спектакль, работа режиссера, дирижера, лучшая мужская и женская роль.
Эпическое полотно на музыку Генри Перселла. «Королева индейцев» – копродукция Пермского театра оперы и балета имени П.И. Чайковского с испанским Teatro Real и Английской национальной оперой. Постановка стала рекордсменом по количеству упоминаний в номинациях среди всех оперных спектаклей в стране. «Королева индейцев» – это выпад против музыкальной повседневности, – говорит музыкальный руководитель постановки и дирижер Теодор Курентзис. – Мы делали его вместе с режиссером Питером Селларсом, с которым мы одинаково понимаем нашу миссию, нас можно назвать соратниками. Перселл не закончил оперу, так что мы вставили в музыкальную канву другие его гимны и песни. Они не предназначались для театральной сцены, поэтому во все времена оставались заложниками концертных площадок. Жаль, потому что в них огромный театральный потенциал. Мы включили их в наш спектакль, и они сразу удачно вписались, устроились и обрели второе дыхание».

«Эпос о Лиликане»

«Леди Макбет Мценского уезда»

«Безрукий из Спокэна»

«Калека с Инишмана»


Оперу о любви, смерти, высоких ценностях, которые попадают под угрозу уничтожения, исполняют певцы из США, Германии, Франции, ЮАР. Тем ценнее награда за лучшую женскую роль, которую вручили артистке пермской оперы Надежде Кучер, блистательно и проникновенно исполнившей партию супруги испанского конкистадора. «Обычно, если есть подходящие наши певцы, мы отдаем предпочтение им, – объяснил Теодор Курентзис. – Но существуют типажи, которые, по авторскому замыслу, иначе, чем за счет приглашения зарубежного исполнителя, воплотить невозможно. Поэтому кастинг был специфическим, но он очень удачный».


Впервые пермскому зрителю постановка Питера Селларса и Теодора Курентзиса была представлена в 2013 году. «Я, конечно, не поверил бы, если бы 25 лет назад мне предсказали, что «Королеву индейцев» я буду ставить с русским хором. Но 25 лет назад в мире и хора-то такого не было, который мог бы спеть так блистательно, как MusicAeterna», – говорил после премьеры американец Питер Селларс.


«Королева индейцев»


Цветные сны лучшего хореографа. Сразу две «Маски» за работу балетмейстера Вячеслава Самодурова и дирижера Павла Клиничева принесла Екатеринбургскому театру оперы и балета постановка «Цветоделика». Дважды лауреат «Золотой маски» Вячеслав Самодуров, рассказывая о спектакле, делает акцент на световом решении: «Многие творческие натуры воспринимают окружающий мир цветным, композиторы часто видят «в цвете» свою музыку. Для меня танец тоже наполнен неповторимыми красками. Я попытался подчеркнуть сакральный момент перехода одного цвета в другой и передать магию зарождения нового оттенка».
Мировая премьера трехактного балета вышла под занавес прошлого театрального сезона. Выпускник Академии русского балета имени А.Я. Вагановой, экс-премьер Мариинского театра, Национального балета Нидерландов, Королевского балета Ковент-Гарден Вячеслав Самодуров продолжить карьеру танцовщика не смог из-за травмы ноги. Всерьез увлекся фотографией. «Я стараюсь сделать каталог жизни, впечатлений от нее. Это и ценнейший материал для строительства балетов», – рассказывал хореограф. Талант фотохудожника проявился в «Цветоделике». Едва ли не весь арсенал классической хореографии предстает под музыку Петра Чайковского, Арво Пярта, Франсиса Пуленка – цвет через танец. «Франсис Пуленк для такого смешения стилей подходит как нельзя лучше», – поясняет постановщик. В Москве свою взрывную «Цветоделику» Самодуров ставил на сцене «Новой оперы». Все цветовые решения хореограф стремился с точностью перенести с уральской сцены на столичную. Неслучайно он называет «соавтором» художника по свету Евгения Виноградова.


«Цветоделика»


Еще одно подтверждение: будь уверен в себе, иди к намеченной цели, и мечта непременно сбудется. Солистке Большого театра Екатерине Крысановой, получившей «Золотую маску» за лучшую женскую роль, партия Катарины из «Укрощения строптивой» досталась вопреки обстоятельствам.


«Я всегда говорю, что это не хореографы выбирают артистов на роли, а танцовщики делают так, что у хореографа не остается выбора и он должен именно этого артиста брать на роль. И Катя Крысанова, которая танцует в моем спектакле Катарину, как раз очень яркий пример такого отбора. Сначала я не видел ее в этой роли. Но ее желание работать со мной абсолютно убедило меня, что именно она должна эту роль исполнить. Наши отношения развивались, мы вырабатывали свой язык, что особенно трудно в пластике», – говорит хореограф Балета Монте-Карло Жан-Кристоф, признаваясь, что для него в образе «строптивой» на всю жизнь останется именно Катя Крысанова.


Приз за лучшую мужскую роль получил партнер Крысановой, один из самых ярких танцовщиков Большого театра Владислав Лантратов – исполнитель партии Петруччо. Легкая и обаятельная постановка стала премьерой Жан-Кристофа Майо на главной российской сцене, прогремевшей под занавес прошлого театрального сезона. И «Золотая маска» признала ее лучшим балетным спектаклем. В «Укрощении строптивой» Майо соединил Шекспира и музыку к кинофильмам, написанную Дмитрием Шостаковичем. «Думаю, это один из немногих композиторов, у которых такая большая музыкальная палитра. А для меня музыка очень важна, – признается хореограф. – Я не могу прийти домой и начать придумывать движения. Мне нужен импульс. Эмоциональная и музыкальная партитура спектакля для меня связаны воедино. Именно поэтому мне хотелось, чтобы в балете звучал Шостакович».


«Укрощение строптивой»


Двадцать лет спустя... Лучшим драматическим спектаклем (большая форма) стал «Вишневый сад» Малого драматического театра – Театра Европы в Санкт-Петербурге в постановке Льва Додина. «Последняя пьеса Чехова – самая исторически достоверная, практически историческая хроника и в то же время самое пророческое его провидение и предсказание. Трудно себе представить, каким даром исторического самосознания надо обладать, чтобы за четырнадцать лет так точно ощутить то, что случится с Россией и с миром. Всего лишь через четырнадцать лет – и еще только через четырнадцать лет. Может быть, не только то, что случится, но и то, что, по сути, продолжает происходить с Россией и с миром по сей день», – высказывается Лев Додин. Спустя 20 лет это уже второй «Вишневый сад», взращенный режиссером. Теперь новое прочтение и звездный состав: Ксения Раппопорт, Елизавета Боярская, Данила Козловский. На этот раз мэтр решительно стирает границу между миром чеховских героев и нашим. Дыхание чеховских героев никогда не чувствовалось так близко: декорации вместо первых рядов в зале, посреди партера бильярдный стол. Главные герои вдруг появляются из-за спин зрителей, и весь спектакль – на расстоянии вытянутой руки. В финале в заколоченном доме вместе с Фирсом остаются все зрители.


«Вишневый сад»


Как стать человеком. Вторая сцена Александринского театра продолжает экспериментировать с репертуаром. «Золотая маска» в номинации «Современный танец» досталась «Экспонату/Пробуждению». Анна Абалихина, одна из ведущих российских хореографов, выпускница знаменитой танцакадемии Роттердама, создала пластическое повествование в жанре перформанса-инсталляции. Саунд-дизайн Вангелино Курентзиса (брата Теодора Курентзиса). На сцене – завораживающее рождение жизни и движения. Сцена покрыта гелем, который напоминает то лед, то воду, то космос. Новорожденный бесполый Homo Performans (роль существа поочередно исполняют танцовщики Полина Пшиндина и Юрий Чулков) учится шевелиться лежа, постепенно его конечности становятся более ловкими и сильными. Он пытается исследовать себя и мир так чутко и пластично, что глаз не отвести. Закрепленные на перформере датчики превращают биопараметры тела танцора в звуковую и световую композицию. «Экспонат/Пробуждение» – современный танец о том, как непросто стать человеком.


«Экспонат/Пробуждение»


«Маски» за сказку и житие. Сразу две «Золотые маски» получили постановки театра «Практика», известного страстью к экспериментам. Художник Евгения Панфилова создала для спектакля «Золушка» минималистичные костюмы. Герои одеты так, как любой прохожий или ваш знакомый. Вероятно, эта простота, переносящая миф в антисказочную реальность, и получила высокую оценку жюри. «Сюжет остается таким, как мы его помним из детства, но главная тема – не любовь, не принц на белом коне, а кое-что «поважнее и повзрослее» – как отпустить прошлое и вспоминать о нем с улыбкой. Думаю, мне было бы намного сложнее работать над «стандартной» Золушкой, она просто хорошая и бедная, вот и все. А это другая Золушка», – рассказывает режиссер Надежда Лумпова.


«Золушка»


Кроме «Золушки», театральную премию в номинации «Эксперимент» взял спектакль «Петр и Феврония Муромские». По словам режиссера Светланы Земляковой, она стремилась оживить архаичную житийную историю. «Она ведь сейчас стала общим местом: памятники Петру и Февронии в каждом городе стоят, и в школе их житие изучают. Главная задача и главная сложность состояли в том, чтобы рассказать эту историю современным языком. Хотелось, чтобы текст и его содержание ожили. Мне кажется, эксперимент заключается уже в том, что мы взяли для постановки эту повесть».


«Петр и Феврония Муромские»


Спектакль для конспиративных квартир. «Жизни за царя» итальянского режиссера Джулиано Ди Капуа досталась «Золотая маска» в номинации «Спектакль малой формы». У петербургского театра, носящего имя основателя «Театро Ди Капуа», собственной площадки пока нет, поэтому в Северной столице нетривиальную «Жизнь за царя» видели и в старой петербургской квартире на Моховой, и в галерее «Голубая Гостиная». Спектакль задуман так, чтобы артисты могли сыграть его в любом помещении, в котором оказались. Постановка Ди Капуа названа в честь оперы Михаила Глинки для «конспирации», и на самом деле даже Ивана Сусанина в ней нет. Зритель сразу попадает на явочную квартиру народовольцев. Сюжет создавался на основе документов Исполнительного комитета партии «Народная воля»: письмах, воззваниях, выступлениях, речах в суде, мемуарах. За столом революционеры-террористы Вера Засулич, Николай Кибальчич, Игнат Гриневицкий. Рассказывая об интересе к персонажам, Ди Капуа поясняет и выбор сюжета: «В городе, готовящемся «весело» праздновать 400-летие рода Романовых – представителей касты, говорящей на иностранном наречии в звуконепроницаемом пузыре над побоищем, невозможно было не рассказать о тех молодых, не задохнувшихся в пыли, смелых и безумно красивых в своем подвиге мальчиках и девушках из группировки под названием «Народная воля». Редкий человек с тех пор так, как они, проникался русским народом. Они наряду со своими современниками в литературе, в музыке, изобразительном и прикладном искусстве поставили народу непревзойденный памятник. Памятник, который заставил вздрогнуть весь цивилизованный мир».


«Жизнь за царя»


«За глубокое проникновение в трагедию героя». Специальной премией фестиваля отмечена игра Лаврентия Сорокина, сыгравшего Позднышева из «Крейцеровой сонаты». Классический спектакль по пьесе Льва Толстого Новосибирский театр «Глобус», отмечающий 85-летие, поставил в начале прошлого сезона. Главный режиссер театра Алексей Крикливый, известный работой с современной драматургией, объясняет выбор «Сонаты»: «Вроде бы перед нами банальный анекдот – муж вернулся из командировки и застал жену с мужчиной, хотя там нет даже намека на измену. Но в итоге он ее убивает. Две трети произведения, – а оно делится на три части, мы вычислили этот принцип сонаты, – он пытается подвести под свой поступок какую-то идеологию. Не человек виноват в том, что он такой, он уже родился с искореженной кармой. Мир, который его окружает, с самого рождения диктует ему определенные условия. Позднышев бунтует против этого мира, он не хочет видеть его таким, но поиск этой чистоты и невинности приводит его к еще большему безумию…»


«Крейцерова соната»


Человеколюбию этого спектакля можно только позавидовать. Тут не просто дежурная любовь к городу, иронично реализованная в шансонных доморощенных песнях о Воронеже, тут действует именно всепонимающая любовь к людям, к маленькому человеку любого сословия. «Режиссер и актеры, единственные в России, обошлись без драматурга, проявив невероятную солидарность. Жителей Воронежа мы застаем на празднике. Но День города у Михаила Бычкова не парадный, а сложный, конфликтный. Каждый из героев спектакля оказывается жертвой города, одиноким странником в бескрайних асфальтовых джунглях», – высказывается о постановке театральный критик Павел Руднев.


Специальной премией жюри за создание целостного актерского ансамбля отмечен и документальный спектакль «День города» Воронежского камерного театра. Режиссер и художественный руководитель Михаил Бычков умело использует известный метод «вербатим». Разговоры и монологи горожан – 13 историй реальных жителей Воронежа, записанных на местном празднике – Дне города. Сюжеты не связаны между собой. Каждый эпизод завершается очередным неформальным гимном Воронежу в жанре поп, шансон и т.д., по традиции звучащих на формальном празднике.


«День города», монологи воронежцев

]]>
Что фильм грядущий нам готовит7 июня в сочинском Зимнем театре будет многолюдно. На торжественную церемонию открытия XXVI кинофестиваля «Кинотавр» соберутся продюсеры, режиссеры, актеры, сценаристы, дистрибьюторы, владельцы кинотеатров, журналисты. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/51306/chto-film-gryadushii-nam-gotovitFri, 05 Jun 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Что фильм грядущий нам готовит

НовостиКино

7 июня в сочинском Зимнем театре будет многолюдно. На торжественную церемонию открытия XXVI кинофестиваля «Кинотавр» соберутся продюсеры, режиссеры, актеры, сценаристы, дистрибьюторы, владельцы кинотеатров, журналисты.


Фестиваль, по словам президента фестиваля Александра Роднянского, – это витрина российского кино в текущем году. Кроме того, конкурс способствует продвижению отечественного кинематографа на международном рынке.


«Мы приглашаем отборщиков и директоров всех крупных европейских фестивалей – Венецианского, Берлинского, Каннского и других. И можно привести массу примеров того, как успешно складывались судьбы участников «Кинотавра» на международных фестивалях. Так, прошлогодние лауреаты фестиваля – фильмы «Испытание» Александра Котта, «Класс коррекции» Ивана Твердовского, «Как меня зовут» Нигины Сайфуллаевой или «Дурак» Юрия Быкова – в совокупности получили десятки международных наград. На «Кинотавре» традиционно складываются кинематографические «браки» авторов и режиссеров, количество замыслов, которые там рождаются, огромно. Мы любим открывать имена, любим, когда авторы «короткого метра» возвращаются к нам с полнометражными дебютами».

Президент фестиваля Александр Роднянский


Смотр откроется черно-белой лентой «Конец прекрасной эпохи» Станислава Говорухина по мотивам «Компромисса» Сергея Довлатова. Кинокартина, в которой снялись Светлана Ходченкова, Иван Колесников, Федор Добронравов, возвращает зрителя в 60-е годы.


Фильмом закрытия в этом году станет драма Олега Асадулина «Зеленая карета» с участием Андрея Мерзликина, Виктории Исаковой, Сергея Юшкевича.


В этом году для участия в программе из 415 работ было отобрано 14 полнометражных картин и 22 короткометражные, среди которых работы Елены Хазановой, Ивана Вырыпаева, Василия Сигарева, Натальи Кудряшовой, Александра Котта, Татьяны Догилевой, Анны Меликян и которые будут бороться за главный приз кинофестиваля. Главный критерий отбора – наличие индивидуального авторского стиля и свежих творческих идей. Жюри основного конкурса возглавит режиссер Алексей Учитель. Вместе с ним фильмы будут оценивать актеры Андрей Смоляков и Олеся Судзиловская, кинокритик Петр Шепотинник, оператор Юрий Клименко, сценарист Николай Куликов, продюсер Наталья Мокрицкая, кинопрокатчик Алексей Рязанцев. Во главе судейской коллегии конкурса «короткого метра» продюсер Игорь Толстунов. В жюри также вошли кинокритик Иван Кудрявцев, актриса Агния Кузнецова и режиссер Иван Твердовский.


«Ангелы революции» (режиссер Алексей Федорченко)
Фильм основан на реальных событиях. В 30-е годы в тайгу к ханты и лесным ненцам близ реки Казым приехала из Свердловска группа художников-авангардистов с миссией учредить новую жизнь с ее атрибутами – от школ и роддомов до супрематистского искусства. Но шаманы посоветовались со своими духами и убили пришельцев. История о катастрофическом столкновении двух цивилизаций.


«Ангелы революции». Трейлер


«Находка» (режиссер Виктор Демент)
Экранизация повести Владимира Тендрякова «Находка». По сюжету старший инспектор рыбнадзора Трофим Русанов (Алексей Гуськов), считающий себя «законом», а окружающих людей – «сволочами и ворьем», волей обстоятельств оказывается в таежном лесу один на один с суровой природой, за десятки километров от человеческого жилья. Случай, произошедший с ним в заснеженной тайге, круто меняет его взгляды на жизнь…


«Находка». Трейлер


«14+» (режиссер Андрей Зайцев)
В 2007 году Андрей Зайцев получил премию «Золотой орел» за монтаж картины Никиты Михалкова «12», его документальная лента «Виктор Астафьев. Веселый солдат» собрала целый букет призов, а игровой фильм «Бездельники» победил на фестивале «Окно в Европу». Новое кино Зайцева – о первой любви. Очередная трактовка истории Ромео и Джульетты. Фильм, созданный из ощущений, критики назвали любовным триллером. Интересно, что актеров режиссер искал через социальные сети. Изучил многие странички пользователей, смотрел фотографии, прочел километры постов.


«14+». Трейлер


«Пионеры-герои» (режиссер Наталья Кудряшова)
Фильм-дебют режиссера Натальи Кудряшовой о том, что люди больше не мечтают о великом, они мечтают о стабильности и просто живут. Герои картины – молодые и успешные люди, чье детство пришлось на конец 80-х.


«Это кино – признание в любви советскому детству. Мое поколение поменяло страну в возрасте 10–15 лет… В моей истории происходит диалог между двумя мирами – миром советского детства, больших сверхидей и нынешним безыдейным пространством».

Режиссер Наталья Кудряшова


В фильме снимались Дарья Мороз, Анатолий Белый и Юрий Кузнецов.


«Пионеры-герои». Трейлер


«Про любовь» (режиссер Анна Меликян)
Пять новелл. Судьбы героев переплетаются, потому что все они ищут ответ на один вопрос: что такое любовь? Здесь и молодая пара, предпочитающая жить в образах японских аниме-героев; секретарша, получившая непристойное предложение от своего босса; японка, приехавшая в Москву в погоне за мечтой о русском мужчине; художник-граффитист в поисках красоты; бывшая жена, нанятая своим мужем для необычного задания. В фильме блистает артистическое созвездие: Рената Литвинова, Михаил Ефремов, Владимир Машков, Юлия Снегирь, Евгений Цыганов, Равшана Куркова…


«Про любовь». Трейлер


«Синдром Петрушки» (режиссер Елена Хазанова)
Фильм снят по одноименному произведению Дины Рубиной. «Синдром Петрушки» – соединение готического романа, семейного детектива и психологической драмы. В центре сюжета – одержимый кукловод (Евгений Миронов), который влюбился в тряпичную куклу (Чулпан Хаматова).


«Я полюбил сценарий с первых страниц, материал меня захватил, и было понятно, что визуальные задачи в этом фильме непростые. Но наша картина очень тонкая и настолько условная, что одного сценария мало. Поэтому приходилось очень часто обращаться к самому роману и к живописи».

Оператор Азиз Жамбакиев


«Синдром Петрушки». Трейлер


«Спасение» (режиссер Иван Вырыпаев)
Медитативный roadmovies Ивана Вырыпаева – одна из самых ожидаемых российских премьер 2015 года. Молодая католическая монахиня сестра Анна из Польши получает назначение в миссию прихода, который находится высоко в Гималаях. Приехав туда, Анна сталкивается с иной культурой, с другими энергиями и абсолютно другой религией. Загадочный мир Тибета и случайные встречи в пути ставят сложные вопросы.


«Для меня это фильм о моей стране. Образ моей страны я представил в виде главной героини. Я попытался показать, как выглядит наша главная российская проблема – коммуникации с «другим» миром. И как важно наладить эту коммуникацию, но не потерять себя».

Режиссер Иван Вырыпаев


«Спасение». Трейлер


«Чайки» (режиссер Элла Манжеева)
Первый в истории калмыцкий фильм уже был представлен на Берлинале. До сих пор режиссер Элла Манжеева снимала короткометражки и документалистику. «Чайки» – ее дебют в полнометражном кино. Свою историю, насквозь пронизанную древними традициями и поверьями, режиссер снимала в родной Калмыкии, а непрофессиональные актеры лишь добавили фильму убедительности.


«Я поняла, насколько это важно – на уровне энергетики – сохранить аутентичность».

Режиссер Элла Манжеева


«Чайки». Трейлер


«Инсайт» (режиссер Александр Котт)
Автор сценария и режиссер Александр Котт вспоминает, что как-то встретил человека, чей отец потерял зрение на войне: «Этот человек никогда не видел своего сына. Он никогда не видел женщину, на которой женился. Она была медсестрой, которая выходила его. Реальный случай и вдохновил меня написать историю. Про любовь такого человека, про его воображаемый мир и будет наше кино. Кино – это изображение, а изобразить взгляд невидящего человека – очень интересная задача».


«Инсайт». Трейлер


NO COMMENT (режиссер Артем Темников)
Актуальная военная драма NO COMMENT – режиссерский дебют Артема Темникова. Немецкий юноша Томас, обработанный исламскими радикалами, становится одним из ваххабитов под именем Хамза.


«Работая над документальным фильмом, в котором был чеченский сюжет, я получил необычные видеоматериалы. На этих кассетах хроника наших спецназовцев в горах перемежалась с трофейными видеозаписями, которые вели боевики. И вдруг за кадром я услышал немецкий голос, оказалось, среди боевиков был молодой немец. Меня заинтересовала судьба этого юноши. Мне стало любопытно: почему молодой человек из благополучной страны вдруг попал в дикий лес к бородатым экстремистам? Я начал наводить справки…»

Режиссер Артем Темников


NO COMMENT. Трейлер


В дни фестиваля пройдут специальные внеконкурсные показы: ожидаемый фильм «Родина» Петра Буслова, картина «Брат Дэян» Бакура Бакурадзе, продюсерский проект Тимура Бекмамбетова «Убрать из друзей», снятый в Голливуде и удостоившийся специального упоминания жюри на фестивале жанрового кино Fantasia в Монреале за техническое и концептуальное решение, а также приза зрительских симпатий «За самый инновационный фильм».

]]>
«Золотая маска» в кино»«Золотая маска» — главная театральная профессиональная премия в стране и важнейший российский театральный фестиваль. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/38666/zolotaya-maska-v-kinoTue, 03 Mar 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«Золотая маска» в кино»

НовостиТеатры

«Золотая маска» — главная театральная профессиональная премия в стране и важнейший российский театральный фестиваль.


]]>
Всем миром – «Прощание с Матерой»Валентина Распутина читают в Иркутском драмтеатре. Читают вместе жители городов, поселков и деревень. Всего 345 человек. Одно из самых издаваемых произведений автора «Прощание с Матерой» стало видеокнигой. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/39147/vsem-mirom-proshanie-s-materoiMon, 16 Mar 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Всем миром – «Прощание с Матерой»

НовостиТеатры

Валентина Распутина читают в Иркутском драмтеатре. Читают вместе жители городов, поселков и деревень. Всего 345 человек. Одно из самых издаваемых произведений автора «Прощание с Матерой» стало видеокнигой.


]]>
Эвтерпа в Доме МузПодошел к концу перекрестный Год культуры Великобритании и России.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/30389/evterpa-v-dome-muzWed, 31 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Эвтерпа в Доме Муз

НовостиМузеи

Подошел к концу перекрестный Год культуры Великобритании и России.

]]>
Русский след на Берлинале«Пионеры-герои» участвуют в Берлинском кинофестивале. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/32912/russkii-sled-na-berlinaleWed, 21 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Русский след на Берлинале

НовостиКино

«Пионеры-герои» участвуют в Берлинском кинофестивале.

]]>
Юбилейный мультпросветВ Суздале начинает работу 20-й Открытый российский фестиваль анимационного кино, крупнейший профессиональный форум отечественной мультипликации. В юбилейный год знаменитый смотр взял «курс на восток» и заручился поддержкой литераторов. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/39136/yubileinyi-multprosvetWed, 18 Mar 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Юбилейный мультпросвет

НовостиКино

В Суздале начинает работу 20-й Открытый российский фестиваль анимационного кино, крупнейший профессиональный форум отечественной мультипликации. В юбилейный год знаменитый смотр взял «курс на восток» и заручился поддержкой литераторов.

]]>
Хор от БогаРассказываем о хоре Сретенского монастыря.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/50457/khor-ot-bogaFri, 10 Apr 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Хор от Бога

ТрадицииПубликации раздела Традиции

Живой орга́н. Хор Сретенского монастыря часто сравнивают по звучанию с этим величественным инструментом. Что бы ни исполнял коллектив: церковные песнопения, русские народные песни или гимн России.



Один из древнейших монастырей столицы. Построен на месте сретения (встречи) чудотворной Владимирской иконы Божией Матери. Этот образ по преданию избавил Москву от Тамерлана. С тех пор зазвучали в обители песнопения – день и ночь монахи молились о мире на Руси.


Ровесник обители – монашеский хор. Самый старый певческий коллектив России – с шестисотлетней историей. Сретенские певчие сопровождали торжественные городские крестные ходы. В 1925 году обитель закрыли – не стало и хора. Лишь спустя 70 лет возродили традиции духовного песнопения.


«С нами Бог». Музыка Павла Чеснокова. Переложение Андрея Полторухина. Солист Алексей Татаринцев.


Хор монастыря не значит хор монахов. В обители пять коллективов: семинаристы, хор братии, прихожан, хор женский и концертный. Все поют на богослужениях, а «представительские» выступления – удел тридцати хористов – профессиональных музыкантов с духовным образованием.


«Верую». Музыка Александра Гречанинова. Переложение Александра Амерханова. Солист Дмитрий Белосельский.


Удивительное a'cappella. «30 человек с голосовой палитрой, заменяющей целый симфонический оркестр. Два баса-октависта, роскошь, которой славятся только русские хоровые коллективы. И каждый певец – настоящая находка», – говорит регент Никон Жила.


«Выхожу один я на дорогу». Музыка Елизаветы Шашиной. Стихи Михаила Лермонтова.


«Особые скрепы». Гармонии звучанию добавляет внимание к духовной составляющей произведений. И здесь помогает статус монастырского хора и тот факт, что его участники – люди воцерковленные. Музыканты дружат семьями, крестят детей и встречают праздники.


«Ой, то не вечер». Казачья народная песня.


Светская премьера. Сретенский хор вне храма впервые выступил в Кузбассе 10 лет назад. С тех пор освоены лучшие концертные площадки: Кремлевский дворец и Консерватория, Рождественский и Пасхальный фестивали. Что не отменяет обязательного участия в богослужениях.

Миссионерские гастроли. Нью-Йорк, Вашингтон, Лондон, Торонто, Сидней, Берлин. Молебен под сводами собора Парижской Богоматери и концерт в ЮНЕСКО. Сретенский хор совершил мировое турне в честь объединения Русской православной церкви.


«Сретенский хор – это феномен исполнительского искусства. Уникальные голоса его солистов делают этот хор одним из лучших мировых ансамблей. Их необычайно творческие и оригинальные интерпретации церковных песнопений и народных песен позволяют их слушателям совершить захватывающее путешествие к самым истокам русской культуры»

Министр культуры России Владимир Мединский


Олимпийские достижения и… новые спортивные традиции. Исполнение гимна России в «сочинском варианте» произвело настоящий фурор. И обрело последователей. Подмосковный хоккейный клуб «Витязь» решил открывать каждый домашний матч гимном в исполнении Сретенского хора.

День православного Востока

Пасха (Светлое Христово Воскресение)


«Небо и земля». Название программы хора и краткий экскурс в репертуар. На счету музыкального коллектива восемь альбомов. Духовные песнопения, народные песни, романсы. Произведения известные и уникальные. Как греческое песнопение, основанное на древней Византийской системе ладов.


«Полюшко-Поле». Музыка Льва Книппера, стихи Виктора Гусева. Обработка Дмитрия Лазарева.


Новая страница. В 2017 году в монастыре построят церковь Новомучеников и Исповедников Российских на Крови. Храм большой – на две тысячи прихожан… и слушателей хора. Уникальное звучание коллектива в родной обители дополнится соборной акустикой.

Эскиз проекта Храма Новомучеников и Исповедников Российских на Крови планируют возвести в Сретенском монастыре и освятить в феврале 2017-го © Фото: Православие.ru

Документальный фильм архимандрита Тихона Шевкунова «Русские»


]]>
«Будьте здоровы и не взыщите...»Музыкальная история о неунывающем молочнике Тевье на ярославской сцене. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/37378/budte-zdorovy-i-ne-vzyshiteThu, 19 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«Будьте здоровы и не взыщите...»

НовостиТеатры

Музыкальная история о неунывающем молочнике Тевье на ярославской сцене.

]]>
Петер Штайн поставил в Москве «Бориса Годунова»Премьера в театре «Et Сetera».http://yandex-rss.herokuapp.com/news/32700/peter-shtain-postavil-v-moskve-borisa-godunovaFri, 16 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Петер Штайн поставил в Москве «Бориса Годунова»

НовостиТеатры

Премьера в театре «Et Сetera».

]]>
У театра праздник!Международный день театра, который традиционно отмечают 27 марта, пришелся на самый разгар фестиваля «Золотая Маска», смотра лучших российских театральных постановок, который ежегодно проходит в Москве. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/39430/u-teatra-prazdnikThu, 26 Mar 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

У театра праздник!

НовостиТеатры

Международный день театра, который традиционно отмечают 27 марта, пришелся на самый разгар фестиваля «Золотая Маска», смотра лучших российских театральных постановок, который ежегодно проходит в Москве.


]]>
Новая жизнь романсов Рахманинова Вышел в свет альбом «Здесь хорошо», в котором собраны десять лучших, может быть, самых трепетных романсов Сергея Рахманинова. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/39164/novaya-zhizn-romansov-rakhmaninovaWed, 25 Mar 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Новая жизнь романсов Рахманинова

НовостиТеатры

Вышел в свет альбом «Здесь хорошо», в котором собраны десять лучших, может быть, самых трепетных романсов Сергея Рахманинова.

]]>
Неизвестный Красноярск«Красноярский кинограф», одна из старейших организаций Сибири по прокату фильмов, к своему 80-летию впервые покажет на большом экране уникальную хронику начала XX века.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/35972/neizvestnyi-krasnoyarskWed, 04 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Неизвестный Красноярск

НовостиКино

«Красноярский кинограф», одна из старейших организаций Сибири по прокату фильмов, к своему 80-летию впервые покажет на большом экране уникальную хронику начала XX века.

]]>
Трудно быть академикомПеред академиками кинопремии «Ника», победители которой были объявлены на торжественной церемонии в театре «Русская песня», стояла непростая задача. http://yandex-rss.herokuapp.com/news/50294/trudno-byt-akademikomWed, 01 Apr 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Трудно быть академиком

НовостиКино

Перед академиками кинопремии «Ника», победители которой были объявлены на торжественной церемонии в театре «Русская песня», стояла непростая задача.

]]>
Российский мультфильм номинирован на «Оскар»У мультфильма «Мы не можем жить без космоса» Константина Бронзита появился шанс получить самую престижную кинопремию мира.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/76809/rossiiskii-multfilm-nominirovan-na-oskarThu, 14 Jan 2016 19:42:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Российский мультфильм номинирован на «Оскар»

НовостиКино

Мультфильм «Мы не можем жить без космоса» российского режиссера Константина Бронзита номинирован на «Оскар» в номинации «Лучший мультфильм».


Конкурентами российского мультфильма являются «Медвежья история» Габриэля Осорио (Чили), «Пролог» Ричарда Уильямса (Канада/Великобритания), «Суперкоманда Санджая» Санджая Патела (США) и «Мир будущего» Дона Хертцфельдта (США).


О номинации мультфильма на «Оскар» стало известно 14 января. В шорт-лист премии «Мы не можем жить без космоса» был включен 20 ноября 2015 года.


Торжественная церемония вручения призов Американской киноакадемии состоится 28 февраля 2016 года.


Фрагменты мультфильма «Мы не можем жить без космоса». Режиссер К. Бронзит


]]>
Меню для «Гамлета»Если люди хотят получить пищу духовную, они идут в театр. Если люди мечтают о пище материальной, они также могут прийти… в театр.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/26666/menyu-dlya-gamletaThu, 11 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Меню для «Гамлета»

ТеатрыПубликации раздела Театры

Если люди хотят получить пищу духовную, они идут в театр. Если люди мечтают о пище материальной, они также могут прийти… в театр.



Невероятно, но факт: в некоторых храмах искусства зрителей угощают не только новыми постановками, но и необычными блюдами. И дело здесь совсем не в буфете. Есть или не есть — решать вам. Но всегда приятно, когда театры заботятся о своих посетителях. Какими бы ни были угощения, главное, чтобы происходящее на сцене радовало, а сам театр давал пищу для размышлений, побеждая и голод творческий, и голод физиологический.


Студия театрального искусства


Студия театрального искусства

В меню: Платонов и бутерброды, Ерофеев и шпроты


Спектакли в СТИ начинаются уже в фойе. Если прийти пораньше, то можно угоститься зелеными яблоками. Всем зрителям выдают этот гастрономический символ театра абсолютно бесплатно. Но не только яблоки могут порадовать посетителей.


Перед спектаклем «Москва–Петушки» можно угоститься шпротами, килькой, луком и черным хлебом, а для особо смелых даже стоит водка «Столичная».


Перед спектаклем «Река Потудань», в свою очередь, можно отведать бутербродов, а перед «Записными книжками» — мороженого. Подобная щедрость объясняется тем, что так зрители могут глубже погрузиться в атмосферу спектакля и в полной мере понять героев. Идея принадлежит худруку театра Сергею Женовачу.


Открытая сцена на Поварской


Фотография: Открытая сцена на Поварской

Для вас: Гамлет и конфеты


На небольшом пространстве в центре Москвы угощают конфетами-драже. Они подаются зрителям вместе с программкой перед спектаклем. «Гамлет. Этюды Шопена. Моноконцерт».


Вкусности находятся в небольшой колбе с гордой надписью «Яд Гамлета». На самом деле лакомство совсем не ядовитое, а очень даже приятное на вкус.


Также в театре планируется угощение зрителей пирожками и чаем на безвозмездной основе.


Новая Опера


Новая Опера

Разговоры за чашкой чая


Еще более интересный формат угощений в театре ввели в Новой Опере. Для зрителей была придумана театральная гостиная, которую назвали «Опера Lounge».


В фойе проходят творческие встречи. Их ведет директор театра Дмитрий Сибирцев. Темы для обсуждений бывают самые разные: от премьер до театральных дискуссий.


Для того чтобы попасть, нужно лишь заранее зарегистрироваться на сайте театра. Во время беседы вас будут угощать чаем или кофе, а также сладостями и пирожками. Такой формат встреч был придуман около года назад, инициатором творческих «посиделок» стал сам Сибирцев. Идею поддержали, и теперь любой желающий может устроить себе чаепитие в приятной театральной компании.


Театр «Мост»


Театр «Мост»

Сэндвичи и Оскар Уайльд


В студенческом театре «Мост» к делу подходят с куражом. А как же еще может быть у молодых?


Во время комедии «Как важно быть серьезным» герои едят сэндвичи с огурцом. Подобным же блюдом можно угоститься в антракте.


Праздник живота ждет зрителей и во время спектакля «Есть ли жизнь на Марсе?». А в перерыве можно поесть шпроты.


Организаторы говорят, что подобные трапезы объединяют зрителей и героев, заставляя всех чувствовать себя одной семьей.


Театр «У Никитских ворот»


Театр «У Никитских ворот»

Песни и напитки покрепче


Пожалуй, самое необычное и суровое угощение можно попробовать в Театре «У Никитских ворот».


Когда идут «Песни нашего двора», зрители слушают, подпевают, пьют и закусывают. Посетителям подается самая настоящая водка. Подобное угощение помогает окунуться в атмосферу Советского Союза.


В момент действия расстояние между сценой и залом будто пропадает. И зрители и актеры чувствуют себя единым целым.

«Экклезиаст»


Немного истории. Угощать зрителей в театре начали уже давно. Самое масштабное кулинарное действо состоялось в начале прошлого века, в 30-х годах.


Во МХАТе показывали «Три толстяка». Один из героев попадал в кондитерскую. Троном для персонажа служил самый настоящий торт, а на сцене находились апельсины, гранаты, цукаты и многие другие угощения. В антракте зрители могли насладиться этой гастрономической вакханалией.


[ВИДЕОПЛЭЙЛИСТ id=123][/ВИДЕОПЛЭЙЛИСТ]

]]>
Фестиваль «Путешествие в Рождество» посвятили теме космосаНа центральных улицах установили тематические аттракционы.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/255318/festival-puteshestvie-v-rozhdestvo-posvyatili-teme-kosmosaThu, 09 Jan 2020 14:10:39 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Фестиваль «Путешествие в Рождество» посвятили теме космоса

Новости

Космос стал темой ежегодного московского фестиваля «Путешествие в Рождество», который проходит с 31 декабря по 12 января. Участники народных гуляний могут принять участие в тематических мероприятиях и устроить фотосессии на фоне специально разработанных декоративных инсталляций.



Тема космоса была выбрана по случаю юбилеев, выпавших на 2019–2020 годы: 85-летие со дня рождения Юрия Гагарина, 90-летие Московского планетария, 60-летие отправления в космос Белки и Стрелки.


Улицы столицы в период фестиваля украшены специально разработанными декоративными конструкциями. Тематическая зона с пятиметровыми башнями-ракетами расположилась на Тверской улице — от Козицкого переулка до Столешникова, у Тверской площади работает аттракцион-карусель «Космический полет», на участке от Столешникова переулка до начала Тверской улицы установлена инсталляция «Ракета с Белкой и Стрелкой».


Тематическая зона «Космическая миссия. 1970–1980-е годы» с 15-метровым тоннелем заняла Охотный Ряд и Моховую улицы. Сделать необычные снимки можно возле двухметрового арт-объекта «Солнечная система» на Охотном Ряду.


Также в центре Москвы установлены 12 светящихся навигационных столбов с информацией о расстоянии от Земли до других планет.


Во время новогодних гуляний на всех площадках проходят музыкальные выступления, спектакли и шоу-программы. Не замерзнуть и гостям помогут лаундж-зоны, спрятанные на аллеях из заснеженных деревьев.


Фестиваль «Путешествие в Рождество» проходит во всех округах столицы. Главные мероприятия состоятся на Манежной площади, Новом Арбате, ВДНХ и Тверском бульваре.


]]>
Некоторые особенности похоронно-поминального обряда на русско-украинско-белорусском пограничьеКак известно, традиция наиболее устойчиво сохраняется именно в похоронно-поминальной обрядности. Момент кончины по-прежнему остается загадочным, наполненным мистикой, страхом перед смертью и желанием помочь человеку, покидающему мир живых.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/32916/nekotorye-osobennosti-pokhoronno-pominalnogo-obryada-na-russko-ukrainsko-belorusskom-pogranicheWed, 21 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Некоторые особенности похоронно-поминального обряда на русско-украинско-белорусском пограничье

ТрадицииНематериальное культурное наследиеМифологические представления и верования, этнографические комплексыОбряды

Как известно, традиция наиболее устойчиво сохраняется именно в похоронно-поминальной обрядности. Момент кончины по-прежнему остается загадочным, наполненным мистикой, страхом перед смертью и желанием помочь человеку, покидающему мир живых.



Полевые исследования семейной обрядности, проводившиеся нами в последние годы в различных регионах России, а также смежных территориях Украины и Белоруссии, имели в виду выяснение самых разных вопросов, связанных с данной темой. В настоящей статье в основном представлен материал, характеризующий ситуацию в районе русско-украинско-белорусского пограничья, с привлечением сравнительных данных из соседних областей России. Своеобразие данного региона состоит не только в том, что здесь проживали и проживают этнически близкие народы. Историческое развитие пограничных земель привело к тому, что этническая принадлежность их жителей не поддается четкой этнической идентификации. Для изучения культуры обозначенного региона наиболее важно не просто выявление локального и регионального распространения тех или иных традиций, но и рассмотрения их в контексте существовавших и существующих границ: административных, политических, языковых. Это предполагает фиксирование традиции в микромасштабном варианте, позволяющем проследить территориальные изменения обрядовых реалий. Такой подход необходим для познания обрядовой культуры каждого из восточнославянских народов, поскольку «народная культура и фольклор существуют и функционируют исключительно в диалектной форме, в форме местных, узколокальных вариантов».


Не менее важной задачей остается выяснение представлений населения по самым разным сюжетам религиозно-обрядового характера, что позволит в целом составить адекватное понимание специфики современного мироощущения населения изучаемых регионов и определить характер и направление процессов трансформации, происходящих как в наше время, так и в так называемый советский период.


Мы не предполагаем рассматривать весь похоронно-поминальный комплекс, но остановимся на некоторых его сюжетах, связанных с моментами «перехода» умершего в иной мир. При этом основное внимание уделим не только обрядовым особенностям, но и материальному оформлению растянутого во времени отправления человека в мир иной, поскольку каждый из включенных в данный процесс компонентов наделяется определенным смысловым значением. Понимание его и строгое следование положенным правилам, с точки зрения носителей традиции, всегда необходимо и живым, и умершим.


Как известно, традиция наиболее устойчиво сохраняется именно в похоронно-поминальной обрядности. Причин этому несколько. Одна из них – печально объективная: никакие социальные или идеологические катаклизмы не могут изменить непреложного закона бытия – в положенный срок человек покидает земной мир. Момент кончины по-прежнему остается все столь же загадочным, наполненным мистикой, страхом перед смертью и желанием помочь покидающему мир живых человеку.


На кладбище. с. Шулаковка Унечского р-на Брянской обл. 2013

Материалы наших исследований показывают, что и сейчас видение загробного существования отличается большой степенью натуралистичности. Христианская традиция, лежащая в основе формирования всей обрядности, связанной со смертью, постоянно дополняется религиозными соображениями и действиями, не всегда соответствующими каноническим правилам церкви. Можно сказать, что такое обрядово-представленческое расширение, не выходя в целом за рамки церковного учения, демонстрирует своеобразие понимания народом загробного мира и факторов, необходимых для благополучного пребывания в нем близкого человека.
Отметим две явные характеристики современного подхода к отправлению человека в последний путь: проецирование потребностей земной жизни на загробное существование и одновременное прямое проецирование всего, что выполняют живые по уходу за умершим, на его обустройство и состояние в параллельном мире.


Элементы явно нехристианского характера присутствуют в снаряжении умершего, в частности в комплектовании предметов, которые считают необходимым отправить с покойным. Это было характерно для дореволюционного времени, отличие современной ситуации в смене материальных предметов, без которых не обойдется умерший. Как и прежде, на всем пограничье мужчине кладут в гроб шапку, обычно, независимо от времени года, фуражку. Затем предметы, необходимые для нормального функционирования, например палка или вставные зубы, а также курево, бутылку водки, запасной платок (потеплее) для женщин. Расширение ассортимента предметов, которые следует отправить с умершим в загробный мир, приобретает иногда почти анекдотический характер. Так, библиотека Климовического р-на Могилевской обл. лишилась таким путем некоторых книг.


«У нас уже несколько случаев было. У нас хорошие книги, коммерческие пропали, в библиотеку их не вернули. Он умер, читавший эту книгу. Значит, надо ему положить – дочитать. Значит, не дочитал книгу, и ему кладут книгу. И уже не один случай».


Отправление именно библиотечных книг объясняется, может быть, и нежеланием отправить с умершим какую-либо вещь из своего дома, принадлежащую всему домохозяйству.


Столь же реальное видение человека в загробном мире объясняет и упорно сохраняющуюся традицию оставлять у умершего открытыми ступни и лицо (традиция, характерная для белорусов) или одно лицо (более распространено у украинцев). Обычное объяснение – умершему нужно ходить и видеть «там». Уверения батюшек в том, что «там никто не ходит», не оказывают, как правило, воздействия. Нарушение же традиции вызывает, по уверениям жителей, недовольство умерших.


«У нас принято лицо не закрывать. А маму мою похоронили. Батюшка сказал, чтобы лицо прикрыли. И сон: говорит: «Все, мне жарко, но так мне трудно дыхать». Вот, воздуху не хватае» (г. Семеновка Черниговской обл., 2009).


Все элементы «правильного» снаряжения умершего на тот свет определяются различными образно-мистическими представлениями. К таковым, например, относится восприятие нательного креста как сакрального предмета, являющегося не только защитой христианина, но и своего рода аккумулятором всех его невзгод. Отсюда запрет брать чужой крест, ожидание беды при его нахождении, запрет крестить новорожденного чужим крестом. Эти суеверия в настоящее время гораздо более разнообразны и значимы у русских, нежели у белорусов и украинцев. Однако и у украинцев можно встретить различные рассказы на эту тему, в том числе и относящиеся к проблеме загробного существования. Приведем один из них. «Расскажу: умирае мамина сестра. Она не выходила замуж и жила с нами. И нас ростить помогала. И умирае. И позвала мама соседскую жинку, шоб помыла ее, переодела. А она (умершая. – Т. Л.) всегда ходила с крестиком. И все перетрусили, но не знаем, где этот крестик делся? Як в воду канул. И взяла мама свой крестик и на нее одела. Не крестильный, просто свой. Сестра моя Шура жила в Одессе, она не была на похоронах. И через год приехала. И каже: «Мне так часто снится тетя и журится: «Шура, ты знаешь, я всю жизнь помогала ей крест нести, а на тот свет она меня отправила со своим крестом!»» Мама каже: «Я ж правда отправила». И у меня, каже, новые крестики лежали, но не до того было. Дак она купила новый крестик, пошла на могилу, подкопала и у креста положила» (г. Городня Черниговской обл., 2009).


Различные пожелания относительно будущего проведения и обустройства собственных захоронений также определялись проецированием всего, что будет сопровождать человека в последний путь, с его пребыванием в ином мире. «У нас бабушка говорила:


«Штоб мне никаких цепей не ставили, ни памятников, потому что скажут на Страшный суд идти, а як я перелезу, я уже слабая. Да еше и памятник тый нести. Мне хрест – всё!»» (с. Лемешовка Городнянского р-на Черниговской обл., 2009).


Полотенца на крестах. с. Лемешовка Городнянского р-на Черниговской обл. 2011.

Постоянное соотнесение всех действий по организации проводов с последующим пребыванием в загробном мире определяет выбор места для могилы. Существование представлений о некоем совместном семейно-родственном объединении на том свете сказывается в организации семейных захоронений, что характерно для всех современных кладбищ. Общее убеждение в том, что лежать на кладбище нужно со своими близкими или хотя бы в своей земле, характерное особенно для старшего поколения, заставляет, по возможности, выполнять волю умерших. В противном случае умершие могут не давать живым покоя. На территории Белоруссии необходимость совмещать обычай и практическую возможность организации похорон особенно актуальна для переселенцев из Чернобыльских районов. Старые люди – бывшие обитатели ныне совершенно обезлюдевшей зоны, желают тем не менее возвращаться для последнего успокоения в родные места. Информацией о том, что бывает в случае неисполнения последней воли усопшего и как разрешаются такие ситуации, владеют, конечно, местные жители – мужчины, выполняющие в сельской местности роль постоянных могильщиков. По их словам, иногда приходится производить перезахоронение. Одна из таких ситуаций сложилась в поселке Корма Добрушского р-на Гомельской обл. с переселенцами из Брагинского р-на той же области. «Вот Коля, полтора года его матка похороненная лежала. И вот ему снится сон. А она просила, чтоб ее вместе с батькой [похоронили]. Он не может: снится и снится. А это 200 с лишним км ехать. Ну, мы выкопали могилу рано утром, в гроб положили и везли туда, на свою родину. Там похоронили в своей деревне» (2007).


Кладбище в д. Столбун Ветковского р-на Гомельской обл. Белоруссия. 2008.

Аналогичным образом поступили и жители Смоленского р-на: «Одну не туда закопали, не рядом с родителями. Снится зятю, что она ходит в каком-то бараке, в двери стучится. Он ее спросил. Она говорит: «Нет ведь тут нигде моих». Зять говорит: «Будем тещу выкапывать». Батюшка разрешил положить ее рядом с родными, но велел в пустую могилу положить охапку соломы» (с. Хохлово, 1995).


Сохранение семейно-родовых связей может сказываться в различные моменты загробного существования. Например, считают, что при окончательном расставании с земным бытием на 40-й день человек предстает перед Богом, «а рядом весь твой род. Все слушают, что ты сделал хорошего или плохого» (г. Хотимск Могилевской обл., 2004).


с. Видуйцы Костюковичского р-на Могилевской обл. Фартучки на крестах женских захоронений. 2013.

К общим характеристикам современных обычаев жителей региона можно отнести устойчиво сохраняющееся убеждение в том, что каждый умерший должен быть похоронен в отдельной могиле, то есть получить свою меру земли. Причем, стараясь сохранить принцип семейного захоронения, жители все равно предпочитают не класть вновь умерших даже в могилы давно умерших родственников. Как говорят, «и на дедово место нельзя, все равно нельзя». В представлениях местных жителей и сейчас явно чувствуется устойчивая ассоциация: место в земле – это одновременно место в загробном мире.


Унеча Брянской обл. Кладбище. 2013

Даже случайное, «по незнанию», захоронение в чужую могилу может быть истолковано как притязание на чужое место. О последствиях таких захоронений можно услышать в рассказах местных жителей на всем пограничье, причем информация о печальной участи вновь погребенного доводится до сведения близких, как и обычно, во сне. «Мальчика, сына ее, схоронили в чужую могилу, и все по ночам приходил и плакал. Тогда вырыли и похоронили в новую могилу» (с. Чижовка Рославльского р-на Смоленской обл., 1989). Не менее живописное повествование было записано в г. Сураж Брянской обл.


«Так поклала одна девку свою. И эта девка ей снится: «Мама, куды ты меня поклала? Меня гонят отсюда!» И не дает этой матке покоя: «Мама, перенеси меня на мое место». И пошла эта бабка к сторожу, говорит, вот так и так. И заплатила сторожу. Откопали этот гроб дочки ее. Выкопали свежую яму и перенесли этот гроб. А эту яму закопали. И она ей приснилась: «Мамочка, большое тебе спасибо, что ты меня поклала на мое место». А ее поклали туда, где гроб был когда-то. И они ее гнали оттуля» (записано в Хотимском р-не Могилевской обл., 2006).


с. Видуйцы Костюковичского р-на Могилевской обл. Повязывают полотенце на крест только что захороненного. 2013

Опасность похоронить человека в старую могилу стала одним из аргументов бросания денег в землю при захоронении, что особенно характерно для белорусов. По данным П.В. Шейна, деньги отправляли с умершим не всегда, а при определенных обстоятельствах, а именно: когда могли предполагать наличие старого захоронения. В таких случаях нужно было задобрить предыдущего владельца данного места, выкупить у него землю: «Если при опускании в могилу кости – монету бросить, а то ранее погребенный будет гнать».
Современные трактовки бросания денег довольно однотипны. Наиболее распространенное объяснение обычая ограничивается формулировкой «надо откуплять землю. Так спрод веку делали» (дер. Ветка Хотимского р-на Могилевской обл.). Иногда необходимость денег мотивируется так же, как одевание и снаряжение умершего, то есть по ассоциации с потребностями земной жизни: «Бросают деньги, чтобы человек на том свете ни в чем не нуждался» (дер. Ветка, дер. Забелышин Хотимского р-на Могилевской обл., 2007).


Поминальное блюдо - клецки в молоке, сейчас вместо них сушки г. Мстиславль Могилевской обл. 2010.

Церковь всегда боролась и продолжает бороться с подобными суевериями. Обычный комментарий священников: «Земля не продается». Бывает и так, что приглашенные на кладбище священники отказываются совершать последний провод, если будут брошены деньги, а подчас даже заставляют доставать эти деньги из могилы. На территории России нам встретился и категорический запрет бросать деньги, возникший, возможно, как действенный аргумент борьбы с народными обычаями: «Мы хоронили – «не кидай деньги, а то скоро еще кто-то умрет». Это в Красном сказали» (с. Глубокое Краснинского р-на Смоленской обл., 2005).


Поминание на могиле в очередной памятный день. с. Селезни Велижского р-на Смоленской обл. 2008 г.

Теряет свой, еще в недавнем прошлом обязательный характер этот обычай в пограничных районах Белоруссии. Отчасти это связано с вполне реальной причиной: кидать положено металлические деньги, а таковые сейчас в Белоруссии отсутствуют. Многие из лиц преклонного возраста сберегают для похоронных целей советскую мелочь. Сказывается специфика пограничных районов: некоторые находят выход из положения, употребляя русские деньги:


«Монетки – место откупляешь. Бумажные вроде не кидают. Русские можно, все равно деньги» (дер. Ляды Дубровинского р-на Витебской обл., дер. Ветка Хотимского р-на Могилевской обл.).


Других же эта «иноэтничность», или, скорее, «иногосударственность», денег несколько смущает, и они либо бросают бумажные белорусские, либо просто отказываются от соблюдения данного обычая.


Отметим, что нам практически не встретилось упоминаний о функциональном назначении денег как плате за перевоз на тот свет. Судя по всему, это значение не было характерно и для конца прошлого века. Видимо, сказывается неразработанность одной из основных линий христианской мифологии, связанной с учением о жизни после смерти. Мы имеем в виду предложенную церковью схему «перехода», включающую хождение по мытарствам и загробную участь. Как мы видим, в народной традиции наиболее часто речь идет о покупке земли – места на кладбище или места на том свете, что в мифологическом плане практически сливается: имеющий место здесь, имеет его и «там», поскольку все, что делается здесь, проецируется на тот свет. «Выкуп» земли, наверное, интересен и с точки зрения отношения крестьян к земле и возможности владения ею. Как известно, крестьяне отрицательно относились к частной собственности на землю, считая ее Божьей собственностью, отданной людям для работы на ней. Тем не менее то место, на которое претендовал каждый живущий на земле и которое он и получал после смерти, воспринималось как вечная собственность. Вопрос о том, у кого же покупается земля (обычно не говорят покупается, а откупается, выкупается), ставит, как правило, наших собеседников в тупик, хотя и сейчас можно встретить ответы в духе православного крестьянского мышления: «В могилу кидаем – землю откупать. У кого? Не знаем, у Господа Бога».


Кладбище с. Шулаковка Унечского р-на Брянской обл. 2013

обычаем класть деньги в могилу связано и убеждение в том, что загробное существование человека постоянно связано с местом его захоронения. Приведу один из рассказов, в котором очевидна присущая народному видению соединения двух миров реалистичность загробной жизни: «Я работала в Семенце, копали траншею. Выкопали вот такие копейки большие. Все кинулись, думали, что золотые. А я на кладбище не возьму – ни золотые, ни серебряные. Меня с детства учили. Снится мне во сне, что я приехала на работу. Входит дед вот с такой бородой. А я говорю: «Дедушка, что Вы ходитя?» – «Потерял, – говорит, – деньги». Я встала утром, мелочи набрала, прийшла. Ямку вырыла, костей насобирала, все в ямку. «Дедушка! Вот твои деньги, и вот твои кости»» (г. Ветка. Гомельской обл., 2007).


Расположение столиков на кладбище с. Столбун Ветковского р-на Гомельской обл. 2008 г.

Как известно, ни церковная, ни народная традиция не разрешала хоронить на общих кладбищах самоубийц. Этот запрет с разной степенью строгости действовал и в довоенное время. Его можно отнести к единой восточнославянской традиции. В порядке захоронения еще одной маргинальной группы умерших – выкидышей, мертворожденных или умерших без крещения новорожденных можно выделить явную украинскую традицию. Мы имеем в виду захоронение их в саду. Возможно, такие варианты встречались и в русской, и белорусской обрядности, но давно уже вышли из обрядовой практики. Во всяком случае, полевые исследования на территории России, как и в смежных районах Белоруссии, таких данных не выявили. На Украине же традиция сохранялась и в недавнем прошлом. По воспоминаниям одной женщины (56 лет), ее новорожденная дочь умерла почти сразу после родов.


«Ну не можно таких деток некрещеных на кладбище. И я еще в роддоме была, а муж приехал. Купил ящичек, фанерный такой для посылок. Я завернула ее в чистенькую новую пеленочку. И зараз выехали. И похоронили ее в саду под яблонькой. Мы жили здесь в Городнянском районе в с. Мощенко. Там теперь и хаты нашей нема, бо перевезли сюда [в г. Городню]. А соседка по селу, як встретила, каже: «Мене приснился сон (под Радоницу. – Т.Л.), що це на загаднем огороде привязана козочка до яблони и мекает». Я говорю: то правильно: мы ж выехали, а детинка осталась там. (А когда там жили, что-нибудь делали на поминальный день?) Да, всегда ухаживала, насажена клумбочка была. (Это только у вас или и у других?) Не, богато так. Но что-то ж е, не может же сон сам присниться» (г. Городня Черниговской обл., 2009). Однако явно не все заботились о таких захоронениях.


«Выкидышей хоронили под яблоней без креста. (Как-то место отмечали?) Если оно на огороде закопано, то кто што там будет отмечать?!» (с. Сеньковка Городнянского р-на Черниговской обл., 2009). В последние десятилетия в отношении к данной традиции, как и в целом в трансформации современной обрядовой культуры, чувствуется влияние церкви и советов священников. Во всяком случае, некоторые переосмысляют религиозно-этическую составляющую обычая: «У нас один родился и умер. Так я делаю гробок ему, труну, и ложу в саду. И потом там цветы сажают, и дети на том месте гуляют. Так некоторые люди, вроде нас, говорят: «Что мы наделали?! Душа – е душа». Так откапывают и относят на кладбище, и закапывают, и крест. Это у мене. Сделал на кладбище новую могилу и закопал рядом с родственниками» (с. Лемешовка Городнянского р-на Черниговской обл., 2009).


С видением загробного существования связано и обустройство могилы, в частности, расположение на ней креста.


Традиция ставить два креста на могилы в. Старая Гута Унечского р-на Брянской обл. 2013

Ориентация умершего в могиле идентична на всем православном пространстве: так, чтобы смотрел на восток. Иначе выглядит ситуация с расположением креста. На пограничье можно встретить обе традиции: установку креста в ногах умершего или в голове. Белорусские исследователи считают, что вторая традиция существует в Белоруссии почти повсеместно. По мнению В.М. Сысова, занимавшегося похоронной обрядностью белорусов, наличие двух традиций – это отражение существования языческого или христианского видения ситуации. Установление креста в голове – это дошедший до нового времени языческий обычай ставить крест или камень в голове умершего, с тем чтобы нечистая сила не могла добраться до умершего. Установление же креста в ногах – чисто христианская традиция, связанная с христианским учением о воскрешении умерших. На наш взгляд, это предположение не имеет достаточных доказательств. Полевые материалы позволяют говорить, что в приграничных районах Белоруссии, при доминировании этой традиции, оба варианта сосуществуют, причем имеют локальный характер, то есть в соседних селах можно встретить разные традиции. Основным аргументом сторонников установки креста в ногах является видение ситуации при втором пришествии: когда всем придет время устремиться на восток, лежащие под таким крестом ухватятся за крест и легко поднимутся из могилы. Защитники противоположной традиции обычно апеллируют к визуальному образу Распятия, стоящего на голове Адама. Можно услышать и частные соображения: «Крест в голове – так ведь креститься мы начинаем с головы, значит и тут так» (пос. Красный Смоленской обл.). Впрочем, большинство наших собеседников признают бóльшую обоснованность установки креста в ногах, хотя менять свои обычаи не торопятся. Место установки креста – один из наиболее устойчивых локальных обычаев, который стараются сохранять при переезде на новое место жительства. На местных кладбищах, особенно в районных центрах, отсутствие единообразия в расположении креста сразу свидетельствует о том, что здесь захоронены не только местные жители.


Из Ф.Э.Модестова. Смоленский этнографический сборник.

Там же, где мигранты единичны, они, как правило, предпочитают подчиняться местным традициям. По словам жительницы с. Усть-Далыссы Невельского р-на Псковской области, переселившейся сюда из Новгородской области, «у нас крест ставят в ногах, а здесь в голове. Мы сестру здесь хоронили. Брат стал возмущаться. Я сказала: «Не надо. Будем как все, так и мы». В голову поставили» (2004).


К характеристике локальных традиций обустройства могилы интересно добавить описание еще одной, не слишком распространенной, но, безусловно, заслуживающей внимания традиции. Мы имеем в виду положение камней на могилы. Сообщения о данном обычае не слишком многочисленны. Недавно в Интернете помещена информация о результатах этнографических изысканий школьников в Республике Коми (Из газеты «Республика». №83 (357). 26 апреля 2008 г.). На небольшой территории по р. Выми ими зафиксирована данная традиция. Камешки более распространены на старой части кладбища и какой-либо системы в их расположении на могилах нет. В данном случае, как сказано в сообщении, некоторые камни лежат не только на могилах, но и рядом с ними. Возможно, последний вариант – это скорее результат ухода от традиции, утери ее смысла и последующего перемещения камня с могилы. В данной местности камень – атрибут не только оформления могилы, ему, как одному из наиболее семантически значимых материальных объектов, отведено место и в других ритуальных практиках похоронного обряда, в частности, в заботе о душе умершего. В доме, где есть умерший, сказано в информации, в красном углу клали камешек, который выносили вместе с гробом и оставляли на могиле. Вместо камня могли использовать кирпич или любой предмет, который использовался в домашнем обиходе как гнет (например, при квашении капусты). По словам местных жителей, «камень забирает с собой часть тяжести, горечь от утраты близкого человека». Однако обратим внимание на место нахождения камня в доме – в красном углу, где висели иконы. Этот угол являлся сакральным пространством, соединяющим земных обитателей дома с небесным миром, что делало его местом наиболее уместного пребывания начавшей переход в иной мир души. Поэтому обрядовые действия с камнем, скорее всего, определялись представлением о необходимости заботы о благополучии этой неумирающей субстанции человека.


Связь камня с душой очевидна в следующих примерах, приведенных Д.К. Зелениным. Поскольку примеры употребления камня (весьма немногочисленные) известны только у русских, Д.К. Зеленин делает вывод о том, что они являются принадлежностью русской традиции, причем малораспространенной. Напомню приведенные им примеры. В Олонецкой губ. камень клали на лавку, иногда в головах умершего; перед выносом тела хозяйка с камнем в руках обходила вокруг гроба, после чего клала этот камень в угол под образа, а в некоторых местах выкидывала на улицу. В Калужской губ. на 40-й дней после смерти клали под образа прикрытый полотном камень, в Нижегородском у. в головах умирающего помещали сосуд с водой, полотенце и камень. Д.К. Зеленин считает вполне правомерным предположение о том, что в данных обрядовых действиях камень имеет значение вместилища вышедшей из тела души.
Нами зафиксирована традиция намогильных камней в нескольких районах Калужской области: Юхновском, Кировском, Медынском и Массальском, в г. Клинцы Брянской обл., что не исключает и ее более широкого распространения. Исследование похоронной обрядности в целом показало, что в самом похоронном обряде указанных районов камни не фигурируют и каких-либо воспоминаний об этом нет. Лежащие на могилах камни имеют вид средней величины булыжников, их наличие и место на могилах не зависит от пола или возраста умершего. Камни можно увидеть и на могилах с крестами, и, реже, с памятниками. Расположены они чаще у подножия намогильного сооружения.


Камни на могилах. г. Клинцы Брянской обл. 2011.

Обычно на могиле находится один камень, хотя, по некоторым сведениям, «на могилу положено класть три камушка» (Юхнов). Данная традиция, то есть укладывание нескольких камней на могилу, характерна для старообрядцев-беспоповцев Кировского р-на Калужской области. Возможно, речь идет о локальной традиции.
Расспросы местных жителей показали, что многие не могут дать каких-либо комментариев по данному вопросу и считают, что это традиция прошлого и сейчас уже встречается редко. Приведенное выше свидетельство, относящееся к XIX в., подтверждает традиционность употребления камней в похоронных обрядах данного региона, хотя не позволяет очертить границы распространения традиции в прошлом.


Камни на могилах. г. Клинцы Брянской обл. 2012.

Визуальное исследование кладбищ в указанных городах говорит о том, что камни можно увидеть не только на старых, но и на современных захоронениях, особенно многочисленны и разнообразны они (по внешнему виду, по месту расположения) в Медыни. Записанные ответы на вопрос о назначении камней показывают как отсутствие в настоящее время единого объяснения традиции, так и то интересное обстоятельство, что, несмотря на разнообразие точек зрения (взглядов), камень так или иначе связывается с душой лежащего в могиле человека. Приведенные ниже суждения свидетельствуют также о характерной для народного видения загробного мира допустимости как бы двойного, параллельного существования души. Определенные христианским учением частный суд и хождение по мытарствам, следующие за смертью, ничуть не препятствуют одновременному обитанию души в земной юдоли, хотя и в невидимом, но часто ощущаемом живыми состоянии. Так, с одной из пожилых жительниц г. Юхнова состоялась следующая беседа:


«Камни – это окошки, чтобы им, душам, оттуда видеть. (Из-под камней души видят?) Нет, что Вы, души уходят по мытарствам! (А как же это совмещается?) А вот так!»


В народных представлениях и соответствующей обрядовой практике с разной степенью очевидности (как для исследователя, так и для носителей традиции) в цельном ритуально разработанном комплексе проводов умершего разведены по времени действия, связанные с каждой из составляющих человека сущностей – его душой и телом. Тело должно покинуть землю во время похорон и больше не тревожить живых. Полную гарантию этому давало проведение положенных христианских и народно-христианских служб, об их значимости и своеобразии на русско-белорусско-украинском пограничье будет сказано ниже. Последним же рубежом, окончательно отделяющим умершего от земного мира, согласно христианскому учению, усвоенному народным мировоззрением, становился 40-й день после смерти. Проводы души в этот день требовали не меньшего внимания и при этом могли иметь явные региональные отличия. Возвращаясь к рассмотрению семантики намогильных камней, приведем высказывание престарелой жительницы г. Юхнова, в котором очевидна противоречивость современных религиозных представлений. Это особенно характерно для лиц именно старшего возраста, сохраняющих отдельные представления прошлого, но при этом лишенных в пору молодости и зрелости возможности воспринимать основанную на христианстве цельную религиозную систему.


«Мама моя и бабушка говорили: камни – это как раньше хоронили людей, а душа должна остаться. Вот и клали камешек на могилу в ноги на 40-й день. Потому что душа уже никуда, там осталась. Так положено».


Совершенно очевидно, что наша собеседница вполне допускает существование души вместе с телом под этим камнем и после 40-го дня. Ответы на дополнительные вопросы показывают безусловную уверенность нашей собеседницы в наличии непознаваемых, закрытых для людей связей и закономерностей, что характерно для позиции старшего поколения. Кроме того, эти ответы являют собой интересный результат совмещения традиционных христианских знаний и неизбежных для современности материалистических подходов к оценке любых событий, в том числе и иррационального характера. «(Как душа под камнем, а как же она к Богу пойдет?) Ну, этого мы ничего не знаем. Это природные таинства, и не можем сказать, как она туда пройдет. Даже ученые не могут распознать». Можно добавить, что, давая весьма своеобразные заключения о посмертном существовании души, наши собеседницы старшего возраста не только апеллируют к непознаваемости иного мира, но подчас стремятся логически обосновать происходящие «там» процессы. «Свекровь моя говорила: душа вселяется в дерево, растение или новорожденного. (А как же Божий суд?) Ну… если человек очень нагрешил, тогда Божий суд. Как говорят: «Теперь покойник 40 дней на исповедании у Господа Бога». А негрешных – Господь так определит. А душа у новорожденного – это от того, кто умер. (Но сейчас ситуация: умирают больше, чем рождаются. Куда же души умерших?) Ну… остаются, где-то там пока побудут» (г. Юхнов). Иногда назначением камней считают обеспечение окончательной изолированности умершего от мира живых: «Бабушка говорила: камень в ноги кладут на свежую могилу, чтобы не встал»; «Кладут на могилу, какую-нибудь тяжесть, чтобы он уже успокоился и чтоб его не беспокоили» (г. Юхнов). Разнообразие толкований традиции можно дополнить материалом из с. Новопанское Михайловского р-на Рязанской обл., где существовала также локальная традиция класть камни на могилы. Ответы, полученные в данной местности, дают не менее интересные соображения по поводу назначения камней, показывающие различные варианты видения загробного мира. Наиболее распространенным можно считать восприятие данной традиции как прямой аналогии евангельской истории: камень кладут на могилу, так как могилу Христа, по Евангелию, также закрыли камнем. Можно встретить и иные варианты присутствия евангельского сюжета в толкованиях семантики намогильного камня.


г. Киров Калужской обл. Камни на могилах старообрядцев-беспоповцев. с. Малые Савки. 2012

Мы приведем одно из них, некоторая путанность изложения которого (видимо, и такая же нечеткость представления) не мешает видеть в нем соотнесенность намогильного камня с евангельским упоминанием о камне и визуальным образом Распятия. Возможно, данное суждение отражает еще одну параллельно существовавшую традицию возложения камней на могилы. «На могилу мы не камень клали, а это постамент для креста. На могилу кладется один камень, но если постамент делаем, то уже камень не кладем. Это как надгробие. Это как Спасителю. Надгробный камень – небольшой булыжник, посреди могилы, ближе к ногам. Камень – это не постамент. Спасителю клали, и он воскрес». Встречаются и иные суждения, свидетельствующие о том, что, несмотря на годы безбожия, в мировоззрении народа прочно сохранялся образ Страшного суда. Причем образ всеобщего, в том числе и собственного, предстояния перед Богом был столь реален, что не исключал возможности обеспечить себе с помощью определенных ритуальных практик некоторые элементарные, но столь необходимые, с точки зрения пожилого человека, удобства в ином мире. Так, по объяснению одной из наших собеседниц, «камни нужны, так как когда будет Страшный суд, то всех призовут, и все встанут. И все будут ждать своей очереди. А у тебя камушек, на камешек сядешь и будешь ждать» (с. Новопанское). В данном селе камни принято класть после 40-го дня. Судя по отдельным высказываниям, их основное назначение – охранять покой умерших. «Камни – обязательно, это как маленькое надгробие. Охраняет могилу. Приснилось, что тетя Саня просит камень, и мы отнесли. Упокойник ждет 40 лет. Если камня нет, то, считай, пустая могила, плохо ему. А потом тебе какие-нибудь сны будут сниться или притча какая-нибудь будет» (с. Новопанское).


Камни на могилах. Старообрядческое кладбище с. Малые Савки Кировского Калужской обл. 2012

В Калужской обл. распространен и вариант вполне прагматичного объяснения появления камней на могилах: это опознавательный знак, по которому родные смогут найти могилу. Так, одна из жительниц г. Медыни вспоминает: «У нас в свое время в деревне лежал камень на могиле, иначе бы мы эту могилу – моего прадедушки – не нашли. В то время мы не могли ни креста, ничего, а который поставили, он сгнил. И положили камень. А уж после войны, когда окрепли, сделали плиточку, и уже наши правнуки ездили, говорят: «Мы нашли его могилку по этой плиточке». Скорее всего, в XX в. в данной обрядовой практике соединились трудно восстановимые сейчас религиозно-мифологические представления, связанные с камнем, представления о посмертном бытии человека и практическая необходимость. Во всяком случае, традиция, особенно в сельской местности, держалась устойчиво, ей следовали и горожане. По словам жительницы г. Юхнова: «Сестра говорила: «Я умру, а вы не забудьте камень положить». И у брата, и у матери лежит, я всем положила. А у мужа – памятник, так ему не положила».


М. Савки Кировского р-на Калужской области. Камни на могиле старообрядцев-беспоповцев. 2012 г.

Общим для изучаемого региона является характер подготовки и проведения поминального дня – Радоницы. Основное поминание происходит на кладбище.
Заблаговременно убираются и украшаются могилы. Практически повсеместно (за исключением некоторых локальных традиций) обязательными считаются два обрядовых мероприятия: первое – повязывание полотенца на крест, причем его внешний вид на кресте имеет локальные отличия. В некоторых местах стараются повязать полотенце и на памятники. Основное объяснение обычая – умершим нужно вытирать руки.


Кладбище с. Верещаки Новозыбковского р-на Брянской обл. 2008 г.

В последние годы традиция теряет свой обязательный характер. Одна из причин – положено вешать вышитые красивые рушники, но их часто крадут. Поэтому полотенца часто снимают, уходя домой, но на кресте могут оставить что-то менее ценное. «На Радоницу повязывают полотенца до следующего года. Их вешают, чтобы руки могли вытирать [умершие]. Сейчас тюль вешают, а некоторые возмущаются: попробуй-ко тюлем руки вытереть. Надо кусочек ситца, материала» (с. Хотивля Городнянского р-на Черниговской обл., 2009).


Фартучки на крестах. с. Верещаки Новозыбковского р-на Брянской обл. 2010.

Второе – застилание могилы скатертью или полотенцем и проведение совместной трапезы на ней. В последнее время все чаще угощение организуют на специальных столиках, тем не менее покрытие могил, с оставлением крашеного яичка и кусочка пасхи на покрывале, остается обязательным обрядовым действием. Сохранение обычая также связано с представлением о том, какие действия параллельно происходят в загробном мире. Более того, эти представления дали развитие новому обычаю – опускать в могилу гроб, покрытый покрывалом или чаще скатертью. Этот обычай получил широкое распространение в Белоруссии, начинает входить в традицию смежных украинских и русских районов.


с. Видуйцы Костюковичского р-на Могилевской обл. Гроб, покрытый скатертью в могиле. 2013

Покрытая скатертью на Радоницу могила становится праздничным столом: «Почему надо застилать могилы вообще? Но скатерть ведь всегда была на столе. Голого стола никогда не было. Это сейчас – полированные, голые. Сейчас клеенка, где едим. И хлеб на стол клали, скатертью его закроют» (дер. Старый Дедин Хотимского р-на Могилевской обл., 2006). Причем совершенно очевидно, что обрядовое поминание на могиле мыслится как действие, происходящее как бы в двух измерениях, что возможно лишь в похоронной обрядности, где постоянно соединяются два мира. Трапеза на могиле – это сложное мифологизированное действо, во время которого умершие вкушают пищу вместе с живыми как невидимые сотрапезники. В то же время аналогичным образом они трапезничают и в загробном мире. Последнее обстоятельство отмечают и местные старообрядцы: «Православные гроб покрывают. Говорят – это для того, чтобы у нее [умершей] престол был» (г. Злынка Брянской обл.)


Старое старообрядческое надгробье - голбец. г. Злынка Брянской обл.

Особенности современного быта, невозможность посещать в нужное время родные могилы привели к компромиссному решению проблемы. Покрытие гроба при захоронении как бы проецируется на будущие радоницкие поминки: гроб становится прообразом покрытой могилы, которая, в свою очередь, в течение обрядового времени становится праздничным столом, за которым собираются и живые, и умершие. Одновременно покрытый гроб гарантирует и организацию праздничного стола для умерших в загробном мире. «Зачем гроб закрывают? Вот чи у меня мама, чи папа лежат. Если я тут живу, то я хожу на кладбище. А друга – вот приехала, похоронила и уехала. И все. То приедет, то нет. Так покрывают гроб, штоб, як будет родительская суббота, штоб Радоница, штоб был стол покрыт» (г. Семеновка Черниговской обл., 2009). «Скатерть стелют на гроб, так как на том свете у каждого свой престол. То, что приносим на могилы, все к ним на престол» (дер. Москаленята Городокского р-на Витебской обл., 2002). Так же воспринимает символику этого обычая и жительница Калужской обл., где данный обрядовый элемент также входит в похоронную практику: «Теперь стали стелить скатерть или как тогда – полотнище. Я, например, своей матери стелила, и брату скатерть. Это называется стол – престол, как стол закрытый» (пос. Хвостовичи, 1998).


Своеобразие религиозной ситуации на Украине, то есть сосуществование двух православных патриархатов, накладывает отпечаток и на церковно-обрядовое поведение мирян. Украинская церковь Московского патриархата не признает литургическую правомочность Киевского патриархата и оповещает население о том, что совершаемые в церквях КП таинства и требы недействительны. Исследования в Черниговской области показали, что далеко не все население разбирается и стремится разобраться в сложностях церковной жизни. Для них главное – осознание себя исконно православными, что диктует обязательное выполнение традиционных, устоявшихся церковных ритуалов. Однако некоторое смущение умов уже дает себя знать в настроениях мистического характера. Поскольку речь идет о соотношении человека с иным миром, то, как это характерно, информация о «неправильном» поведении приходит во сне. Так, в Елецкий монастырь обратилась женщина: «Она матерь похоронила, и матерь ей приснилась. Каже: «Ты мне ничего не дала. Я так и стою. Все люди проходят, проходят, а у меня не мае проходной». – «А кто ж хоронил у вас?» – «А там-то и там». – «Так то ж филаретовцы» (то есть церковь Киевского патриархата – Т.Л.).


Преимуществом современных полевых исследований является фиксация не только тех или иных явлений, но и записи комментариев к ним исполнителей обрядовых действий. К сожалению, недостаточность фонда источников, относящихся к прошлому, не всегда позволяет проследить эволюцию отдельных, наиболее интересных обрядовых явлений и соответствующих представлений. Тем не менее полученные данные как дают возможность подойти к реконструкции изначальной семантики и символики похоронно-поминального комплекса, так и, что не менее важно, открывают нам мир религиозно-мифологических и мистических взглядов наших современников, показывают его корреляционные связи и религиозные основы. Неизбежность и тайна ухода из жизни не только по-прежнему определяют сохранение похоронно-поминального обрядово-мировоззренческого комплекса, но и постоянно дают импульсы к его обновлению.


Региональные исследования, к каковым относится данная статья, расширяют наше представление о многообразии похоронно-поминальных традиций. Очевидно, что единая для всех восточных славян мировоззренческая религиозная основа не исключает локальных, а также этнических отличий в обрядовых практиках. Причем своеобразием отличаются не только элементы народной культуры, но и некоторые церковные обычаи.

]]>
Последний континентПервая русская антарктическая экспедиция Фаддея Беллинсгаузена и Михаила Лазарева.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/34640/poslednii-kontinentTue, 03 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Последний континент

ЛекцииПубликации раздела Лекции

195 лет назад российская экспедиция под командованием капитана 2-го ранга Фаддея Беллинсгаузена и лейтенанта Михаила Лазарева открыла миру шестой континент — Антарктиду. Первая российская экспедиция к Южному полюсу длилась 751 день. За два года команда исследователей нанесла на карту 29 новых островов.



Морское министерство Российской империи назначило начальником экспедиции опытного Фаддея Беллинсгаузена, участника первого российского кругосветного плавания под руководством Ивана Крузенштерна. Инструкция Адмиралтейского департамента предписывала мореплавателям «производить полезные для наук наблюдения», метеорологические, океанографические и магнитные, изучать льды, айсберги, течения, температуры и солености морской воды на различных глубинах, собирать для Академии этнографические, ботанические, зоологические, минералогические коллекции.



Сборы шли долго и тщательно. «Корабли готовили к антарктическому плаванию - утепляли каюты, обшивка укреплялась, но они сами по себе были миниатюрными - длиной всего 40 метров. При этом экипаж был достаточно внушительным - 102 человека», - рассказывает директор Российского Государственного музея Арктики и Антарктики Виктор Боярский.

В июле 1819 года корабли российского флота отправились из Кронштадта искать неизведанные земли. 26 января 1820 года парусные военные корабли, шлюпы «Восток» и «Мирный», пересекли Южный полярный круг.
И через два дня, 28 января (16-го по старому стилю), подошли к загадочному континенту, приблизившись в районе шельфового ледника, который позже был назван в честь Фаддея Беллинсгаузена.


«Тайны климата во льдах Антарктиды»


Памятный момент Михаил Лазарев описал в письме другу: «16 января достигли мы широты 69°23' S, где встретили матерый лед чрезвычайной высоты, и в прекрасный тогда вечер, смотря на салингу, простирался оный так далеко, как могло только достигать зрение… Отсюда продолжали мы свой путь к осту, покушаясь при всякой возможности к зюйду, но всегда встречали льдяной материк, не доходя 70°… Открылась, наконец, та матерая на юге земля, которую так долго искали и существование коей сидевшие филозофы в кабинетах своих полагали необходимым для равновесия земного шара».


Живой лед

География и проблема изменений климата

Последние географические открытия в Антарктиде

Преодолевая суровые океанские волны и полярные льды, кругосветная военно-морская экспедиция обошла материк по всему периметру. К берегам Антарктиды и раньше подходили корабли из других стран, но Фаддей Беллинсгаузен и Михаил Лазарев первыми определили границы континента, по площади почти равного Южной Америке.


Огибая айсберги, первопроходцы опасались попасть в ледяной капкан, поэтому на сушу так и не высадились. Зато обогатили мировую науку важнейшим географическим открытием, составив карту нового континента. Второй раз российские исследователи прибыли в Антарктиду спустя 135 лет, в 1955 году. С тех пор исследование ледового континента и наблюдение за ним не прекращалось.

Российский государственный музей Арктики и Антарктики


В Антарктиде работают станции корректировки спутниковой системы «Глонасс», ихтиологи изучают рыбные ресурсы океана, геологи стараются оценить сырьевые запасы континента.

]]>
По одежке встречаютОсобенности национального костюма русских женщин.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/51485/po-odezhke-vstrechayutFri, 18 Sep 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

По одежке встречают

ТрадицииПубликации раздела Традиции

Русские женщины, даже простые крестьянки, были редкими модницами. В их объемных сундуках хранилось множество самых разных нарядов. Особенно они любили головные уборы — простые, на каждый день, и праздничные, вышитые бисером, украшенные самоцветами. На национальный костюм, его покрой и орнамент влияли такие факторы, как географическое положение, климат, основные занятия в этом регионе.



«Чем пристальнее изучаешь русский народный костюм как произведение искусства, тем больше находишь в нем ценностей, и он становится образной летописью жизни наших предков, которая языком цвета, формы, орнамента раскрывает нам многие сокровенные тайны и законы красоты народного искусства».

М.Н. Мерцалова. «Поэзия народного костюма»


В русских костюмах. Муром, 1906–1907 годы. Частное собрание (архив Казанковых)

Вот и в русском костюме, который начал складываться к XII веку, заложена подробная информация о нашем народе — труженике, пахаре, земледельце, веками живущем в условиях короткого лета и долгой лютой зимы. Что делать бесконечными зимними вечерами, когда за окном завывает вьюга, метет метель? Крестьянки ткали, шили, вышивали. Творили. «Бывает красота движения и красота покоя. Русский народный костюм — это красота покоя», — писал художник Иван Билибин.


Рубаха


Рубаха длиной до щиколоток — главный элемент русского костюма. Составная или цельнокроеная, из хлопка, льна, шелка, кисеи или простая холщовая. Подол, рукава и ворот рубах, а иногда и нагрудную часть украшали вышивкой, тесьмой, узорами. Цвета и орнаменты различались в зависимости от области и губернии. Воронежские женщины предпочитали вышивку черного цвета, строгую и изысканную. В Тульской и Курской областях рубахи, как правило, плотно вышиты красными нитями. В северных и центральных губерниях преобладали красный, синий и черный, иногда золотой. Русские женщины часто вышивали на рубахе заклинательные знаки или молитвенные обереги.


Рубахи надевали разные в зависимости от того, какую работу предстояло выполнить. Были рубахи «покосные», «пожнивные», была и «рыболовка». Интересно, что рабочую рубаху для жатвы всегда богато украшали, она приравнивалась к праздничной.



Слово «рубаха» происходит от древнерусского слова «рубь» — рубеж, край. Стало быть, рубаха — сшитое полотнище, с рубцами. Раньше говорили не «подшить», а «подрубить». Впрочем, это выражение встречается и сейчас.


Сарафан


Слово «сарафан» произошло от персидского «саран па» — «через голову». Впервые оно упоминается в Никоновской летописи от 1376 года. Впрочем, заморское слово «сарафан» в русских деревнях звучало редко. Чаще — костыч, штофник, кумачник, синяк или косоклинник. Сарафан был, как правило, трапециевидного силуэта, он надевался поверх рубахи. Сначала это было чисто мужское одеяние, парадное княжеское облачение с длинными откидными рукавами. Его шили из дорогих тканей — шелка, бархата, парчи. От вельмож сарафан перешел к духовенству и лишь после закрепился в женском гардеробе.


Сарафаны были нескольких видов: глухие, распашные, прямые. Распашные сшивались из двух полотнищ, которые соединяли при помощи красивых пуговиц или застежек. Прямой сарафан крепился на лямках. Популярен был и глухой косоклинный сарафан с продольными клиньями и скошенными вставками по бокам.



Самые распространенные цвета и оттенки для сарафанов — темно-синий, зеленый, красный, голубой, темно-вишневый. Праздничные и свадебные одеяния шили в основном из парчи или шелка, а повседневные — из грубого сукна или ситца.


«Наряжались красавицы разных сословий почти одинаково — разница была лишь в цене мехов, тяжести злата и блеске каменьев. Простолюдинка «на выход» надевала длинную рубаху, поверх нее — расшитый сарафан и душегрейку, отделанную мехом или парчой. Боярыня — рубаху, верхнее платье, летник (расширяющаяся книзу одежда с драгоценными пуговицами), а сверху еще и шубку для пущей важности».

Вероника Батхан. «Русские красавицы»



На какое-то время у знати сарафан был забыт — после реформ Петра I, который запрещал приближенным ходить в традиционной одежде и культивировал европейский стиль. Вернула предмет гардероба Екатерина Великая, известная законодательница мод. Императрица старалась воспитывать в российских подданных чувство национального достоинства и гордости, ощущение исторической самодостаточности. Когда Екатерина стала править, она начала одеваться в русское платье, подавая пример придворным дамам. Однажды на приеме у императора Иосифа II Екатерина Алексеевна появилась в алом бархатном русском платье, унизанном крупным жемчугом, со звездою на груди и в бриллиантовой диадеме на голове. А вот еще одно документальное свидетельство из дневника англичанина, который побывал при русском дворе: «Государыня была в русском наряде — светло-зеленом шелковом платье с коротким шлейфом и в корсаже из золотой парчи, с длинными рукавами».


Понева



Понева — мешковатая юбка — была обязательным элементом гардероба замужней женщины. Понева состояла из трех полотнищ, могла быть глухой или распашной. Как правило, ее длина зависела от длины женской рубахи. Подол украшали узорами и вышивкой. Чаще всего поневу шили из полушерстяной ткани в клетку.


Юбку надевали на рубаху и оборачивали вокруг бедер, а на талии ее держал шерстяной шнур (гашник). Сверху обычно носили передник. На Руси для девушек, которые достигли совершеннолетия, существовал обряд надевания поневы, который говорил о том, что девушка могла быть уже просватанной.


Пояс



На Руси было принято, чтобы нижняя женская рубашка всегда была подпоясана, существовал даже обряд опоясывания новорожденной девочки. Считалось, что этот магический круг защищает от нечисти, пояс не снимали даже в бане. Ходить без него считалось большим грехом. Отсюда значение слова «распоясаться» — обнаглеть, забыть о приличиях. Шерстяные, льняные или хлопковые пояса вязали крючком или ткали. Иногда кушак мог достигать в длину трех метров, такие носили незамужние девицы; покромку с объемным геометрическим узором надевали те, кто уже вышел замуж. Желто-красным поясом из шерстяной ткани с тесьмой и лентами оборачивались в праздники.


Передник



Передник не только защищал одежду от загрязнения, но и украшал праздничный наряд, придавал ему законченный и монументальный вид. Передник гардероба носили поверх рубахи, сарафана и поневы. Его украшали узорами, шелковыми лентами и отделочными вставками, край оформляли кружевом и оборками. Существовала традиция вышивать передник определенными символами. По которым можно было, как по книге, прочесть историю женской жизни: создание семьи, число и пол детей, почивших родственников.


Головной убор



Головной убор зависел от возраста и семейного положения. Он предопределял всю композицию костюма. Девичьи головные уборы оставляли часть волос открытыми и были довольно простыми: ленты, повязки, обручи, ажурные венцы, сложенные жгутом платки.


Замужние женщины должны были полностью покрывать свои волосы головным убором. После венчания и обряда «расплетения косы» девушка носила «кичку молодухи». По древнерусскому обычаю поверх кички надевали платок — убрус. После рождения первенца надевали рогатую кичку или высокий лопатообразный головной убор, символ плодородия и способности деторождения.


Кокошник был парадным головным убором замужней женщины. Кичку и кокошник замужние женщины надевали, когда выходили из дома, а дома носили, как правило, повойник (чепец) и платок.


Красный



Этот цвет предпочитали в одежде и крестьяне, и бояре. Цвет огня и солнца, символ власти и плодородия. До 33 оттенков красного можно увидеть в традиционных костюмах Руси. Каждый оттенок имел свое название: мясной, червчатый, червонный, багрецовый, кровавый, чермной или кумач.


Красивая одежда что рекомендательное письмо

Музей кружева

Дом елецкого кружева

Платки и шали в русском народном костюме

Московский историко-этнографический театр

Фольклорно-этнографический театр «Кресень»


По одежде можно было определить возраст ее владельца. Наиболее ярко одевались молодые девушки до рождения ребенка. Скромной палитрой отличались костюмы детей и людей в возрасте.


Женский костюм изобиловал узорами. В орнамент вплетали изображение людей, животных, птиц, растения и геометрические фигуры. Преобладали солнечные знаки, круги, кресты, ромбические фигуры, олени, птицы.


Стиль «капуста»


Отличительная черта русского национального костюма — его многослойность. Повседневный костюм был максимально простым, он состоял из самых необходимых элементов. Для сравнения: праздничный женский костюм замужней женщины мог включать в себя около 20 предметов, а повседневный — всего семь. По поверьям, многослойная просторная одежда предохраняла хозяйку от сглаза. Ношение менее трех слоев платьев считали неблагопристойным. У знати сложные платья подчеркивала достаток.


Крестьяне шили одежду в основном из домотканого холста и шерсти, а с середины XIX века — из фабричного ситца, сатина и даже шелка и парчи. Традиционные наряды были популярны до второй половины XIX века, когда их начала понемногу вытеснять городская мода.


Благодарим за предоставленные фотографии художников Татьяну, Маргариту и Таис Карелиных - лауреатов международных и городских конкурсов национального костюма и педагогов.

]]>
Автор фразы «Овсянка, сэр!»Александр Адабашьян. Творчество как авантюра.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/51966/avtor-frazy-ovsyanka-serWed, 10 Aug 2016 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Автор фразы «Овсянка, сэр!»

КиноПубликации раздела Кино

Поставить оперу за 12 дней. Сыграть в трех картинах одновременно, а устав, взяться за оформление ресторанов. Написать сценарии к фильмам, ставшим классикой, но считать себя автором одной-единственной ленты. Александр Адабашьян. Творчество как авантюра. Биографию кинодраматурга, художника, актёра, режиссёра и сценариста изучала Наталья Летникова.



«Мне нужен адреналин, когда я делаю что-то новое», — говорит Адабашьян. И берется за что-то новое при любой возможности. Актер, режиссер, сценарист, художник — это в творчестве. Даже в армии удалось сменить три вида погон — артиллериста, танкиста, летчика. Выпускник Строгановки и в кино оказался случайно. Школьный друг Никита Михалков снимал дипломную работу «Спокойный день в конце войны», и Александр Адабашьян прямо на съемочной площадке постигал новую для себя профессию художника-декоратора.


Первый сценарий Адабашьян написал по просьбе Михалкова-Кончаловского. Тот искал соавтора для фильма о производстве хлопка — «Дело важнее, чем жизнь». Снимали в Средней Азии. Андрон терпеливо объяснял, чем отличается сценарий от хорошей прозы, и учил выписывать характеры. Следующие фильмы, снятые по сценариям Адабашьяна, уже собирали кинематографические награды по всему миру и становились классикой.


«Несколько дней из жизни И.И. Обломова». На съемках

Коллаж из произведений «Неизданные пьесы Чехова» Михалков и Адабашьян решили сделать, прочитав вместе сборник писателя.


За полтора месяца написали сценарий, нашли пустующую подмосковную усадьбу в Пущино. Адабашьян работал и как художник. Картина получила призы в Сан-Себастьяне, Чикаго, Белграде, стала лучшим иностранным фильмом в итальянском прокате 1978 года.


Вместе с Михалковым снято «Пять вечеров», «Несколько дней из жизни И.И. Обломова», «Свой среди чужих, чужой среди своих», «Транссибирский экспресс».


«Неоконченная пьеса для механического пианино» (Никита Михалков, 1976)

«Острова. Александр Адабашьян»


Настоящей авантюрой стал для Адабашьяна режиссерский дебют.


Выпускник французской школы спустя 20 лет решил снять фильм по книге Симоны Арэз. По просьбе французов написал сценарий и так артистично его представил, что получил предложение выступить в качестве режиссера. В итоге лента «Мадо, до востребования» удостоилась премии в Каннах и вошла в коллекцию лучших французских фильмов. При этом автор картины режиссером себя не считает.


«Не могу сказать, что я по профессии режиссер или сценарист, не знаю, есть ли у меня отношение к себе как к кинематографическому объекту», — шутит Адабашьян.


И считает себя в первую очередь художником, а не киношником. Сняв сериал «Азазель» в качестве режиссера, автор картины и вовсе убрал свое имя из титров, как и в ленте «Вешние воды», снимавшейся в Италии по повести Тургенева. Причиной стало изменение текста отснятого материала.



«Поставить «Бориса Годунова» в Мариинском театре за 12 дней — разве это не интересно? Авантюра стопроцентная. Последнюю сцену репетировали, когда уже зрителей в зал пустили», — вспоминает режиссер об очередном своем эксперименте. Адабашьян считает, что в творческой профессии важно счастливое стечение обстоятельств и случайностей. К примеру, опера для Адабашьяна как раз дело случая. Как-то встретился в самолете с Юрием Башметом, который летел в Италию, чтобы исполнять Берлиоза с оркестром Гергиева. Уже в Риме Адабашьян познакомился с Валерием Абисаловичем и узнал, что к спектаклю «Борис Годунов» полностью готова музыкальная часть, но нет режиссера. В итоге опера в постановке Адабашьяна прошла в Санкт-Петербурге, Италии, Голландии, Англии, Франции, Аргентине, Чили.


«А когда Валерий Гергиев предложил мне перенести «Хованщину» на сцену Ла Скала, как я мог отказаться? Одно то, что тебя называют «маэстро»... Там двух людей так называют — дирижера и режиссера. В театральном буфете: «Маэстро, вам кофе с молоком, как обычно?» Потом и эта радость становится какой-то несвежей. И опять надо искать, чем заняться».


Список творческих профессий Адабашьяна пополняется постоянно — в знак протеста против рутины.

Кадр из фильма «Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона»

«Сколько я всего сделал хорошего, но в результате моей визитной карточкой останется «Овсянка, сэр!». Никогда бы не подумал, что иду к этой фразе всю жизнь».


Звездная роль опять же дело случая. Адабашьян приехал на съемки «Собаки Баскервилей» вместе с Михалковым. В итоге стал Бэрримором с окладистой бородой.


Традиционный английский завтрак, который, к слову, в фильме был настоящий, преследует актера всю жизнь. Поклонники дарили овсяную крупу, продавщицы в магазине заключали пари: купит овсянку или нет.


Роль, подарившая известность, для актера любимой не стала. Но любимый съемочный процесс — именно в «Собаке Баскервилей».


Что бы он ни делал, Александр Адабашьян относится к своей работе критически. Такое правило.


«Все зависит от точки отсчета. Если ходить на выставки современного искусства, можно уверовать, что в живописи и в графике я Леонардо. Если смотреть сериалы, то я и актер потрясающий. А уж сценарист... Но перечитай Толстого или Чехова в очередной раз — сразу поймешь, каков уровень твоего сценарного мастерства. Или пересмотри Феллини и успокойся по поводу своей режиссуры. Камертон должен быть. Это, конечно, мешает самооценке, осознанию собственного величия, зато очень помогает жить».



Актерские работы Александра Адабашьяна


Свой среди чужих, чужой среди своих

Боевик1974

Раба любви

Мелодрама1975

Сибириада

Драма1978

Пять вечеров

Драма1978

Родня

Драма1981

Мастер и Маргарита

Драма2005



Сценарные работы


Неоконченная пьеса для механического пианино

Драма1976

Пять вечеров

Драма1978

Несколько дней из жизни И.И.Обломова

Драма1979

]]>
С улыбкой вокруг ЗемлиЮрий Гагарин — имя, которое знает весь мир.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/50469/s-ulybkoi-vokrug-zemliFri, 10 Apr 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

С улыбкой вокруг Земли

ЛекцииПубликации раздела Лекции

Юрий Гагарин — имя, которое знает весь мир. Психологи, отбиравшие кандидатов в первый отряд космонавтов, отмечали особенности характера Гагарина: «Любит зрелища с активным действием, где превалирует героика, воля к победе, дух соревнования. В спортивных играх занимает место инициатора, вожака, капитана команды. Как правило, здесь играют роль его воля к победе, выносливость, целеустремленность, ощущение коллектива. Любимое слово — «работать». На собраниях вносит дельные предложения. Постоянно уверен в себе, в своих силах. Тренировки переносит легко, работает результативно. Развит весьма гармонично. Чистосердечен. Чист душой и телом. Вежлив, тактичен, аккуратен до пунктуальности. Интеллектуальное развитие у Юры высокое. Прекрасная память. Выделяется среди товарищей широким объемом активного внимания, сообразительностью, быстрой реакцией. Усидчив. Не стесняется отстаивать точку зрения, которую считает правильной».


Таких вот и берут в космонавты. Но в отряде их было шестеро. И каждый мог стать первым. У Гагарина, кроме воли и отличной физической формы, было еще кое-что — обаятельная и лучезарная улыбка. Кажется, штрих, не более. Но тогдашние «имиджмейкеры» поняли, насколько важен этот штрих. И не прогадали. Гагаринская открытая и обезоруживающая улыбка стала фирменным знаком нашей страны, одним из ее символов.


Огромная ответственность легла на плечи летчика-испытателя, но вместе с ней и счастливая возможность первому из землян увидеть нашу планету из космоса: «Я вижу Землю! Она так прекрасна!» — первые слова Юрия Гагарина, прозвучавшие в прямом эфире с орбиты. Говоря это, он наверняка улыбался...



Отрывок из книги Юрия Гагарина «Дорога в космос. Записки летчика-космонавта СССР»



Приходили разные мысли, и все какие-то светлые, праздничные. Вспоминалось, как мы, мальчишки, тайком трясли яблони в колхозном саду, как накануне полета я бродил по Москве, по ее шумным, радостным улицам, как пришел на Красную площадь и долго стоял у Мавзолея...


Одна за другой внизу проносились страны, и я видел их как одно целое, не разделенное государственными границами.


В 10 часов 15 минут на подлете к африканскому материку от автоматического программного устройства прошли команды на подготовку бортовой аппаратуры к включению тормозного двигателя. Я передал очередное сообщение:
— Полет протекает нормально, состояние невесомости переношу хорошо.


Мелькнула мысль, что где-то там, внизу, находится вершина Килиманджаро, воспетая Эрнестом Хемингуэем в его рассказе «Снега Килиманджаро».


Затем я подумал, что корабль пролетает над Конго, страной, в которой империалисты злодейски убили мужественного борца против колониализма, борца за счастье своего народа Патриса Лумумбу.


Но размышлять было некогда. Наступал заключительный этап полета, может быть, еще более ответственный, чем выход на орбиту и полет по орбите, — возвращение на Землю. Я стал готовиться к нему. Меня ожидал переход от состояния невесомости к новым, может быть, еще более сильным перегрузкам и колоссальному разогреву внешней оболочки корабля при входе в плотные слои атмосферы. До сих пор в космическом полете все проходило примерно так же, как мы отрабатывали это во время тренировок на Земле. А как будет на последнем, завершающем этапе полета? Все ли системы сработают нормально, не поджидает ли меня непредвиденная опасность? Автоматика автоматикой, но я определил местоположение корабля и был готов взять управление в свои руки и в случае необходимости осуществить его спуск на Землю самостоятельно в выбранном мною подходящем для этой цели районе.


Космос как предчувствие

Космическая гонка

Система ориентации корабля в данном полете была солнечной, оснащенной специальными датчиками. Эти датчики «ловят» Солнце и удерживают его в определенном положении, так что тормозная двигательная установка оказывается всегда направленной против полета. В 10 часов 25 минут произошло автоматическое включение тормозного устройства. Оно сработало отлично, в заданное время. За большим подъемом и спуск большой — «Восток» постепенно стал сбавлять скорость, перешел с орбиты на переходный эллипс. Началась заключительная часть полета. Корабль стал входить в плотные слои атмосферы. Его наружная оболочка быстро накалялась, и сквозь шторки, прикрывающие иллюминаторы, я видел жутковатый багровый отсвет пламени, бушующего вокруг корабля. Но в кабине было всего двадцать градусов тепла, хотя я и находился в клубке огня, устремленном вниз.


Невесомость исчезла, нарастающие перегрузки прижали меня к креслу. Они все увеличивались и были значительнее, чем при взлете. Корабль начало вращать, и я сообщил об этом «Земле». Но вращение, обеспокоившее меня, быстро прекратилось, и дальнейший спуск протекал нормально. Было ясно, что все системы сработали отлично и корабль точно идет в заданный район приземления. От избытка счастья я громко запел любимую песню:


Родина слышит,
Родина знает...


Высота полета все время уменьшалась. Убедившись, что корабль благополучно достигнет Земли, я приготовился к посадке.


Десять тысяч метров... Девять тысяч... Восемь... Семь...


Внизу блеснула лента Волги. Я сразу узнал великую русскую реку и берега, над которыми меня учил летать Дмитрий Павлович Мартьянов. Все было хорошо знакомо: и широкие окрестности, и весенние поля, и рощи, и дороги, и Саратов, дома которого, как кубики, громоздились вдали...


В 10 часов 55 минут «Восток», облетев земной шар, благополучно опустился в заданном районе на вспаханном под зябь поле колхоза «Ленинский путь» юго-западнее города Энгельса, неподалеку от деревни Смеловка. Случилось, как в хорошем романе, — мое возвращение из космоса произошло в тех самых местах, где я впервые в жизни летал на самолете. Сколько времени прошло с той поры? Всего только шесть лет. Но как изменились мерила! В этот день я летел в двести раз быстрее, в двести раз выше. В двести раз выросли советские крылья!


Ступив на твердую почву, я увидел женщину с девочкой, стоявших возле пятнистого теленка и с любопытством наблюдавших за мной. Пошел к ним. Они направились навстречу. Но чем ближе они подходили, шаги их становились медленнее. Я ведь все еще был в своем ярко-оранжевом скафандре, и его необычный вид немножечко их пугал. Ничего подобного они еще не видели.


— Свои, товарищи, свои, — ощущая холодок волнения, крикнул я, сняв гермошлем.


Это была жена лесника Анна Акимовна Тахтарова со своей шестилетней внучкой Ритой.


— Неужели из космоса? — не совсем уверенно спросила женщина.


— Представьте себе, да, — сказал я.


— Юрий Гагарин! Юрий Гагарин! — закричали подбежавшие с полевого стана механизаторы.


Это были первые люди, которых я встретил на Земле после полета, — простые советские люди, труженики колхозных полей. Мы обнялись и расцеловались, как родные.

]]>
Взлеты без паденийВся творческая жизнь Владимира Васильева – сплошные хвалебные эпитеты и незабываемые роли, которые эти эпитеты породили.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/50563/vzlety-bez-padeniiFri, 17 Apr 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Взлеты без падений

ТеатрыПубликации раздела Театры

«Лучший танцовщик мира». «Тенор, баритон и бас русского балета». «Первый среди равных»… Вся творческая жизнь Владимира Васильева – сплошные хвалебные эпитеты и незабываемые роли, которые эти эпитеты породили.



«Мы присутствуем при рождении гения!» Такую оценку заслужил Владимир Васильев на отчетном концерте выпускников Московского хореографического училища. Он всегда был «исключением из правил». Даже путь в балет был не тернистым, а вроде «красной дорожки». Зашел в танцевальный кружок случайно, за компанию с другом. Мальчик из рабочей семьи по прозвищу Герой, как написано было на бескозырке, подаренной мамой к Первомаю.

Балет «Спартак» на сцене Большого театра. На снимке: Владимир Васильев в роли Спартака, 1970

В Кировском доме пионеров сразу предложили заниматься в старшей группе. А спустя всего год Володя Васильев уже выступал в концерте на сцене Большого театра, куда пришел после хореографического училища, поразив всех на выпускном концерте образом 60-летнего ревнивца Джотто в балете «Франческа да Римини».

Государственный академический Большой театр Союза ССР. На снимке: солисты театра Владимир Васильев (на первом плане) и Андрис Лиепа (в центре) отвечают на аплодисменты, 1983

Поражать на сцене. Эта данность не дала Владимиру Васильеву надолго задержаться в кордебалете. 20 спектаклей в месяц, выходы во всех операх и случайная роль Пана в «Вальпургиевой ночи», которую артист танцевал вместо заболевшего коллеги. Так Васильев открыл для себя классический танец, а его следующая работа открыла нового «русского героя».


«Вот когда «летит» Владимир Васильев – это поэзия, ибо здесь порыв духа. Артист, обладающий совершенной техникой и ощущением музыки, подчиняет себе сценическое пространство, живописуя его своим свободным штрихом, как художник кистью. Умение вот так «разговаривать» и есть смысл артиста»

Игорь Моисеев, 1976


Владимир Васильев в роли Базиля и Екатерина Максимова в роли Китри в балете «Дон Кихот» танцуют на юбилее, посвященном советской балерине и педагогу Ольге Лепешинской, 1977

«На меня в то время не ставили спектаклей. Но я как-то удачно попал: в тот период Родион Щедрин влюбился в Майю Плисецкую и сочинил прелестнейшую музыку к «Коньку-Горбунку».

«Спартак», 1977

«Спартак», 1979

«Анюта», 1994

Спектакль много десятилетий шел в репертуаре Большого. Я исполнял роль Иванушки», – вспоминает Васильев.


Данила в «Каменном цветке», Раб в «Спартаке», Фрондосо в «Лауренсии», Принц в «Щелкунчике» Григоровича, Иван Грозный, Икар… десятки ролей. И все уникальны. Нарцисс, которого Васильев репетировал ночами, обеспечил артисту Гран-при и золотую медаль на 1-м Международном конкурсе артистов балета в Варне в 1964 году.


«В историю балета Васильев вошел не только как выдающийся актер. В этом его особая миссия, потому он – первый среди равных», – говорила о танцовщике и своем партнере Галина Уланова. Майя Плисецкая, Ольга Лепешинская, Нина Тимофеева, Наталия Бессмертнова, Алисия Алонсо, Ноэль Понтуа, Карла Фраччи, Жужа Кун… Владимир Васильев, пожалуй, перетанцевал со всеми ведущими балеринами своего времени. Музой его стала Екатерина Максимова.


«…Говоря слово «бог» применительно к Васильеву, я имею в виду… чудо в искусстве, совершенство… По разноликости он не идет ни в какое сравнение ни с кем… Такого диапазона возможностей у предшественников не было… Он ведь и тенор, и баритон, и, если хотите, бас».

Балетмейстер Федор Лопухов, 1974

Юбилейные торжества, посвященные 30-летию творческой деятельности на сцене Большого театра Е. Максимовой и В. Васильева, 1989

Пятьдесят лет вместе. В жизни и на сцене. Общее балетное детство, общий успех в Большом, общее мировое признание и «свободное плавание» после ухода из Большого. «Стайер и спринтер». Такие разные – быстрый Васильев и неспешная Максимова стали «Лучшим дуэтом мира», которому аплодировали в ста двадцати странах. Свадебным подарком для них стал фильм «СССР – с открытым сердцем», а свадебным путешествием – поездка в Париж на премьеру картины. Их хореографом был Морис Бежар, а режиссером – Франко Дзеффирелли.


«Я никогда не видел такого танцора, как Васильев. Он соединяет в себе все: виртуозность, технику, драматический талант, находчивость и силу».

Морис Бежар, 1978


«На сцене у меня были и другие партнеры. Но надежнее Володиных рук я не знала. В жизни тоже. Я не могу сказать, что мы влюбились друг в друга с первого взгляда. Мы долго еще приглядывались друг к другу, познавали друг друга. У нас, по-моему, очень разные характеры, и все-таки я все время повторяю – «мы».


Их тайный уголок – дом в костромском лесу на хуторе Рыжевка. Здесь артист Владимир Васильев становится художником. Приезжая теперь уже в одиночестве… Пишет русские пейзажи. Холст и краски манили с пятнадцати лет, но балет соперников не терпит – забирал все время. Оставив сцену, Васильев наконец взялся за кисть и за перо, пока его постановки живут уже своей жизнью… по всему миру.

Конкурс артистов оперетты и мюзикла СНГ. Балетмейстер Владимир Васильев (в центре) консультирует молодых артистов Московского театра оперетты, 1992

Я – не Петрарка и не Данте.
Я – не Вергилий, не Бокаччо.
Еще имен с десяток ярких
Добавить можно к ним в придачу.
Но, как они, из века в век,
Гуляли, пили и любили,
Творили глупости порой
(За что, бывало, их и били),
Я продолжаю жизни бег.
Я горд! Я – тоже Человек!

Владимир Васильев


Документальный цикл «Владимир Васильев. Большой балет»


Фильм 1-й. «Начало. Мои учителя»


Фильм 2-й. «Впереди планеты всей»


Фильм 3-й. «Слава драмбалету»


Фильм 4-й. «К новой эстетике»

]]>
Петропавловск-Камчатский отмечает День городаСовершите виртуальную прогулку по достопримечательностям региона.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/53332/petropavlovsk-kamchatskii-otmechaet-den-gorodaWed, 14 Oct 2015 13:39:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Петропавловск-Камчатский отмечает День города

Образы РоссииКультурные гиды

«В тысяча семьсот сороковом / Первый дом срубил Иван Елагин. / С этих пор расцвел российским флагом / Порт, крещенный Павлом и Петром.


Петропавловск на Авачинской губе, / Признаюсь в любви сегодня я тебе. / Ты рыбак и пограничный ты форпост. / Все пути — через Камчатку на норд-ост. / Город между сопками кружит / Вечный вальс под музыку прибоя. / Он гордится славною судьбою, / Памятью героев дорожит.


Три вулкана охраняют небеса, / Делит воды Озерновская коса, / А Три Брата у Авачинских ворот / Моряков благословляют на поход. / Эти имена не позабыть: Удалов, Максутов и Завойко, / Всех, кто защищал наш город стойко, / Чтобы жить потомкам и любить.


Заберешься на Мишенную, пыхтя, / И счастливо рассмеешься, как дитя. / Красотою неземною опьянен, / Понимаешь: в эту землю ты влюблен. / Кто решит покинуть этот край — / Все равно сюда же возвратится. / Век живи, камчатская столица, / Наш камчатский Питер, процветай!» (Гимн Петропавловску-Камчатскому. Слова семьи Пирагис).


Не так давно таинственный полуостров был закрытым районом. До 1990 года ни один иностранец не мог ступить на землю Камчатки, и даже россиянину требовался специальный пропуск, чтобы попасть на землю секретных объектов, действующих вулканов и гейзеров. Вы не были в Петропавловске-Камчатском? Приглашаем познакомиться с его достопримечательностями, виртуально прогуляться по уникальным природным заповедникам, узнать самые интересные факты о культурном наследии региона!





Камчатский театр драмы и комедии


В год своего рождения Камчатский театр драмы и комедии пережил невероятное происшествие. В январе 1933 года на Охотское море обрушился небывалый шторм силой в 10 баллов, сопровождающийся 28-градусным морозом. Пароход «Сахалин», плывший к острову, боролся за свою жизнь. Сначала экипажу и пассажирам пришлось скалывать моментально намерзающий лед, а потом сражаться с пожаром. Затем истерзанный пароход затерло льдами, и ему пришлось еще полтора месяца дрейфовать вместе с огромными ледяными полями. Именно на этом пароходе и прибыли в Петропавловск основатели первого профессионального театра на Камчатке, в котором 21 апреля 1933 года состоялась первая премьера — спектакль по пьесе Курдина «Междуборье» в постановке режиссера Заботина.


В наши дни на сцене театра выступают маститые актеры: народные артисты РФ Галина Астраханкина и Анна Савельева, а также заслуженные артисты РФ Зоя Янышева, Татьяна Дерегузова, Валерий Новиков, Вячеслав Таратынов, Владимир Грачев и Татьяна Артемьева.



Камчатский театр кукол


Камчатский театр кукол открылся в далеком 1980 году. Позади — более 150 постановок для взрослых и детей, показаны тысячи спектаклей не только на сцене театра, но и на фестивалях и гастролях по всей России. Камчатский театр кукол, как участника всероссийских и международных фестивалей, знают и уважают в Хабаровске, Благовещенске, Абакане, Томске, Иркутске, Москве, Санкт-Петербурге, Украине и Сербии.


В театральной труппе — актеры, награжденные высоким званием заслуженных артистов России: Вениамин Логвинец, Олег Бойко, Олег Миронов.


Около 30 лет театром бессменно руководит и одновременно является главным художником Зиновий Кужелев. Тем детям, которые помнят спектакль «Таинственный гиппопотам», уже 40 лет… Когда-то их сюда приводили мамы и бабушки. Сейчас они сами приводят своих детей.



Музей боевой славы


Музей боевой славы был открыт в День Военно-Морского флота в 1959 году по инициативе командующего Камчатской военной флотилии, Героя Советского Союза вице-адмирала Григория Ивановича Щедрина.


В музее хранятся личные вещи, уникальные документы и фотографии, фронтовые дневники и воспоминания ветеранов Великой Отечественной войны и Вооруженных Сил. Фонды хранения музея насчитывают более 15 тысяч экземпляров. Среди них — образцы оружия и военного снаряжения, ордена и медали, знаки отличия, боевые знамена, произведения живописи, скульптуры и другие ценные предметы.


Здесь находится памятник экипажу подводной лодки «Л-16», погибшей в годы Великой Отечественной войны, трофейная японская военная техника с Курильских островов и адмиралтейский якорь начала XIX века.



Музей Всероссийского научно-исследовательского института рыбного хозяйства и океанографии «Мир морских глубин»


Идея создания музея «Мир морских глубин» принадлежала директору Всероссийского научно-исследовательского института рыбного хозяйства и океанографии (ВНИРО) Сергею Студенецкому. Лаборатории передавали в его фонд раковины, чучела рыб и водных млекопитающих, кости и черепа вымерших морских животных. В рейсовые задания сотрудников института обязательно включался сбор экспонатов для музея, благодаря чему коллекция пополнялась диковинными образцами.


В 1995 году был выделено помещение для оформления музея и размещения экспонатов коллекции. Над окончательным вариантом экспозиции работали дизайнеры Ольга и Федор Катаевы и сотрудники ВНИРО.


Сейчас посетители музея могут увидеть коллекции кораллов и тропических моллюсков, промысловых рыб и млекопитающих, модели исследовательских и рыболовных судов, водолазное снаряжение, в котором погружались под воду первые исследователи моря, познакомиться с технологиями выращивания обитателей моря. Собран уникальный фотоматериал по истории первых экспедиций на судах «Малыгин» и «Персей». Сотрудники института продолжают передавать музею фотоальбомы из экспедиций и интересные фотографии.



Музей современного вулканизма


Музей вулканизма в Петропавловске-Камчатском — единственный в России специализированный музей, располагающий систематической коллекцией большинства известных современных вулканических и поствулканических типов пород и минералов. Уникальное заведение находится под руководством Института вулканологии и сейсмологии. Сотрудники института занимаются изучением вулканов и землетрясений во всем мире.


В музейной экспозиции — тематические и региональные коллекции, отражающие деятельность вулканов Камчатки и Курильских островов, а также ряда вулканов Атлантического, Тихоокеанского и Средиземноморского регионов, а именно Японии, Италии, Америки, Мексики, Исландии и Новой Зеландии. Посетителям предоставляется возможность увидеть впечатляющую коллекцию фотографий и фильмы о ныне действующих вулканах.


Коллекции образцов музея и его фонды со времени его создания собирались тремя поколениями вулканологов.



Камчатский краевой объединенный музей


История Камчатского краевого музея насчитывает более 100 лет. Инициаторами его создания стали губернатор Камчатской области Василий Власьевич Перфильев и представители местной интеллигенции. Основу фондового собрания составили предметы, собранные для Всемирной выставки в 1893 году в Чикаго (США) и Приамурской выставки в 1901 году в Хабаровске, и предметы, собранные для II Приамурской выставки, проводившейся в 1913 году в ознаменование 300-летия царствования дома Романовых.


Значительная часть музейного собрания была собрана в период 1950–90-х годов. Сформировалась большая коллекция предметов материальной и духовной культуры коренных малочисленных народов Севера, Сибири и Дальнего Востока, живущих на Камчатке.



Часовня в Петропавловске-Камчатском


Часовня в Петропавловске-Камчатском — памятник у братской могилы русских воинов, погибших при обороне города от англо-французских интервентов в августе 1854 года.


Благочинный камчатских церквей Петр Донской обратился с просьбой выделить участок под строение в Петропавловское окружное полицейское управление. А построить часовню на свои средства предложил Петропавловский купец, надворный советник А.Ф. Филиппеус. Памятник установили на склоне Никольской сопки в 1912 году на месте деревянного храма во имя Александра Невского. Он представляет собой кубическую постройку в стиле эклектики, завершенную куполом с крестом.



Вулканы Камчатки


Петропавловск-Камчатский называют городом среди вулканов. В его окрестностях насчитывается примерно 30 действующих и около 1000 потухших вулканов, которые занимают около 40% территории полуострова. Действующими вулканами называют не только активные, выбрасывающие магму, но и те, которые выбрасывают горячие вулканические газы и пары через отверстия и трещины.


Первооткрывателем Камчатки называют русского землепроходца, сибирского казака Владимира Атласова. Он вместе со своим казачьим отрядом обошел практически весь полуостров и собрал огромное количество сведений о коренных народах этого края. Именно с его путешествий в XVII веке началось освоение этого региона.


Несмотря на грозящую опасность, вулканы относят к числу наиболее интересных природных объектов, привлекающих множество туристов.



Долина гейзеров


Долина гейзеров находится в одном из труднодоступных ущелий Кроноцкого биосферного заповедника на Камчатке, добраться до нее можно только вертолетом.


Почитатели природы называют Кроноцкий заповедник восьмым чудом света. В одном из крупнейших скоплений гейзеров в мире расположились пульсирующие кипящие источники, горячие озера, грязевые котлы и вулканчики. Долина переливается колоритными оттенками, в ней постоянно что-то бурлит, журчит, скрипит и вызывает подлинный интерес.


Вокруг гидротерм сложилась уникальная экосистема: местные термальные бактерии, водоросли, лишайники и пр. В водах долины широко распространены древнейшие термофильные сине-зеленые водоросли, заселившие водоемы планеты около трех миллиардов лет назад, а на склонах долины можно увидеть редкое растение из семейства орхидных — скрученник китайский.



Курильское озеро


Курильское озеро образовалось более восьми тысяч лет назад в результате мощного извержения и последовавшего за ним опускания земной коры.


Существует легенда о том, что жившие когда-то здесь люди явились свидетелями катастрофических извержений. Когда-то на месте озера возвышалась высокая гора, такая высокая, что закрывала для соседних гор солнце, тем самым вызывая их негодование и возбуждая частые ссоры. Наконец, они надоели настолько, что высокая гора поднялась и ушла в Охотское море, а на ее месте образовалось озеро, в котором она оставила свое сердце. По следу, оставленному горой, и потекла к морю река Озерная.


Озеро представляет собой уникальную биосистему, и сегодня оно является одним из крупнейших в Евразии нерестилищем лососевых — нерки.



]]>
Приключения белой вороны: эволюция школьного фильма в советском киноЛекция российского киноведа Любови Аркус.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/51093/priklyucheniya-beloi-vorony-evolyuciya-shkolnogo-filma-v-sovetskom-kinoTue, 19 May 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Приключения белой вороны: эволюция школьного фильма в советском кино

КиноПубликации раздела Кино

Почему в сталинскую эпоху не было школьной тематики?


Дети школьного возраста в сталинском кино, конечно, были. Они участвовали в революции («Трое с одной улицы», 1936), в Гражданской войне («Федька», 1936), в борьбе против кулаков («Дочь партизана», 1934), радели за колхозное добро («Два друга», 1936), готовили концерт для героев-полярников («Дивный сад», 1935), помогали обезвредить шпиона («Гайчи», 1938), предотвращали диверсию на железной дороге («Поезд идет на Москву», 1938). Если они не совершали героических поступков, то были заняты в основном тем, что мечтали их совершить.


Школы как таковой — с ее буднями, коридорами, рекреациями, классной комнатой, рядами парт, доской, учителями и учениками — в сталинском кино почти не было. Если она возникала, то экранного времени ей уделялось немного, эпизоды, связанные с ней, маячили где-то на периферии сюжета (как в не выпущенном на экраны фильме Маргариты Барской «Отец и сын»). Малоуспешные фильмы «Семиклассники» Протазанова и «Личное дело» Разумного были теми исключениями, которые подтверждают правило.


С чем это было связано? Во-первых, школа как территория была фактурой, слишком опасной для кино, так как она всегда выглядит как модель государства. Во-вторых, школьник как носитель драматического действия вне категорий героического был невозможен, конфликты и драмы ему не были положены по определению. Ребенок как центральный персонаж мог быть только героем, классовым борцом — за эти рамки никто не выходил. Невозможно было предположить, что детская среда может родить драматический конфликт. Но самая главная причина — в тех изменениях, которые претерпела государственная педагогическая концепция.


В 20-е годы основной педагогической идеей была идея «перевоспитания», или «перековки» — в полном соответствии с государственным курсом, ведь даже Соловки были созданы не как репрессивное «учреждение», а как исправительно-трудовое. С ужесточением классовой борьбы в начале 30-х эта идея постепенно отступает на второй план — достаточно упомянуть Постановление ЦИК и СНК СССР «О мерах борьбы с преступностью среди несовершенно­летних» 1935 года. В соответствии с ним под крылом НКВД создаются особые подразделения по делам несовершенно­летних, а уголовной ответственности и всем видам уголовного наказания (вплоть до расстрела) теперь подлежат граждане, начиная… с 12-летнего возраста. Нет прямой связи между этим постановлением и, скажем, разгромом маршаковского детского отделения ОГИЗа, а также трагическими поворотами в судьбах режиссеров Николая Экка (легендарная «Путевка в жизнь») и Маргариты Барской (автор фильма «Рваные башмаки», разработавшая целую систему работы с ребенком-актером) или с «повышением в должности» Антона Макаренко, по сути положившим конец его педагогической утопии… Но история — великий мастак на непрямые контекстные рифмы.


Первый фильм, в котором можно увидеть жанровый канон школьного фильма, — это картина «Красный галстук», поставленная по сценарию Сергея Михалкова.


«Красный галстук» (1948) и «Аттестат зрелости» (1954)


Ключевые персонажи школьного фильма: белая ворона, коллектив, наставник. Коллектив перекрашивает белую ворону. Символический наставник


Итак, в 1948 году выходит фильм «Красный галстук». У главного героя, малолетнего щекастого отступника, — «темное пятно в биографии»: считая, что хорошей учебы достаточно, он манкирует общественной работой и за это лишается красного галстука. Пристыженный отцом-коммунистом, он просит восстановить его в пионерском звании, однако лучший друг выступает против и требует назначить испытательный срок. Одноклассники активно осуждают недостатки своего товарища, они же помогают ему встать на путь истинный. После того как этот страшный индивидуалист и отщепенец под воздействием коллектива и лучшего друга искренне раскаивается и в творческих муках создает школьную стенгазету, его торжественно возвращают в лоно пионерской организации.


Мы начинаем разговор с «Красного галстука» по той причине, что именно в этом одиозном произведении возникает главный мотив школьного фильма, на котором впоследствии будет строиться жанровый канон. Этот мотив — мотив белой вороны. Уже здесь возникает схема «белая ворона — стая — вожак», иными словами — «личность — коллектив — наставник». Эта схема будет видоизменяться внутри — и по ее структурным рокировкам можно будет прочертить след глубинных процессов, происходящих в обществе — и на самом деле это будет история распада империи.


Типические черты белой вороны определены уже здесь — это сознание своей исключительности, противопоставление себя коллективу. Заметим между делом, что статус белой вороны и авторское отношение к ней будут меняться, но почти закрепленной характеристикой станет уже заявленная в «Красном галстуке» тема таланта. Здесь белая ворона — юный художник, состав преступления — требование свободы творчества (он любит рисовать пейзажи, и не хочет — карикатуры, поэтому отказывается от стенгазеты).


«Красный галстук» (фрагмент №1)


В 1948 году белая ворона — отрицательный персонаж, таковым он продолжает оставаться и в первые постсталинские годы. В фильме «Аттестат зрелости» (1954) белая ворона — в исполнении молодого дебютанта Василия Ланового — повзрослела и превратилась в 16-летнего «юношу бледного, со взором горящим», который носит подозрительную фамилию Листовский (все фамилии на -ский в советских фильмах — подозрительные). Сюжет почти дословно воспроизводит схему. На сей раз белая ворона не художник, а талантливый математик, который не желает, чтобы его отвлекали от подготовки к научной карьере, и потому пренебрежительно относится к своим комсомольским обязанностям. Его товарищ (это уже сформированное каноном амплуа «лучшего друга») обличает его на комсомольском собрании и требует исключения из комсомола. Разумеется, высокомерная отповедь наглеца и выскочки встречает гнев коллектива: высшая мера наказания — исключение из комсомола — должна послужить ему хорошим уроком. И служит. Герой раскаивается и торжественно воссоединяется с «коллективным телом»: с точки зрения общественной нормы искомое совершенство наступает в тот момент, когда ты становишься как все.


«Красный галстук» (фрагмент №2)


Интересно, что в обоих фильмах роль Вожака (взрослого) абсолютно условна. Финал «Красного галстука» напоминает финал «Падения Берлина» в миниатюре: Взрослый — это Герой Советского Союза, почти спускающийся с небес, чтобы провести обряд инициации, слияния с телом коллектива (прием в пионеры). В «Аттестате зрелости» педагоги и комсомольские начальники исполняют роль то негодующей (сцена комсомольского собрания), то одобряющей (сцена экзамена) массовки. И в том и в другом случае они лишь присутствуют в кадре, но не являются сюжетообразующими. Ситуация меняется коренным образом в фильме «Друг мой, Колька».


«Друг мой, Колька» (1961)


Белая ворона как положительный герой и лидер коллектива. Фигура наставника раздваивается на либерала и консерватора


Фильм сделан по пьесе Александра Хмелика и после знаменитого спектакля, поставленного Анатолием Эфросом в Центральном детском театре. В этом фильме схема «белая ворона — коллектив — наставник» претерпевает коренные изменения. Ситуация переворачивается: в фильме белая ворона — положительный персонаж.

«Друг мой, Колька»


Есть коллектив детей. Есть мальчик, выбивающийся из него, — Колька Снегирев. Но теперь он не отщепенец и эгоист, а, наоборот, яркая индивидуальность, художник, человек, который хочет истины, а не формы, сущего, а не мнимого. Он требует от жизни дыхания, а от людей — искренности. Его явно любят авторы и зрители. Коллектив хочет ему помочь, избавить от неприятностей — но уже без намерений изменить его, уравнять со всеми. Его любят таким, каков он есть. Это не научная фантастика, это оттепель с ее прелестным умением выдавать желаемое за действительное и делать это с такой страстной достоверностью, что у вас, дорогие дети, для которых оттепель — это времена доисторические, может сложиться представление, что в конце 50-х именно так все и было.


Во все времена все было примерно одинаково, и мы имеем дело, это важно помнить, не столько с действительностью, сколько с ее концепцией — с той системой координат и ценностной шкалой, что была присуща каждой конкретной эпохе. Мы не раз уже говорили о том, что проблема кино нашего времени и состоит в отсутствии этой самой системы координат и ценностной шкалы. Жанрового кино, во всяком случае. Но как не раз уже нам приходилось убеждаться в наших исторических экскурсах, чем лучше обстоят дела с жанром, чем крепче и мастеровитее его конструкции, тем больше энергии может черпать в его разрушении или размывании авторский кинематограф.


Так, по-настоящему «авторский» фильм «Друг мой, Колька» опирается именно на жанровую схему. В основе фильма — напряженная сюжетная интрига, и ведут ее не школьники, а взрослые. С одной стороны, это старшая пионервожатая в исполнении Антонины Дмитриевой — чиновница, бюрократка, сухарь, требующая исполнения буквы закона. С другой стороны, это рабочий-наставник, откомандированный производством работать с детьми, в исполнении Анатолия Кузнецова — он против трескучего формализма, начетничества и уравниловки. Конфликт этих взрослых в школьных стенах — классический конфликт либерала и консерватора, и поводом для этого конфликта становится ученик Колька Снегирев. Речь идет, конечно же, не о том, казнить Кольку, столь непохожего на других детей, — или миловать. Речь идет о том, что мерой вещей теперь становится человек. И как мы теперь понимаем — на дистанции исторического опыта, сутью фильма является шестидесятническая утопия об идеальном обществе, о гармонии частного и целого.


«Звонят, откройте дверь!» (1965) и «Республика ШКИД» (1966)


Прощание с шестидесятым и двадцатыми. Новый герой-шестидесятник. Наставник в роли белой вороны. Утопия о стае белых ворон


История шла очень быстро. Это сейчас мы живем, завалив ухо: «Он опять поспал немножко, / И опять взглянул в окошко… / А с платформы говорят» — это, дорогие россияне, у нас все еще нулевые…

«Звонят, откройте дверь!»


А тогда что ни год, то погребали эпоху. Оттепель, начавшись в 1955 или 1956 году, закончилась уже в начале 60-х. Позорище с Пастернаком и голосованием писателей, выступление Хрущева в Манеже, процесс над Синявским и Даниэлем, высылка Бродского, «Застава Ильича» на полке — это мы только про культуру сейчас… Пришли люди в одинаковых шляпах и добротных макинтошах в пол — начался застой. Но прежде него на каких-то несколько лет дана была странная передышка — не то что глоток воздуха, а словно форточку забыли прикрыть. В кино не было, пожалуй, периода более плодотворного и богатого на шедевры — достаточно назвать «Крылья» Шепитько, «Андрей Рублев» Тарковского, «Долгие проводы» Муратовой, «Июльский дождь» Хуциева, «Друзья и годы» Соколова, «В огне брода нет» Панфилова… И нужды нет, что «Комиссара» или «Скверный анекдот» не выпустили на экран; поразительно, что вообще попустили их снять и завершить!


И «Звонят, откройте дверь!», и «Республику ШКИД» можно отнести к жанру школьного фильма. Действие одного происходит в шестидесятые, второго — в двадцатые. Но оба фильма можно считать прощанием с шестидесятыми, а через них — и с двадцатыми.


Как вы знаете, вся оттепель прошла под знаком рифмы с двадцатыми годами. Осуждение сталинизма и тоталитаризма проходило под знаменем возвращения к так называемым ленинским нормам. Шестидесятники одалживались смыслом и пафосом у двадцатых так же, как, скажем, Юрий Тынянов обращался за ними в 20-е годы века девятнадцатого. Это потом Окуджава споет:


Только топот мерный,
Флейты голос нервный
Да надежды злые.


А тогда еще надежды не были «злыми», и не нервный голос флейты, а труба из незапятнанного (как тогда казалось) прошлого звала в светлое будущее. В 1966 году, когда с надеждами было покончено, Утопия рухнула, и мир разлетелся на мириады осколков частных случаев противостояния/выживания, выходят два фильма, которые вполне условно можно причислить к школьному фильму, но хотя бы потому, что основной их сюжет развивается в школьных стенах.


В фильме «Звонят, откройте дверь!», поставленном по сценарию Александра Володина, школьница Лена (Елена Проклова) вместе со своими одноклассниками получает задание отыскать первых пионеров.


Как и в предыдущем фильме, здесь возникает пионерская тема. Но за прошедшие пять лет многое изменилось. Пионеры относятся к этому заданию как к докучливой обязанности. Главная героиня озабочена не больше других, но влюблена в пионервожатого (Сергей Никоненко). Поразительным образом двенадцатилетняя девочка исполняет сложнейшую сюиту усилий любви во всей ее полноте и глубине — первый восторг, желание заслужить взаимность, первое разочарование, готовность принять человека таким, как он есть, готовность принести себя в жертву и, наконец, окончательная утрата иллюзий. Человек, которого она любит, — герой нового времени. Это забегавшийся и суетливый юный карьерист, который усердно пытается исполнять обязательную программу «правильного» комсомольца: учеба, спорт, общественная нагрузка. Он издерган, ничего не успевает, а тут несчастное дитя с челкой и бездонными глазищами путается под ногами.


Никому не интересно, белая она ворона или серо-буро-малиновая в крапинку. Да и сама она вряд ли осознает свою исключительность. Просто жизнь в школе, на улице, в актовом зале движется непересекающимися потоками: она сама по себе, и те, кто рядом, вокруг, навстречу, — сами по себе.


Мы не запомним в этом фильме учителей, быстро забудем и одноклассников Лены. В памяти останется маленькая фигурка с портфелем и мешком для сменной обуви, непреклонная в своем одиноком поиске Настоящего: настоящей любви, настоящего первого пионера, настоящего взрослого, который вот сейчас войдет в эту дверь и ответит на все вопросы.


Важно, что этот настоящий взрослый, которого она все-таки найдет, не имеет никакого отношения к школе — это один из тех случайных людей, которых встречает Лена в своих безуспешных поисках. С точки зрения общественной пользы он — «никто», папа знакомого мальчика, рядовой музыкант из оркестровой ямы. И вот он соглашается пойти на собрание вместо первого пионера. Тем более, как ему кажется, ему есть что рассказать: «Вот прошло много лет, может быть, больше прошло, чем осталось. Может, я ошибаюсь. Но наша жизнь, она ведь не продолжается непрерывно, нет. В конце концов, ее составляют какие-то минуты, какие-то годы — это кому как повезет: когда мы что-то очень сильно чувствуем, кого-то любим или работаем, если, конечно, работа по сердцу. Остальное время как бы не в счет. Когда я смотрел и слушал, как этот парень трубит свои сигналы, то вот это и были эти минуты моей жизни. Но мы, к сожалению, не помним этих минут, потому что мы не замечаем их, вот в чем беда».


«Звонят, откройте дверь!»


Этот сбивчивый монолог — монолог музыканта, а не оратора, перебиваемый нервными жестами и неловкими паузами, завершается гимном молодости и прощанием с молодостью. Чистому и сильному звуку трубы, заполняющему небольшое помещение актового зала, некуда улететь — он упирается в стены школьного здания. Но маленький человек, до этого неуклюже вскарабкавшийся на сцену, вытягивается в одну поющую струну — на глазах у девочки с заплаканными глазами, взрослеющей в одно мгновение не на одну жизнь.


Действие «Республики ШКИД» происходит в двадцатые годы. Организовывается школа для беспризорников. Ее возглавляет Виктор Николаевич Сорокин по прозвищу Викниксор.


«Республика ШКИД» (фрагмент №1)


Уже самим выбором актера на главную роль авторы заявляют концепцию фильма. Этим актером становится Сергей Юрский. Весь его облик и нелепый вид говорит зрителю о том, что это тот самый «человек с прыгающей походкой», неуместный, несвоевременный, человек из прошлой эпохи, о котором говорил Юрий Тынянов в романе «Смерть Вазир-Мухтара». Это белая ворона, но теперь в ее роли выступает наставник. Это белая ворона, которая собирает в стаю других белых ворон: его воспитанники — подростки, по разным причинам выброшенные из жизни. Уточнение: поскольку на дворе начало двадцатых, а Викниксор очевидно из «бывших», то он не просто белая ворона, а классический «недобиток». А его подопечные, дети революции, Гражданской войны и красного террора — тоже недобитые белые вороны, подранки. Среди них есть бывшие дворянские дети, бывшие крестьянские, дети священников, интеллигентов, мирных обывателей, у них у всех разное происхождение, разное прошлое и разные обстоятельства. У многих погибли или пропали родители, они голодали, они воровали, они грязные, немытые, дикие и страшные.


«Республика ШКИД» (фрагмент №2)


Педагогическая концепция Викниксора заключается не в том, чтобы сделать их всех одинаковыми, а создать «сообщество белых ворон» под предводительством белой вороны. Он великий идеалист и утопист. Викниксор считает, что человек уникален, а коллектив уникальных людей может представлять собой объединение творческих индивидуальностей, которым не надо поступаться собой и свободой, чтобы быть вместе.


«Республика ШКИД» (фрагмент №3)


Он смешной человек в высоком смысле этого слова. Он прекрасен, и он обречен. Это видно в финале фильма, когда на фоне всеобщей эйфории выясняется, что он своевольно нарушил предписание вышестоящего начальства: «Если надо, я дойду до Феликса Эдмундовича». По одной этой реплике видно, что вряд ли он доживет даже до начала тридцатых, но если и доживет, то уж тогда точно будет поставлен к стенке — так же, как и многие его воспитанники, птенцы гнезда свободолюбивой ШКИДы.


«Республика ШКИД» и «Звонят, откройте дверь!» — это прощание с шестидесятыми, с молодостью и последними временами, когда казалось, что гармония еще достижима и возможна.


«Доживем до понедельника» (1968)


Пепельная усталость. Белая ворона — наставник и белая ворона — ученик: как в зеркале. Консерватор, влюбленный в либерала. Лидер коллектива — прагматик


Это один из самых загадочных фильмов в истории советского кино. В чем загадка? Именно здесь точно, выпукло запечатлено состояние советского интеллигента в год вторжения в Чехословакию — если бы не знать, что фильм был сделан до этого события *, а автор его, Станислав Иосифович Ростоцкий, обладая, безусловно, многими выдающимися достоинствами, в открытой полемике с советской властью замечен не был.


«Доживем до понедельника»


Мы застаем главного героя, учителя Мельникова (Вячеслав Тихонов), в тот момент, когда он решает, что больше не может преподавать историю и должен уйти из школы. Непонятно, как прошел цензуру диалог с директором: «Куда же ты пойдешь? — В музей. Экскурсоводом. — А ты что думаешь, в музеях экспонаты не меняются? Или трактовки?»


Интеллигент, участник войны, историк, умница. Ненавязчивым пунктиром — биография: мама явно «из бывших», на это намекает старинная мебель и чинно сервированный будничный ужин; участник войны — фотографии на стене; незащищенная диссертация — из обрывка разговора ясно, что зашел слишком далеко и не намерен возвращаться «в рамки». С коллегами всегда был учтив, но сейчас иногда срывается. В учительском коллективе он — белая ворона. Еле заметная мелкая рябь тоски пробегает по его лицу: от невежества («нет такого глагола в русском языке, голубушка, пощадите чужие уши»), от пошлости (Боратынский — поэт «второго ряда»), от глупости («глупость должна быть частной собственностью дурака»), от тотального вранья и профанации своего предмета («ты посмотри учебник этого года»). В пересказе получается сплошная фронда, но это состояние безысходной тоски Тихонову удается более всего, когда он молчит. Молчит и смотрит. Поразительно, какую актерскую школу мы потеряли! В фильме много крупных планов, и, право, книгу можно написать о том, как смотрит Тихонов. Как он смотрит на учеников: на поэта Генку Шестопала как в зеркало — узнавая себя, на циничного красавца Батищева — прозревая в школьнике вечного своего оппонента, на весь класс в финале фильма — предчувствуя судьбу каждого и зная, что ничего нельзя изменить.


Основная краска характера — пепельная усталость.


«Доживем до понедельника» (фрагмент №1)


Его антагонист — учительница русского языка и литературы Светлана Михайловна. Драматургическая схема со времен картины «Друг мой, Колька» не меняется — это оппозиция либерала и консерватора, и актриса Нина Меньшикова как будто продолжает линию Анастасии Дмитриевой — старшей, пионервожатой. Но только как будто, потому что схема на то и существует, чтобы время наполняло ее новым содержанием. Светлана Михайловна ограниченна, дает предмет «от сих до сих», сухарь, ханжа, «училка», всегда знает, «как надо», и жестко придерживается предписаний. Но нет в ней уже ни задорного энтузиазма Лидии Михайловны, ни иезуитского фанатизма учительницы немецкого языка из фильма «А если это любовь» в замечательном исполнении Анастасии Георгиевской. А только одиночество и все та же усталость. Она еще держится. Она красит губы, носит модный костюмчик джерси и цокает на изящных лодочках. Светлана Михайловна любит Мельникова, кокетничает с ним беспомощно и нелепо, как умеет, — а у него сводит скулы от тех банальностей, которые она говорит.


«Доживем до понедельника» (фрагмент №2)


Этот мотив повторится и в других школьных фильмах, например в «Дневнике директора школы», и мне все время мерещится здесь коллизия отношений власти и интеллигенции. Одна из самых сильных сцен в фильме — их вечерний разговор в школе. Здесь очень хорошо видно, что дряхлеющая идеология больше не может быть содержанием жизни даже для тех, кто как будто держится ее основ. Частная жизнь частных людей, их частные счеты со своей частной жизнью и между собой — вот что такое теперь общество, и школа не только не исключение, но, напротив, наиболее яркое воплощение произошедших изменений.


А вот еще класс. Все классические амплуа налицо. И неформальный лидер, и первая красавица, и зубрилка-дурнушка, и местный клоун, и, разумеется, белая ворона. Интересно, что лидер (Игорь Старыгин) теперь не первый ученик, и не талантливый возмутитель спокойствия. Напротив, этот красавчик, похоже, избрал стратегию «не высовываться», быть «как все», но только немного выше — ровно настолько, чтобы обеспечить себе лидерские позиции. Белая ворона, поэт Генка Шестопал, тоже не стремится к публичным демонстрациям — он молчалив и задумчив, а свой демарш (сожжение сочинений на тему «Что такое счастье») совершает неожиданно для самого себя. Он не стал бы читать свои стихи на площади Маяковского, ему не нужны ни стадионы, ни даже зал в Политехническом: «Счастье, — напишет он в своем злополучном сочинении, — это когда тебя понимают». Похоже, он готов довольствоваться пониманием лишь одного человека.


Когда Мельников прервет красавца Батищева, «правильно», по учебнику трактующего мятеж на крейсере «Очаков», и произнесет речь, посвященную лейтенанту Шмидту, — станет ясно, что этот седой, смертельно уставший человек много моложе своих юных, вступающих в жизнь учеников. Эта речь, вдохновенная апология обреченного и бесполезного с точки зрения логики протеста уже не оставляет сомнений в том, что перед нами — герой романтический.


«Доживем до понедельника» (фрагмент №3)


Можешь выйти на площадь,
Смеешь выйти на площадь
В тот назначенный час?!


Очевидно, что, пока снимался фильм, те семеро на площадь еще не вышли. Очевидно, что на площадь не вышел бы и он. Но он все еще думает, что его «нет» что-то значит. Он все еще ощущает себя центральным героем пьесы своей жизни и частью своей страны, пусть даже страны, от которой он смертельно устал и за которую ему стыдно.


Беда лишь в том, что на дворе 1968 год. Его оппоненты — такие же, как он, уставшие люди, ушибленные квартирным вопросом, гастритом, неприятностями по службе… Они не думают по-другому. Они вообще не думают, и его по-дружески, по-семейному, по-хорошему призывают к тому же.


«Мам, не замечала ты, что в безличных предложениях есть безысходность? «Моросит». «Темнеет». «Ветрено». Знаешь почему? Не на кого жаловаться потому что. И не с кем бороться!»


* Фильм был придержан после августа 68-го и показан на ММКФ-69, а премьера состоялась в августе 69-го.


«Переступи порог» (1970) и «Дневник директора школы» (1975)


Белыми воронами становятся и либерал, и консерватор. Новые времена


Как я уже говорила, историческое время менялось очень быстро, и, что важно, эти перемены с поразительной чуткостью фиксировал кинематограф. В фильме «Доживем до понедельника» ученики уважают Учителя, слушают его раскрыв рот, боятся его неудовольствия, хотят заслужить расположение…


Но уже там есть эпизод, в котором намечается новая линия в трансформации школьного фильма. Это эпизод с бывшим учеником Борей, который «подвозит» учителя-пешехода в дождливую погоду на своей персональной машине с водителем. И эта машина, и какие-то оброненные в разговоре факты («командировка в Лондон», «в нашем департаменте умеют ценить кадры») недвусмысленно свидетельствуют о том, что это за департамент такой, в котором обустроился и был по достоинству оценен респектабельный Боря.


«Доживем до понедельника» (фрагмент №4)


«Все там же живете, все там же работаете… Мне, например, уже тогда было обидно, что такой человек, как вы, распыляет себя в средней школе… С гораздо более высоким КПД вас можно использовать», — сетует бывший ученик.


Это пока еще только один эпизод, но уже через несколько лет, в фильме «Переступи порог» Ричарда Викторова новая белая ворона (разумеется, талантливый математик, на голову выше своих одноклассников) со спокойной откровенностью заявит завучу (Юрий Визбор): «Я не хотел бы оказаться на вашем месте». И без заминки разовьет свою мысль: «Надеюсь, что сумею найти своим способностям лучшее применение». И далее, цитирую дословно: «Вы ведь не думали, что окажетесь в школе. Я надеюсь, что мне удастся избежать такой судьбы».


«Переступи порог» (фрагмент №1)


Что же это за судьба такая, которой юный честолюбец надеется избежать?


В другом фильме, о котором мы сегодня будем говорить, в «Дневнике директора школы» Бориса Фрумина, этот мотив станет одним из центральных. Исходную конфигурацию «Доживем до понедельника» вытащили из Прекрасного Советского Кино и, разместив ее в живой жизни, сняли заново — документальной камерой, с черновым звуком, со всей шелухой житейских подробностей и околичностей домашнего, школьного и городского быта, которые обычно не попадают в сценарий и на пленку.


«Дневник директора школы» (фрагмент №1)


В самом деле, перед нами все та же диспозиция: либерал, консерватор и белая ворона как горячая точка их конфликта.


Белая ворона, девятиклассник Игорь Кольцов, своевольничает вполне умеренно, но, загнанный в угол, откровенно дерзит. Либерал (директор школы Свешников — Олег Борисов), как и положено, проповедует либеральные идеи: «Я хочу научить их уважать чужое мнение и защищать свое». Консерватор (завуч Валентина Федоровна — Ия Саввина), само собой, ему оппонирует: «У нас сплошной либерализм с некоторых пор. Кругом гении, спросить не с кого. Товарищи! Это же школа!»


Валентина Федоровна помолодела по сравнению со своей предшественницей, у нее все та же манера одеваться (костюмчик, лодочки), все тот же стиль в отношениях с оппонентом — покровительственные нотки во вразумлениях и увещеваниях, подспудно — все та же безответная, невзаимная, несчастная любовь.


Отношения наставника — либерала с белой вороной повторяют ту же линию двойничества, зеркального отражения: «Я не знаю, гений он или нет, — ответствует Свешников напору Валентины, — может, просто способный парень. Но я не хочу, чтобы его терзали». По тому, как еле заметно играют желваки на его лице и как всего лишь на четверть тона повышается голос, мы понимаем отчетливо, что в «способном парне» он видит самого себя, и про то, как «терзают» таких «гениев или нет», знает не понаслышке.


Схема, как мы видим, до забавного узнаваема. Наполнение этой схемы принципиально другое.


Начать с героев. У Свешникова нет ни старинной квартиры с аристократической мамой, ни девушки с влажными глазами, влюбленной в него, ни бархатного голоса, ни округлой жестикуляции, ни праведного гнева, ни гражданского пафоса… У него малогабаритная двушка на троих в новостройке, стареющая жена, хронический цейтнот и лицо человека, забывшего, когда он последний раз смотрел на себя в зеркало.


У актера в «Дневнике…» почти нет крупных планов. Нет монологов — ни одного. Нет поступков, драматического действа, проблемы выбора, трудных решений. Какими средствами Олегу Борисову удается сыграть то, что без слов сыграть, кажется, невозможно? Человека, который уже отказал себе в праве драму. Человека, который живет той жизнью, какая есть, в том времени, какое отпущено — потому что другого (ни жизни, ни времени) уже не будет. Человека, который уже не предъявляет счетов ни к жизни, ни к времени, ни к людям — дай Бог оплатить свои. Он не ощущает себя героем, он выполняет свои обязанности. Это тихое стояние интеллигента перед лицом лживой эпохи.


Да, но обязанности свои он хочет выполнять хорошо!


«Нет такого слова «блат» в русском языке, — говорит ученикам Свешников, — я не знаю такого слова». Они уже не маленькие и хорошо знают, что без «блата», которого нет в русском языке, ни в театр пойти, ни в гостиницу попасть, ни сапоги купить, ни билетов достать на поезд или самолет… Они уже многое знают про жизнь, которая со стороны только может показаться научной фантастикой, а на самом деле всецело подчинена закону двойного стандарта… Кто для них человек, отрицающий очевидное? Дурак? Сумасшедший? Пустозвон?


Кто он для свирепого папаши толстощекого малыша, который не только не испугается директорского гнева («Вы его били? Били? Как вы смеете бить ребенка?»), но и двинет ему как следует, если тот не угомонится. Не про то речь, что потерян престиж профессии, — речь про то, что ты ничем не можешь помочь этому карапузу, разевающему рот как рыба на берегу, чтобы не заплакать. Что толку ему на тебя оглядываться? Для его отца ты никто, неудачник, пустое место…


«Дневник директора школы» (фрагмент №2)


Бог с ними, с рассказами, которые когда-то писал. С иллюзиями, с их утратой. Но когда ты учишь детей тому, что не только не может пригодиться им в жизни, но наверняка причинит вред, — с этим как быть? Ведь внушая детям: «Не надо бояться, если ваше мнение идет вразрез с общепринятым», хорошо бы сопроводить эту максиму подробнейшей инструкцией по применению в реальных условиях… Ведь кто-нибудь из них может впоследствии вылететь из института, потерять работу; кто-нибудь — кто поверит…


Но никто не поверит. Ни ему, щедро дарующему ученикам не только обязанности, но и права — в том числе право на самоопределение. Ни ретрограду Валентине Федоровне с ее теорией обязаловки и уравниловки.


На самом деле их конфликт уже не имеет отношения ни к чему, кроме как к их собственной жизни: безнадежно отставшие от реальности, они равно беспомощны перед ней и равно бесправны.


«Дневник директора школы» (фрагмент №3)


«И на это ты ухлопал свою жизнь?» — спрашивает его сын


В вопросе нет хамства и нет надрыва, одно только доброжелательное сострадание.


«А на что, по-твоему, — отвечает Свешников, — я должен был ее ухлопать?»


«Ключ без права передачи» (1976) и «Розыгрыш» (1976)


Люди затянувшейся молодости. У белой вороны конфликт с временем. Массовая культура присваивает белую ворону


Вот здесь — болевая точка конфликта. Помните, монолог Быкова в финале «Звонят, откройте, дверь!». На что должно «ухлопывать жизнь»? С точки зрения «отцов» — на смысл, с точки зрения «детей» — на саму жизнь. Устроиться в жизни, чтобы не быть ею униженным. Просчитать варианты, чтобы получить ощутимый результат. Они разные, эти «дети», и результаты им нужны разные, и слово «устроиться» они понимают по-разному.


«Ключ без права передачи»

Как в любом поколении, в них намешано многое: есть карьеристы и мирные обыватели, честолюбцы и скромники, трудолюбивые муравьи и отпетые мошенники. Но одно их объединяет — они больше не живут со своей страной общей жизнью, и им в голову не придет воспринимать это как трагедию.


«Мы с вами люди уникального поколения. Люди затянувшейся молодости», — говорит в начале фильма бывший одноклассник Свешникова.


Вот этой «затянувшейся молодости» отцов и предъявляется счет, а конфликт из школьного пространства перемещается в пространство семейное.


В чем суть счета, предъявленного «промотавшемуся» отцу? У него ничего нет, кроме его собственной судьбы. Кроме выстраданного им кодекса поведения, который не может быть передан по наследству — другое время, другая страна.


Все вышесказанное, как вы, вероятно, поняли, имеет отношение лишь к герою-наставнику определенного поколения — и трубач из «Звонят, откройте дверь», и Мельников из «Доживем до понедельника», и Свешников из «Дневника директора школы», и отец Олега в «Розыгрыше», и даже (пусть метафорически) Викниксор в «Республике ШКИД» — это все не просто шестидесятники, а ранние шестидесятники. Это не значит, что у последующих поколений не было конфликтов с детьми — были, но мы все-таки дотянем сегодня до конца именно эту ниточку.


К слову, когда описанную модель пытались примерить на людей других поколений, получалось, на мой взгляд, неубедительно.


Например, почти одновременно с «Дневником…» на той же студии был сделан еще один школьный фильм — «Ключ без права передачи» Динары Асановой.


Что-то мешает сегодня воспринимать фильм как живой и современный — что-то на первый взгляд неуловимое, что трудно сразу подцепить. И это «что-то» — как ни странно, неправда. Все старшеклассники сплошь уникальны: толстый очкарик талантлив, вдохновенен, рассуждает мудро, как сорокалетний интеллигент. Саша Майданов — бунтарь без причины, рыцарь без страха и упрека. Третий настолько учен, что хоть сейчас готов защищать диссертацию.


Все они красавцы, все они таланты, все они поэты…


Красавица, талант и поэт также их учительница Марина Максимовна в исполнении теперь уже взрослой Елены Прокловой. Как будто бы возвращается модель «Республики ШКИД» — белая ворона сбивает в стаю птенцов и учит их быть белыми воронами. Но просвещенная словесница как-то удивительно неприятна в своем ригоризме, а от эпизодов возвышенных камланий старшеклассников с их кумиром остается ощущение какой-то неестественности.


«Давайте жить, во всем друг другу потакая, / Тем более что жизнь короткая такая…» — самозабвенно тянут юные вундеркинды усталые слова поэта, которым к этому моменту добрых два десятка лет. Они поют не свои песни, а песни своих отцов, поют с чужого голоса.


В том же году выходит фильм «Розыгрыш». Плюшевый, какой-то удивительно разноцветный (ощущение, что краску для фломастеров «вырви глаз» обильно смешали с глицерином), с дорогими декорациями и чудовищной какофонией под видом «молодежной» лирической музыки — вот это уже гиньоль, имперский Большой стиль, как его понимали семидесятые. Здесь нас интересуют два обстоятельства. Во-первых, белая ворона (патлатый юный музыкант в исполнении Харатьяна) стала совсем ручной: ей только нужно разрешить терзать гитарные струны, а дальше обеспечены благодарности от милиции за шефские концерты. Что же касается его вечного оппонента, прагматика, — он совсем заматерел, смотрит гоголем, имеет властную повадку, подмял под себя класс. В гневе он страшен. Уничижительный монолог, который он обращает к почтенной учительнице в день ее юбилея («нулевой результат жизни», «кому вы теперь нужны», «старая калоша» и т. д.) уже почти подпадает под статью за оскорбление личности.


«Розыгрыш» (фрагмент №1)


В этом же фильме откуда ни возьмись как живой возникает Олег Табаков — в беретке и с трубой в руках. Ба, да мы знаем этого человека! И диалог его с сыном (прекрасно все-таки сыгранный Табаковым) мы тоже хорошо знаем. В ответ уже известный нам упрек про даром прожитые годы, он чудак-человек, опять все про то же — что жизнь не для того дана, чтобы к цели…


«Розыгрыш» (фрагмент №2)


Так сюжет белой вороны присваивается массовой культурой, и это означает, что она уходит из точки актуальности и, соответственно, перестает быть предметом авторской рефлексии.


Постскриптум


Взяв определенный угол зрения на проблему, мы как-то выпустили из виду важную структурную часть нашей модели — а именно коллектив. Справедливости ради надо сказать, что вплоть до конца 70-х ничего мало-мальски значимого здесь обычно не происходило: за редкими исключениями, это были не запоминающиеся девочки и мальчики, служившие в основном фоном, массовкой.


В недооцененном фильме «Последний шанс» Эдуарда Гаврилова коллектив (правда, это не школа, а ПТУ) становится той страшной силой, которая уничтожает белую ворону (Леонид Каюров). Страшный коллектив и беззащитная перед ним белая ворона — это, конечно, и «Чучело» Ролана Быкова. Но это уже про другое: про природную жестокость детского сообщества, нуждающегося в белой вороне для самоутверждения и выхода агрессии. Это уже про белую ворону поневоле, а не по сознательному выбору.


С конца 70-х школьный фильм окончательно обуржуазивается и становится мелодрамой в чистом виде: «Школьный вальс», «Вам и не снилось» — классические тому примеры.


Наша же тема воспрянет в перестройку. Фильм «Дорогая Елена Сергеевна» будет выглядеть как макабрическое послесловие к сюжету: интеллигентная учительница — жалостное убожество на грани патологии; старшеклассники, измывающиеся над ней, открывают парад монстров перестроечного кино.


Насколько сей факт отражал реальное положение вещей?


Я думаю, что монструозности в этом поколении было не больше, чем во всех предыдущих. Здесь мы уже имеем дело не с реальностью и не с рефлексией на тему реальности. Мы имеем дело с авторским взглядом, замутненным непониманием и страхом перед теми, кто приходил на смену. Империя умирала, и она боялась своих детей — а экран запечатлел не их самих, а фантомы, порожденные этим страхом.


«Доживем до понедельника» (фрагмент №5)


]]>
«В ее имени слышится плеск аплодисментов»Майя Плисецкая. «Я чувствую, когда я «беру» зал». И зал сдавался. Без боя.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/50928/v-ee-imeni-slyshitsya-plesk-aplodismentovThu, 19 Nov 2015 21:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«В ее имени слышится плеск аплодисментов»

ТеатрыПубликации раздела Театры

Майя Плисецкая. Великая балерина оставалась верна пуантам всю жизнь. «Ave Майя» танцевала в 80… нарушая все законы творческого долголетия. «Я чувствую, когда я «беру» зал». И зал сдавался. Без боя.



Первое публичное «выступление»


Майе было три года. Сбежала от мамы на улицу и танцевала под звуки вальса из балета «Коппелия». Вокруг репродуктора и кружащейся девочки собрались зеваки. Вряд ли они могли предположить, что перед ними будущая прима Большого театра.


Балет не мечта, а стечение обстоятельств


Дочь актрисы немого кино Рахиль Мессерер видела себя на экране. Вмешалась судьба. После ареста родителей Майю удочерила тетя — Суламифь Мессерер, балерина Большого. Она же в 14 лет поставила Плисецкую спиной к залу — на выходе в «Умирающем лебеде».


Ни бриллианты Роберта Кеннеди, ни стихи Андрея Вознесенского


… Лишь музыка Родиона Щедрина тронула сердце балерины. Знакомству с будущим мужем Плисецкая обязана Лиле Брик. От первого взгляда до первого свидания — три года. И общие десятилетия. «У нас нет секрета семейного счастья, — говорила Майя. — Мы с Родионом просто совпали».


«Характер — это и есть судьба»


Четверть творческого века в подарок


«Анна Каренина», «Чайка», «Дама с собачкой». Родион Щедрин посвятил Плисецкой свою «литературную» классику — и не только. Балерина признавалась: муж продлил ее сценическую карьеру на 25 лет. Всегда вместе. И даже свою красную помаду она хранила в кармане его пиджака.


Страстная болельщица


Балерина любила футбол, болела за ЦСКА. А живя в Мюнхене, Плисецкая и Щедрин не пропускали ни одного футбольного матча. Оставались инкогнито. Майя смеялась: «Любовь односторонняя», и восхищалась: «Футболисты — современные гладиаторы».


Муза кутюрье


Пьер Карден создавал костюмы и наряды для Плисецкой на протяжении 30 лет. «В моделях платьев — та же красота, что на средневековых картинах, где изображены мадонны в роскошных одеждах», — восхищалась балерина. Самый дорогой подарок сделал Майе Серж Лифарь — знакомство с Коко Шанель.


Характер — это судьба


Майя любила образы характерные. Страстная Зарема, задорная Китри, огненная Кармен. Испанская страсть оказалась явлением, доселе невиданным на сцене классического Большого. Плисецкую объявили «предательницей классического балета», а критики шептали: «Стихия».


Талант не имеет возраста


Пятидесятилетие прима отметила премьерой балета «Болеро» легендарного Мориса Бежара. В 60 она танцевала «Даму с собачкой». В 80 вышла на сцену в балете «Ave Майя».


«…Не смиряйтесь, до самого края не смиряйтесь


Даже тогда — воюйте, отстреливайтесь, в трубы трубите, в барабаны бейте, в телефоны звоните, телеграммы с почтамтов шлите, не сдавайтесь, до последнего мига боритесь, воюйте. Даже тоталитарные режимы отступали, случалось, перед одержимостью, убежденностью, настырностью. Мои победы только на том и держались. Характер — это и есть судьба».


«Сати. Нескучная классика… Майя Плисецкая»



«Линия жизни. Майя Плисецкая»


]]>
Конфликты и способы их разрешенияОпыт измерения правовой повседневности современной российской деревни.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/31285/konflikty-i-sposoby-ikh-razresheniyaThu, 15 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Конфликты и способы их разрешения

ТрадицииПубликации раздела Традиции

Изучение характера и разновидностей конфликтов, механизмов их предупреждения и разрешения, открывает своеобразное окно в мир правовой повседневности. Это один из способов «измерения» правового пространства современного села, причем не того права, которое бытует в официальной судебной практике, а того, что действует в обычной жизни, в представлениях и поведении человека.



Крюкова Светлана Станиславовна
Старший научный сотрудник отдела русского народа Института этнологии и антропологии РАН


Исследование конфликта – далеко не самое увлекательное занятие, и отечественная этнология до недавнего времени весьма избирательно подходила к выбору объекта изучения, отдавая явное предпочтение более «мирным» сюжетам. Тем не менее в последнее десятилетие тема конфликта довольно прочно обосновалась в научных штудиях, что привело к оформлению отдельной самостоятельной отрасли знания – конфликтологии. Ее становление и развитие на стыке психологии, социологии, антропологии и юридической науки с 1980–1990-х годов сопровождалось оживленными дискуссиями по поводу происхождения, научных целей, статуса и значения этой дисциплины. В результате издаются специальные учебники, учебные заведения выпускают конфликтологов, создаются их профессиональные клубы и центры.


Вероятно, такой поворот научной стратегии ориентирован на лучшее понимание и возможное предупреждение конфликтных ситуаций в реальности. Однако мой интерес к данной теме продиктован отнюдь не ее злободневностью или конъюнктурностью. Он оформился в ходе работы над проектом «Антропология права современной деревни России», материал для которого комплектовался во время экспедиционных выездов в 2000–2003 гг. в Тамбовскую (г. Кирсанов, Кирсановский район, с. Иноковка, с. Чутановка, с. Рамза; Рассказовский район, с. Платоновка, Заболотские выселки; Мучкапский район, с. Шапкино) и Рязанскую (Клепиковский район, с. Алтухово, с. Тюково, д. Шакино, д. Фомино, д. Аверькиево; Михайловский район, с. Новопанское) области и складывался как из наблюдений сельской жизни, так и из опросов местного населения.


Право тесно сопряжено с конфликтом, более того, конфликт служит своеобразным индикатором первого, резко проявляя правоотношения.


Изучение характера и разновидностей конфликтов, как и механизмов их предупреждения и разрешения, открывает своеобразное окно в мир правовой повседневности.


Это один из способов «измерения» правового пространства современного села, причем не того права, которое конструируется в юридических теориях, рождается в процессе законотворчества и в официальной судебной практике профессионалов, а того, что действует в обычной жизни, в представлениях и поведении человека.


Сельский мир, несмотря на пессимистические прогнозы и поминальные мотивы в оценках его современного состояния, до сих пор остается особым социумом, обладающим набором отличительных признаков, присущих только ему: можно говорить об определенной идентичности этого сообщества. Поэтому большая часть конфликтов имеет здесь свою специфику, в значительной степени обусловленную сельскохозяйственным производством и всем сложившимся образом жизни. Задача настоящей работы состоит в том, чтобы выделить характерные для этой социальной среды спорные ситуации и механизмы их урегулирования.


Прежде всего следует остановиться на понятии «конфликт» и особенностях его восприятия и интерпретации самими сельскими жителями. Уже в самом понимании термина коренятся нюансы различий между его научной, умозрительной версией и конкретным содержанием, вкладываемым в него сельскими жителями. Слово «конфликт», унаследованное из латинского языка, вошло в общее употребление с XIX в. В «Толковом словаре живого великорусского языка» В. Даля оно еще отсутствует, тогда как С.И. Ожегов уже дает пояснение с примерами, толкуя конфликт как «столкновение, серьезное разногласие, спор». В современных научных трудах определение конфликта обрастает разными расширительными характеристиками в зависимости от специализации авторов и целей их исследования.


Представления о конфликте обычного жителя Рязанской и Тамбовской областей вполне соответствуют рекомендациям старых пословиц и поговорок на эту тему (например, «Сор из избы не выметать»). Об этой неприятной и порой интимной сфере отношений люди предпочитают умалчивать. Они либо вовсе избегают подобных разговоров, либо констатируют отсутствие конфликтов в их селе, либо всячески стараются сгладить их остроту в описании бытовых споров. Само слово «конфликт», по-видимому, звучит для них слишком резко применительно к повседневным ссорам и разногласиям, имеет строго негативное смысловое значение.


В ходе углубленных интервью подобного рода ситуации охотнее обозначались как скандал, спор, ругань (руганка), драка, ссора, раздор, обида, борьба. В итоге под определение «конфликт» подпадает множество антагонизмов повседневного деревенского быта.


Стеношные бои в славянский праздник весеннего равноденствия Красногор (Масленица), Москва, Россия

Специфика темы проводимого исследования предопределила некоторую проблематичность сбора информации, связанную с очевидным и вполне естественным нежеланием людей вспоминать неприятные моменты жизни. Скрытость искомого материала, однако, отчасти компенсировалась потребностью сельских жителей поделиться своей бедой, выговориться незаинтересованному, постороннему человеку. Неизменно сказывалось и влияние индивидуальных особенностей характера, места работы, образования, пола и возраста респондентов. Так, женщины в возрасте от 50–60 лет не только охотнее описывали детальные подробности семейных, межсоседских и прочих неурядиц, но и в целом оказались более коммуникабельными и откровенными собеседниками, нежели мужчины. Стремлением несколько приукрасить реалии деревенской жизни и смягчить драматизм имеющих место столкновений отличались некоторые интервью представителей исполнительной власти и сельской интеллигенции (учителей школ).


Среди наиболее часто упоминаемых – конфликты между односельчанами «через землю», которые возникают по поводу: 1) усадебных участков; 2) огородов; 3) сенокосов; 4) земельных паев. Они имеют свою хронологию и носят циклический характер, то есть обостряются главным образом в весенний период – время посадки урожая и, соответственно, летний – время сенокоса. Особенностью «огородных» споров является не только их «сезонность», но и то, что инициируются они преимущественно женской частью села, поскольку именно женщины занимаются посадкой овощей. Здесь разгораются межсоседские ссоры из-за межи – границы той небольшой земельной собственности, которая поставляет в семейный бюджет значительную долю прожиточного минимума в деревне.


В основе межевых (пограничных) столкновений порой лежат скрытые мотивы давней неприязни между соседями, что проявляется особенно часто в борьбе за усадебный или огородный. Граница выступает уже не только объектом взаимных притязаний, но и одновременно местом завязки, действия и развязки конфликтного сценария. Так, в с. Иноковка (Кирсановский район, Тамбовская область) классическим примером такой непримиримой вражды стал затянувшийся спор между двумя соседками из-за огородной межи. История этой «войны» началась с того, что овдовевший сосед привел в дом новую жену. Последняя не пришлась по сердцу соседке, начались бесконечные склоки, приведшие к разбирательству в мировом суде.Толчком к возникновению спора может быть также продажа усадьбы. Когда начинается оформление участка, нового владельца иногда не устраивает местоположение хозяйственных строений соседа, расположенных на меже: «Вот мне это строение не нужно здесь, на меже будет заливать», «ты мою землю захватил, вот сюда залез».


Граница по меже

По воспоминаниям прежнего руководителя сельской администрации, положение о соблюдении всех нормативов архитектурного строительства в 1970–1980-е годы практически не соблюдалось: «старались строить так, чтобы у себя было попросторнее, а к соседям близко. Особенно сараи. Или сажали сады. Все старались к ограде. Хотя все прекрасно знали, что, если яблоню сажаешь, то должен не меньше трех метров от межи».


В результате сегодня сталкиваются интересы нового хозяина, который осваивает приобретенное владение, опираясь на современные архитектурные градостроительные нормы (по закону домовладельцы обязаны отступать от межи не меньше метра) и интересы соседа, отстаивающего свое «трудовое» право на этот кусочек земли:


Следует отметить, что в сознании сельских жителей весьма устойчиво представление о праве собственности на ту землю, которую он обрабатывал из поколения в поколение, вне зависимости от того, располагает ли он документами, подтверждающими это право.


«Я по жизни здесь жил, здесь пользовался, у меня тут яблонька растет даже».


Межевые споры возникали порой и между родственниками, чьи дворы располагались рядом. Информатор из д. Аверькиево (Клепиковский район, Рязанская область) рассказывала, что при разграничении участков ей приходилось ругаться с золовкой. Межу проводили сохой:
«При усадьбах-то и свильнем в какую-нибудь (сторону – К.С.), неровно мяжу проведем. На лошади проедем, глядь, кто неровно. А потом наставили столбы и ругаться не стали... лошадь-то уже не проедет край столба». В этом случае удалось уладить отношения без вмешательства посторонних лиц.


Нередко в спорных ситуациях в роли посредника-примирителя выступает глава сельской администрации, что входит в его должностные обязанности. Как показали интервью, взятые у руководителей на местах, конфликты из-за земли были и прежде, но в последние годы наблюдается устойчивая тенденция усиления «огородных» споров и их эскалации вплоть до судебного разбирательства. По словам главы администрации с. Платоновка (Рассказовский район, Тамбовская область), «раньше если никто за землю не подходил (года три-четыре назад), то теперь усиливается с каждым годом. Я вот только в этом году, весной, снег когда стаял уже, уже раз пять на судах был, связанных с землей. Вызывают в качестве свидетеля, в качестве обвиняемого, якобы я там что-то нарушил. Соседи никак между собой не договорятся, я выезжаю на место, делаю промер участка...»


Поскольку усадебные и огородные участки сохраняют свою экономическую значимость для сельских жителей, то, соответственно, продолжают оставаться источником взаимных претензий повсеместно. Сенокосы же служат предметом притязаний лишь в тех районах, где у жителей имеется домашний скот, главным образом, в черноземье. В некоторых селах подобные споры стали достоянием советской истории, сохранившись лишь в памяти старожилов. По воспоминаниям жителей д. Фомино (Клепиковский район, Рязанская область), где «коров извели и земли свободной много», скандалы из-за делянок на сенокосе были лет 20 назад. Причиной споров могли быть границы и размеры участков («неровно или чего, начинается ругань: ты больше взяла, я меньше»), а также качество угодий («доставалось хорошее или плохое сено»). В с. Тюково (Клепиковский район, Рязанская область) при дележе сенокоса бросали жребий: писали фамилии участников на бумажке и собирали в шапку, после чего ее вытаскивал какой-нибудь мужчина, повернувшись к шапке спиной. Так как земля была неравноценной (участки различались по местоположению и плодородию почвы), всегда «шумели, скандалили». В дележе участвовали и мужчины, и женщины. Границы сенокосов отделяли кольями, на которые привязывали тряпочки либо делали хозяйскую насечку, либо наносили химическим карандашом инициалы или фамилию временного владельца. Из д. Аверькиево, Клепиковского района Рязанской области: «Были делянки. Вынимали бумажки, кому Ореховец, кому Хвощи достанутся. У нас много лугов, все названия разные: Большой луг, Хомочкино, Седьмые нивы, Перетенья, Путановка. Делил бригадир от колхоза. Все соберутся и бросают жребея, кому че достанется... Чуть не косами дралися за участки». В с. Шапкино (Мучкапский район, Тамбовская область) раздел сенокосных угодий путем жеребьевки практикуется до сих пор.


Самовольно скошенное с чужого участка сено до сегодняшнего дня служит причиной конфликта между односельчанами и карается довольно сурово. По неоднократным упоминаниям информаторов в практике бывали случаи, когда такие стога сена поджигались и сгорали дотла. Поджоги осуществляются в подобных ситуациях в октябре-ноябре, когда вся трава уже скошена и компенсировать нанесенный хозяйству урон невозможно без дополнительных финансовых вложений. В результате такого рода скрытого возмездия за вторжение на чужие сенокосные угодья виновник терпит серьезные убытки, поскольку его домашний скот остается фактически без кормов. Самовольные покосы, со слов информаторов, – явление не очень частое, так как наказывается оно легко и эффективно своим судом. Кроме того, как уже отмечалось, в местностях, где имеется достаточное количество невостребованной земли или нет нужды в сенокосе в связи с отсутствием скота в хозяйстве, ослабевает конкуренция в стремлении завладеть этим видом угодий и поводов для споров не возникает.


Горящее сено

Поджог сена в деревне – это своего рода месть за то или иное действие, причиняющее ущерб другому, и не всегда связанное с самовольным выкосом. В с. Рамза (Кирсановский район, Тамбовская область) подожгли стог, принадлежавший работнику рыбнадзора за то, что он боролся с браконьерством. Его коллега рассказал, как после произошедшего между браконьером и пострадавшим конфликта, у последнего «полыхнуло сено... поздней осенью, когда косить уже негде, даже если потушишь, оно дымом пропитывается, скотина есть его не будет». Фактически во всех населенных пунктах, где проводилось экспедиционное обследование, сохранились воспоминания о подобных случаях равно как в далеком прошлом, так и совсем недавно. Поджоги сена (а также жилых домов и хозяйственных построек) случаются повсеместно. Тем не менее некоторые районы буквально «прославились» поджогами:


«Есть некоторые районы, где народная традиция – кто-то кому-то обязательно петуха пустит».


Вообще следует отметить, что собранные материалы показывают своеобразную «географию» и «антропологию» конфликтности. По мнению одного из глав администраций в Рязанской области, «так складывается еще со старины»: есть села спокойные, которые без проблем даже острые вопросы решают, а есть «такие деревни, которые не то, чтобы они злые, но выражают все криком. Они не могут спокойно объясниться с человеком. У них такой разговор». В одних селах Тамбовской области «народ более покладистый», в других «более похарактернее». Из интервью с мировым судьей: «От некоторых районов уже начинаешь шарахаться. Гавриловский район – относительно благополучный, спокойный. Иноковский и Уваровщинский – это вот из-за межи, из-за участков, кто у кого дорожку перекопал. Они дают 60–70% таких дел». На уровень конфликтности влияет также близость расположения села к городу или железнодорожной станции, наличие большого числа переселенцев-мигрантов, производственная специализация села (например, села, где развита выездная торговля, отличаются конфликтогенностью).


В целом к местной власти обращаются в основном люди пенсионного возраста, впрочем, именно они составляют значительную часть демографии современной деревни. По мнению информаторов, пенсионеры составляют наиболее беззащитный слой населения, поэтому они чаще всего апеллируют к власти в поисках справедливости. У них жива надежда на возможность уладить конфликт сверху, путем вмешательства начальства, то есть порядок ассоциируется прежде всего с сельской администрацией.


Соседская ссора

В ссорах из-за земли лидерство за женской половиной села в возрасте от 60 лет и старше. По общей статистике, приведенной мировым судьей, 90% конфликтов возникает между женщинами, что подтверждают опросы глав администраций и сельских жителей. Межевой скандал иногда даже сопровождается рукоприкладством. Да так, что с «вилми (вилами. – К.С.) становились одни против других». В деревенских склоках в ход идет сельскохозяйственный инвентарь: вилы, косы или тяпки: «Вот одна напала сразу на двоих, хватила их тяпкой. Воевали минут 20. У всех побои». Мужчины выступают в роли наблюдателей, вмешиваясь, только когда дело доходит до рукопашной. Иногда посредникам-примирителям приходится прибегать к помощи участковых милиционеров или судебных приставов (в том случае, если дело доходит до суда). Обычно в селе известно, кто отличается особой сварливостью. По воспоминаниям жительницы д. Шакино (Клепиковский район, Рязанская область), «была бабка – 90 лет, она ругалась. Просто так с матерью сцепятся и начинают из-за межи. И матом тоже».


В некоторых местностях в порыве гнева вспоминают и стараются оскорбить всю родню: «затронут и бабку, и прабабку», «род вспомнят», «весь род перевернут... И сейчас это есть. Между нами, между женщинами». Противники прибегают к различным аргументам в свою пользу, например, вспоминая родословную «врага», подчеркивают разницу в их социальном статусе: «мой-то генерал, а твой пастух» (с. Тюково, Клепиковский район, Рязанская область.) Наряду с земельными спорами специфику конфликтности современной деревни определяют разного рода имущественные столкновения и тяжбы. Немаловажное значение в семейном хозяйстве имеет домашний скот и продукты сельскохозяйственного производства. Именно они и становятся часто яблоком раздора между односельчанами. В основе конфликта зачастую лежит причинение материального ущерба одной из сторон. Так, повсеместно распространены кражи:


«Безработица большая, пошло воровство. Воруют из домов, из сараев. Живность крадут, скот, электронику. Крадут местные. Многие жители знают, кто ворует»; «бывает, курицу утащат, картошку выкопают, таз украдут алюминиевый», «кур воруют, погреба очищают».


По статистике районного суда, в 2002 г. в Кирсановском районе произошло 69 краж в сельской местности и 28 в городе. Как и межевые споры, деревенские кражи имеют сезонный характер: «Вот сейчас (июнь – К.С.) на полях урожая нет. С полей воровать нечего, скота мало, телята только подрастают. В данный момент воровать нечего. К осени гуси, утки появляются, поросята подрастают. Собирают урожай, зерно. Сахар, картофель появляется, семечки, капуста».


Некоторые жители не считают воровством огородные кражи и не предпринимают никаких ответных действий:


«Бувает, с огорода картошку копают, лук дергают. Это так принято. Не воровство. Кто-то сажает картошку, кто-то нет. А время подойдет, всем охота картошку. Ты у меня выкопаешь, я у тебя».


Тем не менее все опрошенные представители местных администраций отмечают, что им приходится решать подобные «житейские дела» и выполнять функции «следователя» и «судьи» одновременно. В милицию по поводу «огородных» краж или потрав крестьяне обращаются редко (только в тех случаях, когда ущерб составляет более тысячи рублей), обращаясь с жалобами в сельскую администрацию. Урегулирование конфликта происходит путем собеседования с предполагаемым вором и предупреждения: «доказать, конечно, сложно, кто это дело сделал, но примерно знаем, это не Москва. Всех жителей знаем, кто на что способен... в любом случае это деревня, мы прямо и косвенно будем разбираться, хотя и не докажем, но по-человечески предупредим и другие уже будут задумываться». Распространенными и повсеместными являются мелкие столкновения между соседями из-за домашней птицы или скота, которые регулируются мирным путем. Например, это может быть съеденная соседской собакой или сбитая машиной курица. По словам одного из респондентов, были случаи, когда соседка отрезала головы курам, забежавшим случайно из соседнего хозяйства на ее огород, и перебрасывала их обратно. Обычно инцидент исчерпывается тем, что хозяину возмещается стоимость причиненного ущерба. Однако порой конфликт перерастает границы села и доходит до судебных органов. Так, в Кирсановский мировой суд поступил иск от жительницы района о взыскании ущерба с соседки за то, что ее собака загрызла козу истицы.


Овечка в деревянном сарае

Среди поводов к конфликтам следует отметить такое типичное для сельской среды явление, как суеверие или вера в сглаз. По словам информатора – учителя средней школы, даже люди с высшим образованием верят в заговоры, колдовство, привороты, порчу. В д. Шакино (Клепиковский район, Рязанская область), например, рассказывали о том, как одна из женщин села подарила соседке букет цветов с четным числом (6), сорванных якобы на могиле, после чего получившая их заболела. Это было воспринято пострадавшей как колдовство, в результате женщины поссорились и не разговаривали в течение года. Впоследствии «колдунья» плакала, оправдывалась, и в итоге обида закончилась примирением. Подобные антагонизмы зачастую имеют скрытый характер, когда подозревается некто виновный в тех или иных несчастьях. Это может быть и некая совокупность абстрактных «врагов». По выражению местной знахарки (с. Алтухово, Клепиковский район, Рязанская область), «народ лихостится» (завидует – К.С.), что служит причиной разного рода заболеваний как самого человека, так и домашнего скота. В сглазе и порче замечены преимущественно женщины («глазят больше женщины»). За некоторыми женщинами тянется шлейф дурной славы «профессиональной» колдуньи, в открытый конфликт с такими особами не вступают, довольствуясь тайным обсуждением ее злодеяний.


К знахаркам, как показали опросы, неоднократно обращались и обращаются мужчины, которым якобы «подделала» жена. Одна из них рассказывала о разоблачении ее матерью-знахаркой подобного колдовства после лечебного сеанса: «Приехали к маме на машине. Он сидит в машине, не может даже. Мама заговаривает, банку трехлитровую читает, тоже молитвы. Вышла туда. «Дочка, его кто-то близкий подделал». Она прямо говорит: «Я признаю себя». Жена. Он с ней жить не хочет, она ему...».


Поход к знахарке может быть вызван и другими мотивами – попытками уладить супружеский конфликт или вернуть мужа. Знахарка из с. Алтухово сажает супругов под иконами под посадную скатерть (посадная скатерть использовалась во время венчания), которая досталась ей от матери, читает особый заговор и затем умывает их. Желательно, чтобы супруги надевали свою венчальную одежду. Попытки примирения супругов путем обращения к подобным «специалистам», по словам респондентов, не редкость в сельской местности, хотя в оценках их эффективности встречаются разноречивые мнения. Семейные конфликты охватывают чрезвычайно широкий диапазон жизненных ситуаций, вплетенных в повседневность и имеющих множество вариантов развития. Их можно классифицировать в зависимости от структурно-поколенного состава семьи: это и супружеские скандалы, и склоки между многочисленными родственниками по прямой нисходящей и боковым линиям родства. Наиболее часто упоминаемые – это ссоры супружеские, между снохой и свекровью, между снохой и золовкой, между родителями и детьми. Они, как правило, умиротворяются внутри семьи, между ближайшими родственниками: «и поругаемся, и помиримся, и вино вместе пьем».


Любопытная традиция разрешения супружеского конфликта (да и любой другой неприятности) бытует в с. Иноковка (Кирсановский район, Тамбовская область). Здесь женщины, для того чтобы выплакать свою беду, ходят на кладбище: «В основном жалуются женщины и в основном на пьющих мужей. Но многие терпят, молчат и скрывают. Считается, что тот, кто выносит сор на улицу, нехорошо о таком человеке думают. Обычно вышел за порог и говорит, у меня все хорошо. Мало ли что дома. Нежелательно выносить сор на улицу. Есть порядочные семьи, то они все внутри. Пусть она поплачет во дворе. Негде покричать, пойду на кладбище, хоть там вроде бы при деле. Она будет плакать, говорить... Туда приходят выплакаться. Кричат так, что даже слышно. Дома, если никого нет, поплакать можно».


По собранным материалам выявлены следующие разновидности причин и поводов к супружеским конфликтам 1) ревность, неверность одного из супругов; 2) борьба за лидерство и самоутверждение; 3) право распоряжения имуществом и бюджетом семьи; 4) отказ от выполнения супружеских обязанностей; 5) пьянство и драки; 6) жестокость по отношению к детям; 7) порча, колдовство.


В супружеских ссорах общественность обвиняет обычно женщину. Считается, что «виновата всегда женщина. Все зависит от нее: если она умная, работящая, то вряд ли муж от нее пойдет налево». Впрочем, по мнению информаторов, и в примирительной процедуре также последнее слово остается за женской половиной, от нее зависит прочность и устойчивость брачных уз. Ее влияние на исход возникающего конфликта, манипуляции обстоятельствами в ту или иную сторону должны иметь одну цель – сохранение семьи.


Несмотря на непрерывный рост бракоразводных процессов, семья остается в деревне одной из базовых человеческих ценностей. В представлениях сельских жителей, как и прежде, жизнь вне семьи или без семьи лишена смысла.


Семейные конфликты между родственниками иногда возникают в связи с разделом усадьбы и приусадебного участка: «Умирают родители, остается дом-наследство. Одна сестра этот участок обрабатывала, а другая жила более-менее богато, не нуждалась в земле. Ей это не надо. А потом пришло время, что с продуктами, с овощами стало плохо, и вторая сестра предъявила права на этот участок... В конце концов они пришли к согласию».


Если суммировать сведения, полученные из разных источников, то можно встретить неоднократные ссылки на редкость подобных тяжб в сельской местности в сравнении с городом. Тем более что в последние годы участилась практика составления завещания и распределения имущества между детьми еще при жизни. При этом распределение долей далеко не всегда осуществляется равномерно. Вопросы наследования решаются внутри семьи по согласованию, при этом учитывается, кто из детей больше всех нуждается и заинтересован в ведении сельского хозяйства и кто будет ухаживать за стариками.


В сельской местности действуют свои технологии профилактики, разжигания и завершения конфликта. Не последнюю роль в провокации столкновения играют слухи (сплетни). Село или деревня – это относительно замкнутое пространство, где важнейшим способом коммуникации служат соседские разговоры. Практически все жители знают друг друга, поэтому любое общественное место здесь (сельсовет, клуб, аптека, церковь, магазин, улица, автобусная остановка и др.) является своего рода центром обмена информацией и новостями. Опыт экспедиции наглядно показал, как, например, у продавщицы магазина можно получить характеристику любого жителя. Деревенские слухи или сплетни действуют как цепная реакция, ведущая в конечном итоге к взрыву:


Сарафанное радио

«Заведется паршивая овца и все. Она всех взбудоражит. Этой пошепчет: «Манька-то пошла в огород и тебе не сказала, а у нее там собаки бегают и куры поклевали». Эту заведет, пойдет к другой соседке, ту заведет, и вот начинается у них между собой». Вместе с тем слухи выполняют и функцию противоположного свойства, оказывая помощь в поиске виновного: «Утаить от народа ничего нельзя. Милиционер через село все равно все знает». Немаловажно при этом, что информация разглашается под большим «секретом», дабы не был обнаружен ее источник. Здесь открывается любопытное свойство механизма предупреждения семейной ссоры в деревне: действия, несущие в себе опасность потенциальной обиды, окружаются тайной.
Приведем один из рассказов: «У нас тут шесть домов, все свои. Хозяйкой была свекровь... Корова была на все дворы одна, делили молоко по литру. Четыре золовки. Одна с нами, а три замужем. Свекровь подоит и говорит: «Нина, разнеси молоко по очереди». Золовка молодая, незамужняя, оговаривала некоторых золовок. Свекровь даст мне молоко и говорит: «Ты уж не говори, что отнесла молоко-то. Потихонечку». А эта золовка наша ругалась... Я в стороне, чужая была. А они кому поболе, кому помене. «Дуське отнеси, а Насте не говори». Таким образом, предвидя возможный конфликт между дочерьми из-за неравномерного распределения молока, мать осуществляла семейный дележ скрытно.


Хотелось бы отметить еще один способ умиротворения семейных ссор, относящийся к категории ирреальных. «Посредниками» в урегулировании конфликтов иногда выступают сны. Молодая женщина из с. Тюково (Клепиковский район, Рязанская область) рассказывала: «Как вот ехать в Коробово, мне приснился сон. Церковь, захожу я в эту церковь и вижу икону. «Вратарница» Иверская. Я тут с мужем поругалась, а в ночь она мне приснилась. Она дом охраняла раньше, ее вешали на ворота. Я когда ехала по дороге, увидела именно эту церковь. Только во сне она приснилась новая. А в действительности была ветхая. Я туда захожу. Икон много, а эта икона мне в глаза бросилась. Взгляд на ней остановила. Я поругалась с мужем, а в 4 часа она мне приснилась. В Бога я верю. Мы помирились сразу на следующий день».


Верующие сельчане обращаются и к иным посредникам в потенциальных и реальных столкновениях – к Богу и церкви. О подобной практике рассказывали и служители церкви, и прихожане.


В порядке профилактических мер, а также с целью действенной помощи в разрешении уже существующих конфликтов используется широкий арсенал средств: и заказ прихожанами различных служб, и исповедь, и приобретение разного рода текстов молитв о семейном и ином благополучии, и освящение домов и машин и др. В с. Новопанское (Михайловский район, Рязанская область) рассказывали, что здесь после разлада в семейной жизни в дом приводят священника: «святили дом после ссоры».


Изучение конкретных разновидностей такого универсального явления, как конфликт, показало, что их разнообразие обусловлено:
средой возникновения – семья, сельскохозяйственное производство, общественная жизнь (внутрисемейные, межсемейные, с представителями власти, с односельчанами, с дачниками);
предметом спора – материальные ценности, нематериальные;
обстоятельствами – с применением физического насилия, без применения силы;
составом участников, различающихся по полу, возрасту, образованию;
способами разрешения (мирное разрешение путем переговоров, участие посредника, месть, перерастание в более глубокий конфликт, применение административных мер и мер принудительного характера);
способами предупреждения (реальными и ирреальными).


В настоящей статье лишь намечены общие контуры одного из аспектов исследования правовой культуры сельского населения России. Обращение к конфликтам позволило выявить жизненно важные болевые точки, вокруг которых сконцентрированы интересы сельчан. Они связаны, как и прежде, с основным источником экономического обеспечения крестьянского двора – с землей и сельскохозяйственным производством. Еще одна разновидность конфликтов группируется вокруг семейных взаимоотношений, что свидетельствует о непреходящем значении этого института в сельском мире.


Результаты анализа собранных материалов в деревне начала XXI в. имеют некоторые параллели, а иногда очевидные аналогии с наблюдениями и выводами исследователей сельского мира XIX в. Несмотря на модернизацию российского общества в целом, его аграрная составляющая (а это сегодня почти треть населения России) сохраняет в себе ряд устойчивых черт, присущих ей и в прошлом. Разумеется, этот «культурный слой» постоянно подпитывается и обновляется, но ценностные константы, игравшие стержневую роль в жизни села на протяжении многих столетий, до сих пор определяют специфику крестьянского права. Помимо отмеченных свойств рассматриваемого правового пространства невозможно оставить без внимания еще одно обстоятельство: здесь человек с его правовым полем оказывается очень близким другому человеку: в силу ли компактного проживания в сельской местности, в силу ли иных причин.

]]>
Гиляровский за пределами МосквыГде бывал ​искатель приключений​ и что ему понравилось.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/70047/gilyarovskii-za-predelami-moskvyTue, 08 Dec 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Гиляровский за пределами Москвы

ЛекцииПубликации раздела Лекции

8 декабря 1855 года родился один из самых известных бытописателей Москвы XIX века — Владимир Гиляровский. Но не стоит забывать, что Гиляровский был великим искателем приключений и авантюрным журналистом — и объездил множество уголков России. Где бывал Гиляровский и что ему понравилось? Читаем книгу его воспоминаний «Мои скитания».



Вологда


Вологодская губерния — малая родина писателя. В год, когда он родился, его отец служил управляющим в вологодском имении графа Олсуфьева. Крестили Гиляровского в церкви деревни Сяма (в 73 км от Вологды). Потом отец стал работать в самом губернском городе — здесь же Гиляровский пошел в гимназию.


«Родился я в лесном хуторе за Кубенским озером и часть детства своего провел в дремучих домшинских лесах, где по волокам да болотам непроходимым медведи пешком ходят, а волки стаями волочатся».

Владимир Гиляровский. «Мои скитания»


Ярославль


Юный и не по годам физически развитый Гиляровский, начитавшись «Что делать?» Чернышевского, сбежал из дома и «ушел в народ» по примеру персонажа романа Рахметова. Сначала он отправился в Ярославль, где стал работать бурлаком.


«Я ходил по Тверицам, любовался красотой нагорного Ярославля, по ту сторону Волги, дымившими у пристаней пассажирскими пароходами, то белыми, то розовыми, караваном баржей, тянувшихся на буксире…»

Владимир Гиляровский. «Мои скитания»

Юнкер Гиляровский

Толга


Когда Гиляровский тянул вместе с другими бурлаками баржу по Волге, он любовался разворачивающимися вокруг видами — в том числе зрелищем Толгского монастыря.


Рыбинск


В Рыбинске, бросив занятие бурлака, Гиляровский поступил работать грузчиком-крючником. Молодой верзила лихо справлялся с девятипудовыми кулями муки и носил жилет, обшитый золотым галуном.


Москва


Отец нашел бродягу-недоросля Гиляровского в Рыбинске и отдал его в юнкерское училище в Ярославле. Там ему попытались привить дисциплину и научить стрелять. После его перевели в Москву — это было его первое знакомство с городом — впрочем, еще довольно мимолетное.


«Вместо грязных нар в Николомокринских казармах Ярославля я очутился в роскошном дворце Московского юнкерского училища в Лефортове и сплю на кровати с чистым бельем. Дисциплина была железная, свободы никакой, только по воскресеньям отпускали в город до девяти часов вечера».

Владимир Гиляровский. «Мои скитания»


Казань


Из юнкерского училища Гиляровского исключили. После этого он бродяжничал, работал на белильном заводе в Ярославле, был пожарным и дядькой в гимназии. Наконец, он приплыл в Казань, где его арестовали за прокламации и посадили под арест. Из камеры он сбежал, сломав решетку.


Астрахань


В этом приволжском городе Гиляровский связался с какой-то ватагой, которая промышляла то ли грабежами, то ли контрабандой — его воспоминания про этот город какие-то запутанные. А еще он как-то вечером, споткнувшись, обеими руками попал в бочку с соленой промысловой осетриной и с месяц вонял рыбой.


«Вдруг оглушительный свист… Еще два коротких, ответный свист, и лодка прорезала полосу камыша, отделявшего от протока заливчик, на берегу которого, на острове ли, на мысу ли, торчали над прибрежным камышом ветлы-раскоряки — их можно уже рассмотреть сквозь посветлевший, зеленоватый от взошедшей луны туман».

Владимир Гиляровский. «Мои скитания»


Царицын


Продолжая свое путешествие по Волге, Гиляровский оказался на царицынской пристани, где его зипун, все еще воняющий осетриной, унюхал старый казак Гаврило Руфич, который нанял его табунщиком — гонять коней в задонские степи.



Ростов-на-Дону


Здесь Гиляровский поступил в цирк, где также был приставлен к лошадям. Из Ростова бродячий цирк перебирается в Воронеж, потом в Саратов и Тамбов, где Гиляровский отстал от поезда.


Тамбов


В этом городе циркач Гиляровский зашел в ресторан, соседний с театром, и заступился за актера Василия Григорьева, которого хотели там бить. На следующий день его приняли в театр актером, и в тот же вечер, измазанный сажей, он играл роль негра без слов в «Хижине дяди Тома». С этого начался длинный театральный этап в жизни Гиляровского.


Рязань


Покинув бродячий театр, Гиляровский перебрался в Рязань к актеру Андрееву, который помог ему устроиться помощником режиссера. Но и тут ему спокойно не сиделось — опять начались путешествия.


«Мне опять захотелось простора и разгула… а тут подвернулся старый знакомый, богатый казак Боков, с которым я познакомился еще во время циркового сезона, и предложил мне ехать к нему на Дон в его имение, под Таганрогом. Оттуда мы поехали к Кабарду покупать для его коневодства производителей. Опять новые знакомства... Побывал у кабардинцев Урузбиевых, поднимался на Эльбрус, потом опять очутился на Волге».

Владимир Гиляровский. «Мои скитания»


Саратов


Когда началась Русско-турецкая война, Гиляровский играл в саратовском театре, но сразу записался добровольцем. Он служил юнкером, но для быстроты согласился пойти рядовым. Гиляровскому сразу дали отделение новобранцев для обучения.


Владикавказ


Когда его полк прибыл во Владикавказ, Гиляровского отправили пешком форсированным маршем по Военно-Грузинской дороге. Он шиковал обновками — буркой и чувяками с коговицами, которые были намного удобнее казенных сапог. Позже полк был в Тифлисе, Мцхете и Кутаиси. Ловкий и сильный Гиляровский попал к казакам-пластунам.


«Развлечения — охота на бакланов и только, а ночью кругом чекалки завывают, за душу тянут… Между прочим, мы ужинали жареным бакланом и, чтобы не пахнул рыбой, его на ночь зарывали в землю перед тем, как жарить».

Владимир Гиляровский. «Мои скитания»


Воронеж


Когда был заключен мир и Гиляровский получил отставку, он отплыл из Поти в Таганрог. Оттуда он поехал в Воронеж, где выступала актриса Гаевская, к которой он питал душевную склонность. После этого неугомонный гигант уехал в Вологду навестить отца, отправился в Пензу служить в театре вместе со своим другом Далматовым, гастролировал в Воронеже и других городах.


Наконец, закончив пензенский сезон 1880–1881 годов, Гиляровский прибыл в Москву, чтобы получить театральный ангажемент. На этом его скитания закончились — Гиляровский обрел свой настоящий родной город. Вскоре он бросил театр и стал журналистом — и уже с этой профессией посетил множество новых городов.

]]>
Курбан-байрамНазвание одного из главных исламских торжеств дословно переводится как «праздник жертвы».http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/52566/kurban-bairamWed, 23 Sep 2015 08:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Курбан-байрам

ТрадицииПубликации раздела Традиции

Название одного из главных исламских торжеств — Курбан-байрам (тюрк.) или Ид аль-Адха (араб.) — дословно переводится как «праздник жертвы». Он отмечается мусульманами всего мира через 70 дней после завершения священного месяца Рамадан.



В течение полутора месяцев до наступления Курбан-байрама у мусульман принято совершать хадж — паломничество к святым местам в Мекке. Непростой, полный лишений путь помогает поднять уровень религиозного и нравственного развития. Согласно столпам ислама, совершить хадж хотя бы раз в жизни должен каждый правоверный. Курбан-байрам выступает апогеем паломничества и провозглашает милосердие, доброту и любовь к людям.


Праздник отмечается в честь пророка Ибрахима. Как гласит Коран, во сне к нему явился ангел Джабраил и повелел по воле Аллаха принести в жертву своего сына Исмаила. Готовясь к обряду, Ибрахим отправился в долину Мина, к месту расположения Мекки. Исмаил последовал за отцом, повинуясь воле родителя и Всевышнего. Во время жертвоприношения ангел Джабраил дал пророку Ибрахиму в качестве замены барана. За преданность и душевную чистоту Ибрахима Аллах даровал Исмаилу жизнь.



«Аллах, узнав искренность Ибрахима и его сына через это испытание, воззвал к нему как к другу: «О Ибрахим! Ты оправдал Наше внушение и не колебался в выполнении Нашего повеления. Этого с тебя достаточно. Мы Свое испытание облегчим награждением за твое добродеяние. Так Мы награждаем добродеющих! Испытание, которому Мы подвергли Ибрахима и его сына, — испытание, которое выявило их настоящую веру в Господа обитателей миров. Мы выкупили его сына великой жертвой, чтобы он жил по повелению Аллаха Всевышнего».

Из хадисов пророка Мухаммада


Единственная мечеть в Казани, возведенная в советские времена Закабанная мечеть имени Исхак-хазрата

К празднованию мусульмане готовятся заранее и в течение 10 дней соблюдают пост.


Ночь накануне Курбан-байрама правоверным желательно провести, читая намаз. Считается, что в это время Всевышний отвечает на просьбы своих рабов. Посланник Аллаха сказал: «Кто бы ни был, бодрствовавший в ночь разговения и ночь Курбана в служении Всевышнему — не постигнет сердце его печаль, когда печаль постигнет других».


Праздновать Курбан-байрам начинают с раннего утра. Совершив полное омовение и надев опрятную одежду, мусульмане коллективно молятся в мечети. В святилище читают Коран, слушают проповедь имама, в которой объясняется значение и происхождение обряда жертвоприношения.


После жертвоприношения одну треть следует оставить себе, вторую треть раздать в качестве милостыни, а оставшуюся часть использовать для праздничной трапезы в семье. Поскольку жертва совершается во имя Аллаха, она должна принести пользу нищенствующим и вознаграждение жертвователям в будущей жизни. Ритуальное угощение малоимущих — садака, худойи — защищает дарующих от всевозможных несчастий и болезней.


Один из самых известных памятников мусульманской культуры
Мечеть хана Узбека


Празднование Курбан-байрама длится три-четыре дня и считается желательным и благословенным временем для визитов к родственникам и друзьям, которым принято дарить подарки.


Издревле мусульмане славятся гостеприимством и радушием. Каждый истинно верующий в эти дни старается собрать под крышей своего дома как можно больше гостей, от души попотчевать и порадовать людей. Из мяса жертвенного барашка принято готовить традиционные для этого праздника блюда, причем чем больше удастся приготовить кушаний — тем лучше.


В первый день хозяйки подают на стол блюда из печени и сердца. Во второй день начинают угощение с супов, сваренных на бараньих головах и ножках. На второе — жаркое, дополненное гарниром из риса или овощей. В третий и четвертый день готовят жареные бараньи ребрышки и традиционные манты, шашлык, лагман, плов, бешбармак. Ни одно застолье не обходится без всеми любимых сладостей и десертов — пирогов, лепешек и блюд из миндаля и изюма.


Курбан-байрам в России — официальный праздничный день в республиках Адыгея, Башкортостан, Дагестан, Ингушетия, Кабардино-Балкария, Карачаево-Черкесия, Татарстан и в Чеченской Республике.


В этом году праздник запомнится мусульманам долгожданным событием: открытием главной святыни Москвы — Соборной мечети на проспекте Мира. Это здание появилось здесь еще в 1904 году. Ему чудом удалось уцелеть в годы советской власти. Уже около 10 лет в мечети находится Совет муфтиев и располагается резиденция муфтия Гайнутдина.


После реконструкции здание обрело шесть этажей, а площадь мечети увеличилась в 20 раз. Проектировщики обновленного строения совместили каноническое убранство мечети с современными технологиями. Работы совершались за счет благотворительных взносов и добровольных пожертвований.


«Курбан-байрам — это день, когда жертвоприношение становится благом для всех имущих и неимущих. Он напоминает нам, что традиции ислама, как и других мировых религий, основаны на вечных ценностях справедливости, добра, милосердия и заботы о ближнем, независимо от его национальности и вероисповедания. Поистине это праздник сближения семей, наций и общины в целом, что особенно важно сегодня, когда в обществе становится все больше проявлений экстремизма, попыток извратить суть ислама, использовать его в корыстных целях.
В своей знаменитой проповеди, произнесенной во время «Прощального хаджа», ставшей завещанием потомкам, пророк Мухаммад сказал: «Превосходство лишь в благочестии и добрых поступках».

Сайгидгусейн Магомедов, учредитель Первого благотворительного фонда


]]>
Операция «Малютка»Вклад детей в великую Победу.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/50887/operaciya-malyutkaFri, 08 May 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Операция «Малютка»

ЛекцииПубликации раздела Лекции

Эту историю офтальмолог из подмосковной Электростали Ада Занегина (Воронец) толком и не помнит. Ведь война началась, когда ей было пять лет. Позже мать рассказывала об отце-танкисте, ушедшем на фронт в первый же день войны, 22 июня 1941 года, об эвакуации за Урал. Сюда врач Полина Терентьевна перевезла сотню детей из детских домов. «И никто не заболел, не умер, не завшивел…»



В воспоминаниях той поры у Ады остались лишь буржуйка в вагонах и единственная табуретка, которая составила всю обстановку в пристройке, где они поселились в сибирской Марьяновке. «Тогда, в войну, я в первый раз попробовала шоколад: принес раненый солдат, которого мама лечила», – рассказывала Ада. Помнит, как с матерью собирали на фронт посылки с варежками и носками. Тогда девочка копила деньги на куклу, откладывая копейки, перепадавшие от матери. А купила танк...


В первый год войны в «Омской правде» вышла заметка в рубрике «Почта наших читателей». Ада тогда уже читала по слогам… А это письмо писала простым карандашом:


«Гитлер выгнал меня из города Сычевка Смоленской области. Я хочу домой. Я собрала на куклу 122 рубля 25 копеек. А теперь отдаю их на танк. Дорогой дядя редактор! Напишите в своей газете всем детям, чтобы они тоже свои деньги отдали на танк. И назовем его «Малютка». Когда наш танк разобьет Гитлера, мы поедем домой. Ада. Моя мама врач, а папа танкист».


Эффект от письма, которое бережно хранится в Народном музее истории детского движения Омской области, был поразительным. Дети, которых гитлеровцы лишили дома, буквально завалили редакцию письмами, присылали свои сбережения.


«Я хочу вернуться в Киев. Вношу собранные на сапоги деньги – 135 рублей 56 копеек – на строительство танка «Малютка». Алик Солодов. 6 лет».


«Мама хотела купить мне новое пальто и накопила 150 рублей. Я поношу старое пальтишко. Тамара Лоскутова».


«Дорогая незнакомая девочка Ада! Мне только пять лет, а я уже год жила без мамы. Я очень хочу домой, потому с радостью даю деньги на постройку нашего танка. Скорей бы наш танк разбил врага. Таня Чистякова».


Шура Хоменко из Ишима: «Мне рассказали о письме Ады Занегиной, и я внес все свои сбережения – 100 рублей – и сдал на 400 рублей облигаций на постройку танка «Малютка». Мой товарищ Витя Тынянов вносит 20 рублей. Пусть наши папы громят фашистов танками, построенными на наши сбережения».


О детском поступке Омское гороно решило сообщить Сталину: «Дети-дошкольники, желая помочь героической Красной Армии окончательно разгромить и уничтожить врага, деньги, собранные ими на игрушки, куклы... отдают на строительство танка и просят назвать его «Малютка».

Наглядная агитация

Позабыть нельзя...

Вечный памятник


Благодарственное письмо вождя не заставило себя ждать: «Прошу передать дошкольникам города Омска, собравшим на строительство танка «Малютка» 160 886 рублей, мой горячий привет и благодарность Красной Армии. Верховный Главнокомандующий Маршал Советского Союза И. Сталин». В отделении Госбанка СССР по Омской области открыли специальный счет №350035. На него и переводились собранные деньги. Весной 1942 года легковесный танк Т-60 сошел со сборочного конвейера Сталинградского завода «Судоверфь». «Ма-лют-ка» – было начертано поперек люка.


Екатерина Алексеевна Петлюк

Ада думала, что на танке будет воевать ее отец, но «рулила» им одна из 19 на всю Красную армию женщина-танкист. Фотография миловидной девушки украшает многие музеи страны. Катюша, 22-летняя механик-водитель Екатерина Алексеевна Петлюк, ростом 151 см. «Точное попадание – малютка в «Малютке», – шутили танкисты. Первый бой танк, купленный на детские пожертвования, принял под Сталинградом в ноябре 1942 года в районе Калача-на-Дону. Юрко проскакивал сквозь черные фонтаны разрывов, подвозил ремонтников к подбитым танкам, доставлял боеприпасы, вывозил раненых.


Дальнейшая судьба танка «Малютка» неизвестна. По одной версии, он дошел до Праги или даже до Берлина. По другой – перед Курской дугой танк отправили на переплавку.


После Победы Ада вернулась на родную Смоленщину, жизнь пошла своим чередом. А в 1975 году школьник из клуба «Искатель» омского Дворца пионеров Володя Яшин в старой подшивке «Омской правды» обнаружил письмо Ады Занегиной. И начался поиск девочки, положившей начало сбору средств на танк. Нашли Аду в Электростали, где она вышла замуж, работала врачом-офтальмологом, пригласили в Омск на празднование 30-летия Победы. В коридоре омской гостиницы ее представили «механику-водителю Петлюк», Екатерине Алексеевне, депутату, сотруднице Одесского ЗАГСа.


Их возили по городу: администрация, пионеры, детские дома… И везде Аде дарили куклу, о которой она мечтала в годы войны. «Две хозяйки танка», – так называли Занегину и Петлюк в Омске.


В городе появился построенный на народные деньги троллейбус «Малютка». А в Электростали – автобус с этим именем…

]]>
Андрей Зализняк. Плывущий против теченияЛингвист, исследователь и дешифровщик древних текстов.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/50791/andrei-zaliznyak-plyvushii-protiv-techeniyaWed, 29 Apr 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Андрей Зализняк. Плывущий против течения

ЛекцииПубликации раздела Лекции

Главное, что всегда интересовало Андрея Зализняка — это наука. Лингвист, академик Российской академии наук, обладатель многих наград, среди которых Большая золотая медаль РАН. Политические и идеологические подтексты, под которые можно подстроить гуманитарное знание, для Андрея Зализняка были чужды, и, может быть, поэтому ему удалось раскрыть загадку, почти два века не дававшую покоя его предшественникам.



«Посмотри у Зализняка» стало такой же формулой, как «посмотри у Даля» (В.А. Успенский)


В 2007 году Андрей Анатольевич Зализняк стал лауреатом литературной премии им. Александра Солженицына «за фундаментальные достижения в изучении русского языка, дешифровку древнерусских текстов; за филигранное лингвистическое исследование первоисточника русской поэзии «Слова о полку Игореве», убедительно доказывающее его подлинность».


«В моей жизни получилось так, что моя самая прочная и долговременная дружеская компания сложилась в школе – и с тех пор те, кто еще жив, дружески встречаются несколько раз в год вот уже больше полувека. И вот теперь мне ясно, насколько едины мы были в своем внутреннем убеждении (настолько для нас очевидном, что мы сами его не формулировали и не обсуждали), что высокие чины и почести – это нечто несовместимое с нашими юношескими идеалами, нашим самоуважением и уважением друг к другу. Разумеется, эпоха была виновата в том, что у нас сложилось ясное сознание: вознесенные к официальной славе – все или почти – получили ее кривыми путями и не по заслугам».

Pечь А.А. Зализняка на церемонии вручения ему литературной премии Александра Солженицына


Его научная жизнь поделилась на три этапа. Первый начался в конце 50-х с создания французско-русского словаря, рассчитанного на иностранцев. Из-за особенностей русского языка, создание такого словаря оказалось задачей нетривиальной: следовало либо включить в русскую часть все формы слова, что невозможно, либо сопроводить издание перечнем правил. В труде А.А. Зализняка был опубликован «Краткий очерк русского словоизменения» – знаменитая работа о склонении и спряжении. В «Очерке» впервые было дано полное описание правил словообразования в русском языке. По мнению другого лингвиста, Владимира Андреевича Успенского, оно было «исчерпывающим», «не использующим слов «и так далее», «и тому подобное», многоточий и других апелляций к аналогиям».


Параллельно со своим словарем и очерком к нему, который, кстати, публиковался и в других словарных изданиях, А.А. Зализняк трудился над созданием грамматического словаря русского языка. Тринадцать лет работы, все формы более чем ста тысяч слов, феноменальный успех в научных кругах. Первое издание словаря вышло в 1977 году и сразу стало главным инструментом лингвистов. Этот труд выдержал несколько изданий и продолжает публиковаться до сих пор.


Второе амплуа Андрея Зализняка – исследователь и дешифровщик древних текстов. К работе с трудами древнерусских книжников лингвист изначально подходил с позиции «презумпции невиновности»: априори считал, что авторы были грамотными, а значит, ошибки в их текстах бывали редко, и каждая «неточность» что-то да значит. Так, например, во фразе «посылаю щуку и клещи» последнее слово понималось исключительно как «клещи» – кузнечный инструмент, что давало основания для далеко идущих выводов об истории Новгорода, но оказалось, что автор грамотки посылает своему респонденту щуку и лещей.


Берестяные грамоты

Читаем «Слово о полку Игореве»

«ОЧЕВИДНОЕ-НЕВЕРОЯТНОЕ». О прошлом и будущем русского языка

Зализняку принадлежит и расшифровка «Новгородского кодекса» – древнейшей книги на Руси (первая четверть XI века). Весь кодекс – находка археологической экспедиции недавнего 2000 года – это три липовые дощечки с восковым покрытием и текстом, процарапанным по воску. Однако письмена оказались не только на стороне, пригодной для работы, но и там, где и воска-то никогда не было. Кроме того, за десятки лет один текст наслаивался на другой, и, что представляли собой эти записи изначально, узнать, казалось бы, невозможно. Зализняку принадлежит идея о том, что воск пронзался «писалом» насквозь и на деревянной подложке должны были остаться следы. Догадка подтвердилась, из трех дощечек удалось извлечь ценнейший лингвистический материал для анализа. Это сейчас все интересующиеся могут узнать из работ Зализняка о первых годах русского христианства (X–XI века) и прочесть перевод ряда «еретических текстов», обнаруженных в кодексе. Но за легкостью изложения стоит титаническая работа.


И, наконец, третье, и самое известное научное достижение Андрея Анатольевича – доказательство подлинности «Слова о полку Игореве». Текст этот был открыт в XVIII веке графом Алексеем Мусиным-Пушкиным. Оригинал «Слова...» пропал при московских пожарах 1812 года, а списки, которыми располагали лингвисты и филологи, вызывали у исследователей множество вопросов. Ученые разделились на два лагеря: те, кто активно отстаивал подлинность «Слова», и те, кто уверял, что авторство знаменитого текста принадлежит самому Мусину-Пушкину или любому другому литератору XVIII века.


«Лет сорок назад я спросил Андрея Анатольевича, что он думает о подлинности «Слова». Он отослал меня к случившемуся рядом Юрию Михайловичу Лотману и моему брату Борису Андреевичу Успенскому.
– Разумеется, подлинное! – ответил Лотман.
– Разумеется, подделка! – ответил мой брат».

Математик, лингвист, публицист, доктор физико-математических наук Владимир Андреевич Успенский


Часто в споре о подлинности «Слова о полку Игореве» наука становилась заложницей идеологии: «...тем, у кого на знамени патриотизм, нужно, чтобы произведение было подлинным; тем, кто убежден в безусловной и всегдашней российской отсталости, нужно, чтобы было поддельным», – говорил Зализняк. Сам же исследователь опять увидел проблему с ракурса, заметного только ему.


«Действительным мотивом, побудившим меня ввязаться в это трудное и запутанное дело, был отнюдь не патриотизм. У меня нет чувства, что я был бы как-то особенно доволен тем, что «Слово о полку Игореве» написано в XII веке, или огорчен, если в XVIII. <...> У лингвистов, казалось мне, имеются гораздо большие возможности, чем у других гуманитариев, опираться на объективные факты – на строго измеренные и расклассифицированные характеристики текста. Неужели текст не имеет совсем никаких объективных свойств, которые позволили бы отличить древность от ее имитации?»



Зализняк разглядел еле уловимые закономерности древнерусского языка, которыми возможный фальсификатор должен был владеть в совершенстве. Так доказательством от противного выяснилась подлинность самого знаменитого из «нецерковных» текстов Древней Руси.


Помимо своих научных достижений Андрей Анатольевич Зализняк известен и как активный популяризатор науки. Он внес свой решающий вклад в создание традиции олимпиад по русскому языку и математике, а его ежегодные лекции по итогам новгородских раскопок собирали полные аудитории. Андрей Зализняк скончался 24 декабря 2017 года. Ему было 83 года.


«...те, кто осознает ценность истины и разлагающую силу дилетантства и шарлатанства и пытается этой силе сопротивляться, будут и дальше оказываться в трудном положении плывущих против течения. Но надежда на то, что всегда будут находиться и те, кто все-таки будет это делать».

Pечь А.А. Зализняка на церемонии вручения ему литературной премии Александра Солженицына


Речь А.А. Зализняка на церемонии вручения ему литературной премии Александра Солженицына
2007 год


Лекция А. А. Зализняка в МГУ, снятая студентами университета
30 сентября 2012 года


]]>
От Вертова до Звягинцева: российские фильмы, которые покорили мирПодборка русскоязычных картин, которые по праву можно назвать мировыми шедеврами.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/26668/ot-vertova-do-zvyaginceva-rossiiskie-filmy-kotorye-pokorili-mirThu, 11 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

От Вертова до Звягинцева: российские фильмы, которые покорили мир

КиноПубликации раздела Кино

В 1908 году в Российской империи был снят первый художественный фильм «Понизовая вольница» (другие названия «Стенька Разин», «Стенька Разин и княжна»). С тех пор отечественный кинематограф подарил миру не один шедевр, а некоторые фильмы оказали заметное влияние на развитие кино в целом. Мы публикуем подборку русскоязычных картин, которые по праву можно назвать мировыми шедеврами.


«Броненосец Потемкин» (1925)



Режиссер: Сергей Эйзенштейн


Один из наиболее известных фильмов Эйзенштейна, созданный к 20-летию первой русской революции (1905 года). Несмотря на то, что картина снята по заказу правительства, «Броненосец «Потемкин» оказался визитной карточкой советского кинематографа и сразу после премьеры в СССР был продан в Германию.


Итоговый вариант фильма заметно расходится с тем, что хотели увидеть члены юбилейной комиссии ВЦИКа. Эйзенштейн переработал громоздкий сценарий Нины Агаджановой, насыщенный историческими событиями, и оставил один небольшой эпизод, связанный с восстанием на броненосце. В картину вошли и те фрагменты, которые не были задуманы даже режиссером. В итоге получилось грандиозное по тем временам кинополотно, которое будет неоднократно цитироваться в других художественных и анимационных фильмах. Лучшими эпизодами «Броненосца» критики считают сцену расстрела мирных жителей на знаменитой одесской лестнице и сцену торжества восставших матросов в финале: поднятие революционного флага на корабле. Красный флаг Эйзенштейн раскрашивал вручную, и это был один из тех редких экспериментов, предвещавших появление цветного кинематографа.


Изначально фильм был немым, озвучили его только через пять лет после выпуска. Музыку к его прокату в разное время писали Эдмунд Майзель, Дмитрий Шостакович и другие российские и зарубежные композиторы, а в Берлине во время показов «Броненосца «Потемкина» звучали песни «Вы жертвою пали» и «Дубинушка».


До сих пор фильм Эйзенштейна известен во всем мире. Он входит в рейтинг десяти самых значительных фильмов мирового кино, который публикуется британским журналом Sight&Sound каждые десять лет, а в 2010 году занял третье место в списке журнала Empire «100 лучших фильмов мирового кинематографа».



«Человек с киноаппаратом» (1929)



Режиссер: Дзига Вертов


Экспериментальный бессюжетный фильм, призванный продемонстрировать возможности «киноглаза». Вертов с женой и братом, Борисом Кауфманом, буквально конструируют новую реальность, собирая фильм из различных кадров, многие из которых длятся лишь несколько секунд. Отснятый материал приобретает смысл с помощью монтажа, который превращает выхваченные из повседневности образы в гимн человеческому труду. Так Дзига Вертов надеялся доказать, что современный язык кино универсален, понятен и принципиально отличается от языка литературы и театра. Кинотехнике, по глубокому убеждению Вертова, доступно то, что не увидеть человеческому глазу: сквозь весь фильм проходит человек с киноаппаратом, создавая впечатление, что с камерой он способен быть всегда и везде, видеть всё и сразу.


Фильм Вертова был не раз высоко оценен критиками и теоретиками кино. Так, в 2014 году журнал Sight&Sound назвал картину лучшим документальным фильмом всех времен, а двумя годами ранее в этом же издании «Человек с киноаппаратом» был включен в общий список лучших фильмов. Известный американский кинокритик Джим Хоберман назвал фильм Вертова кинематографическим эквивалентом джойсовского «Улисса».


«Летят Журавли» (1958)



Режиссер: Михаил Калатозов
В ролях: Татьяна Самойлова, Алексей Баталов


Фильм – лауреат «Золотой пальмовой ветви» Международного Каннского кинофестиваля.

История хрупкой девушки Вероники, потерявшей во время войны всех близких ей людей, тронула зрителей, а экзотическая красота и талант Самойловой обеспечили ей еще много ролей, среди которых – Анна Каренина. Для Татьяны Самойловой роль Вероники была второй в ее жизни, однако именно эта работа принесла актрисе мировую известность. Фильм с успехом прошел не только в СССР и Франции, но и в Германии, Чехословакии и Польше.


Помимо Золотой пальмовой ветви, «Летят журавли» удостоились еще и Особого упоминания на том же Каннском фестивале 1958 года, а также были представлены в двух номинациях на премию Британской киноакадемии.



«Андрей Рублев» («Страсти по Андрею», 1966)



Режиссер: Андрей Тарковский
В ролях: Анатолий Солоницын, Иван Лапиков, Николай Гринько


Картина, ставшая символом авторского интеллектуального кино. Появление «Андрея Рублева» стало настоящим событием не только в советском кино, но и во всем кинематографическом мире.

Восемь новел, почти не связанных между собой, отражают и картину средневековой Руси, и духовные искания художника. Лейтмотивом через весь фильм идет философский спор Андрея Рублева и Феофана Грека, и разрушительный порою поиск первого противопоставляется спокойному молитвенно-созерцательному отношению к жизни и искусству второго.


Создание «Андрея Рублева» потребовало много сил и жертв не только от режиссера Тарковского и сценариста Андрея Кончаловского, но и от всей съемочной группы. По сюжету за убиенного им человека Андрей Рублев берет на себя обет молчания, который держит около пятнадцати лет, исполнитель главной роли Анатолий Солоницын молчал 4 месяца, чтобы голос в момент снятия обета звучал правдоподобно хриплым, а Ролану Быкову пришлось самостоятельно написать частушки для своей роли скомороха.


Помимо всевозможных рейтингов и списков «лучших фильмов» у «Рублева» есть и вполне реальные награды: приз ФИПРЕССИ МКФ в Каннах-69, премия французской критики «Prix Léon Moussinac» как лучшему иностранному фильму, демонстрировавшемуся на экранах Франции в 1969 году, почетный диплом МКФ в Белграде-73 и многие другие.



«Война и мир» (1967)



Режиссер: Сергей Бондарчук
В ролях: Людмила Савельева, Вячеслав Тихонов, Сергей Бондарчук


Один из самых масштабных кинопроектов СССР, для создания которого потребовалось участие всей страны. С начала и до конца съемок «Войну и мир» курировало Министерство культуры СССР, в разное время «спонсорами» выступали Министерство обороны и Министерство легкой промышленности. Специально для фильма был создан отдельный кинематографический кавалерийский полк, насчитывавший около 1500 всадников, а огромная массовка в 120 тысяч солдат упомянута в Книге рекордов Гиннесса. Русская экранизация знаменитого романа стала ответом на выход голливудского фильма с Витторио Гассманом и Одри Хепберн в главных ролях, а ее выход совпал со 150-летием Бородинской битвы.


Несмотря на все условия, созданные для съемок, в работе над картиной были и свои проблемы: конфликты в съемочной группе и тяжелый кастинг, по итогам которого Пьера Безухова пришлось играть самому режиссеру. В фильм было вложено много сил, и результат не заставил себя долго ждать.


Кинокритики тепло отнеслись к работе Бондарчука, о чем свидетельствует широкий прокат и многочисленные награды. Фильм получил «Оскара», премию BAFTA, «Золотой глобус» и многие другие награды. Хотя в этой «бочке меда» есть и своя ложечка дегтя: известный филолог Юрий Лотман сравнил картину с богатой иллюстрацией, «напоминающей роскошные подарочные издания, чуждые самому духу толстовского творчества».



«Зеркало» (1974)



Режиссер: Андрей Тарковский
В ролях: Маргарита Терехова, Олег Янковский, Иннокентий Смоктуновский


Фильм – сон, фильм – биография, фильм – исповедь. Даже актрису Маргариту Терехову Тарковский утвердил на роль только потому, что она похожа на его мать. В картине появляется и настоящая мать режиссера. Впервые Тарковский включает в свое произведение стихи отца, а среди декораций множество вещей, которыми Андрей Арсеньевич когда-то пользовался сам.


«Зеркало» – это работа, к созданию которой Тарковский готовился дольше и серьезнее остальных своих фильмов. По словам самого автора, он снимал картину о близких людях, «о своей бесконечной любви и боли по ним». Критикам же видится ностальгия, боль утраты и вечные конфликты мужчины и женщины, отца и ребенка.


Фильм можно разбирать по кадрам, долго-долго любуясь отдельными эпизодами и всей картиной целиком, это необыкновенно лирическое, немассовое кино, для людей, которые «умеют читать книги, слушать музыку, глядеть живопись».


«Зеркало», как и многие другие фильмы Тарковского, очень быстро стало известно не только в СССР, но и за рубежом. В 1980 году картина получила приз «Давид ди Донателло» за лучший иностранный фильм, показанный в Италии.



«Сталкер» (1979)



Режиссер: Андрей Тарковский
В ролях: Александр Кайдановский, Николай Гринько, Анатолий Солоницын


Еще один шедевр Андрея Тарковского и последняя его работа, снятая в СССР. Считается, что фильм создан по мотивам повести «Пикник на обочине» Аркадия и Бориса Стругацких, но от повести в киноварианте не осталось практически ничего, кроме образа Зоны. Однако умалять роль Стругацких при анализе картины не стоит: братья стали авторами сценария и создали около девяти вариантов текста, сознательно наступая на горло своему произведению. Ни один из сценарных вариантов Тарковскому не нравился, и в конце концов, доведенные до отчаяния, писатели придумали образ сталкера-юродивого, который мы и видим в фильме.


Съемочный период длился три года и тоже оказался нелегким. Первый вариант пленки был испорчен, мешали конфликты в группе, инфаркт Тарковского, наступление зимы, во время которой нельзя было проводить натурные съемки. В итоге работа над фильмом была закончена только после третьего подхода, тогда-то стало ясно, что игра стоила свеч.


«Сталкера» называют одним из самых зрелых произведений Тарковского. Фильм без особой цензуры, хоть и с небольшим количеством копий, прошел в СССР и был продан на Запад. Картина получила премию экуменического жюри для внеконкурсного фильма на МКФ в Каннах в 1980 году и специальный приз «Лукино Висконти» в конкурсе «Давид ди Донателло».



«Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона» (1979–1986)


Режиссер: Игорь Масленников
В ролях: Василий Ливанов, Виталий Соломин


Создатели русского сериала о приключениях Шерлока Холмса во многом повторили судьбу Конан Дойла – автора литературного первоисточника. История о сыщике-любителе, который может заткнуть за пояс полицейских из Скотланд-Ярда настолько понравилась зрителями, что съемочной группе пришлось не раз собираться, чтобы продолжить проект. В итоге съемки длились шесть лет, а их результатом стали пять фильмов по две серии каждый (исключением стала только «Собака Баскервилей» 1981 года). Такой непривычный формат фильма, где каждая серия – законченное произведение, помешал «Приключениям Шерлока Холмса и доктора Ватсона» быстро попасть на западные телеэкраны. Зато когда сериал все-таки был продан и переведен, даже чопорные британцы признали его одной из лучших экранизаций произведений сэра Артура Конан Дойла.


У самого сериала нет ни наград, ни премий, ни даже участия в известных рейтингах. Его первенство подтверждают награды актеров. Так, в 2005 году Василий Ливанов стал почетным членом ордена Британской империи за лучший экранный образ Шерлока Холмса, а через год послом Великобритании ему был вручен знак ордена. Памятник Шерлоку можно увидеть у Британского посольства в Москве.



«Иди и смотри» (1985)


Режиссер: Элем Климов
В ролях: Алексей Кравченко, Ольга Миронова, Любомирас Лауцявичюс


История белорусского подростка Флера, ставшего свидетелем издевательств нацистских карателей над мирным населением Белоруссии. Потрясения, пережитые ребенком, настолько велики, что за несколько дней его лицо превращается в морщинистую маску старика, на которой читается боль и безумие. Образ поседевшего подростка превратился в одну из самых ярких аллегорий Второй мировой.


Сценарий для фильма Элем Кимов, в детстве переживший эвакуацию из горящего Сталинграда, создавал вместе с белорусским писателем Алесем Адамовичем, непосредственным свидетелем геноцида. «Иди и смотри» – это и своеобразный призыв к миру, снятый в период холодной войны, когда, по словам самого Климова, почти физически ощущалась возможность Третьей мировой, и попытка увековечить память погибших жителей Хатыни, почти не известных миру. В съемках фильма участвовало много непрофессиональных актеров, которых режиссер заставил заново пережить войну, в результате получилась крайне эмоциональная и тяжелая картина.


Критики восприняли фильм очень по-разному, кто-то называл Климова мастером реализма, создавшим новый тип фильмов о войне, кто-то утверждал, что при всех достоинствах картины, «Иди и смотри» является чистой воды советской пропагандой. А для психологов и историков киноработа Элема Климова стала примером отражения в искусстве народной травмы. Среди наград картины – «Золотой приз» XIV Московского кинофестиваля, специальный приз I Международного кинофестиваля «Фестроя» (Португалия) и сразу три статуэтки XIX Всесоюзного кинофестиваля в Алма-Ате.



«Возвращение» (2003)



Режиссер: Андрей Звягинцев
В ролях: Владимир Гарин, Иван Добронравов, Константин Лавроненко


Фильм режиссера-дебютанта буквально взорвал все крупные фестивальные площадки Европы. Картина получила 23 награды, среди которых сразу пять призов Венецианского фестиваля, включая Золотого льва, премия European Film Awards, приз ФИПРЕССИ на кинофестивале в Салониках.


История двух братьев, которые внезапно обрели отца, виденного только на фотографиях десятилетней давности, оказалась близкой многим зрителям. При бюджете в 400 000 долларов кассовые сборы картины составили 4 429 093 долларов.


«Возвращение» – это притча, многослойная как пирог и не всегда понятная после первого просмотра. По замечанию Андрея Плахова, Звягинцев в своем фильме возрождает эстетику Тарковского, наполняя картину трепетно-мистическим, почти религиозным отношением к природе. При этом у режиссера получился вполне современный фильм, местами захватывающий, местами заставляющий задуматься.

]]>
Космическая гонкаИстория гонки вооружений СССР и США. Развитие космической отрасли.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/50445/kosmicheskaya-gonkaWed, 08 Apr 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Космическая гонка

ЛекцииПубликации раздела Лекции

Мощный импульс к развитию космической отрасли дала Вторая мировая война, по итогам которой в мире появились две сверхдержавы – СССР и США. Причем Америка в конце войны обладала монополией на атомное оружие, продемонстрировав его возможности, сбросив бомбы на японские города Хиросиму и Нагасаки. Советскому Союзу надо было в кратчайшие сроки ликвидировать свое отставание в военной отрасли. Началась гонка вооружений.



РДС-1 — первая советская атомная бомба имплозивного типа с плутонием. Мощность бомбы — 22 килотонны, длина 3,7 м, диаметр 1,5 м, масса 4,6 т

В течение пяти лет после войны СССР создал свою собственную атомную бомбу, одновременно работая над средствами доставки ядерных снарядов – ракетами. Дело в том, что в странах НАТО на боевом дежурстве стояли ракеты сравнительно небольшого веса, которым хватило бы считанных минут, чтобы донести смертоносный груз до нашей территории. А у Советского Союза не было военных баз близ берегов США. Нашей стране как воздух нужны были тяжелые межконтинентальные баллистические ракеты с весом боевой головной части 5,5 тонны.


Такую ракету поручили строить инженеру Сергею Королеву. Это было известно лишь ограниченному кругу специалистов, связанных с ракетной промышленностью. Только после его кончины миллионы людей узнали имя главного конструктора, который фактически возглавлял все советские космические исследования в течение десяти лет – с 1957 по 1966 год.


«Сергею Королеву больше, чем кому-либо другому, принадлежит заслуга в том, что космический век стал реальностью».

Шведский астрофизик Ханнес Альвен - лауреат Нобелевской премии


С ранних лет юным конструктором владела идея построить ракетоплан – космический аппарат на ракетной тяге. Мечты Королева начали быстро осуществляться благодаря знакомству с видным энтузиастом межпланетных перелетов Фридрихом Артуровичем Цандером. Вместе с ним Королев создал при Осоавиахиме Группу изучения реактивного движения (ГИДР), которая вскоре превратилась в Реактивный научно-исследовательский институт (РНИИ). Королева назначили заместителем директора по научной части.


Однако в решительную поступь советской космической науки вмешалась эпоха Большого террора. 1937 год нанес сокрушительный удар по зарождавшейся отрасли. Были арестованы почти все сотрудники РНИИ, свернуты эксперименты и исследования. 27 июня 1938 года пришли и за Королевым. От неминуемой смерти его спасла работа в так называемых шарашках, тюремных конструкторских бюро при НКВД (эти заведения детально описаны Александром Солженицыным в романе «В круге первом»).


В 1940 году Сергея Королева вернули в Москву и включили в группу Андрея Туполева, которая занималась созданием тяжелого бомбардировщика нового поколения. Через два года Королев разработал проекты самолета-перехватчика с реактивным двигателем, в 1943-м построил ракетный ускоритель для боевых истребителей. В сентябре 1945 года его вместе с другими советскими специалистами направили для изучения трофейной техники, в частности ракет ФАУ-2, в Германию, а еще через несколько месяцев в СССР была создана новая отрасль промышленности – ракетная. На ее базе и стали в дальнейшем разрабатываться космические программы. Главным конструктором ракет дальнего действия назначили Сергея Павловича Королева. Юношеская мечта стала приобретать реальные очертания.


За весьма непродолжительное время конструкторское бюро Королева разработало и осуществило запуск первой в мире межконтинентальной баллистической ракеты Р-1, спроектировало Р-2 и Р-3, а затем первые в мире стратегические межконтинентальные ракеты Р-5 и Р-7. «Семерка» - шедевр королевской мысли - обладала рекордной стартовой массой в 280 тонн и длиной 34,2 метра.


Созданная для военных нужд ракетная промышленность занималась мирной наукой лишь опосредованно. Но Сергей Королев, никогда не оставлявший мыслей о космосе, задумался о том, чтобы отправить в космос научную лабораторию. Хотя от этой идеи пришлось отказаться, ограничившись искусственным спутником земли (ИСЗ). Дело в том, что советскому руководству нужно было во что бы то ни стало обогнать Соединенные Штаты, тоже готовившие свой спутник к отправке.


6 октября 1957 года советские газеты констатировали: «В СССР запустили искусственный спутник Земли». А все газеты мира пестрели кричащими заголовками.



В США появление спутника только подлило масла в огонь холодной войны. Американцы прикладывали огромные усилия, пытаясь расшифровать спутниковые сигналы, полагая, что это обозначения для ракетных ударов или слежения. На самом деле спутник представлял собой металлический шар с радиопередатчиком внутри. Тем не менее запуск искусственного спутника Земли доказал превосходство СССР в ракетостроении.

Генсек Хрущев потребовал: «Теперь к 7 ноября запустите что-нибудь новенькое».


Хрущев заявил Королеву: «Теперь к 7 ноября запустите что-нибудь новенькое». Таким образом, конструктору дали всего пять недель на то, чтобы подготовить новый старт космического аппарата. С пассажиром на борту. В ноябре 1957 года на втором спутнике в космос отправилась собака по кличке Лайка, ставшая «первым живым космонавтом» Земли.

Для СССР запуск и околоземного спутника, и спутника с живым существом на борту был огромной пропагандистской победой и одновременно звонкой пощечиной Америке.


6 декабря 1957 года в торжественной обстановке при большом стечении народа на мысе Канаверал должен был состояться запуск первого американского спутника. Миллионы американцев прильнули к экранам телевизоров, старт ракеты должны были показать в прямом эфире. Ракета смогла подняться лишь на 1,2 м, после чего накренилась и взорвалась.


Следующим этапом соревнования стала отправка на орбиту человека. Тем более что повышение надежности летательных аппаратов делало эту задачу выполнимой. До последних дней перед полетом не было известно, кто станет первым: Юрий Гагарин или Герман Титов. 9 апреля Государственная комиссия приняла наконец решение: летит Гагарин, Титов остался дублером.


В это время американские инженеры усиленно пытались догнать СССР и сделать все возможное, чтобы первым человеком, отправившимся в космос, стал американец. Полет астронавта Алана Шепарда был назначен на 6 марта 1961 года. Счет в противостоянии шел на дни. Но экспедиция Шепарда из-за облачности и шквальных ветров была отложена до 5 мая.

Юрий Гагарин - первый космонавт


В 9 часов 7 минут 12 апреля 1961 года прозвучало знаменитое гагаринское «Поехали!». Первый человек отправился в космос. Гагарину потребовался 1 час 48 минут, чтобы обогнуть планету. В 10 часов 55 минут капсула его спускаемого модуля благополучно приземлилась возле деревни Смеловки Саратовской области. Новость о «108 минутах, которые потрясли мир», мгновенно облетела земной шар, а улыбка первого космонавта стала символом и синонимом чистосердечия, получив название «гагаринской».


Алан Шепард стал вторым человеком в космосе спустя всего четыре недели. Но его пятнадцатиминутный суборбитальный полет был разочарованием на фоне триумфа Юрия Гагарина.


Космическая гонка только набирала обороты. Чтобы утереть русским нос, американцы решили сделать ставку на освоение Луны. США начинают вкладывать огромные средства в лунную программу.

6 августа 1961 года Герман Титов стал первым человеком в космосе, который провел на орбите более суток, сделав 17 витков вокруг Земли.
14 июня 1963 года Валерий Быковский находится на орбите Земли в течение почти пяти суток – самый долгий одиночный полет.

Спустя всего два дня, 16 июня, на орбиту отправилась Валентина Терешкова, первая женщина в космосе.

В 1964 году был создан новый космический корабль «Восход», рассчитанный на многоместный экипаж.
18 марта 1965 года космонавт Алексей Леонов впервые вышел в открытый космос.
Его отчет перед госкомиссией был кратким: «В открытом космосе жить и работать можно».


14 января 1966 года во время многочасовой операции на сердце умирает Сергей Королев. Похороны с государственными почестями состоялись на Красной площади Москвы.


Но битва за космос продолжилась. Со временем космические корабли становились все совершеннее, появились новые ракеты-носители. Переход от экспериментальных полетов к постоянной длительной работе в космосе был связан с программой «Союз». Новый тип кораблей с конца 60-х успешно использовался на околоземных орбитах. На аппаратах этой серии осуществлялись стыковки в космосе, проводились многочисленные технологические эксперименты, научные исследования земного шара, ставились рекорды продолжительности полетов. Не обошлось без трагедий.


Алексей Леонов – первый человек в открытом космосе.


23 апреля 1967 года к старту готовился Владимир Комаров. Запуск прошел успешно, но затем начались неприятности, обнаружились множественные неполадки. При возвращении на Землю произошел отказ парашютной системы корабля. «Союз» летел на землю со скоростью 1120 километров в час. Шансов выжить не было.

27 марта 1968 года в ходе обычного учебного полета на истребителе погибает Юрий Гагарин.


Летом 1971 года произошла еще одна трагедия. После трехнедельного пребывания на орбите экипаж «Союза-11» в составе Георгия Добровольского, Владислава Волкова и Виктора Пацаева начал спуск к Земле. Однако после приземления космонавты не подавали признаков жизни. Специальная комиссия, расследовавшая гибель космонавтов, пришла к выводу, что причиной катастрофы стала разгерметизация кабины в безвоздушном пространстве. Новые полеты в космос после этого были отложены на два года – для работы над повышением надежности кораблей.

Музеи космонавтики России


Американская лунная программа тем временем набирала обороты. Пока в СССР строили испытательные установки для имитации одной шестой от земной гравитации, ощущаемой на поверхности Луны, работали над спусковым модулем, который доставил бы одного из космонавтов на ее поверхность. В NASA собрали громадный «Сатурн-5», самую мощную из когда-либо построенных на тот момент ракет.


Русские тоже трудились над громадиной – ракетой Н-1. Имея 30 отдельных двигателей, она была в 16 раз мощнее, чем Р-1. И на нее возлагались надежды всей советской космической программы.


3 июля 1969 года Н-1 стартовала с космодрома Байконур, но после 23-секундного «полета» почти плашмя упала на стартовый стол и взорвалась, разрушив стартовое сооружение №1, уничтожив поворотную башню обслуживания, повредив подземные помещения комплекса. Обломки носителя разбросало в радиусе 1 км...


Американцы перехватили инициативу в освоении Луны. 1969 год стал годом высадки первых людей на лунную поверхность. 20 июля 1969 года «Аполлон-11» совершил посадку на ночном спутнике Земли. Знаменитая фраза Нейла Армстронга: «Это один маленький шаг для человека, но гигантский скачок для всего человечества», облетела весь мир.

NASA на поверхности Луны.


Американские астронавты шесть раз побывали на Луне. В 70-е годы на лунный грунт были доставлены советские аппараты «Луноход-1» и «Луноход-2». СССР, напротив, быстро забыл о Луне и нашел новую цель, которая могла возродить их космическую программу, – колонизацию. Способ не только летать в космос, но жить и работать там. Возможность проводить на орбите долгосрочные эксперименты.

Весь остаток 1970-х годов Советский Союз продолжал отправлять экипажи и серии космических станций «Салют» для все более длительных миссий. К середине 1980-х, пока американцы были по-прежнему сосредоточены на краткосрочных полетах в их космических шаттлах, русские были готовы совершить следующий шаг – сделать первую постоянную орбитальную космическую станцию «Мир», предназначенную для обеспечения условий для работы и отдыха экипажа, для проведения научных и прикладных исследований и экспериментов. 20 февраля 1986 года орбитальный комплекс «Мир» был выведен на орбиту и функционировал до 23 марта 2001 года.


Разработка пилотируемых кораблей нового поколения продолжалась до середины 80-х годов. Итогом многолетних трудов стала доставка в космос в 1988 году ракетой «Энергия» многоразового корабля «Буран», аналога американского шаттла. Но политические реалии того времени – кризис в СССР и последовавшее сокращение военного бюджета страны – поставили крест на этой программе. После крушения Советского Союза программа была свернута, а «Буран» перемещен на площадку для аттракционов в ЦПКиО им. Горького в Москве.

Сейчас наступила эра Международной космической станции (МКС). МКС – совместный международный проект, в котором, кроме России 13 стран: Бельгия, Бразилия, Германия, Дания, Испания, Италия, Канада, Нидерланды, Норвегия, США, Франция, Швейцария, Швеция, Япония.


Наша страна была единственной, имеющей опыт обслуживания орбитальной космической станции. Только в Советском Союзе знали, что происходит с человеком, когда он долго находится в космосе. Поэтому сегодня Россия активно участвует в программе МКС, передавая свои знания. Международная космическая станция – это величайшее свидетельство достижений могущественной программы СССР в освоении космоса. Само ее существование зависело от технологий и профессионального опыта, достигнутых нами за 50 лет космических исследований. Важнейшие системы жизнеобеспечения станции основаны на тех, которые разрабатывались на «Салютах» и «Мирах». Космические скафандры – российского производства. До 2011 года единственным способом добраться до станции была капсула «Союз», установленная на вершине ракеты Р-7 - улучшенной версии той, что спроектировал Сергей Королев более полувека назад.

]]>
Война за мирБерлинская стратегическая наступательная операция.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/50793/voina-za-mirWed, 29 Apr 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Война за мир

ЛекцииПубликации раздела Лекции

Берлинская стратегическая наступательная операция – венец усилий Советской армии в Великой Отечественной войне. В масштабном сражении, положившем конец кровавому кошмару, длившемуся долгие четыре года, с обеих сторон принимали участие около 3,5 миллионов человек, было задействовано 52 тысячи орудий и минометов, 7750 танков и 11 тысяч самолетов.



Инженерные части Красной армии в кратчайшие сроки построили 25 мостов и 40 паромных переправ через Одер, сотни километров железных дорог перешили на широкую российскую колею. Для взятия Берлина войска 2-го Белорусского фронта за 10 дней до операции на 1900 грузовиках были переброшены с севера Германии на расстояние в 350 километров.



От Информбюро СССР – Акт о военной капитуляции Германии. 8 мая 1945 г.


День первый… День последний

Они сражались за Родину

Освобождение


Ни одной армии в мировой истории не приходилось брать штурмом настолько крупный (900 квадратных километров) и настолько хорошо укрепленный город. Самолеты-разведчики сделали 15 тысяч фотоснимков. И именно по этим документам в штабе 1-го Белорусского фронта изготовили масштабный макет Берлина и его окрестностей. С помощью дезинформации удалось убедить немецкое командование в том, что основной удар будет нанесен не с Кюстринского плацдарма, а севернее, в районе городов Штеттин и Губен.


16 апреля началась авиационная и артиллерийская подготовка на участке 1-го Белорусского и 1-го Украинского фронтов под командованием маршалов Георгия Жукова и Ивана Конева.


«По сигналу вспыхнули 140 прожекторов, расположенных через каждые 200 метров, – писал Георгий Жуков в своей книге «Воспоминания и размышления». – Более 100 миллиардов свечей освещали поле боя, ослепляя противника и выхватывая из темноты объекты атаки для наших танков и пехоты. Это была картина огромной впечатляющей силы, и, пожалуй, за всю свою жизнь я не помню равного ощущения. Артиллерия еще больше усилила огонь, пехота и танки дружно бросились вперед, их атака сопровождалась мощным двойным огневым валом. К рассвету наши войска преодолели первую позицию и начали атаку второй позиции. Противник, имевший в районе Берлина большое количество самолетов, ночью не смог эффективно использовать свою авиацию, а утром наши атакующие эшелоны находились так близко от войск противника, что их летчики не в состоянии были бомбить наши передовые части, не рискуя ударить по своим. Гитлеровские войска были буквально подавлены морем огня и металла. Непроницаемая стена пыли и дыма висела в воздухе, и местами даже мощные лучи зенитных прожекторов не могли ее пробить, но это никого не смущало. Наша авиация шла над полем боя волнами. Ночью несколько сотен бомбардировщиков ударили по дальним целям, куда не доставала артиллерия. Другие бомбардировщики взаимодействовали с войсками утром и днем. В течение первых суток сражения было проведено свыше 6550 самолето-вылетов. На первый день было запланировано только для одной артиллерии 1 197 000 выстрелов, фактически было произведено 1 236 000 выстрелов. Вдумайтесь в эти цифры! 2450 вагонов снарядов, то есть почти 98 тысяч тонн металла обрушилось на голову врага. Оборона противника уничтожалась и подавлялась на глубину до 8 километров, а отдельные узлы сопротивления – на глубину до 10–12 километров».

1-й Украинский фронт стремительно подступал к Берлину с юга и запада. 25 апреля войска соединились с 1-м Белорусским фронтом, завершив окружение Берлинской группировки противника.


Советские солдаты брали штурмом каждую улицу и дом. Самые тяжелые бои шли в центре города, где отчаянно сражались наиболее боеспособные части эсэсовцев и фанатично преданные Гитлеру члены гитлерюгенда.


«Борьба за Берлин шла не на жизнь, а на смерть. Из глубины матушки-России, из Москвы, из городов-героев Сталинграда, Ленинграда, с Украины, из Белоруссии, из прибалтийских, закавказских и других республик пришли сюда наши люди, чтобы завершить здесь справедливую войну с теми, кто посягнул на свободу их Родины. У многих не зарубцевались еще раны от прошлых боев, но раненые не покидали строя. Все стремились вперед. Будто и не было четырех лет войны: все воспрянули духом, чтобы свершить великое дело – водрузить Знамя Победы в Берлине», – писал Георгий Жуков.


1 мая 1945 года над куполом Рейхстага взвилось Знамя Победы, ныне хранящееся в московском Центральном музее Великой Отечественной войны

Торжественные проводы Знамени Победы в Москву. Первый комендант Берлина генерал-полковник Н.Э. Берзарин (справа)

В первом часу ночи 2 мая радиостанциями 1-го Белорусского фронта было получено сообщение на русском языке: «Просим прекратить огонь. Высылаем парламентеров на Потсдамский мост. Опознавательный знак – белый флаг. Ждем ответа». Начальник обороны Берлина генерал артиллерии Гельмут Вейдлинг сдался в плен. Вместе с ним сдались офицеры его штаба. В тот же день были ликвидированы окруженные группировки немецких войск юго-восточнее Берлина. В ночь с 8 на 9 мая 1945 года в восточной части Берлина – Карлсхорсте – был подписан Акт о безоговорочной капитуляции Германии.


Документальный фильм. «Штурм Берлина. В логове зверя»


]]>
Обрядность похоронно-поминального цикла у народов Северного КавказаПохоронные обряды черкесов, карачаевцев и кабардинцев.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/31317/obryadnost-pokhoronno-pominalnogo-cikla-u-narodov-severnogo-kavkazaFri, 16 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Обрядность похоронно-поминального цикла у народов Северного Кавказа

ТрадицииПубликации раздела Традиции

Один из наименее этнографически изученных — раздел похоронно-поминальной обрядности народов Северного Кавказа. Похоронные обряды черкесов, карачаевцев и кабардинцев.



Похоронно-поминальная обрядность народов Северного Кавказа до настоящего времени остается одним из наименее этнографически изученных разделов семейной обрядности. Внимание исследователей, особенно в XX в., в значительно большей степени привлекали свадебная и детская обрядность, о чем говорит и число публикаций, посвященных этой тематике. Похоронно-поминальная обрядность, как правило, представлена лишь в работах, посвященных монографическому исследованию культуры того или иного народа. Видимо, одна из причин этого явления – тесная связь похоронно-поминальной обрядности с религией, особенно у тех народов региона, которые исповедуют ислам. Как известно, еще сравнительно недавно публикация таких материалов, особенно относящихся к современности, была затруднена или вообще невозможна. Неслучайно наиболее полно представлена в литературе похоронно-поминальная обрядность осетин, сохранившая в основном связь с языческими верованиями.


В данной статье использованы материалы, собранные во время экспедиции 1989 г. в нескольких республиках Северного Кавказа. Конечно, далеко не все стороны похоронно-поминальной обрядности представлены здесь достаточно подробно. Тем не менее, на наш взгляд, приводимый ниже полевой материал может быть использован для дальнейших исследований данной темы.


Черкесы (сел. Хабез, Адыге-Хабль)

Чегемское ущелье. Чегем. Северный Кавказ

Похороны принято устраивать на следующий день после смерти, но если ждут приезда кого-то из родственников, то по согласованию со старшими – через два-три дня. Обмывают и облачают покойного в саван те, кто умеет читать молитвы. Саван для мужчин и женщин делается одинаковым. Могилу роют соседи или родственники; для женщины – немного глубже, чем для мужчины.
О смерти человека оповещает кто-нибудь из соседей или родственников. Около покойного обязательно читают Коран, и чем больше человек это делают, тем лучше для души умершего. На похоронах обязательно присутствует эфенди. Он дает распоряжение близким прощаться с покойным и выносить его. Хоронят обычно в середине дня (14 час.). За один-два часа до этого устраивают обряд искупления грехов (деур), для которого выделяют 250–400 руб. (иногда эта сумма оговаривается в завещании, как и то, сколько следует истратить на похороны и поминки). Из этой суммы часть (по 10 руб.) причитается тем, кто обмывал покойного, и по 5 руб. раздают бедным. На похороны приходят эфенди из разных аулов и обычно через них передают деньги для бедных. В каждом ауле имеются списки беднейших жителей.


Женщины провожают похоронную процессию до ворот, на кладбище не идут. (Им разрешается посещать кладбище в день, назначенный эфенди, когда они убирают и приводят в порядок могилы близких.) Носилки с покойным нельзя ставить на землю, до кладбища их несут на плечах, сменяя друг друга. На кладбище два близких родственника спускаются в могилу и принимают покойного, которого подают им вниз на брезенте. Укладывая тело в нишу, они развязывают узлы на саване и кладут в саван по горсти земли. Нишу закрывают досками.
По возвращении с похорон устраивают угощение для приехавших издалека, но не в доме умершего (там не готовят пищу в течение трех дней), а в доме родственников (если он находится не в этом же дворе) или соседей. На похороны приходят только женатые мужчины (вообще посещать кладбище мальчикам разрешается с 12–13 лет).
Памятник на могиле ставят в головах, иногда это делается сразу же, в день похорон (нередко он представляет собой асбестовую трубу с надписью).


В знак траура мужчины не бреются (обычно в течение недели, самые близкие – до 40-го дня), женщины носят темную одежду, темные платки. Телевизор в доме, где соблюдается траур, не включают до месяца и дольше.


Так, один из наших информантов после смерти матери год не пил спиртных напитков, не посещал свадьбы и другие застолья.
Сорок дней по умершему полагается читать Коран. В течение месяца после смерти принято каждый четверг жарить в масле лепешки (локумы) и раздавать их детям. При возможности это можно делать целый год или несколько лет.
В 40-й день устраиваются многолюдные поминки, на которые приходит почти столько же человек (в том числе и из соседних сел), как в день похорон. Большую помощь семье в этот день оказывают родственники. Часть баранины раздают бедным людям в несколько соседних сел в качестве милостыни (садака). Женщины приносят кур, сладости, мужчины могут принести деньги.


Для поминального стола готовят мясо с бульоном (ляпе), заправленное зеленью, чесноком, луком; пасту; плов – рис с изюмом (его жарят с сахаром) и сливочным маслом; курятину с подливой (джедлибже); домашнюю лапшу (хингал), подаваемую с вареными яйцами, чесноком и сметаной или кислым молоком; халву и различные сладости, пирожки, жареные лепешки (локумы). В этот день обязательно кормят детей и раздают им кульки со сладостями.
Годовые поминки (илгэс сэдэкъэ) менее многолюдны, чем устраиваемые на 40-й день. По свидетельству информантов, эти поминки стали устраивать повсеместно лишь в последние 10 лет.


Карачаевцы (сел. Верхняя Теберда, хутор Дружба)


Похороны происходят в день смерти или на следующий день, если ожидают приезда родственников.
Могилу для женщины делают более глубокой, чем для мужчины. Для савана (кебин) используют отрез белой ткани (одинаковой длины для мужчин и женщин).


Принято, чтобы на похороны односельчанина (или для выражения соболезнования после похорон) приходили все взрослые члены семьи (с 17–18 лет). В доме умершего кто-нибудь из близких родственников-мужчин принимает соболезнования. Семье умершего оказывается денежная помощь (20–50 руб.). Некоторые приносят платки, которыми покрывают тело покойного. Часть этих платков оставляют в доме, часть раздают.
Перед захоронением устраивают обряд выкупа грехов покойного (деур). Часть выделенных для этого денег раздают старшие родственники в виде милостыни (садака). Деур не полагается делать для девочек, умерших до 14 лет, и мальчиков, не достигших 16 лет, поскольку в этом возрасте они считаются безгрешными.
Женщины в день похорон на кладбище не ходят. Исключение делают в тех случаях, когда кто-то из ближайших родственниц (сестра, мать) не успел проститься с покойным и приехал в тот момент, когда процессия уже находится на кладбище. Тогда женщину допускают на кладбище, мужчины отходят в сторону и дают ей возможность проститься с близким человеком. В другие дни женщинам разрешается заходить на кладбище, убирать могилы.


Существует представление, что женщина, отправляясь на кладбище, должна надеть ниже пояса не менее семи одежд (то есть ее тело ниже пояса должно быть закрыто семью слоями ткани).


После похорон устраивают поминки, особенно если покойный оговорил это в завещании. Для угощения режут барана, кур. Три дня после похорон ворота остаются открытыми; три дня из очага не должен выходить дым (то есть нельзя в доме готовить пищу). Пищу для членов семьи в эти дни приносят соседи (любые блюда, без ограничений).
В течение трех дней мужчины-родственники, соседи (с 25 лет, женатые – с 20 лет) по утрам поднимаются на кладбище, читают у могилы Коран.
На 3-й день после похорон режут корову и раздают мясо (схат). Обязательно наделяют мясом родственников и ближайших соседей, насколько хватит. По словам пожилых информантов, прежде мясо давали в первую очередь тем, кто читал Коран, и раздача мяса происходила в скромных масштабах. Так, в 1930-е годы богатые люди старались совершить этот обряд еще при жизни, но даже самые зажиточные резали овцу, а не корову, хотя скота в хозяйстве было много (например, тот, кто владел всего одной коровой, считался бедным, и ему полагалось давать милостыню). Сейчас некоторые эфенди выступают против этого обычая, так как о нем не говорится в священных книгах.
По пятницам (джума) в доме готовят жареные лепешки (локъумы) и раздают детям и соседям как поминальное угощение. Самые многолюдные поминки (несколько сот человек) устраивают на 52-й день (кемик дуа). В этот день раздают бедным милостыню-садакъа (деньги, муку, сахар), а также устраивают угощение. Стараются пригласить как можно больше детей, говорят: «Дети – святые, и если их покормишь, то у покойного грехи смываются». Угощение для детей относят и в школу. Особый почет оказывается в этот день престарелым односельчанам.


Аксакал

В годовщину смерти также устраивают поминки (джыл аш). Поминки устраивают только по тем умершим, что достигли совершеннолетия (те же возрастные границы, что и при обряде выкупа грехов). Если ребенок родился живым, то, как бы мало он ни прожил, в случае его смерти читают заупокойную молитву джаназу.
Для поминального угощения режут корову, барана. Готовят мясо с картошкой (шорпа), манты, пельмени (суу берек), тонкие пироги с начинкой из мяса, сыра, картошки (хычыны), несколько видов халвы (сахан халуа, чакъгъан халуа, бал халуа), варят и жарят кур. Халву приносят также соседи. На поминки готовили и различные блюда из риса (баста) – рис с изюмом, рис со сметаной, рис с айраном, рис с маслом, рис с большими кусками вареного мяса. В последние годы эти блюда не всегда готовят на поминки, так как они не пользуются популярностью и считаются непрестижными. Спиртные напитки на поминках не подают.


Траур соблюдают до 52-го дня или до года. В этот период не посещают общественных увеселений, не смотрят телевизор. Мужчины не бреются до 52-го дня.


Если по соседству с домом, соблюдающим траур, готовится свадьба, которую нельзя отложить, то у семьи просят разрешения на проведение свадьбы, которая в таком случае проходит без музыки и танцев.


Кабардинцы (сел. Урвань, Чегем)


Мужчины – близкие родственники покойного – принимают соболезнования от мужчин во дворе; женщины находятся в доме, где их и посещают пришедшие женщины. Приходящие выразить соболезнование приносят деньги (не менее 10 руб., родственники и близкие – до 200 руб.). Денежную помощь семье оказывают и сослуживцы покойного. Приносят также отрезы, шелковые платки (любого цвета, но не черные), полотенца, мыло, духи (некоторые муллы говорят, что приносить все это – грех).


Умершую женщину накрывают поверх савана платками, мужчину – буркой. Ткань на саван, а также вещи, которые следует раздать чтецам Корана, бедным и т.д., пожилые люди готовят заранее. Шелковые платки, отрезы впоследствии раздают тем, кто читает по покойному Коран, вдовам, сиротам. Читающим Коран, кроме того, посылают также нательное белье (мужчинам), ночные рубашки (женщинам), угощение.
Коран начинают читать на следующий день после погребения и читают до 40-го дня. Считается, чем больше людей читают по покойному Коран, тем лучше. Поскольку не в каждом селе можно найти человека, знающего арабскую грамоту, обращаются и в другие села. Сейчас читают Коран дома, хотя ранее это полагалось делать на кладбище.


Кладбище в кабардинском селении Шалушка.

Соболезнование семье умершего можно выразить, если не успевают до похорон, в течение всей следующей недели. Три дня в доме, где умер человек, остаются открытыми ворота: все это время близкие родственники-мужчины, принимающие соболезнования, каждый день собираются во дворе дома покойного.
Похороны обычно происходят на следующий день после смерти. Об этом стараются всех оповестить. Обычно хоронят в середине дня, примерно за час до этого (около 12 часов) в доме устраивают обряд выкупа грехов (деур), для чего выделяется от 200 до 500 руб. (в некоторых селах по решению мулл деур ограничен 200 руб.). После исполнения этого обряда покойного выносят из дома. На кладбище идут только мужчины (юноши – лет с 20, как говорят, «те, кто уже отслужил в армии»).


Современный надмогильный памятник

Если село делится на несколько кварталов-джамаатов (прежде в каждом квартале были своя мечеть и кладбище), то на похороны в своем джамаате ходят обязательно, хотя нередко посещают в подобных случаях и другие джамааты.
Единичны случаи таких новшеств, как похороны с музыкой (так хоронят только «ответственных и партийных работников») или в гробу. Не приняты цветы, траурные венки. Нишу в могиле закрывают досками, в последние годы – кирпичом. Когда остается положить последние кирпичи или последнюю доску, снимают платок, которым был покрыт покойный, и отдают его бедным.
В день похорон женщины в знак траура обязательно должны быть в платках, мужчины – в головных уборах. В последние 10–15 лет женщины стали носить в знак траура черную одежду. Прежде в период траура женщины не носили одежду без рукавов, а мужчины не брились.
В день похорон по обычаю, который сохраняется в некоторых селах и сейчас, не принято устраивать угощение. Вообще 3 дня очаг в доме не зажигают, пищу членам семьи приносят соседи. В день похорон режут корову или быка (3–4-годовалого) и раздают милостыню (садака) родственникам и бедным односельчанам (1 кг мяса, 1 кг риса, 1 кг пшена, 1 кг сахара, прежде также – по 3 м ситца). Относят продукты также в больницу, в дом престарелых, на предприятие, где работал покойный. Однако сейчас нередко вместо раздачи продуктов в день похорон устраивают угощение (пищу готовят не в доме, а во дворе) – и для мужчин, и для женщин. Режут баранов, крупный рогатый скот. Подают на стол вареное мясо, бульон с мясом, пасту, соус (щипс) с чесноком, сыр, калмыцкий чай, лимонад, жареные лепешки (гадык-эрыпщ).


Через неделю после похорон раздают одежду покойного – на память о нем. В 40-й день отдают близким вещи покойного (например, кинжал, если умер мужчина, ножницы – если умерла женщина).


В течение 40 дней каждый вечер раздают в своем квартале (в первую очередь детям, старикам, больным) жареные лепешки и конфеты (это называется жъарымэ). После 40-го дня продолжают раздавать подобное угощение (до 50-го дня обязательно, а далее по желанию) лишь в четверг вечером (марем пщыхъащхъэ). Это время считается предназначенным для раздачи поминального угощения независимо от того, как давно умер член семьи. Кроме того, чтобы покойному было хорошо (псапа), в четверг вечером дают молоко тем соседям, у которых нет коровы, можно давать жареные лепешки, конфеты, овощи и др.


Старинные надмогильные памятники у кабардинского селения Курп

В 40-й день режут быка или несколько баранов, раздают близким, родственникам, соседям мясо, круто сваренную пшенную кашу (паста), жареные лепешки и др. Угощают только тех, кто помогает готовить: подают на стол бульон, мясо, подливку, колбасу из печени с чесноком, луком и красным перцем (тхъэмщ-ыгъуныбэ) и др.
На поминки в 50-й день раздают жареные лепешки и конфеты. В этот день в дом умершего приходят только самые близкие родственники, для угощения которых режут кур. В первой половине дня (с 10 до 14 час.) в отдельной комнате несколько человек читают молитвы. После этого их угощают и дают угощение с собой.
На годовщину смерти устраивают раздачу продуктов и угощение, как в день похорон (один стол устраивают для взрослых, другой – для детей). Дети приходят с родителями или самостоятельно. В этот день режут двух быков, несколько баранов, 20–25 кур. В отдельных семьях в течение многих лет в день смерти человека (особенно молодого, безвременно погибшего) готовят поминальное угощение и раздают его соседям (кур, конфеты, жареные лепешки, лимонад и др.).
Временный памятник (с указанием имени, дат жизни) ставят на могиле в день похорон; окончательно же памятник устанавливают обычно на 40-й день. Сейчас нередко на памятнике помещают и фотографию (у стариков на могилах памятники не имеют фотографий).


Мужское (слева) и женское (справа) захоронения 1960-х годов

Расходы на похороны и поминки составляют около 2,5–3 тыс. руб. Считается, что все деньги, принесенные в семью, обязательно должны быть потрачены на покойного.
В конце 1980-х годов практически повсеместно отмечалось оживление религиозной жизни, стремление вернуться к истокам народных традиций. Более доступным и привлекательным стало религиозное образование. Новые, образованные священнослужители, в отличие от прежних, «доморощенных», зачастую усматривали в бытовавших обрядах нарушение строгих, истинно правоверных канонов. Но, как правило, эти требования (уменьшить пышность поминок, сократить суммы, выделяемые для проведения обряда выкупа грехов умершего и т.д.) не исполнялись, поскольку общественное мнение было на стороне освященных временем традиций.
Однако материалы последних лет показывают, что тенденции изменения похоронной обрядности во многих регионах Северного Кавказа оказались стойкими: некоторые из обрядов были практически отменены или существуют в сильно модифицированном виде (деур и др.), сократилось число поминальных дней и формы их проведения и т.д. Насущным становится исследование современного состояния этой сферы семейной обрядности, и представленные в данной статье материалы помогут проследить происходящие в ней изменения.

]]>
24 строчки Александра ОдоевскогоПоэт и декабрист, драгун и разжалованный солдат — эта фигура литературной России пушкинских времен весьма любопытна, хотя и почти позабыта сегодня.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/69915/24-strochki-aleksandra-odoevskogoMon, 07 Dec 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

24 строчки Александра Одоевского

ЛитератураПубликации раздела Литература

Поэт и декабрист, драгун и разжалованный солдат — эта фигура литературной России пушкинских времен весьма любопытна, хотя и почти позабыта сегодня. Вспоминаем вместе с Софьей Багдасаровой.


Александр Одоевский. Акварель Н. Бестужева. 1833

Кто такой Одоевский


В день декабрьского восстания 1825 года это был молодой офицер из княжеского рода Рюриковичей, сын генерала — героя войны 1812 года. Красивый и богатый, талантливый и холостой, со звонким детским смехом и живой речью, постоянно бодрый и веселый. Основной чертой его характера была жизнерадостность.


В тайное общество он попал через дружбу с Рылеевым и Бестужевым. В роковой день заговора, как выяснило следствие, ничего такого Одоевский не сделал, потому что находился в состоянии умственного смятения.


На допросах бедный 22-летний юноша показывал (впрочем, не совсем искренно, но очень испуганно), что членом тайного общества себя не считал, полагая всю эту историю шалостью и ребячеством. В крепости он сходил с ума.


«Он бегал, как запертый львенок в своей клетке, скакал через кровать или стул, говорил громко стихи и пел романсы. <...> Этот-то пыл физической деятельности и был причиною, что даже терпение брата Николая разбилось при попытках передать ему нашу азбуку. Едва брат начинал стучать ему азбуку, он тотчас отвечал таким неистовым набатом, колотя руками и ногами в стену, что брат в страхе отскакивал, чтоб не обнаружить нашего намерения».

М.А. Бестужев


Приговор был не слишком суровым — ему дали восемь лет каторги с последующим поселением в Сибири. На каторге и поселении он пробыл с 1827 по 1837 год. Потом по приказу царя поселение заменили службой на Кавказском фронте рядовым.


Его сослуживцами оказались Лермонтов и Лев Пушкин, прочитавший ему на память все стихи старшего брата. Умер он в 36-летнем возрасте от малярийной лихорадки в форте Лазаревском (в районе современного Сочи), могилу его вскоре разорили горцы, взявшие форт. Лермонтов посвятил его памяти трогательное стихотворение, где называл его «мой милый Саша!».



За что его помнят


В советское время, когда из образа декабристов был сделан культ, в честь него любили называть улицы: еще бы, один из блестящей плеяды поэтов-мучеников царского режима! Пожалуй, самая запоминающаяся строчка Одоевского — из его стихотворного ответа на послание А.С. Пушкина «Во глубине сибирских руд»:


Наш скорбный труд не пропадет,
Из искры возгорится пламя,
И просвещенный наш народ
Сберется под святое знамя.


В наши дни об этом поэте потихоньку забывают. Поразительно, но современники Одоевского тоже практически не знали, что он поэт. До декабрьского восстания он успел напечатать только две критические статьи, при его жизни в прессе появилось только одно стихотворение — «Сен-Бернар», и то без ведома автора. Только почти полвека спустя после смерти Одоевского, в 1883 году, декабрист барон Розен впервые собрал стихотворения своего покойного друга и напечатал их отдельной книгой.


Тогда критики, например Нестор Котляревский, писали, что, если б эти стихи были напечатаны в свое время, они бы заняли законное место в ряду тех искренних и неэффектных лирических стихотворений, какие писали другие авторы пушкинской эпохи.



Одоевский как ребус


Но самое любопытное в фигуре Одоевского — это запутанность наследия. Он не только почти не оставил напечатанных текстов — от него не осталось и автографов. Нашли только 24 строчки в паре писем да одно позднее стихотворение.


Александр Одоевский. 1824

Принципом Одоевского было отрицание самолюбия. Он никогда не записывал своих стихотворений — сочинял их наизусть и читал вслух друзьям, прекрасно импровизируя. Одоевский был как Гомер: признавал только устное творчество. Почти все сохранившиеся стихи Одоевского, кроме упомянутых выше автографов, были запомнены и записаны его друзьями (в том числе декабристами М.А. Бестужевым, П.А. Мухановым, И.И. Пущиным).


Розен попал на Кавказ в том же 1837 году и, наткнувшись на мечтательного поэта в Пятигорске, заставил его прочитать имевшиеся списки стихов и поправить в них ошибки. И даже в этом случае в его издание 1883 года попало множество непроверенных стихотворений из других источников. Поэтому советские литературоведы со временем отклонили авторство Одоевского у многих из них.



Что читать у Одоевского


Как бы ни хвалили критики 1880-х годов после выхода сборника Одоевского — этого вновь нашедшегося поэта золотого века русской литературы, великим современникам он, разумеется, уступает. Однако лучшие его произведения достаточно любопытны («Как я давно поэзию оставил», «Как недвижимы волны гор», «Тебя уж нет»).


Сосланный Одоевский называл свои стихи «песнями из гроба». Поражает его дума «Бал мертвецов», которую он сочинил, когда карету с арестантами провозили из крепости в ссылку мимо великолепно освещенного дворца Кочубеев, где веселилось все светское общество.


А в большой и в целом скучноватой поэме «Василько», которая посвящена ослеплению древнерусского князя, но написана под влиянием западноевропейского романтизма и похожа на рифмованного Вальтера Скотта, есть эффектная мистическая сцена. Главный злодей спускается в пещеру и общается с волхвами и ведьмами.


Хор жрецов


Грудных младенцев, непричастных
Греху отцов,
Несите, ведьмы и русалки,
Пред лик богов!
Мы на костре сожжем начатки
От их волос.
Чтоб сын славян богам славянским
Во славу рос.


Три ведьмы


Мы змеею зашипели
И как вихорь понеслись;
С визгом в теремы влетели
И детей из колыбели
Мы схватили и взвились
.

]]>
Мама «Гардемаринов»Творческая биография актрисы и режиссера Светланы Дружининой.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/74002/mama-gardemarinovWed, 16 Dec 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Мама «Гардемаринов»

КиноПубликации раздела Кино

Цирк, балет, кинематограф — во всех этих видах искусств попробовала себя Светлана Дружинина. Кино оказалось самым верным спутником ее жизни: она начинала как актриса, но, сняв несколько картин, полностью переключилась на режиссуру.


Светлана Дружинина. Фотография А.Филиппова / ИТАР-ТАСС

Началось все с цирка. В десятилетнем возрасте Светлана Дружинина поступила в цирковое училище и целый год занималась в группе цирковых акробатов. Но цирковая жизнь — кочевая, и ее невозможно было совмещать с учебой, поэтому с цирком пришлось проститься. Потом, через много лет, Дружинина отдаст дань своему первому увлечению и снимет фильм «Принцесса цирка» по оперетте Имре Кальмана.


А на подходе был балет. Светлана Сергеевна окончила хореографическое училище Государственного академического Большого театра. «Лет до пятнадцати мы всяких блошек-мошек-таракашек в спектаклях Большого изображали, — вспоминает Светлана Дружинина. — А последние три года мы с моими одноклассниками танцевали в операх дивертисменты. В каком-то спектакле увидела меня руководитель ансамбля «Березка» Надежда Надеждина и принялась активно сватать в свой коллектив. Но тут я на репетиции «Щелкунчика» разбила локоть о металлическое крепление станка, и рука у меня повисла — образовалась гематома. Но, к счастью, в моей жизни возник кинематограф. Довелось стать кинозвездой».


В кино она попала благодаря телевидению. Вела детские передачи, была ведущей первых выпусков КВН. Красивую девушку увидел как-то на телеэкране режиссер Самсон Самсонов, который как раз собирался снимать фильм «За витриной универмага». Дружинину пригласили на роль продавщицы Сони Божко. После съемок она решила овладеть актерской профессией по-настоящему и поступила во ВГИК, попутно продолжая сниматься в кино; в те годы как раз вышел знаменитый фильм «Дело было в Пенькове», где Светлана Дружинина сыграла Ларису. Но самая известная ее роль — это, конечно же, Анфиса из легендарной картины «Девчата».



Затем актриса вернулась в родной ВГИК в качестве студентки во второй раз и окончила режиссерский факультет. Свою первую картину «Исполнение желаний» сняла в 1974 году. Потом были музыкальные, костюмные «Дульсинея Тобосская», «Сватовство гусара», «Принцесса цирка». А в 1987 году вышли знаменитые «Гардемарины, вперед!», которые просто взорвали советский телеэфир. Вся страна с неподдельным интересом следила за приключениями друзей-гардемаринов, девушки поголовно влюблялись в героев Дмитрия Харатьяна, Сергея Жигунова и Владимира Шевелькова, а мужчины млели от красавицы Анастасии Ягужинской в исполнении актрисы Татьяны Лютаевой.


К теме гардемаринов Светлана Дружинина возвращалась еще два раза, сняв «Виват, гардемарины!» и «Гардемарины-3». А недавно Светлана Сергеевна заявила о том, что готова приступить к четвертой части гардемаринской саги. И в главной роли мы снова увидим Дмитрия Харатьяна.


Самый масштабный проект Светланы Дружининой — киносериал «Тайны дворцовых переворотов». Над ним она работает с 1994 года, знакомя зрителей с бытом, нравами и секретами российских царедворцев. В картинах (а их на сегодняшний день уже девять) снялись практически все звезды отечественного кинематографа — Николай Караченцов, Сергей Шакуров, Дмитрий Харатьян, Алексей Жарков, Людмила Зайцева, Нина Русланова, Владимир Ильин и многие-многие другие.


«Режиссура — это не просто профессия, а, скорее, образ и способ жизни», — говорит Светлана Дружинина. Без любимой работы Светлана Сергеевна себя не мыслит. И поэтому совсем скоро начнутся съемки ее нового фильма «Гардемарины 1787». События в картине будут разворачиваться во время Русско-турецкой войны 1787–1791 годов. В центре сюжета — Кинбурнская битва с участием полководца Александра Суворова, произошедшая в 1787 году.


]]>
Именной гвоздьПраздник кузнечного дела пройдет в Кижах. Каждый желающий сможет научиться у мастеров выковать кочергу, подкову или ухват.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/52035/imennoi-gvozdMon, 17 Aug 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Именной гвоздь

НовостиТрадиции

Праздник кузнечного дела пройдет в Кижах. Каждый желающий сможет научиться у мастеров выковать кочергу, подкову или ухват.


Именной гвоздь для реставрации Преображенской церкви может выковать каждый участник фестиваля кузнецов в Карелии. Хоть и построены знаменитые Кижи, по преданию, без единого гвоздя, но это лишь сам сруб.


Для закрепления деревянной «черепицы» – лемеха – без гвоздей не обойтись. Так что кузнецы в Кижском музее-заповеднике принимают самое активное участие в восстановлении и сохранении уникальных построек. И фестиваль решили провести с пользой для общего дела. На каждом персональном гвозде поставят клеймо мастера и передадут в Плотницкий центр музея. А фотографии работ разместят на сайте заповедника.


Помогать начинающим кузнецам будут мастера из Петрозаводска, Сортавалы и Москвы. Главная задача праздника – предоставить каждому желающему возможность внести свой вклад в историю острова, принять личное участие в сохранении памятников архитектуры. Для обучения предусмотрены мастер-классы не только по основам кузнечного мастерства, но и по другим традиционным ремеслам. В качестве наставников выступят сотрудники музея «Кижи», мастера культурного центра «Арт-слобода» и Центра традиционных ремесел.



Фестиваль кузнечного дела в Кижах проводится впервые. Смотр профессионального мастерства совпал с Преображением Господним – престольным праздником Спасо-Преображенского храма и Днем Кижской волости. На острове в эти дни соберутся потомки старинных родов Заонежья, жители окрестных деревень, туристы. По традиции пройдет большая праздничная программа на южном конце острова, у дома крестьянина Сергеева: ярмарка «Дары Кижской земли», концерты фольклорно-этнографического ансамбля музея-заповедника, мужского хора Кижского прихода.



Еще одна традиция Дня Кижской волости – дегустация травяного чая, который готовят из собранных на острове трав сотрудники отдела сохранения природного наследия. А конкурс национальной кухни «Ретро-блюдо» пройдет впервые. Участники должны приготовить блюда по семейным рецептам, унаследованным от старшего поколения и непременно с соблюдением национальных кулинарных традиций Заонежья.

Музей-заповедник «Кижи»

Соловецкий музей-заповедник


Детская программа Дней Кижской волости получила название «Кижи-Соловки. Два острова – два памятника ЮНЕСКО». В этом году в Летней музейной школе отдыхают соловецкие дети. И гости, и кижские ребята смогут принять участие в познавательной эстафете и конкурсе рисунков – впечатлений о своем лете в уникальных заповедных местах.


Благодарим Государственный историко-архитектурный и этнографический музей-заповедник «Кижи» за предоставленные фотографии.

]]>
Золотые сезоны Большого театраИстория Большого театра, самые известные балерины, оперные исполнители и громкие постановки.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/52210/zolotye-sezony-bolshogo-teatraFri, 11 Sep 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Золотые сезоны Большого театра

Спецпроекты

История Большого театра, самые известные балерины, оперные исполнители и громкие постановки — в материале портала «Культура.РФ».


]]>
«Мы идем смотреть «Чапаева»!»История легендарного фильма.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/56142/my-idem-smotret-chapaevaSat, 15 Oct 2016 16:43:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«Мы идем смотреть «Чапаева»!»

КиноПубликации раздела Кино

Есть в богатой истории советского кино знаковые фильмы, фильмы-легенды. Эти картины давно уже вышли за рамки лишь кинематографического произведения и превратились в культурное явление отдельного порядка, стали символами определенного времени и конкретного периода развития отечественного кино. К таким фильмам, несомненно, относится «Чапаев», премьера которого состоялась 5 ноября 1934 года в ленинградском кинотеатре «Титан».



Картину сняли режиссеры братья Васильевы. На самом-то деле Сергей Васильев и Георгий Васильев братьями не являлись — они были однофамильцами. Но можно не быть родственниками по крови, но абсолютно близкими людьми по духу и мировосприятию, поэтому свои совместные картины (а их у Васильевых восемь) они подписывали именно так.


Музей В.И. Чапаева

Дом-музей В.И. Чапаева в г. Балаково

Дом-музей 25-й Чапаевской дивизии

Герой картины — легендарный красный командир, участник Первой мировой и Гражданской войн Василий Иванович Чапаев. Вместе с ним воевал Дмитрий Фурманов, который впоследствии написал роман «Чапаев». Этот роман и был взят за основу сценария фильма. Кроме того, работая над картиной, режиссеры использовали дневники Фурманова и воспоминания его жены Анны Фурмановой. Кстати, в честь нее героиня фильма, сражавшаяся бок о бок с Чапаевым и Петькой, и была названа Анкой — это та самая легендарная Анка-пулеметчица. Но вообще, братья Васильевы крайне серьезно углубились в тему: помимо этих источников, они скрупулезно изучали военные документы, историческую и мемуарную литературу, много времени провели в архивах и Музее Красной армии. К тому же режиссеры сами были участниками Гражданской войны, поэтому все эти реалии были им хорошо знакомы.


И тем не менее фильм «Чапаев» — это отнюдь не биографическое кино. Да, режиссеры были точны во многих деталях, но они творили скорее миф о Чапаеве, а не пытались досконально рассказать его подлинную историю. По их собственным словам, «стремясь разрешить проблему создания положительного образа в советском фильме, мы хотим волновать зрительный зал, мы хотим, чтобы наш зритель любил наших героев и ненавидел наших врагов». (С. и Г. Васильевы, «Чапаев». «Известия», 1934, 29 ноября).


В стремлении взволновать зрителей своей картиной братья Васильевы достигли подлинного совершенства. И это стало ясно уже на премьере «Чапаева» 5 ноября 1934 года в ленинградском «Титане». Первые зрители смотрели фильм с напряженным вниманием. Когда картина закончилась, притихшие люди не вставали с места, они были оглушены, поражены, а гибель героя в финале восприняли как личное горе. Директору кинотеатра даже пришлось подняться на сцену и сказать, что сеанс окончен, а затем предъявить публике «живого Чапаева» — актера Бориса Бабочкина, сыгравшего эту роль. Стоит ли говорить, что его зрители встретили громом аплодисментов.


«Образ Чапаева существовал во мне уже совершенно независимо от моего желания или нежелания. Он появился на свет и зажил своей самовольной, самостоятельной жизнью и уже не подчинялся ни режиссерам, ни консультантам, ни даже мне самому»

Борис Бабочкин


А дальше слава «Чапаева» стала расти как снежный ком. Вот что писала газета «Правда» 22 ноября 1934 года: «Главное управление кинофотопромышленности сообщает нам о мерах, принятых для того, чтобы «Чапаева» посмотрела вся страна. Ленинградская фабрика массовой печати фильмов круглые сутки в три смены размножает только «Чапаева». Прошло 15 дней с тех пор, как «Чапаев» впервые появился на экране. За этот короткий срок картину смотрело свыше двух миллионов зрителей».


Желающих посмотреть фильм было столько, что в некоторых городах сеансы шли круглосуточно. В кино отправлялись целыми колхозами, заводами, школами, другими учреждениями. Шли как на праздник, с транспарантами «Мы идем смотреть «Чапаева»!». И разумеется, смотрели картину не по одному разу. И каждый раз с замиранием сердца ждали финал — а вдруг Чапаев все-таки не утонет в водах реки Урал, а выживет?!


Причину всенародной любви к герою киновед Сергей Добротворский объяснял тем, что он был «немножко Робин Гуд, немножко большевик, а в целом — тот самый лубочный солдат, который и шилом брился, и кашу из сапога варил, а потом с шашкой наголо повел свое войско к лучшей жизни» (С. Добротворский, «Чапаев». «Сеанс», № 8, 1993). Что и говорить, это был действительно самый настоящий герой, именно такой, какого зритель ждал и хотел видеть на экране. А еще главные персонажи картины — Василий Иванович, Петька и Анка — стали героями многочисленных анекдотов, что свидетельствует об огромной народной любви и популярности.


Фильм был отмечен различными наградами — как в СССР, так и за рубежом. Картина была закуплена для проката во многих странах. А сам Чапаев как киногерой еще появлялся в киносборниках во время Великой Отечественной войны. Например, в сюжете агитационного фильма «Чапаев с нами» Василий Иванович переплывает-таки реку, а на другом берегу его ждут советские солдаты. С ними вместе он идет воевать с фашистами. Для тех солдатиков, смотревших этот фильм перед боями и знавших наизусть с детства «Чапаева» братьев Васильевых, наверное, было крайне важно, что их любимый герой с ними и они обязательно победят.

]]>
«Главный баснописец своей земли»Биография Ивана Андреевича Крылова.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/85781/glavnyi-basnopisec-svoei-zemliMon, 10 Oct 2016 20:05:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«Главный баснописец своей земли»

ЛитератураПубликации раздела Литература

«Конечно, ни один француз не осмелится кого бы то ни было поставить выше Лафонтена, но мы, кажется, можем предпочитать ему Крылова. Оба они вечно останутся любимцами своих единоземцев» (Александр Пушкин).



Иван Андреевич Крылов родился в Москве в 1769 году, но еще ребенком покинул Первопрестольную. Во времена пугачевщины его отец, Андрей Прохорович Крылов, служил комендантом Яицкой крепости. Спасаясь от бунтовщиков, мальчик вместе с матерью выехал в Оренбург, однако город вскоре был осажден. Воспоминания баснописца об этих страшных событиях остались в записках Пушкина:


«На их двор упало несколько ядер, он помнит голод и то, что за куль муки заплачено было его матерью (и то тихонько) 25 р.! Так как чин капитана в Яицкой крепости был заметен, то найдено было в бумагах Пугачева в расписании, кого на какой улице повесить, и имя Крыловой с ее сыном».


Когда Андрей Прохорович вышел в отставку, семья переехала в Тверь, где Крылова-старшего назначили председателем магистрата. Спокойная жизнь длилась недолго, после смерти отца семья оказывается в тяжелом положении. Бедность не позволила Ивану Андреевичу получить полноценное образование, и грамоту он постигал по отцовским книгам, а французский язык — благодаря занятиям в семьях состоятельных соседей.


Первая известная нам проба пера состоялась в 1784 году. Тогда Крылов написал оперное либретто «Кофейница». Далее были трагедии «Клеопатра» и «Филомела», мало чем отличавшиеся от других «классических» трагедий той эпохи, а также комическая опера «Бешеная семья».


Орел и Паук. Гравюра Кулыбина с рисунка И. Иванова
(по эскизу А. Оленина) к «Басням» И. Крылова. 1815

В 1787–1788 годах Крылов пишет едкую комедию «Проказники», где высмеивает и знаменитого драматурга того времени Якова Княжина (Рифмокрад), его жену, дочь Сумарокова, Екатерину Александровну (Таратора), а также поэта-архаиста Петра Карабанова (Тянислов).


Сатирический дар автора развивается, и в 1789 году Крылов выпускает журнал «Почта духов», составленный как переписка гномов с волшебником Маликульмульком. Автор жестко критикует общественные пороки, но прикрывает эту критику фантастическим сюжетом. Журнал просуществовал всего восемь месяцев, а спустя несколько лет ему на смену пришел «Зритель» (позже переименованный в «Санкт-Петербургский Меркурий»).


«Зритель» оказался одним из самых сильных оппонентов «Московского журнала», редактируемого Николаем Карамзиным. Именно здесь были опубликованы «Ода на заключение мира со Швецией», памфлеты «Похвальная речь в память моему дедушке», «Речь, говоренная повесою в собрании дураков», «Мысли философа по моде» и наиболее крупные пьесы Крылова. Едкая сатира «Зрителя» («Меркурия») не нравилась ни власти, ни высшим кругам общества, этот журнал тоже просуществовал недолго и закрылся уже через год, после чего автор пропал из литературных кругов.


В личной жизни Крылова есть несколько «темных» периодов. Так, биографам до сих пор точно неизвестно, чем он занимался с 1794 по 1796 год, а также с 1803 по 1805-й. Известно, что литератор увлекался карточной игрой, за что ему однажды даже запретили появляться в обеих столицах.


Некоторое время Иван Крылов служил в имении Зубриловка князя Сергея Федоровича Голицына в качестве секретаря и воспитателя его детей. Там была написана шуточная трагедия «Подщипа», напечатанная сначала за границей. Воспоминания о пребывании Крылова в Зубриловке сохранились в мемуарах Филиппа Вигеля.


«Он находился у нас в качестве приятного собеседника и весьма умного человека, а о сочинениях его никто, даже он сам, никогда не говорил. Мне это доселе еще непонятно. Оттого ли сие происходило, что он не был иностранный писатель? Оттого ли, что в это время у нас дорожили одною только воинскою славой? Как бы то ни было, но я не подозревал, что каждый день вижу человека, коего творения печатаются, играются на сцене и читаются всеми просвещенными людьми в России; если бы знал это, то, конечно, смотрел бы на него совсем иными глазами».

Мемуарист Филипп Вигель


Современники говорили об Иване Андреевиче Крылове как о человеке, наделенном множеством талантов. Тот же Вигель называл его и поэтом, и хорошим музыкантом, и математиком. Крылов не переставал учиться даже в очень преклонном возрасте, когда освоил древнегреческий язык. В творчестве же, пройдя разные этапы литературной работы, он нашел свое призвание лишь в 36 лет.


В 1805 году Крылов показал Ивану Ивановичу Дмитриеву, известному баснописцу той эпохи, свои переводы двух басен Лафонтена. Дмитриев даже обрадовался появлению конкурента, сказав, что тот наконец-то нашел «истинный род» занятий.


Начинал Иван Андреевич действительно лишь с переводов, однако позже появились и тексты на оригинальные сюжеты. Всего он написал 236 басен, которые вошли в девять пожизненных сборников. Предметом сатиры его текстов были и политические события («Волк на псарне», «Обоз», «Ворона и Курица» — о войне с Наполеоном), и разлагающиеся «устои» общественной жизни («Водолазы», «Сочинитель и Разбойник»). Крылов смеялся над чванством («Гуси»), над увлечением иностранцами («Обезьяны»), над уродливым воспитанием («Воспитание Льва»), мотовством, непрактичностью и многим другим.


Однако, несмотря на жгучую сатиру его басен, именно он оказался едва ли не самым любимым автором своего времени. Ему удалось избежать опалы сразу при трех самодержцах, в эпоху правления которых он жил, и удивить весь Петербург празднованием 50-летнего юбилея писательской деятельности.


Умер Иван Андреевич 21 ноября 1844 года, в день похорон друзья и знакомые получили по экземпляру изданных им басен. На траурно-черной обложке было написано: «Приношение на память об Иване Андреевиче, по его желанию».


«Его никто не назовет лучшим, первейшим нашим поэтом; но, конечно, он долго останется известнейшим, любимейшим из них».

Мемуарист Филипп Вигель


Фронтиспис и титульный лист к «Басням» И. Крылова. Гравюра М. Иванова с рисунка И. Иванова. 1815
]]>
Скромная звездаКинокарьера Евгения Стеблова.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/69847/skromnaya-zvezdaMon, 07 Dec 2015 17:07:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Скромная звезда

КиноПубликации раздела Кино

«Свет, ты меня любишь? Что «да»? «Да» — да, или «да» — нет?» — вопрошает робкий, трогательный юноша в фильме «Я шагаю по Москве». С роли Саши Шаталова в легендарной картине Георгия Данелии началась кинокарьера Евгения Стеблова. И зрители сразу полюбили и его героя — милого и немного непутевого, и самого актера — такого искреннего и романтичного.



Евгений Стеблов родился в Москве. Окончил Театральное училище имени Щукина. Служил в Московском театре имени Ленинского комсомола (ныне Ленком), в Центральном академическом театре Советской армии, с 1969 года — актер Театра имени Моссовета. Его партнерами по сцене были великие Фаина Раневская, Ростислав Плятт, Любовь Орлова, Вера Марецкая — столпы, легенды Театра имени Моссовета. «Из-за этого прежде всего я и поступил в этот театр, — рассказывал актер. — Я всегда с благоговением относился к мастерам старшего поколения. И это не мешало мне играть вместе с ними, я имел счастье с великими партнерствовать в спектаклях, и у меня никогда не возникало с ними конфликтов, поскольку на сцене мы были в равном положении».


Но к тому времени, как Стеблов пришел служить в этот театр, он и сам уже был достаточно знаменит, и все благодаря «Я шагаю по Москве». Впрочем, к своей популярности актер относится спокойно. «Когда мы с Никитой Михалковым снялись в фильме «Я шагаю по Москве», то, выражаясь современным языком, мы стали суперзвездами, — говорит Евгений Юрьевич. — Но слово «звезда» для нас тогда казалось неприличным. Мы хотели быть мастерами, актерами с большой буквы. Звезда — это констатация славы. Но звездность ничего не говорит о качестве дарования. Талант — это дар Божий, а звездность — немного другое. Прославленным может быть и совершенно бездарный человек, а талантливый никому не известен».



Это правда, звездной болезнью Евгений Стеблов не страдал и не страдает ни в коей мере. Да и когда? После успешного кинодебюта режиссеры обратили внимание на талантливого актера, и практически каждый год зрители имели возможность видеть новую киноработу Стеблова. Неоднократно еще раз встречался он на съемочной площадке со своим другом Никитой Михалковым. Снимался в его картинах — «Раба любви», «Несколько дней из жизни И.И. Обломова»«, «Сибирский цирюльник». Иногда просто были коллегами по съемочной площадке, как, например, в знаменитой «Собаке Баскервилей», где Никита Михалков предстает в образе сэра Генри, а Евгений Стеблов играет опекающего его доктора Мортимера.


Евгений Стеблов не только прекрасный лирический герой, но и замечательный комический актер. Стоит вспомнить его Игоря в комедийной мелодраме Алексея Коренева «По семейным обстоятельствам» или же режиссера областного театра Сан Саныча в «Дне выборов» — совершенно грандиозный по силе комизма персонаж.


А еще Евгения Юрьевича можно с полным правом назвать и литератором: на его счету уже несколько книг. Его первая повесть «Возвращение к ненаписанному» была напечатана в 1983 году в журнале «Октябрь», в 1997 году появилась книга «Не я», а в 1999 году — «Против кого дружите?». «Я пишу по возможности, урывками, — признается актер. — С одной стороны, пишу профессионально и увлеченно, но это не предмет моего заработка, и издатель не стоит у меня над душой. Так что могу позволить себе работать над книгой долго и тщательно, все детально обдумать, самому еще раз пережить эти события». В 2013 году появилась новая повесть Евгения Стеблова «После», посвященная его покойной жене Татьяне, их любви.


Сейчас в кино Евгения Стеблова можно видеть не так часто. Актер продолжает служить в театре, преподает в РАТИ, занимается и общественной работой в Союзе театральных деятелей.

]]>
И театралам, и киноманамДраматические произведения, получившие блестящую экранную интерпретацию.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/55498/i-teatralam-i-kinomanamThu, 24 Dec 2015 17:11:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

И театралам, и киноманам

ТеатрыПубликации раздела Театры

Бывает, мы придирчиво судим экранизацию пьесы: возможности кино ведь могут существенно изменить произведение, написанное для сцены.



Но если окинуть ретроспективным взором весь исторический период сосуществования кино и театра, можно насчитать немало драматических произведений, получивших интересную, а порой и блестящую экранную интерпретацию.


«Сослуживцы» и «Служебный роман»


Всего лишь за 22 дня написали пьесу «Сослуживцы» Эльдар Рязанов и его верный соратник, драматург Эмиль Брагинский. История неожиданного и увенчавшегося успехом романа Анатолия Ефремовича Новосельцева с директрисой Калугиной была невероятно востребована театрами.



Первые спектакли появились в 1971 году — в ленинградском Театре комедии им. Акимова (там Новосельцева и Калугину сыграли замечательные актеры Петр Вельяминов и Ольга Волкова) и в Московском театре им. Маяковского (тут главные партии достались Борису Левинсону и Галине Анисимовой). В течение последующих нескольких лет «Сослуживцев» поставили в 134 театрах СССР!


В 1977-м Рязанов снял по пьесе фильм «Служебный роман», роли в котором принесли еще большую популярность Андрею Мягкову (Новосельцев), Алисе Фрейндлих (Калугина), Лии Ахеджаковой (секретарь Вера), Олегу Басилашвили (Самохвалов). «Служебный роман» стал одним из самых кассовых фильмов в советском прокате и до сих пор не сходит с наших телеэкранов.


«Ва-банк» и «Последняя жертва»


Поздняя невеселая комедия Островского «Последняя жертва» — не самая востребованная из его пьес. Тем не менее она имеет солидную сценическую судьбу. Конечно, основные дореволюционные постановки «Последней жертвы» осуществились на подмостках «дома Островского» — Малого театра.



В 1944-м Николай Хмелёв поставил «Последнюю жертву» во МХАТе (Юлию Тугину в нем играла Алла Тарасова, а Прибыткова — Иван Москвин). Яркий актерский состав собрался в «Последней жертве» на сцене Театра им. Моссовета в постановке Юрия Завадского в 1973 году: Тугина — Валентина Талызина, Прибытков — Леонид Марков, Дульчин — Геннадий Бортников. Через пару лет кинорежиссер Петр Тодоровский снял фильм «Последняя жертва», с Маргаритой Володиной в главной роли. А Флора Федулыча Прибыткова интересно и необычно сыграл Михаил Глузский.


Вообще, этому герою — степенному благородному купцу — везет на исполнителей. В спектакле МХТ, который поставил Юрий Ерёмин, его сыграл «хозяин» театра Олег Павлович Табаков. А на сцене «Ленкома» Прибыткова играет Александр Збруев. Этот спектакль, кстати, называется «Ва-банк» — тема гибельной страсти к картам в нем выделена особо.


«Вечно живые» и «Летят журавли»


Казалось бы, слава фильма «Летят журавли» способна затмить успех первоисточника — пьесы Виктора Розова «Вечно живые». Но, как ни странно, фильм живет своей жизнью, а пьеса и память о ее постановках — своей.



На самом деле первый успех пришел к творению Розова именно в театре. В 1956 году спектаклем «Вечно живые» открылся в Москве театр «Современник». Тогда главные роли в нем играли Светлана Мизери (Вероника), Олег Ефремов (Борис). В начале семидесятых в «Современнике» возобновили спектакль «Вечно живые». Мы предлагаем вашему вниманию именно вторую редакцию постановки, где Бориса и Веронику сыграли звезды театра нового поколения — Олег Даль и Марина Неёлова.


«Зори здесь тихие...» и «…А зори здесь тихие»



Повесть Бориса Васильева про группу зенитчиц во главе со старшиной Васковым, опубликованная в 1969 году, до сих пор является крайне популярной основой для спектаклей. Объясняется это, кстати, не только ее непреходящими художественными достоинствами, но и практическим обстоятельством: где еще найдешь произведение с таким роскошным набором разноплановых ролей для нескольких молодых актрис?!


В 1971 году Юрий Любимов в Театре на Таганке выпустил спектакль «А зори здесь тихие», который положил начало длинной и до сих пор не оконченной сценической эпопеи повести. Через год повесть Васильева была экранизирована. Фильм Станислава Ростоцкого «…А зори здесь тихие» сразу завоевал популярность и сделал звездами молодых актрис, исполнительниц роли доблестных зенитчиц: Ольгу Остроумову, Ирину Шевчук, Елену Драпеко. В 2015-м по повести Бориса Васильева снял фильм Ренат Давлетьяров. Самой же оригинальной интерпретацией произведения писателя стала в нашей коллекции опера Кирилла Молчанова «А зори здесь тихие», поставленная в Большом театре.



«Бесприданница» и «Жестокий романс»


Как у каждого поколения свой Гамлет, так, наверное, и своя Лариса Огудалова, свой Сергей Сергеевич Паратов. «Бесприданницу» ставили и ставят много.



В 2014-м режиссер Лев Эренбург сделал по этой пьесе А.Н. Островского спектакль в Театре им. Маяковского, где Ларису сыграла Полина Лазарева (представительница третьего поколения замечательной театральной династии Лазаревых–Немоляевых). Один критик назвал спектакль Эренбурга «жестоким анекдотом о женской доле». Другой написал: «Лариса в исполнении молодой актрисы Полины Лазаревой не собирается быть просто чьей-то добычей. Ее выбор — это ее суд над каждым из них. И за право вынести свой приговор она готова заплатить жизнью» (Елена Груева, Time Out).


Согласитесь, совсем другой была героиня Ларисы Гузеевой в фильме Эльдара Рязанова «Жестокий романс». Мягкая, жертвенная, она таяла в лучах внимания обольстительного Паратова–Михалкова. Критики предъявляли той экранизации серьезные претензии, но зрители приняли и полюбили рязановский вариант «Бесприданницы» навсегда.

]]>
Самый желанный фильмПобедитель зрительского голосования в социальных сетях - фильм Михаила Калатозова «Летят журавли».http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/50962/samyi-zhelannyi-filmFri, 08 May 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Самый желанный фильм

КиноПубликации раздела Кино

Одна из первых картин советской «новой волны». Лента режиссера Михаила Калатозова и оператора Сергея Урусевского в корне изменила привычные представления о возможностях кинематографа. Фильм признан шедевром, включен в киноантологии, эпизоды, ставшие хрестоматийными, тщательно разбираются в учебниках по киноискусству. Наряду с картинами Эйзенштейна и Тарковского, лента Калатозова «Летят журавли» – символ русского кино.



История длиной в десятилетие


Пьеса Виктора Розова «Вечно живые», по которой был снят «Летят журавли», пролежала «в столе» почти тринадцать лет: написана в 1944-м, а опубликована только в 1957 году. Трудно сказать, что нашел склонный к романтической патетике режиссер в скромном бытовом сюжете Виктора Розова, однако, прочитав пьесу, Калатозов пришел к автору с предложением вместе написать сценарий, адаптировав историю для кино.


Сюжет пьесы постоянно менялся, обрастал новыми линиями и эпизодами. Появилась сцена бомбежки Москвы, гибель родителей Вероники, спасение героиней ребенка на мосту и смерть Бориса.


Изобретения оператора


Художник по образованию, Сергей Урусевский доказал, что с помощью кинокамеры можно передать самые глубокие душевные движения героев, что «и любовь, и ненависть, и радость можно выразить самим изображением в сочетании с движением, ритмом, светом и главное – внутренним ощущением, горением, творческой взволнованностью оператора-художника». Работа Урусевского над «Летят журавли» превзошла все ожидания. Ручная камера со сверхширокоугольным объективом 18 миллиметров в непрерывном движении создавала ощущение полета, отразившегося в названии.


«Летят журавли»

Почти для каждого значимого эпизода оператор создавал новые конструкции. Так, ставший классическим операторский прием – съемка на круговых рельсах – был придуман именно Урусевским для сцены гибели Бориса.


Алексей Баталов вспоминал, что оператор не прерывал съемки до тех пор, пока не находил решения для того или иного эпизода.


«Медленно, как-то особенно томительно идет время, и вот, когда уже всем передалось его волнение и необъяснимая мертвая пауза кажется бесконечной, откуда-то из угла, из-под вешалки вдруг звучит негромкий, взволнованно радостный голос Урусевского: «Ну давайте вот так попробуем разочек сделать… Так вроде ничего…» С этой секунды все оживает и идет с головокружительной быстротой».

Алексей Баталов


Тяжелые съемки


Работа над фильмом шла непросто, актеров преследовали неудачи. Сначала тяжело заболела Татьяна Самойлова, а затем пострадал и Алексей Баталов. В фильме есть эпизод, когда его герой дерется с солдатом, отпустившим шутку в адрес Вероники и всех ждущих невест. На съемках этой сцены Баталов упал в воду, из которой торчали обрубленные стволы и ветки. Актер сильно поранил лицо, пришлось наложить несколько швов. Как признался позже Алексей Владимирович, он тогда мысленно попрощался с профессией. Однако порезы быстро зажили, и уже через месяц актер вернулся на площадку.


Первая брюнетка отечественного кино


Необычная красота Самойловой настораживала многих режиссеров. По словам Льва Анненского, ее «асимметричное и странноватое» лицо «не подходило ни под классический тип красоты, ни под милый типаж субретки». Однако именно в Татьяне Самойловой Калатозов увидел свою Веронику и утвердил ее на роль вместо Елены Добронравовой. Известная исследовательница кино Нея Зоркая утверждала, что Самойлова стала первой брюнеткой в советском кинематографе. До нее все главные роли исполняли блондинки.



Идеологически невыдержанный


В СССР фильм «Летят журавли» наделал много шуму. Одни критики восхищались работой режиссера и оператора, другие, наоборот, обвиняли авторов в слабой драматургии, в том, что они разменяли «масштаб больших жизненных вопросов на мелочь душевных изломов и киноэффектов». Кинокритик Майя Туровская упрекала режиссера за то, что он «с ненужной обстоятельностью объясняет грехопадение Вероники». Спустя десятилетие ей оппонировал Юрий Ханютин: при всей своей неровности картина «Летят журавли» имела огромное значение. Оно не исчерпывается только находкой интереснейшего характера, открытием новой проблематики, показом войны «с другой стороны», как испытания нравственного.


Французский связной


На съемки «Летят журавли» случайно попал тогда еще неизвестный начинающий режиссер Клод Лелуш, будущий автор «Мужчины и женщины», обладатель каннской «Пальмовой ветви» и двух «Оскаров». Заграничный гость был настолько потрясен скрупулезным подходом авторов к созданию фильма, что попросился в съемочную группу ассистентом оператора. Он проработал в этом качестве на площадке несколько дней и снял в Москве свою первую картину – документальную ленту о производстве «Летят журавли». Вернувшись в Париж, Лелуш связался с директором Каннского фестиваля и рассказал о съемках Калатозова.


Лидер проката


Успех фильма «Летят журавли» в год выхода был феноменальным: только во Франции картину посмотрели 5 миллионов 300 тысяч зрителей (во французском прокате она шла под названием «Когда улетают аисты»). Все лето 1958 года фильм показывали с субтитрами, в декабре дублировали и снова выпустили в прокат по всей стране. Однако на родине, в СССР, картина заняла только 10-е место в прокате, интерес публики в тот год был прикован к экранизации первой части – «Сестры» – трилогии Алексея Толстого, а также комедиям «Улица полна неожиданностей» и «Девушка без адреса».


Несостоявшаяся звезда Голливуда


Появление Татьяны Самойловой на дорожке Каннского фестиваля оказалось не менее заметным, чем сам фильм. Ее конкурентками были Софи Лорен и Женевьев Паж, но внимание публики было приковано именно к Самойловой. Красотой и талантом молодой русской актрисы пленился Пабло Пикассо. Этот триумф мог стать поворотным в ее судьбе. Самойлову приглашали и в лучшие киностудии Европы, и в Голливуд, лестные предложения сыпались одно за другим, однако советские киноруководители отклоняли заманчивые контракты чеканной фразой: «Самойлова очень занята».


Точка входа


Фильм Калатозова и Урусевского «завербовал» в кинематографисты многих молодых людей своего поколения.


«Все началось с фильма «Летят журавли». И не только для меня – для целого поколения кинематографистов, призывником которого себя ощущаю. Глеб Панфилов, Василий Шукшин, Алексей Герман, пусть нас и годы разделяют, говорили о том же: встреча с этим фильмом оказалась поворотным моментом в судьбе… Мне не было и четырнадцати лет, откуда бы в этом возрасте печаль о счастье какой-то взрослой женщины, но помню со всей отчетливостью, как лично мне необходимо было счастье Вероники. Конечно, я понимал, что сколько бы раз еще ни смотрел картину, Борис с фронта не вернется, как не выплывет из реки Чапаев. Но сила сострадания к героине была так сильна, что как-то с изумлением поймал себя на том, что жизнь этой сыгранной Татьяной Самойловой женщины вызывает во мне никак не меньшее сочувствие, чем, скажем, судьба моей собственной матери».

Сергей Соловьев


Художественный фильм Михаила Калатозова «Летят журавли» (1957)



«Татьяна Самойлова. Острова»



«Мой серебряный шар. Татьяна Самойлова»


]]>
История культуры № 133Удивительная находка российских историков.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/50585/istoriya-kultury-133Tue, 05 May 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

История культуры № 133

ЛекцииПубликации раздела Лекции

Некоторые книги и даже научные труды бывают преданы забвению, и не вспоминают о них потомки. А бывает и наоборот – из небытия появляется на свет труд не то что забытый, но вообще оставшийся неизвестным…



Недавно российских историков потрясла удивительная находка – объемная работа по всемирной истории культуры. Она готовилась к печати в мае 1941 года, но началась Великая Отечественная война, внесшая свои коррективы...


Том I «Истории культуры» охватывает период от первобытного строя до Нового времени. Над ним работали 17 ученых – первое поколение советских историков, взращенное преподавателями старой, еще дореволюционной школы. Многие из авторов безвременно ушли из жизни: одни погибли на фронте, других унесла блокада Ленинграда, третьи были репрессированы. Поэтому следующие два тома так и не были написаны. Да и стране, пережившей страшную войну, было не до того...


Книга была обнаружена случайно. Один из экземпляров сохранила лаборантка кафедры истории Древнего мира МГУ Тамара Михайловна Шепунова, которая написала для первого тома статью об эгейской культуре. Тамаре Михайловне принадлежал экземпляр под номером 133 (всего их было 200) с пометкой «на правах рукописи». Она чудом сохранила его и никому не рассказывала о своем сокровище. После ее смерти доктор исторических наук, профессор кафедры истории Южной Азии МГУ Алексей Алексеевич Вигасин обнаружил книгу, разбирая личную библиотеку Тамары Михайловны. И не поверил своим глазам. Ни он, ни его питерские коллеги даже не слышали, что подобное издание когда-либо готовилось к публикации.


«История культуры» должна была выйти в трех томах. Весной 1941 года к печати подготовили первый том: 840 страниц и 17 вклеенных иллюстраций на мелованной бумаге, восемь из них – цветные. Печатать его должны были в типографии «Красный пролетарий», получившей в 1937 году на Всемирной выставке в Париже золотую медаль за издание Конституции СССР 1936 года. Общий тираж должен был составить 100 тысяч экземпляров. Этот энциклопедический труд был рассчитан на самую широкую аудиторию – страна заботилась о воспитании нового поколения высококультурной советской интеллигенции.

К подготовке издания привлекались лучшие умы того времени. Эти ученые сполна разделили трагическую судьбу своей страны.


Молодой и талантливый египтолог из Ленинградского университета Николай Александрович Шолпо ушел добровольцем в ополчение и погиб в 1941-м.


Профессор МГУ, известный ученый-китаевед Георгий Сергеевич Кара-Мурза также ушел добровольцем на фронт. В 1943 году, когда началась подготовка к войне с Японией на китайской территории, Георгий Сергеевич активно работал для разведки, разрабатывал «учебники» и читал лекции офицерам спецслужб. Майор Кара-Мурза принимал участие в освобождении Северо-Восточного Китая и 22 августа 1945 года вылетел в составе делегации на церемонию отречения китайского императора Пу-И. Самолет, на котором он летел, разбился при неизвестных обстоятельствах.


Филолог, старший научный сотрудник Эрмитажа Андрей Яковлевич Борисов был уникальным специалистом по арабским и семитским рукописям. Война застала его в Средней Азии, где он изучал гробницу внука Тамерлана и философские рукописи на арабском и персидском языках. С началом войны Андрей Яковлевич сразу же вернулся в Ленинград. Днем помогал упаковывать экспонаты Эрмитажа для эвакуации, а ночью с коллегами охранял родной музей. Даже в суровую блокадную зиму он продолжал научную деятельность: закончил исследование «Теологии Аристотеля», написал ряд статей по древнерусской литературе, подготовил курс по истории еврейско-арабской философии, который собирался прочесть в Ленинградском университете. Ученый скончался от истощения в июле 1942 года уже в поезде, по дороге в эвакуацию.


Доцент исторического факультета ЛГУ, египтолог, специалист по Древнему Востоку Игорь Леонидович Снегирев ушел на фронт в июле 1941-го старшим инструктором политотдела 191-й стрелковой дивизии. Ровно через год попал в плен. В концлагере для советских военнопленных был переводчиком немецкого языка. По информации контрразведки, его завербовала в шпионы немецкая разведка. В мае 1945-го был арестован и приговорен военным трибуналом к 10 годам исправительно-трудового лагеря с лишением воинского звания. Скончался в Севвостлаге 21 декабря 1946 года.


Профессор ЛГУ, филолог Александр Николаевич Болдырев всю блокаду оставался в Ленинграде. Хранил коллекцию восточных рукописей Эрмитажа, которые не были вывезены из города. Одновременно служил переводчиком в рядах Балтийского флота. С декабря 1941 по август 1948 года вел дневник, который в 1998 году был опубликован под названием «Осадная запись (блокадный дневник)». В 1942-м – старший научный сотрудник Института востоковедения АН СССР, в 1944-м вновь читает лекции на восточном факультете ЛГУ, с 1950 по 1981 год возглавлял в университете кафедру иранской филологии.


По окончании войны началась идеологическая кампания по борьбе с «космополитизмом» и «низкопоклонством перед Западом». Под новую волну репрессий угодили и авторы «Истории культуры» 1941 года. Так что поднимать вопрос об издании книги было не то что неуместно, а попросту опасно.


Серьезной травле подвергся гражданский муж Анны Ахматовой Николай Николаевич Пунин. Специалист по истории искусства, автор нескольких разделов «Истории культуры», еще до войны дважды был арестован. В 1921 году привлекался по делу Николая Гумилева, избежать ареста помогло вмешательство Луначарского, а в 1934-м помогли Ахматова и Мандельштам. А в 1949 году ему дали 10 лет лагерей за пропаганду «развращенного» западного искусства. Николай Николаевич умер в Воркутинском лагере летом 1953 года от внезапного сердечного приступа.


Профессор ЛГУ, доктор исторических наук Матвей Александрович Гуковский был ведущим специалистом по истории итальянского Возрождения. В первые дни войны ученый записался добровольцем в народное ополчение, но по состоянию здоровья был отчислен и назначен начальником штаба оборонительных работ. Вместе со всеми рыл окопы, возводил заграждения на подступах к Ленинграду, дежурил в госпиталях. В конце 1941 года организовывал эвакуацию университета в Саратов. В 1942-м Гуковский – декан истфака, в 1943–1944 годах – проректор по научной работе. В 1946-м – главный хранитель Эрмитажа, в 1948-м – заместитель директора по научной части. Летом 1949 года Матвей Александрович был арестован и приговорен за контрреволюционную деятельность к 10 годам лагерей. В 1954 году судимость с него была снята. А шесть лет спустя он возглавил кафедру Средних веков ЛГУ и одновременно стал заведующим библиотекой Эрмитажа.


Неизданная в 1941 году книга сегодня вырвана из забвения и опубликована на портале «История.РФ». Читать ее – одно удовольствие, и не только благодаря прекрасному литературному языку, который сейчас становится все большей редкостью. Она во многом опередила свое время. Даже на Западе в 1940-е годы культуру традиционно рассматривали лишь в контексте событийной истории: время, люди, достижения в науке и искусстве. Наши ученые уже в издании 1941 года рассказывают о банковском деле в античной Греции, рыцарском быте Средневековья, моде Возрождения и других подробностях, которыми отличалась повседневная жизнь в ту или иную эпоху. И сегодня все это является излюбленной темой западных историков, на эти темы читаются лекции, а ВВС снимает научно-популярные фильмы. Но западная наука обратилась к истории повседневности лишь во второй половине ХХ века, тогда как советские историки изучали ее уже в 1941 году.

]]>
Литературные профессииКем на самом деле были знаменитые писатели.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/95454/literaturnye-professiiMon, 14 Mar 2016 21:10:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Литературные профессии

ЛитератураПубликации раздела Литература

Врачи, инженеры, дипломаты и в то же время люди, подарившие нам лучшие произведения русской, да и мировой литературы. Редакция портала «Культура.РФ» решила вспомнить, кем были по профессии знаменитые писатели — список получился интересным.



Кого лечил Владимир Даль, что оканчивал Антон Чехов и почему ушел из профессии Михаил Булгаков.


Владимир Даль


На медицинский факультет Дерптского университета будущий автор Толкового словаря живого великорусского языка поступил после нескольких лет службы на флоте. Уже через пару лет, во время Русско-турецкой кампании 1828–1829 годов, Даль показал себя как блестящий военный врач. В 1832 году он начинает работать ординатором в столичном военно-сухопутном госпитале и становится медицинской знаменитостью Петербурга.


«Здесь он трудился неутомимо и вскоре приобрел известность замечательного хирурга, особенно же окулиста», — вспоминал о Дале писатель и этнограф-беллетрист Павел Мельников-Печерский.


Антон Чехов


Первые попытки писать Чехов предпринял еще на школьной скамье, но после окончания таганрогской гимназии поступил на медицинский факультет Московского университета (сегодня — Первый МГМУ им. Сеченова), где его учителями были Николай Склифосовский и Григорий Захарьин. Еще будучи студентом, Чехов помогал врачам Воскресенской больницы. Заведующий этой больницей так вспоминал о работе своего молодого коллеги: «Антон Павлович производил работу не спеша, иногда в его действиях выражалась как бы неуверенность; но всё он делал с вниманием и видимой любовью к делу, особенно с любовью к тому больному, который проходил через его руки».


Михаил Булгаков


Выбор профессии для Михаила Булгакова был обусловлен корыстными соображениями. Оба брата его матери, врачи, хорошо зарабатывали. Однако денег врачебное дело будущему писателю не принесло, зато проблем было предостаточно. За годы своей практики он успел поработать в прифронтовой зоне во время Первой мировой войны, пристрастился к морфию, был мобилизован во время Гражданской, и только в 1921 году, пережив отступление Добровольческой армии и тиф, он написал двоюродному брату: «Я запоздал на четыре года с тем, что я должен был давно начать делать — писать».



Об одной из самых неудачных профессий для русских писателей.


Александр Островский


Юридическую стезю для Александра Островского выбрал отец. Но проблемы начались уже во время поступления на юридический факультет Московского университета: не сдав экзамен по римскому праву, Александр Николаевич ушел из университета, некоторое время проработал канцеляристом в Совестном, а затем и в Коммерческом суде. Уже во время службы начал активную литературную деятельность.


Аполлон Майков


Еще один юрист по профессии, так и не сделавший себе имя на этом поприще. Отучившись несколько лет на юридическом факультете Петербургского университета, Майков вначале увлекся живописью, но затем полностью посвятил себя поэзии.


Марк Алданов


В молодости окончив сразу два факультета, физико-математический и юридический, в России Марк Алданов работал в основном как химик. О своей юридической специальности писатель вспомнил уже в эмиграции в начале 30-х годов, когда был юридическим делегатом одной из старейших масонских лож Европы.



Как оказался на военной службе Михаил Лермонтов, какие награды получил Лев Толстой и что вынудило вернуться на службу Александра Куприна.


Михаил Лермонтов


После переезда в Санкт-Петербург поэт попытался поступить в университет. Однако руководство столичного учебного заведения отказалось засчитывать молодому человеку два года, которые он уже провел в Московском университете, и Лермонтов оказался в Школе гвардейских подпрапорщиков и кавалерийских юнкеров. Оттуда он вышел корнетом лейб-гвардии Гусарского полка. В этом чине Лермонтов отправился в первую ссылку на Кавказ. Впоследствии поэт хотел уйти в отставку, но так и не решился из-за протеста бабушки.


Лев Толстой


Знаменитый писатель был также и храбрым офицером. Два года юнкером он провел на Кавказе, где участвовал в стычках с горцами. После начала Крымской войны перевелся в Драгунскую армию, участвовал в сражениях при Ольтенице и в осаде Силистрии, с 1854 года оказался в Севастополе. За оборону города был награжден орденом Святой Анны 4-й степени с надписью «За храбрость», медалями «За защиту Севастополя 1854–1855» и «В память войны 1853–1856 годов».


Александр Куприн


Курсант Александровского военного училища, Куприн начал свою службу в чине подпоручика в 46-м Днепровском пехотном полку. Уже через три года, получив очередной чин, писатель вышел в отставку, но вернулся к военной службе после начала Первой мировой войны. В ноябре 1914 года Александр Куприн был мобилизован и направлен в Финляндию командиром пехотной роты. Демобилизацию получил только в июле 1915 года по состоянию здоровья.



О педагогах, произведения которых знакомы нам со школьной скамьи.


Николай Добролюбов


Студент Главного педагогического института, Добролюбов мог бы сделать карьеру в сфере образования, однако, увлекшись литературным творчеством, много времени уделял работе в качестве критика. При этом Добролюбов много говорил о принципах педагогики, превратив узкую специальную проблему в общезначимую.


Иван Крылов


Образование Крылов получал урывками и во многом приобретенными знаниями обязан лишь своей усидчивости. Он был человеком разносторонне развитым и в итоге оказался полезным как учитель языка и словесности в доме князя Сергея Голицына, у которого жил с 1797 года.


Николай Чернышевский


Выпускник историко-филологического отделения философского факультета, в начале карьеры он получил назначение в саратовскую гимназию. Свою должность молодой учитель использовал в том числе для пропаганды революционных идей. После женитьбы Чернышевский переехал в Санкт-Петербург и был определен учителем во второй кадетский корпус, но его пребывание там, несмотря на все педагогические заслуги, оказалось недолгим. Николай Чернышевский ушел в отставку после конфликта с офицером.



О том, что сделали для внешней политики России Александр Грибоедов, Владимир Соллогуб и Федор Тютчев.


Александр Грибоедов


Отказавшись от места чиновника русской миссии в США, Грибоедов получил назначение на должность секретаря при царском поверенном в делах Персии, принял участие в заключении выгодного для России Туркманчайского мирного договора и доставил его текст в Петербург. Вскоре он получил назначение на должность министра-резидента в Иран.


Владимир Соллогуб


После окончания Дерптского университета будущий автор рассказов, повестей и водевилей поступил на службу в Министерство иностранных дел, некоторое время состоял при Венском посольстве, а далее перешел в Министерство внутренних дел.


Федор Тютчев


В качестве внештатного атташе Российской дипломатической миссии поэт некоторое время жил в Мюнхене, после окончания дипломатический деятельности и до возвращения на родину выступал в печати по политическим проблемам взаимоотношений между Европой и Россией.



Об инженерной карьере Федора Достоевского, кораблях Евгения Замятина и сельскохозяйственных опытах Михаила Пришвина.


Федор Достоевский


Окончив инженерное училище, Достоевский был зачислен полевым инженером-подпоручиком в Петербургскую инженерную команду. Но уже через год, в начале лета, решив всецело посвятить себя литературе, подал в отставку и 19 октября 1844 года получил увольнение от военной службы.


Евгений Замятин


Основоположник жанра антиутопии начинал свой профессиональный путь совсем не в писательской среде. Замятин окончил Санкт-Петербургский политехнический университет, был командирован в Англию для участия в строительстве российских ледоколов на верфях Ньюкасла, Глазго и Сандерленда, был одним из главных проектировщиков ледокола «Святой Александр Невский».


Михаил Пришвин


Знаменитый автор охотничьих и детских рассказов был еще и талантливым инженером-землеустроителем. Пришвин окончил агрономическое отделение Лейпцигского университета, после возвращения в Россию служил агрономом, написал несколько книг и научных статей.

]]>
«От музыки в кино очень многое зависит»Интервью с Максимом Дунаевским.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/69370/ot-muzyki-v-kino-ochen-mnogoe-zavisitWed, 02 Dec 2015 15:51:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

«От музыки в кино очень многое зависит»

МузыкаПубликации раздела Музыка
Фотография: Олег Начинкин

Народный артист России, художественный руководитель Московской областной филармонии, один из самых востребованных современных композиторов Максим Дунаевский отмечает 70-летие.


4 декабря 2015 года в 19:00 на сцене Светлановского зала Московского международного дома музыки маэстро представит юбилейный творческий вечер. В концерте примут участие известные артисты и музыканты: народный артист России Дмитрий Харатьян, певица Ангелина Сергеева, группа «Сocktail project».


В интервью Максим Дунаевский рассказал о предстоящем концерте, о музыке в кино, о своем отношении к новым аранжировкам, а также о том, без чего не может существовать филармония.


— В 2015 году прошел ваш юбилейный тур по Подмосковью и грандиозный концерт в Зале имени Чайковского. Концерт 4 декабря в Доме музыки — это своеобразный итог тура? Или это, скорее, его логичное продолжение?


— Я бы сказал, что это концерт-эхо. Дом музыки — это прекрасный храм искусства. Я подхожу к этому концерту с особым трепетом, отдам все силы, чтобы музыкальный вечер прошел на самом высоком уровне и зрители получили удовольствие.


— Вместе с вами в программе выступят ваши постоянные партнеры по сцене — Дмитрий Харатьян и Ангелина Сергеева. Почему именно эти артисты оказались вашими партнерами? Какие качества — человеческие и профессиональные — вам импонируют в них?


— С Дмитрием Харатьяном мы познакомились еще на съемках фильма «Зеленый фургон», с Ангелиной Сергеевой — на проекте «Народный артист». Но дело здесь совсем не в длительности взаимоотношений, дружбы. Дело в таланте и профессионализме, и это самое главное. А то, что я узнал их по совместной работе, а не по случайным встречам (что тоже бывает, я этого не отвергаю), — это, конечно, большой плюс. В работе люди всегда открываются глубже. Это два прекрасных артиста, с которыми я уже много выступал, я им полностью доверяю.


— Вы исполните свои песни в сопровождении группы Cocktail Project. Хиты прозвучат в новых аранжировках. Как вы в целом относитесь к модным сегодня кавер-версиям? Бывали ли случаи, когда вам не нравились обработки ваших сочинений, вы запрещали их исполнять?


— Нет, это снобизм. Песня должна исполняться как можно чаще, даже если она попадает не к самым лучшим аранжировщикам. Я никогда не противодействую, не препятствую. Песня должна жить, пусть иногда не очень совершенно. В жизни бывают разные этапы — взлеты и падения. Если руководствоваться только самыми высокими критериями, есть риск потерять песню.


Фотография: Артем Геодакян / ТАСС

— Вы написали музыку к огромному числу кинофильмов. Какими особенными качествами, на ваш взгляд, должна обладать киномузыка?


— В кино должна быть музыка очень высокого качества. То, что музыка сегодня считается неким «саундтреком», — это серьезнейшая, невероятная системная ошибка продюсеров, режиссеров и всех, кто занимается кино. В этом названии нет ничего оскорбительного, но у нас оно приобрело значение чего-то второстепенного, сопровождающего. Поскольку я много лет прожил в Америке, я знаю, как здорово там налажен процесс. Ни один продюсер, ни один режиссер там не скажет: «Напиши мне хороший саундтрек». Так может сказать только технический человек. Творческий человек, композитор всегда будет говорить о «музыке к фильму». И это очень важно. Поэтому в американских фильмах практически всегда очень достойная музыка. Это настоящее творчество, которое привлекает и даже иногда поднимает самую среднюю картину на высокий уровень. От музыки в кино очень многое зависит. Это хорошо понимают западные продюсеры. Мы, увы, идем по какому-то совершенно своему, но жутко неудачному пути.


— Почему современные саундтреки к кино не пользуются такой народной любовью, как музыкальное сопровождение к советским фильмам? В чем заключалась магия этой музыки? Почему популярно ретро?


— Действительно, любая советская кинокартина всегда ассоциируется с музыкой, а из современных фильмов мы вряд ли вспомним хоть одну мелодию. У советских фильмов высокая степень цитирования — и сценария, и музыкальных тем. Из любой удачной картины всегда распространялись цитаты (и они до сих пор актуальны), песни становились хитами. Сегодня мы нередко копируем эти актерские образы, настолько они врезались в память. Вот и получается «эта ваша заливная рыба»... Магия как раз и заключалась в отношении к музыке как к важнейшей части фильма. Кстати, сценарная работа в кино переживает такой же кризис, как и музыка. Профессия драматурга не ценится, не поднимается на высочайший уровень. От этого и кино-то у нас нет. А ведь все это было, но осталось в прошлом!


— Есть ли у вас любимый фильм, музыку к которому написал Исаак Дунаевский?


— Он написал немного музыки к фильмам, но вся она прекрасна. Это один сплошной хит.


— Согласны ли вы с тем, что раньше вокальными данными обладала каждая вторая актриса, а сегодня никто не поет?


— Нет. Я совершенно не сомневаюсь в том, что у нас есть колоссальное количество поющих актеров и актрис. У нас целая плеяда молодых артистов, которые с успехом выступают в мюзиклах, их уровень пения очень высок. Подчас они работают лучше, чем это делали в советское время. Раньше поющие актеры снимались в музыкальных фильмах, а сегодня их нет, поэтому об этом и говорить нечего.

Фотография: Сергей Фадеичев / ТАСС

— Кого из молодых артистов вы выделяете особо? Кого по праву можно назвать звездой?


— К сожалению, я не могу никого так назвать. Есть много неплохо поющих артистов, некоторые из них достигают определенных результатов. Но чтобы кто-то взлетел, показал себя с какой-то невероятной стороны, дал что-то новое (и в репертуарном, и в вокальном плане) — такого нет.


— В этом году вы заняли пост художественного руководителя филармонии. Каковы задачи филармонии на сегодняшний день?


— Есть задача минимум — выжить в это очень непростое время. Опять наступило время, схожее с девяностыми годами, когда филармонии закрываются, главным образом по экономическим причинам. Вместе с этим существует и задача максимум: доказать, что филармония — это основа профессионального исполнительского искусства. Во всем мире так и есть. К сожалению, у нас это приходится доказывать. Кроме того, Московская областная филармония очень остро ощущает нехватку симфонического оркестра и концертного зала. Без этого полноценная работа невозможна.


— Какие ключевые события нового сезона филармонии вы могли бы отметить?


— На текущий момент все события ключевые: это и открытие сезона концертным исполнением оперы «Иоланта» Чайковского в Большом зале Консерватории, и фестивали «Садко», «Пересекая время», и спектакль «Сказки на ночь от Кая и Герды» с Аллой Михеевой, Сергеем Друзьяком и камерным оркестром «Инструментальная капелла» в Доме музыки. Пока я не могу назвать ни одного проходного мероприятия, и это прекрасно. Филармония должна постоянно ярко заявлять о себе — совместно с дирекцией мы избрали такую политику.


Благодарим за предоставленные материалы Московскую областную филармонию.

]]>
Позабытые живописцы — братья известных художников: Брюллов, Коровин и другиеВспоминаем русских мастеров, которым пришлось искать свою дорогу в искусстве.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/78226/pozabytye-zhivopiscy-bratya-izvestnykh-khudozhnikov-bryullov-korovin-i-drugieWed, 28 Sep 2016 14:38:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Позабытые живописцы — братья известных художников: Брюллов, Коровин и другие

МузеиПубликации раздела Музеи

Нередко знаменитая фамилия — не подспорье в карьере, а наоборот. Особенно если ты художник и у тебя есть более знаменитый брат. Вспомним пятерых русских мастеров, которым пришлось искать свою дорогу в искусстве, вместе с Софьей Багдасаровой.


Александр Брюллов


Блестящий автор «Последнего дня Помпеи» Карл приходился ему младшим братом. Они были сыновьями скульптора Павла Брюлло. Конечная буква «в», которая превратила их французско-немецкую фамилию в русскую, была пожалована братьям императором перед пенсионерской поездкой в Италию. (Третий брат Федор, который специализировался на церковной живописи, остался Брюлло.)


Александр много трудился как архитектор (например, построил Михайловский театр). Но в историю русского искусства он вошел как портретист, оставивший множество изображений аристократов пушкинской эпохи. Он предпочитал воздушную технику акварели и был очень популярен.




Аполлинарий Васнецов


Главный русский сказочник Виктор был старшим из сыновей священника Вятской губернии. (Их третий брат Александр стал учителем и собирателем фольклора.) Виктор, который учился в Академии художеств, вытащил талантливого младшего брата в Петербург, однако тот не пошел по его стопам, в Академию, и сдал экзамен на народного учителя.


Со временем Аполлинарий понял, что ошибся и искусство — это действительно его призвание. Он много работал в графике и прославился как автор пейзажных и исторических картин и рисунков, в особенности исторических реконструкций древней Москвы.




Сергей Коровин


Его младший брат Константин — один из самых значительных русских «импрессионистов», проявивший себя в разных жанрах. Братья родились в купеческой семье, и Сергей первый пошел по дороге изучения искусств. Любопытно, что Константин сначала хотел учиться на архитектора.


В отличие от прославленного брата, чьи полотна кипят жизнью, пышут цветом, хотя порой и бессюжетны и написаны ради чистого наслаждения красотой, Сергей шел по стопам передвижников. Сюжет — назидательный, нравоучительный — был для него главным. Но время подобных картин тогда уже давно прошло...




Альберт Бенуа


Его брат Александр — один из столпов Серебряного века, был младше его почти на 20 лет. Их отцом был Николай Бенуа — известный архитектор, этой же профессией занялся третий брат Леонтий, а сестра Екатерина, увлекавшаяся живописью, вышла замуж за архитектора Лансере и была матерью Зинаиды Серебряковой.


Альберт тоже начинал с карьеры архитектора, но потом переключился на графику. Он стал одним основателей Кружка русских акварелистов, причем из всех жанров Альберт предпочитал пейзажный. После революции он оказался в эмиграции, где умер в возрасте 84 лет в окружении семьи.




Яков Аргунов


Его знаменитый старший брат Николай Аргунов был крепостным художником графов Шереметевых. Именно его кисти принадлежат портреты прекрасной Прасковьи Жемчуговой (в том числе во время беременности) и ее мужа-вельможи, который пренебрег всеми приличиями и женился на актрисе. Яков, как и Николай (а также третий брат Павел, ставший архитектором), унаследовал художественные способности от отца — Ивана Аргунова, одного из самых талантливых русских портретистов середины XVIII века.


Графиня Прасковья умерла родами, через шесть лет скончался ее супруг, и в память о покойной, согласно его завещанию, все крепостные, в том числе братья Аргуновы, получили вольную.


Не обладая даром старшего брата, как частный портретист Яков не преуспел. Зарабатывал он преподаванием живописи и рисунка в училищах и гимназиях, а также графикой и созданием подготовительных рисунков для гравюр.


]]>
Гнесинка. Горячая десяткаИзвестные выпускники.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/86180/gnesinka-goryachaya-desyatkaMon, 10 Oct 2016 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Гнесинка. Горячая десятка

МузыкаПубликации раздела Музыка

27 февраля 1895 года в дверь, на которой висела табличка «Музыкальное училище Е. и М. Гнесиных», постучала первая ученица. С тех пор этот день считается днем рождения Гнесинки. Благодаря энтузиазму пяти сестер и брата, посвятивших себя педагогике, популярность гнесинской школы росла.


Елена Фабиановна Гнесина с учениками. 1945 год. Фотография: ТАСС

Со временем училище не только обрело государственный статус, но и превратилось в конгломерат учебных заведений, включающий в себя все три ступени музыкального образования — начальную, среднюю и высшую. Елена Фабиановна Гнесина возглавляла созданные ею учебные заведения (последним из них стал институт — ныне Российская академия музыки) в общей сложности 72 года, неизменно относясь к ученикам как к членам собственной семьи. Неслучайно каждый, кто окончил Гнесинку, всегда ощущает особую связь со своей альма-матер и другими ее воспитанниками. В разные годы учебные заведения, носящие имя Гнесиных, окончили известные композиторы, дирижеры и исполнители. Вот десять знаменитых имен, которые дала миру гнесинская школа.



Арам Хачатурян (1903–1978)


Автор балета «Спартак», «Танца с саблями», вальса из музыки к драме Лермонтова «Маскарад» и других известных сочинений профессионально учиться музыке начал лишь в 19 лет. В Гнесинском училище, куда принимали и детей, и взрослых, его взялись обучать игре на виолончели, а затем зачислили в только что созданный Михаилом Гнесиным, учеником Римского-Корсакова, класс композиции. Произведения, которые Арам писал уже к концу второго года занятий, были так ярки, что «становился вопрос о возможности их обнародования». Спустя два десятилетия Арам Ильич сам стал профессором композиции. Многие годы он преподавал в Московской консерватории и Гнесинском институте, дав путевку в жизнь целой плеяде известных российских композиторов.



Тихон Хренников (1913–2007)


Решающую роль в судьбе Тихона Хренникова сыграл все тот же Михаил Гнесин. Окончив школу в родном Ельце, юноша написал известному педагогу письмо, спрашивая, выйдет ли из него композитор? Михаил Фабианович прислал теплый ответ и посоветовал поступать в Гнесинский техникум. С него-то и началась карьера Тихона Хренникова — музыкально-общественного деятеля, первого секретаря Союза композиторов СССР (эту должность Тихон Николаевич занимал с 1948 по 1991 год), профессора, автора опер, балетов и десятков шлягеров, в числе которых песни из кинофильмов «Свинарка и пастух», «Гусарская баллада», «Верные друзья» и другие. Уже будучи маститым композитором, Хренников писал: «Можно с уверенностью сказать, что две семьи — Рубинштейны и Гнесины — определили развитие музыкальной культуры, музыкального образования в России...»



Микаэл Таривердиев (1931–1996)


Микаэла Таривердиева, написавшего четыре балета, четыре оперы, органные и камерные опусы, в России все знают как автора оригинальных саундтреков к лентам «Семнадцать мгновений весны», «Ирония судьбы» и еще целого ряда фильмов. Полтора года проучившись в Ереванской консерватории, Таривердиев поступил в Государственный музыкально-педагогический институт им. Гнесиных. На вступительном экзамене он получил оценку «5+». Атмосферой вуза молодой музыкант был очарован. «Отношение ко мне совершенно изумительное, буквально на руках носят», — писал он отцу. Микаэл Таривердиев стал одним из первых учеников Арама Хачатуряна и, если можно так сказать, творческим внуком Михаила Фабиановича Гнесина.



Людмила Зыкина (1929–2009)


«Королева русской песни» Людмила Зыкина, чей голос у россиян неразрывно связан с бескрайними степными просторами, белыми березками и разливами Волги-матушки, была одной из самых титулованных и востребованных певиц советской эстрады. Тем не менее уже в зрелом возрасте, на пике карьеры, исполнительница решила получить высшее образование: ей хотелось не только петь самой, но и передавать искусство народной песни молодому поколению. В 1977 году Людмила Георгиевна окончила Государственный музыкально-педагогический институт им. Гнесиных. Позднее наравне с концертной деятельностью она вела и педагогическую работу — разумеется, в стенах родной Гнесинки.



Владимир Федосеев (р. 1932)


Выдающийся российский дирижер с мировым именем, вот уже 42 года возглавляющий один из лучших российских оркестров — Большой симфонический оркестр им. П.И. Чайковского, Владимир Федосеев начинал свой творческий путь как баянист. По классу баяна он и окончил Гнесинский институт в 1957 году, а затем руководил оркестром народных инструментов. По словам маэстро, ярлык «народника», музыканта как бы второго сорта, многие годы отравлял ему жизнь в дирижерской профессии, но о первой специальности он никогда не жалел: «В народной музыке все есть, все взращивалось в ней. Идти, минуя ее, неправильно. Так что это мое богатство, моя правильная линия».



Иосиф Кобзон (1937-2018)


Лирико-драматический баритон и благородная исполнительская манера Иосифа Кобзона сформировались еще в 70-е годы и являлись его фирменным, узнаваемым с первых же нот стилем. Многие годы оставался неизменным и его репертуар, вершинами которого были песни «Мгновения», «День Победы», «Поклонимся великим тем годам». Уже являясь лауреатом Всероссийского конкурса артистов эстрады и участником самой популярной в Советском Союзе телепрограммы «Песня года», он завершил образование в Гнесинском институте по классу академического вокала. С 1984-го он и сам стал преподавать в Гнесинке эстрадный вокал. В числе его выпускников — Ирина Отиева и Валерия.



Давид Тухманов (р. 1940)


Композитор Давид Тухманов связан с гнесинской музыкально-образовательной системой с детских лет. В Гнесинской школе-десятилетке он учился по классу фортепиано. Участие в судьбе талантливого мальчика тогда принимала Елена Фабиановна Гнесина, поощрявшая его стремление сочинять музыку. По окончании школы он поступил на композиторское отделение Гнесинского института, который окончил в 1963 году. Тогда же Тухманов начал работать в жанре эстрадной песни — как официально-патриотической направленности («Родина моя», «Мой адрес — Советский Союз», «День Победы»), так и лирического характера («Соловьиная роща», «Эти глаза напротив»). А его концептуальный альбом «По волне моей памяти» стал классикой русского рок-арта.



Александр Градский (р. 1949)


Певец, композитор и незаменимый наставник молодых исполнителей в телепроекте «Голос», Александр Градский окончил факультет сольного пения Гнесинского института, а затем совершенствовал вокальное мастерство в Консерватории. Академическая выучка стала фирменным знаком одного из первых советских рок-певцов и позволила ему исполнять самый разнообразный репертуар, в том числе и классику (в Большом театре он спел партию Звездочета в постановке оперы «Сказка о золотом петушке» Римского-Корсакова). С Гнесинкой певец не расставался многие годы: Александр Борисович Градский преподавал в училище, а потом в институте.



Любовь Казарновская (р. 1956)


Оперная дива, покорившая ведущие театры мира, в школьные годы и не думала о вокальной карьере. Она собиралась стать филологом, но неожиданно для всех подала документы в Гнесинский институт и поступила на факультет актеров музыкального театра. В том, что ей предназначено быть оперной певицей, она убедилась именно здесь. Академическое образование молодая исполнительница завершила в Московской консерватории, но о милой сердцу Гнесинке всегда вспоминала и вспоминает с ностальгией — ведь с ней были связаны первые успехи, разочарования и надежды.



Евгений Кисин (р. 1971)


«Моцарт XX века». Этим эпитетом юного Женю Кисина наградили журналисты и восторженные поклонники. Вундеркинд с феноменальными способностями начал выступать очень рано и в 14 лет уже разъезжал с концертными турне. К 19 годам он достиг вершин музыкального Олимпа и сегодня является одним из самых самобытных и востребованных пианистов современности. А учиться музыке он начал в Гнесинской школе-десятилетке у Анны Павловны Кантор, которая на всю жизнь осталась его единственным педагогом. И хотя из России Евгений Кисин уехал еще в начале 90-х, Гнесинку музыкант не забыл. Когда в 2006 году затянувшаяся реставрация здания школы грозила обернуться рейдерским захватом, Кисин подписал письмо президенту РФ в ее защиту. Результатом стало распоряжение завершить ремонт в кратчайшие сроки.


Автор: Елена Чишковская

]]>
Ломоносов и компанияSelf-made по-русски.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/67712/lomonosov-i-kompaniyaWed, 18 Nov 2015 16:37:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Ломоносов и компания

ЛекцииПубликации раздела Лекции

Сын крестьянина-помора рано выучился грамоте. Продолжить образование хотел недалеко от дома — в Холмогорском училище Архангельской губернии, но из-за низкого происхождения Ломоносова туда не приняли. В декабре 1730 года 19-летний юноша получил в Холмогорах паспорт и с рыбным обозом отправился в Москву за знаниями. Здесь он скрыл свое происхождение и в январе 1731 года был зачислен в Славяно-греко-латинскую академию. В 1735 году Ломоносов — уже студент Петербургского университета при Академии наук, а еще через год — отправлен в Саксонию для постижения горного дела. Здесь он также получил обширные знания в области физики и химии, а к знанию греческого и латыни прибавил немецкий, французский, итальянский и английский языки. И несмотря на усиленные занятия точными науками, продолжал упражняться в русской поэзии.



Круг интересов Михаила Васильевича был необычайно широк: химия, физика, астрономия, геология, минералогия, металлургия, риторика, поэзия, литература, история, живопись… Первый русский ученый-естествоиспытатель мирового значения оставил значительный след в русской культуре и в XXI столетии остается непревзойденной личностью и примером для подражания.


«Культура.РФ» решила подобрать Михаилу Васильевичу достойную компанию уважаемых мужей, с которых тоже следовало бы брать пример.


Ермак (ок. 1531 — 1585)


Национальный герой русского народа, казачий атаман, который сначала промышлял со своей дружиной грабежом вдоль Волжского торгового пути. За разорение царского каравана был приговорен к четвертованию. Дабы избежать наказания, принял приглашение купцов Строгановых отправиться в Сибирь и служить им охраной от набегов татар. Однако после победы над сибирским ханом Кучумом и захвата его земель по рекам Иртышу и Оби заслужил прощение царя Ивана Грозного для себя и своих казаков.



Александр Суворов (1730–1800)


Князь Италийский, граф Рымникский, граф Священной Римской империи, генералиссимус российских сухопутных и морских сил, кавалер всех российских и многих иностранных военных орденов родился хилым, слабым и болезненным ребенком. Его отец, генерал-майор Василий Суворов, даже не мечтал для него о военной карьере, думал отдать в чиновники... Но тело сын укрепил физкультурой, а боевого и здорового духа ему было не занимать. Александр Васильевич не проиграл в своей жизни ни одного сражения (из 60-ти), пройдя путь от Берлина и Варшавы до Измаила и Очакова, от Волги и до Альп.



Иван Поддубный (1871–1949)


Запорожский казак, обладавший невероятной физической силой, с 12 лет батрачил, а после двадцати — работал в порту грузчиком. Удивительно, но сначала он стал известным циркачом-атлетом, а после — профессиональным борцом с мировой славой. Иван Максимович с юности соблюдал жесткий спортивный режим, каждый день тренировался и обливался холодной водой, не пил алкоголя и следил за питанием. В 1939 году 68-летний Поддубный участвовал в параде физкультурников на Красной площади, а в 1941 году он провел свою последнюю схватку на борцовском ковре, ему было 70 лет.



Константин Циолковский (1857–1935)


Выдающийся исследователь, крупнейший ученый в области воздухоплавания, авиации и космонавтики, подлинный новатор в науке, основоположник теоретической космонавтики… был ученым-самоучкой. Он родился в семье лесничего, в 10 лет заболел скарлатиной, после чего потерял слух и не смог получать знания в школе. Однако это несчастье никак не убавило любознательности мальчика: он много читал и самостоятельно, по книгам отца, осваивал точные науки. Когда вырос, сдал экстерном экзамен на учительское звание и стал преподавать физику и математику в гимназии. А все свободное время Константин Эдуардович посвящал науке.



Василий Шукшин (1929–1974)


Известный писатель, актер, сценарист и режиссер происходил из простой крестьянской семьи. Но прежде чем осознал свое предназначение, чего только не пробовал! Из образования у него было семь классов школы и автомобильный техникум, да и тот он бросил. Работал слесарем и разнорабочим, служил на Балтийском флоте матросом, экстерном сдал экзамены на аттестат зрелости и устроился учителем в родную сельскую школу, был даже ее директором… Первые рассказы Василий Макарович начал писать еще во время службы на флоте. Природная творческая пульсация не давал ему покоя, поэтому в 1954 году, в возрасте 25 лет, он отправился в Москву, поступать во ВГИК. И поступил на режиссерское отделение. В 1956-м — первый дебют в кино, в 1958-м в журнале «Смена» напечатан его первый рассказ… «Угнетай себя до гения», — говорил Шукшин. За свою короткую (всего 45 лет), но яркую жизнь он сыграл 28 ролей, снял пять фильмов, написал девять сценариев, три пьесы, два романа, несколько повестей и множество рассказов.

]]>
Благая весть, иль БлаговещениеХристианский праздник на картинах русских художников.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/98745/blagaya-vest-il-blagoveshenieWed, 06 Apr 2016 21:55:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Благая весть, иль Благовещение

МузеиПубликации раздела Музеи

Боттичелли и Леонардо да Винчи, Эль Греко и Делакруа, Владимир Боровиковский и Василий Суриков. Встреча Девы Марии с архангелом Гавриилом, что принес благую весть о будущем рождении Христа, — один из любимых библейских сюжетов художников разных эпох. Одно из первых изображений датировано III веком, но из столетия в столетие живописцы вновь и вновь обращаются к этой вечной теме. Предлагаем взглянуть на полотна вместе с Натальей Летниковой.

Александр Иванов. Благовещение. 1850

Художник, отдавший два десятилетия жизни одной картине. Автор «Явления Христа народу» Александр Иванов — русский живописец, почти всю свою жизнь проработавший в Италии. Изучал Священное Писание, копировал Микеланджело в Сикстинской капелле и на пути к своей главной работе создал целую галерею библейских образов. «Благовещение» Иванова — это прежде всего ослепительный свет, окутавший Деву Марию при явлении архангела. Недоумение, смущение, покорность: «Да будет Мне по слову Твоему».


Владимир Боровиковский. Благовещение. 1810–1820

Признанный портретист Владимир Боровиковский, автор загадочного портрета графини Лопухиной, обращался к теме Благовещения не раз. Художник учился иконописи у отца, участвовал в росписи Казанского собора и Троицкой церкви Петербурга. Создав галерею блистательных светских портретов, к концу жизни работал лишь над духовными сюжетами. Трепетный образ Девы Марии вдохновил поэта Владимира Бенедиктова на строки: «Кто сия? / Покров лилейный / Осеняет ясный лик, / Долу взор благоговейный / Под ресницами поник…»


Михаил Нестеров. Благовещение. 1901

Выходец из купеческой семьи, лауреат Сталинской премии Михаил Нестеров всю жизнь создавал духовные образы на фоне русской природы и почти четверть века посвятил росписи храмов, в том числе и Марфо-Мариинской обители. Потеряв жену, художник с головой окунулся в работу, вписывая в женские образы любимые черты. Благовещение — один из любимых сюжетов Нестерова. Писал его художник во Владимире, Петербурге и Москве. «В нем много христианского», — говорил об этой работе Нестерова Виктор Васнецов.


Василий Суриков. Благовещение. 1914

«Благовещение» Василия Сурикова. Последняя картина художника, которую автор представил в 1915 году на ХII выставке Союза русских художников, не вызвала восторга критиков и коллег. По версии искусствоведов, причина в том, что Суриков к тому времени был признанным мастером исторических полотен. Художник-реалист обошелся без привычных для изображения Благовещения деталей — лилии, веретена и Библии в руках Девы Марии. Радость встречи и величие момента подчеркнуто теплом золотого сияния.


Константин Юон. День Благовещения. 1922

«День Благовещения» — как праздник. В картине Константина Юона золотые купола храмов на фоне синего неба словно отголоски библейских событий. Благая весть вписана в весенний пейзаж с яркими и чистыми красками. Солнечное полотно словно пронизано колокольным звоном первого праздника, который богослов Иоанн Златоуст именовал «началом всех христианских праздников». А театральный художник Константин Юон изобразил таким земным и радостным.


Наталья Сюзева. Благовещение. 2009

Птицы, кружащие в небе. Весенняя примета и древняя традиция Благовещения — выпускать в этот день на волю птиц. Старинный красивый обычай, забытый в ХХ веке, стал возрождаться к началу нового столетия. Современной художнице из Пензы Наталье Сюзевой нравится изображать женские образы — хрупкие и нежные. Так и на картине «Благовещение» юная девушка открывает клетку, птица вырывается и взмывает ввысь. Словно душа, что стремится к высокому.

]]>
Знаменитые модники и модницы Советского СоюзаИх образы копировали, им подражали, на них равнялись.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/77295/znamenitye-modniki-i-modnicy-sovetskogo-soyuzaTue, 27 Sep 2016 17:49:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Знаменитые модники и модницы Советского Союза

КиноПубликации раздела Кино

О платьях Людмилы Гурченко, шляпках Клары Лучко или костюмах Олега Янковского мечтали миллионы соотечественников. Для Майи Плисецкой создавал костюмы сам Пьер Карден, а один из модных мужских глянцевых журналов недавно предложил читателям одеться в стиле Александра Абдулова. Их образы копировали, им подражали, на них равнялись. Мы вспоминаем главных модников и модниц Советского Союза.



Людмила Гурченко




Андрей Миронов




Майя Плисецкая




Эдита Пьеха




Олег Янковский




Клара Лучко




Александр Абдулов




Любовь Орлова


]]>
Лучшие образцы русского костюма из коллекции Сергея ГлебушкинаРассматриваем коллекцию крестьянской одежды ХIХ — первой половины ХХ века.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/78263/luchshie-obrazcy-russkogo-kostyuma-iz-kollekcii-sergeya-glebushkinaWed, 05 Oct 2016 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Лучшие образцы русского костюма из коллекции Сергея Глебушкина

ТрадицииПубликации раздела Традиции

Член Международной федерации художников, собиратель и исследователь русского народного костюма Сергей Глебушкин показал порталу «Культура.РФ» фотографии лучших образцов своей коллекции крестьянской одежды ХIХ — первой половины ХХ века и рассказал о каждом комплекте. Всего уникальная коллекция Глебушкина насчитывает более 2000 предметов, собранных за 30 лет работы.



Девичий костюм, середина XIX века. Архангельская область, Поморский район (ранее Архангельская губерния, Летний берег Белого моря)


Сергей Глебушкин: «Костюм состоит из рубахи, сшитой из льняной домоткани, украшенной по оплечью вышивкой с красно-черным цветочным орнаментом. Внизу надета юбка из бордового штофа с жаккардовым цветочным орнаментом. Подол украшен золотным галуном (тесьмой) и металлической бахромой. В комплект также входит коротёна — полушубок, нагрудная распашная одежда из золотной парчи. Венчает наряд головной убор — повязка, расшитая бисером и жемчугом по металлической фольге. Шею украшает — наборошник, узкая полоса из льняного полотна, расшитая прозрачным бисером и металлическими пуговицами со стеклянными вставками. Наряд девушки дополняют янтарные бусы в несколько рядов. Столь богатое убранство на Руси могли иметь только зажиточные семьи. У обычной крестьянки наряд был проще и шился из более доступных, зачастую домотканых материалов».


Любопытный факт:
Косоклинный сарафан — самый древний из всех видов сарафанов, был наиболее популярен на Руси. В старину требовалось 45 метров тканного полотна, чтобы сшить полный косоклинный сарафан. Они получались довольно широкие внизу и благодаря большому количеству клиньев могли при кружении раскладываться в полный круг.


Женский костюм, конец XIX — начало XX века, Белгородская область, Алексеевский район, село Подсереднее (ранее Воронежская губерния, Алексеевский уезд)


Сергей Глебушкин: «Праздничный костюм состоит из рубахи из льняного домотканого полотна. Рукава собраны в манжеты из атласных лент. Оплечье украшено вышивкой — геометрическим орнаментом и полосой коклюшечного кружева. На рубаху надета понёва — юбка из черного шерстяного клетчатого домотканого полотна, расшитая красными нитями по низу. Поверх юбки — завеска из двух полотнищ, собранных под пояс, переходящий в завязки. По низу идет полоса вышивки черными нитями и шелковая лента в синий цветок «дорогая». На талии — подпояска с продольными полосами, сотканная из шерстяных разноцветных нитей. На женщине — головной убор сорока, он состоит из трех частей: волосник — мягкая шапочка с рожками из ткани в цветочный рисунок; кичка — невысокая шапочка на жесткой основе, украшенная золотистым галуном, золотным шитьем и розетками золотного шитья; позатылень — на задней части из шелка с золотным шитьем, украшенный розетками. На шее — ошейник из ткани, украшенной стеклярусом, блестками, с краем, обшитым петлями из разноцветных нитей. Образ красавицы дополняют нагрудные украшения: грибатки — из полос черной тесьмы с нашитыми блестками и бисером, а также двумя круглыми розетками с золотным шитьем и стеклярусом. На ее концах — кисти из разноцветных нитей. Чёпки состоят из двух шнуров с черным бисером, двух розеток, украшенных золотным шитьем и пайетками, а также из ниток бус из желтого стекла. На шнуре — иконка в виде медальона с изображением святителя Николая на бумаге под стеклом».


Любопытный факт:
Понёва — самая древняя деталь русского костюма. В Белгородской области девушки надевали ее с наступлением совершеннолетия, давая понять окружающим, что ее можно сватать. А крестьянки называли ее «вечный хомут» или «бабья кабала».



Белгородская область, село Подсереднее. Русский народный женский костюм XIX века


Женский костюм, вторая половина ХIХ века, Брянская область, село Дорожово


Сергей Глебушкин: «Основа костюма — цельнокроеная рубаха из домотканого полотна. Ее рукава собраны под вышитую манжету с оборкой из красной ткани и полностью расшиты цветочным узором. Низ подола украшен красными нитями в форме геометрического орнамента. Поверх рубахи — распашная понёва из шерстяного темно-синего клетчатого полотна домашнего изготовления. Между ее полотнищами — две вертикальные полосы ткачества красными и белыми нитями геометрического орнамента, а также нашивки из красной ткани с металлическим галуном и блестками. По низу и краям понёвы — полоса из красных нитей с белым геометрическим орнаментом. Завеска из льняного полотна украшена поперечными полосами из шелковой ткани, вышивкой с ромбическим орнаментом красными нитями, тесемками зеленого цвета и с цветочным орнаментом, а также зубчатым кружевом по подолу. На талии — кушак из шерстяных нитей с распущенными концами. Головной убор — повойник в виде мягкой шапочки из красной ткани с очельем, украшенным блестками, петельчатой тесьмой, рядами золотистых бусин, пуговицами и розетками из бусин. К затылочной части повойника пришиты разноцветные атласные ленты. Образ женщины подчеркивают нагрудные украшения: бусы из стеклянного красного бисера, гайтан из разноцветного бисера с янтарным медальоном и ожерелки — сетка из сплетенного бесцветного бисера, пришитая к полоске красной ткани».


Любопытный факт:
Традиционный праздничный костюм сохранялся в жизни крестьян Брянского уезда до 30-х годов XX века. Самые древние образцы отличаются вышивками в виде геометрических узоров. Лишь в конце XIX — начале XX века мода сменилась цветочным орнаментом. На одежду этих мест повлияли белорусские и украинские традиции.


Женский демисезонный костюм, начало ХХ века, Вологодская область


Сергей Глебушкин: «В основе костюма — рубаха, сшитая из двух частей: верхняя часть — из льняного полотна с воротом-стоечкой, нижняя — из грубого льняного полотна с ручным кружевом из толстых нитей по подолу. Низ рукавов вышит гладью в виде соединенных кружков. На рубаху надет прямой сарафан из шерстяной ткани в продольную полосу коричневого, красного и зеленого цветов. Его верхняя часть надставлена льняной домотканиной в бело-коричневую клетку. Поверх костюма на женщине надет сукманник — двубортная верхняя демисезонная одежда из толстой шерстяной домотканины, застегивающаяся на крючки. Ворот, правая полочка, край рукавов и карманы отделаны полосой черной ткани. «Сукманник» подвязан поясом в поперечную полосу красного, синего, желтого и зеленого цветов. На одном конце изображены три фигурки — человечки, а сами концы украшены кистями. На голове женщины — сборник из желтой мишурной парчи с брошированными цветными нитями цветочным орнаментом, донце выступает над очельем в виде острого козырька. Головной убор и шею покрывает шерстяная шаль с цветочным и геометрическим орнаментом».


Любопытный факт:
Прямые сарафаны были наиболее распространены во всех уездах Вологодской губернии. А самой любимой тканью для них служил синий холст с белым или желтым растительным узором. Кокошники-сборники со складками, образующими гребень, шились из дорогих тканей, чаще всего из парчи, поэтому были доступны барышням из состоятельных семей.



Праздничный костюм, конец XIX века — начало XX века, Бурятия (русские), Тарбагатайский район, село Большой Куналей


Сергей Глебушкин: «Костюм состоит из составной рубахи с отложным воротом. Ее верхняя часть — из бордовой ткани, а нижняя — из фланели в синих тонах. На рукавах — вышивка из синих и желтых нитей. Круглый сарафан на пришивных лямках сшит из черного шерстяного полотна в крупную зеленую клетку с букетами из красных роз по центру. По подолу — две полосы из шелковой ткани красного и оранжевого цветов. Поверх сарафана надет фартук с грудкой с нашитыми атласными полосками. Пояс выткан из нитей с орнаментом в виде ромбов. Головной убор — атлас из мягкой шапочки с узкой поднизью из черного бисера и пришитой на нее, уложенной особым способом шелковой жаккардовой шали. В центре налобной части — украшение из полоски парчи и желтых бусин».


Костюм девичий, начало XIX века, Воронежская область, Бутырлинский район, село Клёповка


Сергей Глебушкин: «На девушке рубаха из льняной домотканины с воротом в виде узкой стоечки с вышивкой черными нитями. На груди — разрез с черным геометрическим орнаментом. Рукав у запястья собран под узкую манжету с черной тесьмой и вышивкой красными нитями. По оплечью идет вышивка красными и черными нитями и полоски из черной тесьмы. Сарафан туникообразного кроя с клиньями, пришитыми к заднему полотнищу. Он сшит из черного шерстяного домотканого полотна. Прорези рукавов и горловины украшены белым бисером, а подол — красной тканной полосой. Девушка подпоясана широким шерстяным кушаком, который на концах вышит тамбурным швом в виде цветочного орнамента. На груди у девушки — 24 ряда бус и украшения из бисера».


Любопытный факт:
В воронежском народном костюме обязательно присутствуют три цвета — белый, красный и черный. Черный цвет — самый популярный, он считается цветом земли и покоя, а также ассоциируется с черноземом.


Женский праздничный костюм, конец XIX — начало XX века, Калужская область, Жиздринский район


Сергей Глебушкин: «На женщине цельнокроеная рубаха из льняного домотканого полотна. Вырез горловины присобран под узкую вышитую планку. У запястья рукав собран под манжету, украшенную тесьмой с геометрическим орнаментом и оборкой из барановской ткани. На оплечье — полоса вышивки и тканевые полоски красного и желтого цветов. По низу подола с передней стороны — широкая полоса ткани из красных нитей с геометрическим орнаментом и узкая полоса вышивки. Со стороны спинки — узкая тканая полоса из красных нитей. Распашная понёва сшита из трех полотнищ шерстяного домотканого полотна в крупную клетку. По подолу пришиты широкая полоса из красной ткани, металлические шнуры, узкий золотный галун, тесьма и пайетки. На стыке полотнищ — две вертикально нашитые широкие полосы из красной ткани. По полю понёвы — помпоны из шерстяных нитей. Завеска (передник) — туникообразного кроя из белого льняного домотканого полотна, затканного в узкую красную полосу. К грудке пришиты полосы из красной ткани, узкое белое кружево и тесьма. По низу подола — кружево с зубчатым краем. На голове женщины — повойник, мягкая шапочка, украшенная металлическим шнуром, пайетками, розетками из разноцветных шерстяных нитей, металлическими пуговицами с пластмассовыми разноцветными вставками и бахромой из синих шерстяных нитей».


Любопытный факт:
В Калужской области девушки и женщины считали, что свадебная рубаха обладает целительными и охранительными свойствами. Сверху чаще всего предпочитали надевать сарафан, богато украшенный только по подолу.


Женский костюм, конец XIX века, Кировская область


Сергей Глебушкин: «На женщине — составная рубаха из двух частей из льняного полотна с вышивкой по подолу красными нитями. Ворот в виде невысокой стоечки, а по краю рукава пришито узкое кружево. Сарафан с лифом на тонких пришивных лямках, юбка которого сзади собрана в мелкую сборку. Он сшит из красной домотканой пестряди в желтую клетку, на подоле — декоративная вставка из той же пестряди. Верхний край сарафана и лямки окантованы черной тканью. Поверх сарафана надет фартук из двух прямых полос красной домотканой пестряди, верхняя часть присобрана под неширокий пояс. По подолу — полосы из синих нитей. На талии — пояс из разноцветных нитей с узором в виде ромбов. На голове женщины борушка — головной убор в виде мягкой шапочки из красной хлопчатобумажной ткани».



Женский праздничный костюм, начало ХХ века, Костромская область


Сергей Глебушкин: «Праздничный костюм состоит из рубахи с воротом-стоечкой, сшитой из хлопчатобумажных нитей с выработкой. Широкий рукав стянут тонким шнуром, продетым в кулиску с изнаночной стороны. Таким образом, образовалась оборка. Поверх надет прямой сарафан на пришивных лямках из домотканого льняного полотна сложного ткачества, по подолу — два ряда бахромы из красных нитей. На сарафан повязан фартук из двух полос домотканой пестряди в желтую клетку, нижний край которого украшен полосами из желтых нитей. На талии — пояс из разноцветных нитей в продольную полосу с распущенными концами. Головной убор женщины составной: повойник — состоит из донца и очелья. К донцу пришито мягкое очелье из красного шелка, сзади — кусок ткани квадратной формы на твердой основе; налобник — из золотного металлического галуна с пришитыми к концам тесемками, надет сверху очелья».


Любопытный факт:
В народной одежде всегда любили красный цвет, ведь в старину слово «красный» означало еще и «красивый». В Костромской, Ярославской и в некоторых других северных губерниях костюм состоял из красной рубахи и красного сарафана.


Праздничный костюм, вторая половина XIX века, Курская область, Белёвский район, деревня Белица


Сергей Глебушкин: «В костюм входит составная рубаха, верхняя часть которой из льняного полотна сложного ткачества. Рукав присобран и закреплен на внутренний шнур. По оплечью — ткачество с ромбовидным орнаментом. Поверх рубахи надет косоклинный сарафан из шерстяного домотканого полотна. К лямкам и верхней планке сарафана пришита полоса бархата и золотный галун с зубчатым краем. Низ подола украшен золотным металлическим галуном и полосой красного штофа «обликатный». Завеска из красной шерстяной ткани, присобрана на груди под планку и расшита цветами. На талии — тканный пояс из разноцветных нитей, украшенный бисером и помпонами. Головной убор — сорока, составной: налобник сшит из красной ткани с завязками на концах, украшен металлическим золотным галуном и шнуром, обвитым золотной нитью; позатыльник — прямоугольной формы на твердой основе, с завязками; кичка — в виде твердой шапочки лопатообразного типа, обшита металлическим золотным галуном. Самая крупная деталь — бант из разноцветных атласных лент».



Курская область, Беловский район, село Белица. Русский народный женский костюм XIX века


Женский праздничный костюм, вторая половина ХIХ века, Липецкая область, Данковский район, село Перехваль


Сергей Глебушкин: «Наряд женщины составляет кофта из сизого шелка с «перебором» (сборками под грудью) и отложным воротником из оранжевой ткани. Ее воротник, края рукавов и низ кофты украшены белым кружевом. Под кофтой надета юбка из красного штофа на узких удлиненных пришивных лямках, с золотной бахромой на подоле. Голову и плечи покрывает шелковая шаль с брошированным цветочным орнаментом из серебристо-желтых нитей. По ее периметру пришита тесьма с длинными кистями».


Любопытный факт:
В Липецкой области атласные платки носили только незамужние девушки. Их называли «жаровые», потому что на солнце они горят и отливают, как жар. А замужние женщины надевали на голову лычку — косынку.


Женский праздничный костюм, середина XIХ века, Нижегородская область, Кстовский район, село Безводное


Сергей Глебушкин: «В костюм входит рубаха из тонкой бледно-желтой ткани фабричного производства. Широкий рукав заужен книзу и украшен тонким кружевом. Сверху на рукав нашита прозрачная шелковая ткань с вышивкой цветочного рисунка. Сарафан — москаль на удлиненных лямках, из шелковой плотной ткани с фактурным рисунком — штофа бордового цвета. По подолу — золотная бахрома. Душегрея — кафтанчик, нагрудная распашная одежда на лямках, стеганная на вате. Она сшита из бордового бархата и вышита золотной нитью обильным цветочным орнаментом. Лямки, верх душегреи и края полочек обшиты золотным галуном, а по низу идет золотная бахрома. На спинке — 17 трубчатых складок, боры. На голове женщины косынка, головка из бордового шелка треугольной формы. Ее налобная часть и углы украшены золотным шитьем стилизованного цветочного рисунка, а по углам — золотной бахромой. Шею украшает ожерелье из полоски красного шелка, расшитой бисером и пуговицами со стеклянными глазками, а снизу пришиты фигурные цепочки и нити из бисера. Серьги собраны из бисера и стразов на металлической основе».



Нижегородская область. Женский праздничный костюм XIX века


Любопытный факт:
В Нижегородской области было широко развито золотое шитье. Зажиточные женщины надевали на праздники шелковые и парчовые сарафаны. А по богатству головного убора судили о достатке семьи, поэтому его бережно хранили и передавали по наследству.



Костюм невесты, конец XIX века, Орловская область, Новосильский район, село Сороки (ранее Тульская губерния)


Сергей Глебушкин: «На свадебной рубахе девушки — рукава с оборками из шелковых лент и белого кружева. По ее подолу идет полоса с геометрическим орнаментом в виде ромбов из разноцветных нитей. Сверху надета глухая понёва (которая носится с подтыком — уточкой). Ее низ украшен красной шерстяной тканью с зигзагообразной капроновой лентой, металлическим золотным галуном и полосой из разноцветных шерстяных нитей. На поясе — фартук из шерстяной ткани, расшитый шелковыми лентами, мишуной тесьмой и полосой с геометрическим орнаментом из разноцветных нитей. Головной убор — сорока, сшит из штофа бордового цвета, на очелье вставка золотного шитья и мишурный, металлический, золотистый галун. Сорока кареобразной формы сшита из разноцветных, сосборенных шелковых лент. К ее тыльной стороне прикреплены индюшиные перья. Височные украшения — пушки из свалянного гусиного пуха. Нагрудное украшение — из шелковой красной ленты с цветочным орнаментом, пришитой на полоску ткани розового цвета. Наплечные украшение — полеты (пара) из сшитых между собой шелковых разноцветных лент с розеткой».


Любопытный факт:
Орловские крестьянки более остальных любили использовать множество видов и способов украшения одежды. Все праздничные костюмы неизменно создавались на основе композиции, выработанной веками.



Орловская область, Новосильский район. Русский народный женский костюм XIX века


Женский праздничный костюм, конец XIX века, Новгородская область, Пестовский район, село Осипово


Сергей Глебушкин: «На женщине — составная рубаха, верхняя часть которой из кумача, а стан из грубой конопляной домотканины. Сарафан в виде высокой юбки на длинных узких лямках сшит из льняной домотканины темно-синего цвета. По подолу идут полосы из яркого набивного ситца Барановской мануфактуры, разделенные полосками из белых зубчиков. Поверх сарафана — фартук из двух полотнищ, по подолу которого расположены геометрический орнамент, алая лента и белое кружево. Головной убор — сорока, состоит из трех сшивных частей: очелья, донца и затылочной части. Очелье с нашитым золотным шитьем, золотным галуном и поднизью из бисера. Донце — на твердой основе со сплошным золотным шитьем цветочного орнамента. На затылочной части — ленты-завязки из красной шелковой ткани».


Женский костюм, конца ХIХ — начала XX века, Пензенская область, Земетчинский район (ранее Тамбовская губерния)


Сергей Глебушкин: «На женщине — рубаха из домотканого полотна. На ее груди вышивка геометрическим орнаментом и вставки из красной ткани. Сужающийся книзу рукав выше локтя украшен тканными полосами из красных ниток и полоской вышивки по низу. Поверх рубахи надета глухая понёва из домотканого шерстяного полотна. Ее подол оформлен красной полосой с черным набивным цветочным орнаментом, нашитыми шелковыми лентами и кружевом. По краю подола — плетеный шнур из красных шерстяных нитей. Шушпан — нагрудная одежда туникообразного кроя из льняного домотканого полотна. У нее короткий рукав с красным ткачеством и нашитой синей тесьмой. Между центральным и боковыми полотнищами — вставки из кумача. Низ боковых полотнищ украшен полосой ткачества красными нитями. По низу шушпана — полосы кумача и ткачества. Под шушпаном узкий пояс из разноцветных шерстяных нитей, украшенный бисером и кистями из красных и желтых нитей».


Праздничный костюм, конец XIX — начало XX века. Рязанская область, Сасовский район, село Салтыково (ранее — Тамбовская губерния, Спасский уезд)



Сергей Глебушкин: «Это костюм моей бабушки и самый первый в моей коллекции. Он состоит из рубахи, сшитой из синей ткани с цветочным рисунком из неотбеленного льняного полотна. Ворот в виде стоечки, застегивается на белые пуговицы и воздушные петли. Длинный рукав заканчивается манжетой. Понёва — «понька» глухая, сшита из красного домотканого полотна из шерстяных и льняных нитей, с узкими черными поперечными полосками. Подол понёвы украшен разноцветными шелковыми лентами, двумя рядами золотного металлического галуна, широкой полосой красной шерстяной ткани, перламутровыми пуговицами и металлическими блестками. Запон — передник из красной ткани на кокетке, к передней части которой пришито широкое присборенное полотнище ткани. Кокетка и нижняя часть подола украшены шелковыми лентами, золотным металлическим галуном и бахромой. К краю подола пришита оборка. Пояс соткан из красных шерстяных нитей, концы украшены полосами разноцветных шелковых лент, галуном, рядом белых пуговиц и кистями из шерстяных нитей. Головной убор — составной: повойник, декорированный цветными лентами и разноцветным бисером; «рога» — в виде жесткого валика, вложенного внутрь повойника. Наспинное украшение — ленты, сделаны из черного бархата, к которому пришиты длинные разноцветные ленты».



Рязанская область, Сасовский район. Русский народный женский костюм XIX века


Женский праздничный костюм, вторая половина XIХ века, Смоленская область, Угранский район, деревня Бельдюгино


Сергей Глебушкин: «Костюм состоит из цельнокроеной рубахи сшитой из льняного домотканого полотна. Ее длинный рукав полностью заткан красно-оранжевыми нитями геометрическим орнаментом. На запястье сборка из кумача. По низу подола — полоса красного ткачества. На рубаху надет косоклинный сарафан из темно-синей ткани, по его лямкам, груди, передней части и подолу нашита шелковая тесьма в красно-желтых тонах. По краю подола — полоса из красной ткани. Женщина подпоясана широким кушаком из шерстяных зеленых нитей, на концах которого вышивка разноцветными нитями стилизованного крупного цветка и кисти».


Костюм некрасовской казачки, первая половина XX века, Ставропольский край, Левокумский район, поселок Кумская Долина


Сергей Глебушкин: «Рубаха казачки состоит из двух частей: верх — хлопчатобумажная ткань темно-синего цвета в цветочный рисунок, низ — темно-синего цвета в цветочный рисунок. Рукава из шелка заужены у предплечья, а их окончание собрано под манжету. По оплечью нашиты разноцветные атласные ленты и полоски ткани. Поверх рубахи — «балахон», верхняя плечевая одежда, сшитая из хлопчатобумажной ткани в бордовые и черные узкие продольные полосы. По оплечью — разноцветные шелковые полосы. Завеска (передник) из шелковой ткани, украшен по подолу кружевом и полосой из зеленой шелковой ткани — кырмызом. По бокам пришиты завязки из разных кусочков тканей — мутозоки. На голове женщины — платок с бахромой из разноцветных нитей и белым искусственным кружевом».


Женский праздничный костюм, конец XIX — начало XX века, Тверская область, Ржевский район, деревня Домашено


Сергей Глебушкин: «На женщине — рубаха из льняной домотканины. Ее полики со вставками из красного кумача украшены фабричной тесьмой с цветочным орнаментом. Широкий рукав завершается манжетой. На рукаве — тканный геометрический орнамент и вставка ажурной вышивки (перевить) разноцветными нитями. Косоклинный сарафан из льняной домотканины украшен шелковой тесьмой в поперечную полосу с жаккардовым растительным орнаментом. По центру переда — полоса ситца в мелкий цветочек, окантованная плетеным зеленым шерстяным шнуром, декорированная металлическими пуговицами со стеклянными вставками. По подолу — шелковая лента, металлический галун и полоса «французского» ситца с многоцветным цветочным орнаментом по красному фону. На талии — пояс в поперечную полосу, вытканный из разноцветных нитей. Ее образ завершает головной убор сорока в виде косынки из бордового сатина, с очельем из золотного галуна. Угол косынки украшен узким металлическим галуном и бахромой из разноцветных шерстяных нитей, а концы завязок — галуном и разноцветными шелковыми лентами».


Женский костюм, конец XIX века, Тульская область, Белёвский район, село Болото


Сергей Глебушкин: «В наряде женщины — рубаха из домотканого полотна, с рукавами, собранными в манжеты у запястья. Оплечье украшено ткачеством в виде крупного геометрического орнамента красными нитями. На рубаху надет сарафан круглого кроя на узких лямках из черного сатина. Поверх сарафана — запан (фартук) на кокетке из домотканого льняного полотна. На передней части пришита полоса вышивки красными и черными нитями. Низ подола украшен ткачеством в виде геометрического орнамента красными нитями и кружевом с зубчатым краем».


Благодарим за предоставленные фотографии и информацию Сергея Глебушкина.

]]>
Педагогические идеи Николая ДобролюбоваВ день рождения Добролюбова портал «Культура.РФ» публикует любопытные тезисы просветителя о воспитании и образовании в России.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/80028/pedagogicheskie-idei-nikolaya-dobrolyubovaFri, 05 Feb 2016 22:22:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Педагогические идеи Николая Добролюбова

НовостиЛекции

Литературный критик, поэт, публицист, революционный демократ — за свою недолгую жизнь (судьба отвела ему всего 25 лет) Николай Добролюбов успел написать сотни статей и рецензий. Он критиковал современный ему общественный строй и, даже рецензируя чужие произведения, старался проповедовать свои социально-политические идеи. «Учительский тон» его текстов отмечали и современники, и исследователи.


Учителем он был и в жизни. Выпускник петербургского Педагогического института, Добролюбов был готов к блестящей деятельности на ниве народного образования и просвещения, много говорил о принципах педагогики, превратив узкую специальную проблему в общезначимую.


В день рождения Добролюбова портал «Культура.РФ» публикует любопытные тезисы просветителя о воспитании и образовании в России.

]]>
Хранители времени. Какие тайны открывают архивариусыПамять о событиях столетней давности хранят архивы.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/94857/khraniteli-vremeni-kakie-tainy-otkryvayut-arkhivariusyWed, 09 Mar 2016 16:49:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Хранители времени. Какие тайны открывают архивариусы

МузеиПубликации раздела Музеи

Документы, чертежи, дневники, письма, мемуары, свитки и даже берестяные грамоты. Память о событиях столетней давности хранят архивы. Первые архивариусы в России появились в 1720 году — по указу Петра Первого. С тех самых пор в фондах собрано 700 миллионов документов — от исторических, государственного значения, до личных.


Государственный архив РФ



Государственный архив РФ. Хранилище документов государственных учреждений, начиная с 1917 года. Крупнейший федеральный архив страны, в котором хранится около 7 миллионов дел по истории России ХIХ - ХХI веков. Архив - не просто собрание документов за семью печатями. При содействии Госархива проводятся выставки, рассказывающие об истории России: военном деле, научных достижениях, царских реформах и многом другом.


Военно-исторический архив



Сводки с полей сражений. По указу Павла I в конце ХVIII века военные донесения и хронику сражений стали сохранять для потомков. Собрание пополнялось архивами военачальников: Суворова и Кутузова, Скобелева и Ермолова. Архив сохранил данные о воинском пути литераторов Лермонтова, Толстого, Достоевского и о литературных персонажах, имевших прототипы в русской армии, — таких как Иеронимус фон Мюнхгаузен. Известный на весь мир барон служил корнетом, поручиком и ротмистром, составлял донесения, достойные внимания военачальников и издателей.


Архив литературы и искусства



Собрание личных фондов писателей, художников, композиторов. С 1941 года под одной крышей оказались коллекции Литературного музея, некоторые материалы Третьяковки и Исторического музея. Самый древний документ — рукописная книга ХIV века, которая рассказывает о Пасхе на древнееврейском языке. Самый уникальный — Остафьевский архив, с автографами Петра I, Екатерины II, Байрона, Бальзака. Архив хранит историю русского театра в эскизах декораций и режиссерских заметках, коллекцию русского авангарда, что пережидала идеологическую войну за архивными стенами.


Архив кинофотодокументов



Зримая история России. Миллион фотографий и 250 тысяч кинодокументов. За 90 лет истории в архиве стал одним из самых обширных в мире. Первые фотографии собрания датированы серединой ХIХ века, а первые кадры были сняты во время коронации императора Николая II в 1896 году — всего спустя год после изобретения кинематографа. Архив — не просто историческая кладовая. Ежегодно в читальных залах бывает до пяти тысяч посетителей. В этих стенах работали классики отечественного кино и театра: Михаил Ромм, Эльдар Рязанов, Сергей Бондарчук, Андрей Тарковский, Олег Ефремов.


Госфильмофонд России



Экспонаты, знакомые с детства. «Экскурсия» по киноархиву начинается с мультфильмов, к примеру, Федора Хитрука и киносказок Александра Роу. За кадром для зрителей остаются монтажные листы, сценарии, киноплакаты. Все это часть богатейшей коллекции фонда, которая ежегодно пополняется. Как только фильм выходит на экран, его копия уходит на вечное хранение в Госфильмофонд и становится документом. Уникальные экспонаты были привезены из Германии в 1945 году, а спустя год трофейные картины уже вышли на широкий экран.


Фонд телевизионных и радиопрограмм



Золотой фонд телевидения и радио. Начинался архив вместе с открытием Дома звукозаписи в 1930 году. Документами становились первые передачи, кинохроника, сводки с фронта, прочитанные Юрием Левитаном. Бобины кинопленки и аудиоматериалов сменились цифровыми записями. Коллекцию минувшего века постепенно переводят в цифровой формат.

]]>
Музеи Московского Кремля: что и где10 марта 1806 года император Александр I подписал указ, положивший начало первому национальному музею России.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/94949/muzei-moskovskogo-kremlya-chto-i-gdeThu, 10 Mar 2016 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Музеи Московского Кремля: что и где

МузеиПубликации раздела Музеи

10 марта 1806 года император Александр I подписал указ, положивший начало первому национальному музею России — Оружейной палате, впоследствии — Государственному историко-культурному музею-заповеднику «Московский Кремль».


Фотография: Валентин Оверченко / Музеи Московского Кремля

Основание


Император Александр I

На протяжении веков при русских царях в здании Оружейной палаты находились мастерские по созданию оружия, знамен, ювелирных изделий и икон, хранилась государственная казна и регалии, а также военные трофеи и дипломатические подарки. Но во времена империи мастерские уже давно перестали работать и палата превратилась в склад, куда с 1732 года по указу Сената передавались старинные любопытные вещи из других приказов и коллегий. Фактически она превратилась в музей — только без посетителей и каталогов.


Император Александр I спустя пять лет после вступления на престол, продолжая наводить порядок в своем государстве, подписал указ об официальном превращении Оружейной палаты в музей, назначил директора и начал строить новое здание. Приказ успел вовремя: за шесть лет до наполеоновского нашествия. За эти годы директор Петр Валуев привел коллекцию и штат сотрудников в такой идеальный порядок, что царские сокровища в 1812 году эвакуировали из Москвы с военной четкостью и без малейших потерь.


Постояннная экспозиция



Сегодня Оружейная палата — это часть огромного комплекса Музеев Кремля. Она размещается в здании, построенном в 1851 году Константином Тоном, и является частью Большого Кремлевского дворца. Два ее этажа вмещают постоянную экспозицию, где кроме ювелирных сокровищ можно увидеть такие громоздкие экспонаты, как кареты, троны и кресла, а также огромные платья с фижмами, которые из-за своих размеров практически никогда не попадают на выставки.


Другая постоянная экспозиция, посвященная драгоценным предметам христианского культа, размещена в здании Патриарших палат. Попасть в бывший дворец главы Русской церкви, смежный с церковью Двенадцати Апостолов, можно со стороны Соборной площади, рядом с Успенским собором.


Соборы



Другое сокровище кремлевских музеев — храмы. Главная церковь Руси, в которой венчались на царство монархи, — Успенский собор. Здесь находятся гробницы митрополитов и патриархов, а в иконостасе стоят превосходные иконы (впрочем, главные шедевры иконописи в годы советской власти были переданы из собора в Третьяковскую галерею и другие музеи). На противоположном конце Соборной площади находится Архангельский собор, тесный из-за многочисленных гробниц великих князей, царей и императоров. Здесь же стоит рака святого царевича Дмитрия. Стены храма украшены надгробными «портретными» фресками с изображениями московских правителей. В его южной пристройке открыта экспозиция, посвященная снесенному Вознесенскому монастырю — прибежищу женщин Русского царства.



Третий храм на площади — Благовещенский, он был домовой церковью монархов. Это небольшая и уютная церковь, она украшена фресками и иконами, которые по сравнению с предыдущими храмами очень удобно разглядывать. Наконец, из числа главных церквей Кремля — колокольня Ивана Великого и примыкающие к ней Успенская звонница и Филаретова пристройка. Наверх, на колокольню, можно подняться — там размещен небольшой музей, посвященный истории архитектурного ансамбля Кремля.


Другие церкви — помельче. Храм Двенадцати Апостолов, смежный с Патриаршими палатами, продолжает его постоянную экспозицию, посвященную христианским реликвиям. В церкви Ризоположения (напротив главного входа в Успенский собор) размещена выставка древнерусской деревянной скульптуры. Остальные храмы встроены в комплекс Большого Кремлевского дворца (парадной резиденции президента) и закрыты для посещения.


Выставки



Поскольку фонды Музеев Кремля огромны, а помещения для показа сокровищ достаточно тесные, на выставках, которые здесь устраиваются, можно увидеть многие вещи, отсутствующие в постоянной экспозиции. Ну и, разумеется, то, что присылают иностранные музеи.


Выставки в Кремле проходят в двух залах — на первом этаже Патриаршего дворца (отдельный вход со стороны Государственного Кремлевского дворца) и в колокольне Ивана Великого (центральный вход в пространство Успенской звонницы). Однако не так давно музею передали здания за пределами Кремлевских стен (Средние торговые ряды на Красной площади, рядом с ГУМом), и после реконструкции выставочные площади, возможно, расширятся.



]]>
По следам средневековых путешественниковГде бывали и что видели наши предки.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/111528/po-sledam-srednevekovykh-puteshestvennikovWed, 25 May 2016 13:29:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

По следам средневековых путешественников

ЛитератураПубликации раздела Литература

Путь длиною в несколько месяцев, опасности и несовершенство транспорта — все это не смущало древних путешественников средневековой Руси. Паломничества, посольства и деловые поездки были важной частью их жизни.



Много столетий назад у странников была своя, особенная философия путешествий. Филолог Юрий Лотман говорил, что земля одновременно воспринималась ими и как географическое пространство, и как место земной жизни, противопоставленное жизни небесной, а значит, получала несвойственное современным географическим понятиям религиозно-моральное значение. Проще говоря, существовали земли «грешные», путь в которые не сулил ничего хорошего — в первую очередь душе путника, и земли «праведные», в которые мысленно или физически стремились попасть люди прошлого.


Ездить, конечно, приходилось и туда, и туда. И вот как воспринимали свои поездки грамотные путешественники.


«Хождение игумена Даниила»


В XII веке монах Данил совершил паломничество в Иерусалим. Он стал первым русским, описавшим путешествие в Святую землю, а текст «Жития и хождения игумена Даниила» послужил образцом для всех последующих «путевых заметок».


Даниил скрупулезно описывает то, что видит на своем пути, начиная от святынь, которые находятся в посещаемых им городах, и заканчивая достопримечательностями. Путешественника интересует буквально все: их вид и состояние, устройство, размеры. Он не забывает упомянуть и расстояния между городами, и природные богатства местности.


«И родится на том острове мастичная смола, и вино хорошее, и плоды всякие».

«Житие и хождение игумена Даниила из Русской земли»


Скорее всего, путешествие Даниила состоялось в 1104–1106 годах, к тому времени Иерусалим уже стал королевством, и нашему соотечественнику удалось познакомиться с первым правителем Святого града — королем Балдуином I.


«Пошел князь иерусалимский Балдуин на войну к Дамаску путем тем, к Тивериадскому морю, ибо там проходит дорога к Дамаску, мимо Тивериадского моря. Я узнал, что хочет князь идти путем тем к Тивериаде, пошел к тому князю, поклонился ему и сказал: «И я бы хотел пойти с тобою к Тивериадскому морю, чтобы походить по тем всем святым местам около Тивериадского моря. Бога ради, возьми меня, князь!» Тогда этот князь с радостью повелел мне пойти с собою и пристроил меня к своим слугам. Тогда я с радостью великою нанял под себя на чем ехать. И таким образом прошли мы места те страшные с воинами царскими без страха и без ущерба. А без воинов той дорогой никто не может пройти; одна только святая Елена путем тем ходила, а другой никто».

«Житие и хождение игумена Даниила из Русской земли»


«Хождение Игнатия Смольнянина»


В конце XIV века диакон Игнатий, уроженец Смоленского княжества, вместе с епископом Михаилом и митрополитом Пименом отправился в Константинополь. Предполагал ли он, свидетелем скольких исторических событий ему придется стать, и догадывался ли, что больше никогда не увидит своей малой родины, о которой неоднократно вспоминал в «Хождении», мы точно сказать не можем.


Игнатий описывает не только свое путешествие, но упоминает о «распре некой» между митрополитом Пименом и московским великим князем Дмитрием Ивановичем (Донским), рассказывает о борьбе за престол между Калояном и Мануилом Палеологами и в конце концов повествует о венчании на царство Мануила II Палеолога («в лето 6900 месяца февраля 11»).


В своем тексте Игнатий передает для потомков ценную информацию о том, как выглядел Константинопольский ипподром и барабан купола Софийского собора.


«В тридцать первый день ходили на верх церкви святой Софии, видели 40 окон шейных, мерили окно со столпом, две сажени без двух пядей».

«Хождение Игнатия Смольнянина»


В Константинополе Игнатий пробыл до 1393 года, затем отправился в Иерусалим (1393—1395), а дни свои закончил на Афоне, оставив описание всех путешествий.


Фра Беато Анджелико. «Благовещение»

«Исхождение Авраамия Суздальского»


В 1437 году Авраамий, епископ Cуздальский, стал членом Русского посольства на Ферраро-Флорентийский собор (1438–1439). Русский посол был свидетелем католического богослужения и в подробностях описал мистерии «Благовещение» и «Вознесение», которые наблюдал в церквях Флоренции. Впечатления от увиденного легли в основу текста «Исхождения Авраамия Суздальского на осьмый собор с митрополитом Исидором в лето 6945».


«И еще создано весьма чудесно. И это устроено наверху за занавесами, от прежних дверей до средины церкви саженей двадцать пять великих. На этом месте создан мост каменный от одной стены до другой, на каменных же столбах, на высоте трех саженей, в ширину же две с половиной сажени. И этот мост постлан красивой поволокой. На постланном месте в левой стороне устроена кровать с господской постелью и одеялом. У кровати же этой в головах весьма чудные и дорогие подушки положены. На этом важном и чудном месте отрок благоразумный сидит, облаченный в дорогую и пречудную девическую одежду и венец. В руках книги держит и тихо читает и по всему подобию напоминает пречистую деву Марию».

«Исхождение Авраамия Суздальского на осьмый собор с митрополитом Исидором в лето 6945»


Авраамия интересовала и игра актеров, и их одежда, и оформление сцены. Автор эмоционально, даже восторженно описывает происходящее, давая читателю ценные сведения об устройстве сценических машин, рисунках тканей, световых и шумовых эффектов:


«Во время подъема ангела сверху, от отца с великим шумом и непрерывным громом пошел огонь на ранее упомянутые веревки и на средину помоста, где пророки стояли. И назад вверх этот огонь возвращался и от верха прытко приходил книзу. И от этого обращения огня и от ударов вся церковь искрами наполнилась. Ангел же поднимался к самому верху, радуясь и помахивая руками туда и сюда и крыльями двигая.
Просто и ясно видно, как он летит. Огонь же обильно начинает исходить от верхнего места и по всей церкви сыплется с великим и страшным громом. И незажженные свечи в церкви от великого этого огня зажигаются. А зрителям и их портам нет никакого вреда. Дивное и страшное это зрелище.
Ангел же возвратился кверху в свое место, откуда спускался, огонь перестает и занавесы все по-прежнему закрываются. Это чудное зрелище и хитрое устройство видели в городе Флоренции, и сколько мог своим малоумием понять, то и описал это зрелище. Иначе и нельзя описать, так как это пречудно и несказанно. Аминь».

«Исхождение Авраамия Суздальского на осьмый собор с митрополитом Исидором в лето 6945»


Купцы. Миниатюра из Лицевого свода. XVI век

Живость и красочность описания сделали текст «Исхождения» одним из самых популярных на Руси. Вплоть до середины XVII века «Исхождение» оставалось единственным памятником древнерусской литературы, повествующим о театральных представлениях.


«Хождение Афанасия Никитина»


Во второй половине XV века тверской купец Афанасий Никитин оказался в Индии. Похоже, что действительно «оказался», как свидетельствует он сам — «от многия беды». Текст Никитина — это набор путевых заметок, которые интересны не только тем, что отступают от жанра хождения, но и тем, что в корне меняют представление об Индии.


Долгое время на Руси Индию воспринимали как рай на земле: идеальную христианскую страну, где правит «царь и поп» в одном лице. Среди текстов, с которыми были знакомы средневековые читатели, можно найти «Сказание об Индийском царстве» — послание мифического индийского царя-христианина Иоанна византийскому императору Мануилу. В этом удивительном произведении, не противореча христианскому пафосу, описывается целый мир удивительных существ, населяющих далекие неизведанные земли.


«Я поборник православной веры Христовой. Царство же мое таково: в одну сторону нужно идти десять месяцев, а до другой дойти невозможно, потому что там небо с землею встречается. И живут у меня в одной области немые люди, а в другой — люди рогатые, а в иной земле — трехногие люди, а другие люди — девяти сажен, это великаны, а иные люди с четырьмя руками, а иные — с шестью».

«Сказание об Индийском царстве»


Столетие спустя (текст «Сказания» датирован XII веком, однако на Русь он попал в XIII или XIV столетии) Никитин воочию видит Индию, встречается с местными жителями, попадает в неприятные ситуации и, конечно, иначе описывает окружающих его людей и вещи.


«В Бидаре на торгу продают коней, камку, шелк и всякий иной товар да рабов черных, а другого товара тут нет. Товар все гундустанский, а из съестного только овощи, а для Русской земли товара нет. А здесь люди все черные, все злодеи, а женки все гулящие, да колдуны, да тати, да обман, да яд, господ ядом морят».

«Хождение за три моря»


Афанасий Никитин явно надеялся, что его «Хождение» прочтут на Руси, и активно маскировал некоторые щекотливые моменты, чтобы текст был доступен не всем. Здесь встречаются отрывки на тюркском и персидском языках, записанные кириллическими буквами. Таким образом «зашифрованы» не только наблюдения о стоимости рабов и женщин легкого поведения, но и тексты молитв, в которых есть заимствования из Корана, а также некоторые рассуждения о родине.


«Бог да сохранит! Боже, сохрани ее! Господи, храни ее! На этом свете нет страны, подобной ей, хотя эмиры Русской земли несправедливы. Да устроится Русская земля и да будет в ней справедливость! Боже, Боже, Боже, Боже!»

«Хождение за три моря»



«Сказание о Дракуле»


Следующий текст нельзя отнести к литературным памятникам, посвященным путешествиям. «Сказание о Дракуле» представляет собой древнейший образец оригинальной русской беллетристики, но не рассказать о нем здесь мы не можем.


Автором сказания мог быть дьяк Ивана III Федор Курицын, возглавлявший в 1482–1484 годах Русское посольство к венгерскому королю Матвею Корвину и молдавскому господарю Стефану Великому. Во время посольства дьяк записал ряд анекдотов, которые и составили основную часть повести. Именно благодаря этому тексту, по крайней мере в уме русского читателя, начал складываться образ румынского князя-изверга.


О Дракуле писали и многие другие путешественники. Но от зарубежных аналогов повесть Курицына отличает странная черта: рассказывая о зверствах своего героя, автор текста уточняет, что он беспощадно карает всякое преступление, кто бы его ни совершил, что в глазах русского посла было бесспорным благом.


«И так ненавидел Дракула зло в своей земле, что, если кто совершит какое-либо преступление, украдет, или ограбит, или обманет, или обидит, не избегнуть тому смерти. Будь он знатным вельможей, или священником, или монахом, или простым человеком, пусть бы он владел несметными богатствами, все равно не мог откупиться он от смерти, так грозен был Дракула».

«Сказание ο Дракуле»



]]>
Людмила Зыкина. Певица, которая мечтала летатьГолос Людмилы Зыкиной называли лучшим в Советском Союзе, а 2000 песен — народным достоянием.http://yandex-rss.herokuapp.com/materials/118369/lyudmila-zykina-pevica-kotoraya-mechtala-letatFri, 10 Jun 2016 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Людмила Зыкина. Певица, которая мечтала летать

МузыкаПубликации раздела Музыка

Людмила Зыкина до сцены прошла настоящую трудовую школу — токарь, санитарка, швея. Но на прослушивании в хоре Пятницкого 18-летнюю Людмилу выбрали из 400 претенденток. Так старейший хоровой коллектив России стал для Зыкиной первой певческой школой.


«Заслуженный орджоникидзовец»

Людмила Зыкина
Фотография: vmiremusiki.ru

«Одна из самых дорогих наград» — так говорила всемирно известная певица о первом в своей жизни знаке отличия. Это было почетное звание, которое 12-летняя Люся получила, работая в годы войны на заводе. Благополучное московское детство девочки из рабочей семьи закончилось, как и для всех детей военного времени, в 1941 году.


Поступила на станкостроительный завод имени Орджоникидзе и помогала фронту, работая токарем. Тогда же в газете «Большевик станкозавода» девочка написала заметку, получив третий рабочий разряд: «Теперь, проходя по заводу, я вижу плакат «Чем ты помог фронту?» и с гордостью думаю: «Да, я выполняю работу, которая помогает моей любимой Родине».



Спор про хор


Впервые Люся спела на публике в четвертом классе. На концерте в Доме пионеров исполнила романс «Белой акации гроздья душистые». Пела и во время войны. После работы на заводе выступала перед ранеными в госпитале, а в мирные годы — в Черемушкинском клубе и кинотеатре «Художественный».


В хоре имени Пятницкого Людмила Зыкина оказалась случайно. Просто в 1946 году увидела объявление о наборе и поспорила с подружками на шесть порций мороженого, что пойдет на прослушивание. В итоге оказалась в прославленном хоре. По случаю познакомилась молодая певица и со Сталиным. Он решил как-то после концерта сфотографироваться с любимым коллективом и оказался рядом с Людмилой Зыкиной.


Но спустя три года случилось несчастье — у певицы умерла мама, и Людмила Зыкина потеряла голос. Пришлось оставить сцену. Она ушла работать в типографию — печатала брошюры и старалась не падать духом. Прошел год, и голос вновь зазвучал — уже в эфире. Зыкина пришла в хор русской песни Дома радио.




Музыкальный багаж


13 лет работы в хоровых коллективах и победы во многих престижных смотрах — от Всероссийского конкурса молодых исполнителей в 1947 году до Всероссийского конкурса артистов эстрады в 1960-м. Зыкина задумалась о сольной карьере и в этом же году стала солисткой Москонцерта. В эпоху Лидии Руслановой и Клавдии Шульженко старалась остаться самой собой и много работала, не отказываясь ни от каких концертов.


В начале 60-х Людмила Зыкина в составе программы «Московский мюзик-холл» едет в Париж. Это было первое выступление артистов советской эстрады. За границей хорошо знали лишь балет. Пресса отметила небывалое количество звезд в одном концерте, а эмигранты, сидевшие в зале, впервые увидели советскую певицу, исполнявшую на Западе русские народные песни.



Мама ансамбля «Россия»


Людмила Зыкина объехала с концертами весь Советский Союз и около 90 стран. Как-то на гастролях в США известный импресарио Соломон Юрок настолько был впечатлен выступлением, что посоветовал певице собрать собственный компактный коллектив. В 1977 году певица создает ансамбль «Россия». Артисты называли Людмилу Георгиевну «мама». Она руководила музыкантами до конца своей жизни.


«Музыкальное крещение» состоялось в одном из самых престижных концертных залов мира — американском «Карнеги-холле», где коллектив дал более 40 концертов. С тех пор ансамбль записал более 30 дисков и с гордостью носит имя Людмилы Зыкиной.




Людмила Зыкина за кулисами


Она любила скорость и путешествия на машине. За почти полвека водительского стажа на собственной «Волге» объехала Подмосковье, Рязанский край, Орловщину, Брянск, добиралась за рулем и до Кавказа. Мечтала об иномарке, как у знаменитого скрипача Леонида Когана, после того как он подвез певицу на своем «пежо», но подруга, Екатерина Фурцева, раскритиковала: «Ты, что ли, не русская певица?» Лишь через долгие годы Людмила Зыкина пересела на «шевроле».


Замужем певица была четыре раза. И хотя предложение статной красавице в Чикаго делал даже фабрикант русского происхождения, владеющий шоколадным производством, она выбирала мужчин без громких имен. В 22 года певица вышла за инженера автозавода Владлена Позднова, затем стала супругой фотокорреспондента журнала «Советский воин» Евгения Свалова, познакомившись с ним в троллейбусе. Третий муж — преподаватель иностранных языков Владимир Котелкин, четвертый брак стал творческим: Людмила Георгиевна связала жизнь с баянистом и дирижером Виктором Гридиным.



«О славе я не думала»


Ее голос называли лучшим в Советском Союзе, а 2000 песен — народным достоянием. Свое первое высокое звание народной артистки певица получила в Азербайджане. Народной Зыкина стала в Узбекистане, Удмуртии, Бурятии, Марий Эл. Французы вручили русской певице орден за миллионный тираж пластинок и популяризацию песен среди французской молодежи.


В жизни певицы было огромное количество наград, иногда самых неожиданных — как, к примеру, «Почетный матрос». Людмила Георгиевна окончила Гнесинку и затем преподавала в родной академии. Имя певицы носит Краснодарская консерватория и алмаз в 55 карат Алмазного фонда России. Но главное — память. Две тысячи песен, которые за 60 творческих лет исполнила Людмила Георгиевна.



Готовить свои концертные программы певица любила в лесу. Возможно, оттого и песни о России, звучавшие в ее исполнении, настолько образные и теплые. Представляются и белые березы, и синее небо, и высокий берег реки, что «течет издалека долго»...

]]>
Акция «Ночь кино» в Санкт-ПетербургеЕжегодная всероссийская акция пройдет 24 августа.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/118667/akciya-noch-kino-v-sankt-peterburgeThu, 11 Jan 2018 12:32:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Акция «Ночь кино» в Санкт-Петербурге

Новости

В 2019 году Всероссийская акция «Ночь кино» пройдет 24 августа. В открытых кинотеатрах, концертных залах, музеях и библиотеках Санкт-Петербурга в этот вечер пройдет особая программа. Гостей ждут лекции и концерты, экскурсии и показы известных фильмов.



Что покажут на «Ночи кино» в 2019 году


24 августа в кинотеатрах города покажут три фильма, которые были отобраны на всероссийском голосовании, — это «Балканский рубеж» режиссера Андрея Волгина, «Домовой» Евгения Бедарева и «Полицейский с Рублевки. Новогодний беспредел» Ильи Куликова. Также в культурных учреждениях Санкт-Петербурга для гостей проведут лекции по истории кино, творческие встречи, викторины, мастер-классы и другие мероприятия.



Ежегодная акция «Ночь кино» пройдет в России уже в четвертый раз. Подробную информацию об акции по всей стране ищите на официальной странице «Ночи кино — 2019».


Все события «Ночи кино» смотрите в афише.


Если вы организатор — добавьте ваше мероприятие в систему «PRO.Культура.РФ» (ранее — АИС ЕИПСК) и укажите тег «ночь кино».

]]>
Акция «Ночь кино» в АрхангельскеЕжегодная всероссийская акция пройдет 24 августа.http://yandex-rss.herokuapp.com/news/118671/akciya-noch-kino-v-arkhangelskeThu, 11 Jan 2018 12:33:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Акция «Ночь кино» в Архангельске

Новости

В 2019 году Всероссийская акция «Ночь кино» пройдет 24 августа. В открытых кинотеатрах, концертных залах, музеях и библиотеках Архангельска в этот вечер пройдет особая программа. Гостей ждут лекции и концерты, экскурсии и показы известных фильмов.



Что покажут на «Ночи кино» в 2019 году


24 августа в кинотеатрах города покажут три фильма, которые были отобраны на всероссийском голосовании, — это «Балканский рубеж» режиссера Андрея Волгина, «Домовой» Евгения Бедарева и «Полицейский с Рублевки. Новогодний беспредел» Ильи Куликова. Также в культурных учреждениях города для гостей проведут лекции по истории кино, творческие встречи, викторины, мастер-классы и другие мероприятия.



Ежегодная акция «Ночь кино» пройдет в России уже в четвертый раз. Подробную информацию об акции по всей стране ищите на официальной странице «Ночи кино — 2019».


Все события «Ночи кино» смотрите в афише.


Если вы организатор — добавьте ваше мероприятие в систему «PRO.Культура.РФ» (ранее — АИС ЕИПСК) и укажите тег «ночь кино».

]]>
Михаил ГлинкаИстория жизни композитора, который написал первые национальные оперы - «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила».http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8279/mikhail-glinkaWed, 09 Oct 2019 12:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Михаил Глинка

МузыкаПерсоныКомпозитор

Михаил Глинка стал первым классиком русского романса, придумал, как совмещать разные ритмы и настроения в одном произведении, и сочинил первую национальную русскую оперу - «Жизнь за царя». На постановки композитора ходила императорская семья, а талант высоко оценивали современники Василий Жуковский и Александр Пушкин. Критик Владимир Стасов писал: «Во многих отношениях Глинка имеет в русской музыке такое же значение, как Пушкин в русской поэзии. Оба - великие таланты <...>, оба создали новый русский язык - один в поэзии, другой - в музыке».


Тепличный ребенок: детство Михаила Глинки


Яков Яненко. Портрет Михаила Глинки. 1840-е. Изображение: wikipedia.org

Михаил Глинка родился в селе Новоспасском Смоленской губернии. Его семья принадлежала к старинному дворянскому роду и владела большим имением с оранжереями, прогулочными галереями и фонтанами. Жили на доходы от конного и кирпичного заводов. Отец, Иван Глинка, был отставным капитаном. Он женился на своей троюродной сестре, Евгении Глинке-Земельке. Брак был по любви: несмотря на возражения опекуна невесты, пара тайно обвенчалась в церкви.


Сразу после рождения Михаила Глинку забрала на воспитание бабушка: годом ранее скончался первенец Алексей, и она винила в смерти внука родителей. Композитор писал в «Записках М. И. Глинки»: «Я был ребенком слабого сложения <...> бабка моя, женщина преклонных лет часто хворала, поэтому в комнатах было, по крайней мере, не менее 20 градусов тепла по Реомюру. Несмотря на это, я не выходил из шубки; по ночам же и часто днем поили меня чаем со сливками со множеством сахару». Бабушка баловала внука: Глинка практически не выходил на улицу, любил рисовать мелом прямо на полу и бить в медные тазы, подражая колокольному звону. За будущим композитором следила няня Авдотья Ивановна. Она часто пела русские народные песни и рассказывала сказки и былины.


В 1810 году бабушка скончалась, и шестилетнего Михаила Глинку забрали родители. Мать стала заниматься образованием сына: наняла француженку-гувернантку, которая учила читать и писать, и попросила знакомого архитектора позаниматься с ним рисованием. Глинка увлекся географией и книгами о путешествиях.


В 1812 году семье пришлось уехать из дома к родственникам в Орел - шла Отечественная война с Наполеоном Бонапартом и оставаться в Смоленской губернии было небезопасно. В свой дом Глинки вернулись через год. На месте старого полуразрушенного дома, отец решил построить новый - двухэтажный, с портиком и колоннами. Тогда же в гостиной поставили фортепиано.


Отец Глинки любил шумные праздники. На его именины в дом приезжало много гостей, а сам праздник длился несколько дней. Музыкантов для домашнего бала просили у брата матери, Афанасия Глинки - он имел свой оркестр из крепостных крестьян. В один из вечеров Михаил Глинка услышал в гостиной концерт композитора Бернхарда Круселля с кларнетом, и решил научиться играть на инструментах.


«С той поры я страстно полюбил музыку. Оркестр дяди был для меня источником самых живых восторгов <...> Во время ужина играли русские песни <...> и может быть эти песни, слышанные мною в ребячестве, были первою причиной того, что впоследствии я стал преимущественно разрабатывать народную русскую музыку»

Михаил Глинка, «Записки М.И. Глинки»


О своем желании заниматься музыкой Михаил Глинка рассказал матери. В 1814 году крепостной из оркестра дяди стал давать ему уроки по игре на фортепиано и скрипке.


Учеба в петербургском пансионе и первые музыкальные опыты


Петр Каратыгин. Карл Брюллов, Яков Яненко, Михаил Глинка, Нестор Кукольник, Иван Поливанов (фрагмент). Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В декабре 1817 года Михаила Глинку отправили в Петербург - учиться в благородный пансион при Педагогическом Институте. Композитор вспоминал: «Отец не щадил для меня издержек, и потому поместил меня с тремя другими воспитанниками <...> в мезонин того же дома; там нашлось место и для фортепиано, которое вскоре заменили роялем Тишлера. Тишнер в то время был лучшим мастером в Петербурге <...>». Пансион славился хорошим образованием: воспитанникам преподавали пять языков - латынь, немецкий, французский, английский, персидский, - арифметику и геометрию, географию и зоологию. Михаилу Глинке легко давалась алгебра: вскоре он стал репетитором и помогал с заданиями своим друзьям. Хуже всего удавались танцы и фехтование. Глинка вспоминал: «Нашими учителями были Севербрик и Гавеман; первый часто говорил: «Эй, Глинка, заколю!». И действительно колол меня».


Занятия в пансионе Михаил Глинка совмещал с частными уроками музыки. Его преподавателем сначала был ирландский композитор Джон Филд, потом пианист Шарль Майер. Глинка учил теорию музыки и сольфеджио, а по выходным ходил на концерты или в оперу. Гувернер будущего композитора, поэт Вильгельм Кюхельбекер, разрешал играть на фортепиано в любое время и хвалил его импровизации. На старших курсах Кюхельбекер познакомил Глинку со своими друзьями: Александром Пушкиным и Антоном Дельвигом.


В 1822 году Михаил Глинка выпустился из пансиона. Службу будущий композитор не нашел и через несколько месяцев отправился вместе с дядей на Кавказ. Он побывал в Пятигорске, Кисловодске и Назрани. Однако горный климат не пошел на пользу: Глинка заболел и решил вернуться в родное село. Все свое время там он проводил за роялем. В «Записках М.И. Глинки» он писал: «Чтобы добиться более отчетливого исполнения, всякий раз, когда приезжали музыканты <...> я проходил с каждым музыкантом его партию, до тех пор, пока не было ни одной неверной или даже сомнительной ноты в исполнении. Таким образом, я подметил способ инструментовки большей части лучших композиторов для оркестра».


В Петербург Глинка вернулся лишь в 1824 году. Он устроился помощником секретаря в Главное управление путей сообщения. Служба отнимала у композитора пять-шесть часов в день, все остальное время он музицировал или проводил на светских вечерах. Он вспоминал: «В конце этого года я встречался иногда с некоторыми из прежних товарищей; один из них упрекал меня за то, что я оставил серьезные занятия, чтобы терять драгоценное время в суетности, как говорил он, в забавах. Я помню, что ответил ему в таком смысле, что успею себе и после, а теперь считаю приличным соображаться с наклонностями своими и возрастом». В это же время Михаил Глинка впервые попробовал сочинять музыку - его часто просили аккомпанировать на вечерах. Первый романс композитор написал на слова Константина Бахтурина - сына главы управления, где работал Глинка. Ноты не сохранились. В 1825 году Михаил Глинка обратился к творчеству известного поэта Евгения Баратынского и написал романс «Не искушай меня без нужды».


В декабре 1825 года Михаил Глинка был на Сенатской площади незадолго до восстания декабристов. Однако он покинул место еще до начала мятежа. Композитор писал: «Мы пробыли на площади несколько часов, потом я, вынужденный голодом (ибо не завтракал), отправился к Бахтуриным. Может быть, это, по-видимому неважное, обстоятельство спасло меня от смерти и увечий; вскоре раздались пушечные выстрелы, направленные против мятежников». В следующую ночь Глинку допросили: жандармы искали его бывшего гувернера Кюхельбекера - поэт сбежал после разгона восстания.


В конце декабря композитор уехал к родственникам в Смоленск. Для одной из племянниц, «миловидной девушки», он написал вариации к модному романсу «Да будет благословенна мать». Пьесу позже доработал учитель Глинки Шарль Мейер, он же отдал ее в печать - романс стал первым опубликованным произведением композитора. В 1825 году Глинка впервые сочинил музыку для хора: в доме одного из смоленских генералов ставили любительскую постановку о коронации Николая I. «Слова были сочинены на французском языке гувернером в доме генерала, музыка была поручена мне; она состояла из хора, арии <...> вся эта музыка была с аккомпанементом фортепиано и контрабаса <...> Несмотря на некоторые неловкости, несообразность тонов, я считаю эту кантату первым удачным опытом в вокальной музыке большого размера».


От вариаций до первой национальной оперы: история создания «Жизни за царя»


Титульный лист «Лирического альбома» Михаила Глинки и Николая Павлищева. 1829. Российская национальная библиотека, Санкт-Петербург

Весной 1826 года Михаил Глинка увлекся поэзией Василия Жуковского и написал два романса на его стихотворения: «Светит месяц на кладбище» и «Бедный певец». С самим поэтом Глинка познакомился спустя два года: композитора представил его друг князь Голицын. В это время музыкант сочинял практически каждый день. Он писал романсы, серенады, небольшие пьесы для фортепиано, квартеты для струнных и сам исполнял свои же произведения на светских вечерах. В 1828 году историк Николай Павлищев включил сочинения Глинки в «Лирический альбом» - музыкальный сборник современных композиторов.


В конце 1828 года у Глинки ухудшилось здоровье. Он оставил службу и переехал домой в Новоспасское. Композитор вспоминал: «В промежуточное время между страданиями (сопровождаемые жаром и бредом) я продолжал музыкальные занятия <...> усовершенствовался в игре на фортепиано, постоянным упражнением в этюдах». Боли усиливались, и врач посоветовал Михаилу Глинке уехать за границу и пробыть там в теплом климате в течение трех лет. В апреле 1830 года композитор покинул Россию и направился в Италию.


Михаил Глинка поселился в Милане. В «Записках М.И. Глинки» он писал: «Я ожил при появлении чудной итальянской весны, воображение зашевелилось и я принялся работать». Композитор писал вариации на оперы и балеты. Две темы из «Анны Болейн» Доницетти напечатали в французских музыкальных журналах. В 1832 году Глинка написал романс «Венецианская ночь».


В Италии композитор не пропускал премьер: театр был его любимым развлечением. Он много путешествовал по стране: Болонья, Рим, Парма, Неаполь и познакомился с итальянскими композиторами Винченцо Беллини и Гаэтано Доницетти. Однако уже в 1833 году Глинка в письме домой признавался: «Я искренно не мог быть итальянцем. Тоска по отчизне навела меня постепенно на мысль писать по-русски».


В июле 1833 года Михаил Глинка решил уехать из Италии в Берлин. Там он написал два романса на стихотворения Жуковского и Дельвига, закончил вариацию «Соловья» Алябьева и написал несколько русских песен для игры в четыре руки. В апреле 1834 года композитор вернулся в Россию.


Михаил Глинка приехал в Петербург и поселился в доме у своего знакомого Алексея Стунеева. В гостях у семьи была и Мария Иванова, родственница Стунеева. Они проводили вместе много времени и вскоре влюбились в друг друга. В 1835 Глинка и Иванова поженились.


Неизвестный художник. Литография «Иван Сусанин или «Жизнь за царя». 1862. Частное собрание

Композитор вернулся к светской жизни: каждую неделю он посещал вечера Василия Жуковского в Зимнем дворце. У поэта собиралась творческая элита, завсегдатаями были Александр Пушкин, критики Петр Плетнев и Петр Вяземский, писатели Николай Гоголь и Владимир Одоевский. На одном из вечеров Михаил Глинка озвучил идею написать национальную русскую оперу. Жуковский сразу же предложил сюжет - историю крестьянина Ивана Сусанина, который завел в лес польско-литовский отряд и тем самым спас царя от смерти. Поэту настолько понравилось идея Глинки, что он сам захотел написать слова и вскоре сочинил «Ах, не мне, бедному ветру буйному». Однако дела по службе не дали ему завершить начатое - Жуковский попросил своего друга, барона Егора Розена помочь композитору с либретто для оперы.


«Как бы по волшебному действию вдруг создался и план целой оперы, и мысль противопоставить русской музыке - польскую. Наконец, многие темы и даже подробности разработки, все это разом вспыхнуло в голове моей»

Михаил Глинка, Записки М.И. Глинки


Композитор сочинял быстро: за весну 1835 года были готовы черновики не только первого и второго действия, но и большая часть всех тем. Стихотворения барон Розен писал на музыку, учитывая ее темп и размер. Глинка вспоминал: «Барон Розен был на это молодец; закажешь бывало столько-то стихов такого-то размера, 2х, 3х сложного и даже небывалого - ему все равно; придешь через день - уже и готово». Заканчивал оперу композитор уже в селе Новоспасском - туда Глинка переехал с женой после венчания. В «Записках М.И. Глинки» он писал: «Сцену Сусанина в лесу с поляками писал зимою; всю эту сцену, прежде чем я начал писать, я часто читал с чувством вслух, и так живо переносился в положение моего героя, что волосы у самого меня становились дыбом и мороз пробирал по коже».


В начале 1836 года опера была закончена. Вскоре начались репетиции - представлением хотели открыть новый сезон Петербургского Большого Театра. Слухи о первой национальной опере быстро распространились по столице: открытые репетиции проходили при полных залах. На один из предпремьерных показов пришел Николай I. Михаил Глинка решил посвятить оперу императору, и назвал ее «Жизнь за царя». 9 декабря 1836 года состоялась премьера.


«Вчерашний вечер совершились наконец желания мои, и долгий труд мой был увенчан самым блистательнейшим успехом. Публика приняла мою оперу с необыкновенным энтузиазмом, актёры выходили из себя от рвения… государь-император изволил меня позвать в свою ложу, взял меня за руки, благодарил меня и долго беседовал со мною. Наследник, императрица и великая княжна Мария Николаевна также удостоили меня лестными отзывами о моей музыке»

Михаил Глинка, письмо к матери от 10 декабря 1836 года


Николаю I так понравилась опера, что он вручил Михаилу Глинке подарок: перстень с топазом, окруженного тремя рядами бриллиантов. А друзья композитора: Александр Пушкин, Петр Вяземский, Василий Жуковский и Михаил Виельгорский, решили поздравить композитора шуточной песней «на четыре голоса». Каждый сочинил по четверостишью.


«Пой в восторге, русский хор!
Вышла новая новинка.
Веселися, Русь! Наш Глинка —
Уж не глинка, а фарфор»

Александр Пушкин


Работа капельмейстером и замысел «Руслана и Людмилы»


Илья Репин. Михаил Глинка в период сочинения оперы «Руслан и Людмила» (фрагмент). 1887. Государственная Третьяковская галерея, Москва

В 1837 году Михаила Глинку назначили капельмейстером Придворной певческой капеллы. Он должен был готовить новые постановки, однако после пары репетиций композитор решил сначала позаниматься с певчими и дать пару уроков по сольфеджио: артистам не хватало мастерства. Преподавал Глинка сам, он тщательно готовился к занятиям и даже написал пару учебных пьес для хора. В это же время у композитора возникла идея сочинить оперу по сюжету поэмы Пушкина «Руслан и Людмила». По задумке Глинки, либретто для постановки должен был написать сам Пушкин. Однако поэт вскоре погиб, и музыкант на время отказался от идеи оперы.


В 1838 году Глинку вместе с двумя помощниками отправили в Украину. Ему поручили найти новых певчих в капеллу. Отбор проходил в несколько этапов: сначала устраивали прослушивание в семинарии, потом самых талантливых приглашали домой и просили исполнить уже технически сложные произведения. За весну и лето этого же года отобрали 19 мальчиков и двух взрослых мужчин. Под впечатлением от Украины Михаил Глинка написал романсы «Гуде ветер» и «Не щебечи соловейко».


Осенью этого же года Михаил Глинка вернулся в Петербург. Практически все время он проводил на службе: обучал новых певчих, репетировал с хором или оркестром. Отношения композитора с женой ухудшились: «Жена моя принадлежала к числу тех женщин, для которых наряды, балы, экипажи, лошади, ливреи и пр. были все; музыку понимала она плохо <...>». Поэтому свободные вечера Глинка старался проводить вне дома.


В 1838 году композитор вернулся к идее оперы «Руслан и Людмила» и взялся за работу. Однако она продвигалась медленно, Глинка писал урывками - выходили только небольшие отрывки. Музыкант вспоминал: «Я всегда писал утром после чаю, и от этой каватины меня беспрестанно отрывали: не успел я написать страницы или двух, как являлся дядька унтер-офицер, руки по швам, и почтительно докладывал: «Ваше благородие! Певчие собрались и вас ожидают».


В 1839 году Глинка познакомился с Екатериной Керн - дочерью Анны Керн, музы Александра Пушкина. В «Записках М.И. Глинки» композитор писал: «...Мой взор невольно остановился на ней: её ясные выразительные глаза, необычайно стройный стан <...> и особенного рода прелесть и достоинство, разлитые во всей её особе, всё более и более меня привлекали». Екатерина Керн разделяла его страсть к музыке: они играли в четыре руки, вместе пели арии из оперы «Жизнь за царя». Михаил Глинка написал для возлюбленной «Вальс-фантазию» и посвятил романс «Если встречусь с тобой» - стихотворение Алексея Кольцова подобрала к музыке Керн. Глинка решил разъехаться с женой: развод она не дала. В это же время тяжело заболела Екатерина Керн. Композитор писал: «Я был не то что болен, не то чтобы здоров: на сердце была тяжелая осадка от огорчений, и мрачные неопределенные мысли невольно теснились в уме». Он перестал появляться на службе, и в декабре 1839 года Глинку уволили с чином коллежского асессора.


Новаторская музыка Михаила Глинки


Михаил Глинка. Изображение: polzam.ru

В 1841 году Екатерина Керн выздоровела, но врачи рекомендовали уехать ей на юг России. Михаил Глинка хотел отправиться вслед за ней и даже написал цикл из 12 романсов «Прощание с Петербургом». Однако бракоразводный процесс с женой вынудил композитора остаться. В ночь, когда Керн уезжала из города, Глинка писал музыку: «Всю ночь я был в лихорадочном состоянии, воображение зашевелилось и в ту ночь изобрел и сообразил Финал оперы, послуживший впоследствии основанием увертюры оперы «Руслан и Людмила». К 1842 году опера была готова, и практически сразу же начались репетиции в Петербургском Большом театре.


27 ноября 1842 года в Петербурге состоялась премьера. Опера «Руслан и Людмила» провалилась: во время пятого акта ложе покинула императорская семья.


«Когда опустили занавес, начали меня вызывать, но аплодировали очень недружно, между тем усердно шикали, преимущественно со сцены и оркестра. Я обратился тогда к бывшему в директорской ложе генералу Дубельту с вопросом: «Кажется, шикают, идти ли мне на вызов?» - «Иди, - отвечал генерал, Христос страдал более тебя»

Михаил Глинка, «Записки М.И. Глинки»


Все обстоятельства сложились против композитора. Сначала у главного декоратора был конфликт с директором театра, и он в отместку «сделал самую пошлую из всех декораций». Глинка вспоминал: «Замок был похож на казармы, фантастические цветы авансцены были безобразно и гадко размалеваны самыми простыми красками <...> Одним словом это была не декорация, а западня для актеров». Потом, перед самой премьерой, заболела прима и ее заменили юной, неопытной артисткой. Тем не менее, за зиму 1842 года опера прошла 32 раза.


В 1844 году Михаил Глинка отправился в Париж. Там композитор подружился с известным музыкантом Гектором Берлиозом, и он включил сочинения Глинки в свою концертную программу. Аплодировал полный зал. Успех натолкнул Михаила Глинку на мысль дать в Париже сольный концерт, который состоялся в апреле 1845 года. Он вспоминал: «Во время концерта зал был полон. Русские дамы словно украсить концерт соотечественника; они явились в великолепном убранстве». Концерт высоко оценила пресса: лестные статьи появились сразу в трех ведущих французских журналах.


В 1845 году Глинка приехал в Испанию. Красивая природа и атмосфера города Вальядолид впечатлили композитора - вскоре после приезда он написал оркестровую пьесу «Арагонская хота». Глинку стала интересовать национальная музыка. Он приглашал себе в квартиру погонщика мулов, просил его спеть народные песни и переносил их на ноты.


Летом 1847 года Глинка вернулся в Россию. Несколько месяцев он пробыл дома, в селе Новоспасском, однако его здоровье ухудшилось, и композитор решил провести пару месяцев в Варшаве. Вскоре в польском городе началась эпидемия холеры. Глинка не выходил из квартиры и все время проводил за роялем. В это время появились романсы «Слышу ли голос твой» на слова Лермонтова и «Заздравный кубок» на стихотворение Пушкина. В 1848 году Глинка сочинил плясовую «Камаринская». Композитор объединил мелодии двух народных песен: свадебной «Из-за гор, гор, высоких гор» и плясовую Камаринскую. В «Записках М.И. Глинки» он писал: «Вдруг фантазия разыгралась, и я вместо фортепиано написал пьесу на оркестр <...> Могу уверить, что я руководствовался при сочинении этой пьесы единственно внутренним музыкальным чувством, не думая ни о том, что происходит на свадьбах, как гуляет наш православный народ». Глинка первым из русских композиторов объединил в одном музыкальном произведении разные ритмы, характеры и настроения.


«Вся русская симфоническая школа, подобно тому как весь дуб в желуде, заключена в симфонической фантазии «Камаринская»

Петр Чайковский, композитор


В 1851 году Глинка ненадолго вернулся в Петербург, где давал уроки пения. Вскоре он снова уехал за границу - на этот раз в Париж. Во Франции композитор начал работу над третьей оперой «Тарас Бульба», однако вскоре забросил - не было вдохновения. Крымская война 1853 года вынудила Глинку покинуть Париж: Британия и Франция в коалиции с Османской империей воевали против России. В 1854 году композитор снова приехал в Петербург, но в 1856 году покинул его вновь. Михаил Глинка уехал в Берлин, где прожил до конца жизни.


В феврале 1857 года Глинка скончался. Его похоронили на лютеранском кладбище в Берлине, однако вскоре прах композитора перевезли в Петербург и перезахоронили на Тихвинском кладбище.


Интересные факты


Виктор Артамонов. Александр Пушкин и Василий Жуковский у Михаила Глинки (фрагмент). 1953. Изображение: godliteratury.ru

1. Михаил Глинка был знаком с писателем и дипломатом Александром Грибоедовым. Грибоедов был большим знатоком музыки и подсказал композитору мелодию грузинской песни. Позже, уже специально к ней Александр Пушкин написал стихотворение «Не пой, волшебница, при мне».


2. За первую оперу «Жизнь за царя» Михаил Глинка не получил от театра ни рубля. Директор Петербургского Большого театра взял с композитора подписку о том, что он не будет требовать вознаграждения.


3. Композитору иногда приходили письма от губернаторов. Если в регион приезжал член императорской семьи, то чиновники просили Глинку сочинить хор для бала: музыка знаменитого автора-патриота должна была расположить государя к местному дворянству.


4. Одна из главных тем увертюры к «Руслану и Людмиле» пародирует стук ножей и вилок на свадьбе дочери Николая I великой княгини Марии Романовой. Мелодию композитор придумал на церемонии бракосочетания. Он вспоминал: «Во время обеда играла музыка, пел тенор и придворные певчие; я был на хорах и стук ножей, вилок, тарелок поразил меня и подал мысль подражать ему в интродукции «Руслана», что мною впоследствии, выполнено».


5. Во время своего приезда в Петербург в 1842 году Ференц Лист послушал новую оперу Глинки «Руслан и Людмила» и похвалил композитора за произведение. В «Записках М.И. Глинки» он писал: «Лист слышал мою оперу, он верно чувствовал все замечательные места <...> он успокоил меня насчет успеха».


6. Михаил Глинка старался выучить язык той страны, в которую приезжал. В Италии он нанимал учителя по итальянскому, в Испании - по испанскому. Композитору легко давались языки, и через короткое время он уже мог понимать разговоры на улице.


7. Музыкальный критик Феофил Толстой не только дал свою трактовку «Камаринской» Глинки, но и убедил в своей интерпретации императрицу Александру Федоровну. По его мнению, валторновая педаль в последней части плясовой изображает пьяницу, который стучит ногой в комнату, где веселье, и просит открыть ему дверь.

Аудиоверсия: Как появилась традиция праздновать старый Новый год?Аудиоверсия: Кушать подано!
]]>
Алексей БулдаковБиография актера, сыгравшего генерала Иволгина в картине «Особенности национальной охоты»http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10289/aleksei-buldakovThu, 19 Dec 2019 12:05:40 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Алексей Булдаков

КиноПерсоныАктер кино

Алексей Булдаков стал известен благодаря роли генерала Иволгина в фильме «Особенности национальной охоты». За эту роль его прозвали «национальным героем», а сам фильм — «современной гайдаровской комедией». Играл Булдаков и в театре, записывал музыкальные диски и озвучивал мультфильмы.


«Молодой и горячий» — первые роли в театре


Алексей Булдаков. Фотография: gazeta.ru

Алексей Булдаков родился 26 марта 1951 года в селе Макаровка Алтайского края. Его отец Иван Булдаков работал шофером, а мать Евдокия Бойко была дояркой. У будущего актера были две сестры и три брата. О детстве Булдаков вспоминал: «Рано стал хозяйством заниматься. Всё по дому делал, и дрова колол и пилил, и воду носил <...> Мама почти всю жизнь работала. Тяжеловато было. Помню, как всегда хотелось сладкого».


В 1960-х Булдаковы переехала в казахстанский город Павлодар. Там будущий артист пошел в школу. Он посещал секции бокса и классической борьбы, записался в авиамодельный кружок. Поначалу Булдаков мечтал быть летчиком, но в восьмом классе посмотрел фильм Леонида Лукова «Большая жизнь» и загорелся идеей стать актером: «Я очень любил кино. Если два кинотеатра были рядом, то я брал билет на один сеанс, смотрел, перебегал дорогу и шел в другой кинотеатр. Сутками мог смотреть. И как посмотрел «Большую жизнь» с Петром Алейниковым, так и все. Решил актером стать».


После окончания школы Алексей Булдаков поступил в Молодежную театральную студию при Павлодарском драматическом театре. Вступительные испытания в ней проходили в несколько этапов. За чтение наизусть стихотворений и отрывков из прозы и басен на первом туре артист получил хорошие оценки. Но от второго тура Булдаков чуть не отказался: у него не было денег, чтобы сделать нужные для поступления фотографии. Прийти на следующий конкурс его уговорил один из преподавателей, а вскоре Булдакова зачислили в студию. Дебютировал он в постановке «Я к вам приду» по стихотворениям Владимира Маяковского. Булдаков исполнил роль дивана — все предметы мебели в спектакле играли актеры.


Театральную студию Булдаков окончил в 1969 году. Сразу после выпуска его приняли в труппу Павлодарского драматического театра. Но уже через несколько месяцев артиста призвали в армию. Он писал: «Мне кажется, что каждый молодой человек должен отслужить в армии. Раньше, если тебя не брали в армию, это позор был». После службы Булдаков переехал в Томск, где играл в местном драматическом театре. Но из-за конфликта с руководством он оставил и этот коллектив. Артист писал: «Я был молодой, горячий. Пошел и положил заявление об уходе».


В 1976 году Алексей Булдаков вернулся в Павлодар к родителям. Там он стал рабочим на тракторном заводе, но уже вскоре ушел оттуда по собственному желанию. Артиста пригласили в Карагандинский областной русский драматический театр, где он играл до 1982 года.


Фильмы Алексея Булдакова



В кино Алексей Булдаков дебютировал в 1982 году. Он сыграл партизана Савелия в экранизации повести Алексея Попова «Сквозь огонь». Артиста на эту роль долго не удавалось найти. Тогда режиссер картины Леонид Макарычев решил искать ее исполнителя в картотеке актеров. Туда Булдакова включил его друг — работник «Ленфильма». На пробах режиссеру понравились голос и внешность актера, и вскоре его утвердили на роль.


После премьеры ленты «Сквозь огонь» Булдакова стали звать в другие картины «Ленфильма». Среди них были музыкальная комедия «Небывальщина» и телесериал «Следы остаются». Через год актер получил свою первую главную роль. Он сыграл русского путешественника Семена Дежнёва в историко-биографической ленте Николая Гусарова «Семен Дежнев».


Снялся актер и в фильме «В лесах под Ковелем»: он исполнил роль советского партизана Алексея Федорова. Булдаков рассказывал в одном из интервью: «Я очень горжусь ролью Федорова, дважды Героя Советского Союза. Кстати, могу похвастаться его публичным заявлением, что Булдаков сыграл лучше всех актеров, которые работали над его характером до этого». Съемки картины проходили в Минске. После премьеры фильма Булдакова пригласили в Театр-студию при киностудии «Беларусьфильм». Он переехал в Минск и работал там до 1992 года.


Всего в 1980-х Алексей Булдаков снялся более чем в тридцати картинах и телесериалах. Часто он играл военных, партизан, героев войны и деревенских жителей. В энциклопедии «Новейшая история отечественного кино» героев артиста описали как «коренастых мужиков из самой что ни на есть гущи народной».


Занимался Булдаков и дубляжом. Его голосом говорит герой мультфильма «Книга джунглей» полковник Хатхи, Двуликий из фильма «Бэтмен навсегда». В 1987 году во время восстановления картины «Интервенция», которая была запрещена в 1968 году председателем Госкино Алексеем Романовым за «серьезные идейные просчеты», артист озвучил роль Владимира Высоцкого. Режиссер ленты Геннадий Полока вспоминал: «Некоторые куски фонограммы с голосом Высоцкого были в браке, и Булдаков отлично сымитировал голос Высоцкого».


«Мы очень разные люди, но прекрасно ладим»: личная жизнь



Алексей Булдаков был женат дважды. Его первой супругой стала актриса Людмила Кормунина. С ней артист познакомился вскоре после переезда в Минск. В браке у Кормуниной и Булдакова родился сын Иван. Вместе они прожили до конца 1980-х годов.


Второй супругой Булдакова стала Людмила — директор обувного магазина в Москве. С ней актер познакомился в 1992 году в гостях у актера Владимира Новикова. Поженились они через год. На свадьбе актера почти не было гостей. Накануне Булдаков улетел на гастроли в Баку, а там из-за вооруженного конфликта ввели военное положение. Людмила Булдакова подумала, что актер не успеет вернуться в Москву и отменила запланированное мероприятие. Однако Булдаков прилетел вовремя успел, и церемония состоялась. Несколько лет спустя артист и его супруга повторили торжество.


Со второй женой Алексей Булдаков прожил больше двадцати лет. В интервью журнала «Сельская новь» Людмила Булдакова говорила: «Леша — добрый, спокойный, порядочный человек. Мне жить с ним очень просто <...> Мы очень разные люди, но прекрасно ладим».


«Национальный герой» генерал Иволгин


Отрывок из художественного фильма Александра Рогожкина «Особенности национальной охоты» (1995)


В 1990-х Алексей Булдаков продолжил сниматься в кино. Он сыграл в картинах «Трам-тарарам, или Бухты-барахты», «Мать» и «Хмель». В 1994 году актер исполнил отрицательную роль капитана в совместном русско-польском фильме «За что?». В том же году Булдаков сыграл генерала Алексея Иволгина в картине режиссера Александра Рогожкина «Особенности национальной охоты». Фильм снимали в сентябре 1994 года в Ленинградской и Псковской областях. В это время актерам пришлось жить в заброшенном пионерском лагере и на военной базе.


Премьера «Особенностей национальной охоты» прошла на фестивале «Кинотавр» в Сочи в 1995 году. На этом конкурсе лента получила гран-при. В том же году она завоевала специальный приз жюри на фестивале в Карловых Варах. А на премии «Ника» «Особенности национальной охоты» получили три приза, в том числе за лучший фильм и лучшую режиссуру. Награды удостоился и Алексей Булдаков — его признали лучшим актером. Картину называли «современной гайдаровской комедией», а генерала Иволгина — «национальным героем». Булдаков вспоминал: «Наверное, каждое время приносит своих героев. Может быть, наша эпопея в какой-то степени сменила фильмы Гайдая <...> Иволгин и есть наш национальный герой. Судя по восприятию зрителей, получается, что это так».


Фильм «Особенности национальной охоты» прославил Булдакова. Он сыграл в его продолжениях — картинах «Операция «С Новым годом!», «Особенности национальной рыбалки», «Особенности национальной охоты в зимний период» и «Особенности национальной политики». Приглашали его и в другие проекты. Только за 1996 год Булдаков снялся в девяти фильмах, в том числе в картине Владимира Меньшова «Ширли-Мырли». В том же году актер стал играть во Московском Художественном академическом театре имени М. Горького. В 1999 году ему присвоили звание Заслуженного артиста России за «заслуги в области искусства».


Алексей Булдаков в музыкальном клипе Дмитрия Фикса «Погода в доме», слова Михаила Танича, музыка Руслана Горобца, исполняет Лариса Долина


В конце 1990-х Булдаков занялся музыкой. Он снялся в двух клипах певицы Ларисы Долиной, а затем и сам записал пять дисков. Часть своих песен актер исполнил совместно с женой Людмилой Булдаковой. Среди его музыкальных работ — альбомы «Актёр и песня» и «Старое танго». Песни для актера писал композитор Евгений Бедненко.


В кино Булдаков продолжил сниматься и в 2010-х. В эти годы он играл преимущественно комедийных персонажей. Актер часто появлялся на телевидении. — снимался в сериалах, участвовал в передачах в роли гостя. В 2009 году за «большие заслуги в области искусства» он получил звание Народного артиста России.


Умер Алексей Булдаков 3 апреля 2019 года в столице Монголии Улан-Баторе. Там актер был на гастролях. Прощание с ним прошло в Москве в Центральном доме кино. Булдакова похоронили на Троекуровском кладбище в Москве.

]]>
Федор ВасильевБиография пейзажиста, которым восхищались Шишкин, Репин и Крамскойhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10288/fedor-vasilevMon, 16 Dec 2019 14:55:38 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Федор Васильев

МузеиПерсоныХудожник

Федором Васильевым восхищались Иван Шишкин и Иван Крамской. Его пейзажи выигрывали премии Общества поощрения художников и уже при жизни автора становились образцами для других живописцев. Илья Репин писал: «Мы рабски подражали Васильеву и до обожания верили ему. Он был для всех нас превосходным учителем». Именно Федор Васильев помог художнику придумать композицию «Бурлаков на Волге» и нашел деньги на экспедицию, во время которой Репин написал картину.


Из почтальона в художники



Федор Васильев родился в Гатчине. Его отец, Александр Васильев, работал помощником учителя в Гатчинском сиротском приюте. Он жил вместе с Ольгой Полынцевой, однако их брак в церкви зарегистрирован не был. Будущий художник стал вторым ребенком: в семье уже подрастала старшая дочь Евгения. Когда Федору Васильеву исполнился год, родители с детьми переехали в Петербург и поселились в небольшом деревянном доме на Васильевском острове. Отец устроился в почтамт и занимался рассылкой газет. В 1852 году Александр Васильев и Ольга Полынцева обвенчались. Вскоре у них родилось еще двое сыновей: Александр и Роман.


Заработок отца был небольшим: денег катастрофически не хватало. Чтобы помочь семье, Федор Васильев в 12 лет уже устроился работать в почтовое отделение. Сначала рассыльным, потом — помощником писца. Каждую свободную минуту Васильев писал, чаще всего пейзажи. Он мечтал стать художником и несколько раз собирался бросить работу на почте. Отец же считал живопись неприбыльной и отговаривал сына. Однако Фёдор Васильев устроился в мастерскую реставратора картин Петра Соколова, а вскоре поступил в вечернюю рисовальную школу Общества поощрения художников.



В 1865 году умер отец, и начинающий художник стал главой семьи: ему нужно было обеспечивать мать, старшую сестру и двух братьев. Большую часть времени Васильев проводил в мастерской, где брался за любую работу. Однако занятия в школе Общества поощрения художников он не бросил. Именно там в 1866 году Федор Васильев познакомился с Иваном Шишкиным. Известный мастер сразу же обратил внимание на его работы и решил познакомить молодого живописца с членами Артели художников — независимого творческого объединения. Оно возникло после «Бунта четырнадцати», когда 14 лучших выпускников Академии художеств отказались писать картины на заданные темы и потребовали права самостоятельно выбирать сюжеты. Лидером кружка был Иван Крамской. Он вспоминал первую встречу с Васильевым: «Его манеры были самоуверенны, бесцеремонны и почти нахальны. Замечу, что первое впечатление быстро изгладилось, так как все это было чрезвычайно наивно. И я должен сознаться, что часто он приводил меня просто в восторг и свежестью чувств, и меткостью суждений, и беспредельной откровенностью своего умственного механизма».


Любимый ученик Крамского и Шишкина: первые картины Васильева



Федор Васильев учился у Шишкина как работать со светом, продумывать композицию и точно передавать детали. Их отношения быстро переросли в дружбу. В 1867 году мастер взял Васильева в поездку на остров Валаам. На протяжении всего лета они каждый день писали этюды. «Въезд в деревню», «В церковной ограде», «Лес у ручья», «Пейзаж с березками» — Федор Васильев работал много и быстро. Самой удачной, по мнению Шишкина, картиной молодого живописца стала «На острове Валааме. Камни». После путешествия, зимой 1867 года, произведение показали на выставке Общества поощрения художников. Полотно семнадцатилетнего пейзажиста приобрел граф Сергей Строганов. Меценат также пообещал Федору Васильеву обеспечивать его всем необходимым для творчества.


«В рисовании и живописи с натуры он чрезвычайно быстро ориентировался: он почти сразу угадывал, как надо подойти к предмету, что не существенно, и с чего следует начать. Учился он так, что казалось, будто живет он в другой раз и что ему остается что-то давно забытое только припоминать. Работал он страстно; апатичность и рассеянность не врывались к нему в то время, когда в руках был карандаш, или вернее, — механически, без участия сердца, он работать не мог»

Иван Крамской, художник


После успеха выставки Федор Васильев стал завсегдатаем Артели художников. Он сблизился с Иваном Крамским: они обсуждали искусство, вместе рисовали и оценивали картины друг друга. Илья Репин в книге «Далекое близкое» писал: «Это был феноменальный юноша. Крамской его обожал, не мог на него нарадоваться и в его отсутствие беспрестанно говорил только о Васильеве <...> Легким мячиком он скакал между Шишкиным и Крамским, и оба эти его учителя полнели от восхищения гениальным мальчиком». Одной из последних работ Васильева в качестве студента стала картина «После дождя (Весна в Петербурге)». В 1867 году он окончил школу при Обществе поощрения художников.



Лето 1868 года Федор Васильев провел в деревне Константиновка под Петербургом, где вместе с сестрой жил у родных. За город живописец пригласил погостить и Ивана Шишкина. Художники много рисовали с натуры: всего за несколько месяцев Васильев написал картины «Деревня», «После грозы», «Перед дождем» и «Возвращение стада». В деревне Шишкин влюбился в сестру молодого художника, Евгению Васильеву. Вскоре они поженились.


За картину «Возвращение стада» Федор Васильев получил первую премию на конкурсе Общества поощрения художников — 400 рублей. И сразу же потратил их на модный костюм, цилиндр и перчатки лимонного цвета. Репин вспоминал: «И что удивительно: человек бедный, а одет всегда по моде, с иголочки; случайно, кое-как образованный, он казался и по терминологии и по манерам не ниже любого лицеиста; не зная языков, он умел кстати вклеить французское, латинское или смешное немецкое словечко; не имея у себя дома музыкального инструмента, он мог разбирать с листа ноты». Федор Васильев стал известным столичным художником: он часто принимал приглашения на балы и вечера.



«Мне думается, что такую живую, кипучую натуру, при прекрасном сложении, имел разве Пушкин. Звонкий голос, заразительный смех, чарующее остроумие с тонкой до дерзости насмешкой завоевывали всех своим молодым, веселым интересом к жизни: к этому счастливцу всех тянуло, и сам он зорко и быстро схватывал все явления кругом, а люди, появлявшиеся на сцену, сейчас же становились его клавишами, и он мигом вплетал их в свою житейскую комедию и играл ими».

Илья Репин, «Далекое близкое»


В 1869 году меценат граф Строганов предложил художнику поехать в его имение Знаменское в Тамбовской губернии. Васильев впервые увидел природу юга. Он писал сестре: «Если бы ты видела, Женя, степь. Я до того полюбил ее, что не могу надуматься о ней». Осенью того же года семья графа из Знаменского переехала в украинское имение Хотень. Федор Васильев отправился вместе с ними. В это время в своих работах пейзажист особое внимание уделял небу: он написал полотна «Тучи над холмами», «Небо с облаками», «Приближение грозы», «Кучевое облако». Репин вспоминал, как впервые увидел картины Васильева: «Небо-то, небо... — начинаю я восторгаться. — Как же это? Неужели это без натуры?.. Я никогда еще не видывал так дивно вылепленных облаков, и как они освещены! Да и все это как-то совершенно по-новому». Федор Васильев писал леса, деревни, проселочные дороги — всего за 1869 год он начал около 30 картин. Некоторые из них пейзажист заканчивал уже в Петербурге.


Экспедиция по Волге и жизнь в Крыму



К началу 1870 года Илья Репин задумал картину «Бурлаки на Волге» и создал ее акварельный эскиз. По его замыслу, бурлаки на переднем плане полотна должны были контрастировать с отдыхающими дачниками на заднем. Однако Васильев композицию раскритиковал. В книге «Далекое близкое» Репин вспоминал его слова: «Тут эти барышни, кавалеры, дачная обстановка, что-то вроде пикника; а эти чумазые уж очень как-то искусственно «прикомпоновываются» к картинке для назидания: смотрите, мол, какие мы несчастные уроды, гориллы. Ох, запутаешься ты в этой картине: уж очень много рассудочности. Картина должна быть шире, проще, что называется — сама по себе... Бурлаки так бурлаки!». Федор Васильев предложил Репину поехать в экспедицию по Волге и рисовать с натуры. Однако для живописца, стесненного в то время в средствах, это было нереально. Васильев достал необходимые для поездки 200 рублей за две недели: он обратился к графу Строганову.



В мае 1870 года художники Федор Васильев, Евгений Макаров и Илья Репин вместе с младшим братом Василием на пароходе отправились по Волге. Репин вспоминал: «Он поражал нас на каждой мало-мальски интересной остановке. Его тонко заостренный карандаш с быстротой машинной швейной иглы черкал по маленькому листку его карманного альбомчика и обрисовывал верно и впечатлительно цельную картину крутого берега». За время экспедиции Васильев написал картины «Крестьянская семья в лодке», «Рыбаки», «Закат на Волге». На полотнах художника тоже есть бурлаки: на «Вид на Волгу. Барки» изображено пришвартованное судно, рядом с которым отдыхали рабочие.


Весной 1871 года Васильев закончил картину «Оттепель». Художник писал произведение с натуры: разъезженная дорога, проталины, усталые путники. Полотно выставили на конкурсе Общества поощрения художников. Это был большой успех.
Увидев произведение, Шишкин сказал: «О! Он скоро превзошел меня, своего учителя». А Крамской говорил: «Картина «Оттепель» — такая горячая, сильная, дерзкая, с большим поэтическим содержанием и в то же время юная и молодая, пробуждающая к жизни». Работа Васильева получила первую премию и вскоре ее купил Павел Третьяков для своей коллекции. Копию картины у живописца заказал будущий император Александр III. В этом же году Федору Васильеву присвоили звание художника I степени и зачислили вольноприходящим студентом Академии.



«Да ведь какой талант! И вообще я такой одаренной натуры еще не встречал: его можно сравнить с баснословным богачом, который при этом щедр сказочно и бросает свои сокровища полной горстью направо, налево, не считая и даже не ценя их»

Иван Крамской, художник


Однако во время работы на «Оттепелью» Федор Васильев заболел чахоткой. Граф Строганов предложил художнику уехать из Петербурга в теплый климат и погостить в его имении Хотень. Однако это не помогло, и вскоре по совету врачей Васильев стал жить в Крыму. Поездку оплатило Общество поощрения художников. Летом 1872 года художник писал Крамскому: «Тоскую по России и не верю Крыму». Вдали от семьи и друзей Фёдор Васильев долгое время не писал пейзажи с натуры, а дорабатывал свои прежние эскизы из альбомов. Спустя несколько месяцев он закончил картину «Мокрый луг» и отправил на конкурс в Петербург, где полотну присудили вторую премию. А вскоре написал еще два полотна-воспоминания: «Болото в лесу. Осень» и «Утро».



Васильеву ежемесячно присылали деньги из Общества поощрения художников. Однако сумма была небольшая, и чтобы иметь возможность работать, пейзажист стал брать заказы. Для великого князя Владимира Александровича он написал «Вид из Эриклика» и несколько зарисовок императорского Ливадийского дворца. В счет сразу нескольких будущих картин живописец принял деньги у Третьякова.


Постепенно художник увлекся и пейзажами Крыма: в 1872 году он закончил полотна «Прибой в Ялте», «Горы и море», «В Крыму. После дождя».


«Небо голубое-голубое, и солнце, задевая лицо, заставляет ощущать сильную теплоту. Волны — колоссальные, и пена, разбиваясь у берега, покрывает его на далекое пространство густым дымом, который так чудно серебрится на солнце... Картина в самом деле так очаровательна, что я рву на себе волосы — буквально, — не имея возможности сейчас бросить все дурацкие заказы и приняться писать эти волны. О, горе, горе! Вечно связан, вечно чему-нибудь подчиняешься»

Федор Васильев, из письма Крамскому от декабря 1972 года



В 1873 году Федор Васильев написал свою последнюю картину «В Крымских горах». Сначала художник задумывал ее горизонтальной, однако изменил решение: вертикальный холст подчеркивал высоту деревьев и гор. Крамской отзывался о работе: «Что-то туманное, почти мистическое, чарующее, точно не картина, а в ней какая-то симфония доходит до слуха оттуда, сверху».


6 октября 1873 года Федор Васильев скончался. Ему было 23 года. Художника похоронили в Ялте на Поликуровском кладбище. Через три месяца после смерти Васильева живописцы Крамской и Шишкин организовали выставку-аукцион его работ. Деньги с продажи шли на компенсацию долга Обществу поощрения художников и Петру Третьякову — Федор Васильев не дописал обещанные картины. Большинство произведений раскупили еще до официального открытия. Два альбома приобрела императрица Мария Александровна, еще два –– библиотека Академии художеств.

]]>
Татьяна ШмыгаБиография певицы, артистки Московского театра оперетты.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/3627/tatyana-shmygaFri, 13 Dec 2019 17:55:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Татьяна Шмыга

МузыкаПерсоныИсполнитель

Татьяна Шмыга более 40 лет работала в Московском театре оперетты. Там певица стала известна благодаря ролям в постановках «Белая акация», «Фиалка Монмартра», мюзикле «Моя прекрасная леди». Критики писали о лиричности и эмоциональности ее голоса. Играла Шмыга и в кино: исполнила роль в картине Эльдара Рязанова «Гусарская баллада».


«Девочка, не надо петь»: детские годы и учеба


Татьяна Шмыга. Фотография: diafilmy.su

Татьяна Шмыга родилась 31 декабря 1928 года в Москве. Ее отец Ян Мицкевич после начала Первой мировой войны вместе с семьей бежал из Польши в Российскую империю. Здесь его мать вышла замуж во второй раз и поменяла имена своим детям. Так Ян Мицкевич стал Иваном Шмыгой. Позже, в СССР, он закончил рабфак и стал сотрудником Центрального статистического управления. Мать будущей певицы Зинаида Шмыга была домохозяйкой.


Имя Татьяне Шмыге дали в честь главной героини пьесы «Татьяна Русских и Иван Козырь» Дмитрия Смолина, на постановке которой ее родители побывали в Малом театре. С детства будущую певицу водили на разные спектакли. Она вспоминала: «Мои родители были театралами. Я с детства запомнила, как они собирались на какой-нибудь спектакль. Это был целый ритуал — они настраивались на праздник, который их ожидает вечером, заранее».


Татьяна Шмыга ходила в музыкальную школу, где училась играть на фортепиано у профессора Московской консерватории Анаиды Сумбатян. Также она занималась вокалом. В школе Шмыга участвовала в художественной самодеятельности, пела в учебных постановках, а в свободное время ходила в Большой театр и слушала оперы.


«Мои детские музыкальные впечатления связаны не только со школой, но в значительной степени с Большим театром. <...> У меня было «выгодное» знакомство — соседка-подружка Тося, отец которой работал в буфете театра. По воскресеньям дядя Федя мог брать нас с собой на утренние спектакли <...> Попадая с Тосей в театр без билетов, мы, естественно, не имели мест, и дядя Федя устраивал нас в ложе, где мы усаживались за стульями на бархатный барьерчик. Слушала и смотрела я спектакли с увлечением. Иногда забывалась настолько, что начинала подпевать солистам. Зрители в ложе делали мне замечания: «Девочка, не надо петь! Ты мешаешь слушать». Я смущалась, убегала из ложи, потом возвращалась…За несколько лет я выучила почти весь репертуар Большого театра»

Татьяна Шмыга, книга воспоминаний «Счастье мне улыбалось»


В 1947 году Шмыга поступила в Музыкально-театральное училище имени А. К. Глазунова. Туда ее привела подруга уже в разгаре учебного года и уговорила педагогов прослушать ее. Артистка училась на курсе режиссера и актера Иосифа Туманова.


Уже через два месяца Шмыга захотела оставить учебу. Она писала: «Я ходила в училище, но чувствовала, что ничего у меня не выходит, ничего я не могу делать. Сидела в аудитории в уголочке и думала лишь об одном: «Только бы меня не вызвали, только бы обо мне не вспомнили». Один из педагогов, актер Константин Михайлов, настоял на том, чтобы она осталась. Он начал репетировать с артисткой после основных занятий. Вокалом со Шмыгой занималась Вера Олдукова. Вместе с ней артистка исполняла русские романсы: «Когда мы с ней занимались, то под дверью нашего класса собирались студенты и слушали. Кого тогда я только не пела! <...> И даже теперь, когда слышу, как кто-то исполняет романсы, я иногда подпеваю».


В 1951 году, на экзамене на четвертом курсе, Шмыга сорвала голос. Его артистке помогла восстановить оперная певица и педагог Дора Белявская. В том же году Музыкально-театральное училище присоединили к ГИТИСу и преобразовали в факультет артистов театра музыкальной комедии. Его певица закончила в 1953 году.


«Какое сильное впечатление производит она на зал!»: Татьяна Шмыга – актриса театра оперетты


Артисты Владимир Шишкин и Татьяна Шмыга в телестудии. 1963. Москва. Фотография: Майя Окушко / Мультимедиа арт музей, Москва

Сразу после окончания ГИТИСа Татьяну Шмыгу пригласили в Московский театр оперетты. Ее первой ролью стала Виолетта в постановке «Фиалки Монмартра» композитора Имре Кальмана. Сначала артистка стеснялась приходить на репетиции спектакля. Она вспоминала: «Когда меня назначали на роль и я приходила на репетиции, то садилась в зале и все время тряслась от страха: «Только бы меня не позвали на сцену. Только бы забыли, что я здесь».


2 марта 1954 года прошла премьера «Фиалки Монмартра». Спектакль неоднократно повторяли и даже провели его прямую трансляцию по телевидению. Шмыге стали предлагать другие роли, и уже в следующем году она сыграла главную роль в оперетте композитора Исаака Дунаевского «Белая акация». Артистка тщательно готовилась к постановке – некоторые арии на репетициях повторяла по пять-шесть раз. Из-за тяжелой болезни Дунаевский не мог часто приезжать в театр. Тогда Шмыга стала советоваться с ним по телефону. Артистка звонила композитору и пела ему арии из оперетты.


Премьера спектакля состоялась уже после смерти Дунаевского. «Белая акация» стала одной из самых известных постановок Мосоперетты. Специальную версию спектакля записали для радио, его адаптации появились в советских республиках и иностранных государствах, а песня «Пою о тебе я, Одесса моя…» стала неофициальным гимном Одессы.


В следующие несколько лет Татьяна Шмыга сыграла в опереттах «Поцелуй Чаниты», «Цирк зажигает огни», «Бал в Савойе» и других. Выступала певица и с концертами, гастролировала по СССР. В 1960 году за «заслуги в области советского искусства» она получила звание Заслуженной артистки РСФСР.


В 1961 году Шмыга сыграла в оперетте композитора Константина Листова «Севастопольский вальс». Певица называла этот спектакль своим любимым. Положительно его оценили и критики. Они хвалили артистку за искренность героини – медсестры Любаши. В журнале «Культура и жизнь» писали: «У Шмыги волнение в голосе. Может показаться, что поет она сегодня хуже, чем обычно. Не так уверенно, не так «прочно». Но какое сильное впечатление производит она на зал!».


В 1962 году Татьяну Шмыгу пригласили сняться в фильме Эльдара Рязанова «Гусарская баллада» по пьесе Александра Гладкова «Давным-давно». В картине она сыграла певицу Луизу Жермон и исполнила романс «Меня позови, избранник мой милый». Шмыга была недовольна этой ролью и считала, что сыграла ее недостоверно: «Мне очень нравится фильм и не нравлюсь в нем я, хотя понимаю, что нельзя требовать многого от совсем неопытной киноактрисы».


Позже певица еще несколько раз появлялась в кино. Шмыга сыграла в фильмах «Похищение», «Кое-что из губернской жизни», телевизионных версиях оперетт. Артистка выступала на «Голубом огоньке» и «Песне года», вела программы.



«Карамболина», из оперетты Имре Кальмана «Фиалка Монмартра». Исполняют Татьяна Шмыга и артисты балета Московского театра оперетты (1968)


Кроме оперетт, Татьяна Шмыга пела в мюзиклах. В 1964 году она сыграла роль Элизы Дулиттл в русской постановке «Моя прекрасная леди». Работа над спектаклем началась после гастролей бродвейской труппы в Москве в 1960 году. Шмыга вспоминала: «Я сидела в зале, наслаждалась музыкой, игрой и думать тогда не думала, что через какое-то время сама буду играть роль Элизы». В 1965 году актриса получила главную роль в другой советской адаптации бродвейского мюзикла – «Вестсайдской истории» по мотивам пьесы Уильяма Шекспира «Ромео и Джульетта».


В 1969 году Татьяна Шмыга сыграла в обновленной версии «Фиалки Монмартра». На этот раз ей досталась главная женская роль – Нинон Тисье. В этой постановке певица исполнила композицию «Карамболина».


«Карамболина» же буквально срослась со мной и «преследует» меня по сей день: какую бы передачу обо мне ни делали — обязательно в ней прозвучит «Карамболина». Сколько раз я просила музыкальных редакторов, режиссеров проиллюстрировать передачу другими номерами. Обещают, но в результате не могут удержаться — непременно вставят «Карамболину», словно ничего другого в жизни я не пела. Хотя понять редакторов можно — номер действительно выигрышный, особенно на экране»

Татьяна Шмыга, книга воспоминаний «Счастье мне улыбалось»


В том же году Шмыга стала первой актрисой театра оперетты, которая получила звание Народной артистки СССР. А через четыре года певицу удостоили Государственной премии РСФСР имени М. И. Глинки за роли в опереттах «Нет меня счастливей», «Девичий переполох» и «Фиалка Монмартра».


В 1970-х и 1980-х годах Татьяна Шмыга продолжила играть в Московской оперетте. Среди ее ролей этих лет: Любовь Яровая в спектакле «Товарищ Любовь», Сашенька в «Господах артистах», Герцогиня Герольштейнская в «Великой герцогине Герольштейнской». В 1977 году артистка участвовала в экспериментальной постановке «Эспаньола, или Лопе де Вега подсказал». В этом спектакле почти не было декораций и музыкального сопровождения, а актеры часто меняли костюмы. Шмыга писала: «Смысл такого <...> превращения был в том, чтобы и люди в зале тоже могли преобразиться <...> и перенестись в другой мир, в мир Театра <...> могли погрузиться в красочную атмосферу Испании XVII века. Зрители приняли эту игру, это приглашение участвовать в ней».


«Только в первые годы все было легко и просто»: личная жизнь



Ария Глории Розетти, из оперетты «Цирк зажигает огни» Юрия Милютина. Исполняет Татьяна Шмыга (1985)


Татьяна Шмыга была замужем трижды. Ее первым супругом стал преподаватель факультета журналистики МГУ Рудольф Борецкий. Они познакомились летом 1949 года в доме отдыха работников искусств в Туапсе, несколько месяцев переписывались, а вскоре поженились. Шмыга вспоминала: «Наш роман с Рудиком был скорее заочным, роман в письмах, каких-то особых страстей я вроде бы и не испытала».


С Борецким Шмыга рассталась в середине 1950-х, когда познакомилась со своим вторым мужем – певцом и главным режиссером Московского театра оперетты Владимиром Канделаки. Вместе они прожили около 20 лет.


«Только в первые годы, когда была влюбленность, все было легко и просто и казалось, что все обойдется. Потом же, когда мы начали притираться друг к другу, стали сказываться его взрывной характер, особенности южного темперамента, обычный мужской эгоизм. Так что относительно безоблачными, счастливыми я могу назвать лишь первые пять лет нашей жизни, а всего мы прожили с Владимиром Аркадьевичем вместе двадцать лет <...> Но зато те десять лет, что Канделаки руководил нашим театром, я могу назвать, пожалуй, самыми лучшими в своей артистической судьбе — была молодость, было много работы, много интересных ролей. Это была жизнь, до краев наполненная трудом, смыслом...»

Татьяна Шмыга, книга воспоминаний «Счастье мне улыбалось»


Третьим супругом Татьяны Шмыги был композитор и главный дирижер Театра сатиры Анатолий Кремер. С ним артистка была знакома с 1950-х годов. Кремер работал в Московской оперетте дирижером, руководил оркестром легкой музыки МГУ, с которым Шмыга несколько раз выступала. Они поженились в 1976 году и прожили вместе больше 30 лет. Специально для Шмыги Кремер написал несколько музыкальных комедий, в том числе «Катрин» и «Эспаньола, или Лопе де Вега подсказал».


«Продлилась моя сценическая жизнь»: последние годы



«Рифифи». Музыка Мишеля Филиппа-Жерара. Слова Марка Подберезского. Исполняет Татьяна Шмыга (1983)


В 1990-х Татьяна Шмыга играла в Московской оперетте. Артистка сыграла в спектаклях, музыку к которым написал Анатолий Кремер. Она вспоминала: «Катрин», «Джулия», «Джейн»… Три спектакля, благодаря которым продлилась моя сценическая жизнь. Продлилась красиво, со смыслом…».


В эти годы Шмыга продолжила выступать с концертами. На них артистка исполняла песни из оперетт, в которых играла, в том числе «Летучая мышь», «Сильва» и «Голландочка», русские романсы. В 2001 году Шмыга приняла участие в музыкальном представлении «Большой канкан». В нем артистка исполнила романс «Меня позови, избранник мой милый» из «Гусарской баллады».


В 2005 году Татьяна Шмыга сыграла в спектакле «Перекресток» Театра имени М. Н. Ермоловой. Для нее эта постановка стала первой вне Московской оперетты. Главный режиссер Театра имени Ермоловой Владимир Андреев несколько лет уговаривал певицу.


Последние несколько лет жизни Шмыга тяжело болела и с трудом ходила. В апреле 2010 года певица попала в больницу. В следующие полгода она перенесла несколько операций, и 3 февраля 2011 года умерла. Похоронили Татьяну Шмыгу на Новодевичьем кладбище в Москве.

]]>
Юрий НагибинБиография писателя, журналиста и сценариста, автора рассказов для детей и автобиографических повестей.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10284/yurii-nagibinTue, 10 Dec 2019 11:55:36 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Юрий Нагибин

ЛитератураПерсоныПисатель

Свои первые рассказы Юрий Нагибин создавал еще в детстве, ему помогал отчим — писатель Яков Рыкачев. Нагибин прославился как автор автобиографических повестей и детских произведений. Помимо этого, он писал сценарии для фильмов, изучал историю Москвы и вел телепрограммы о писателях.


Студент ВГИКа и военный корреспондент


Юрий Нагибин. Фотография: matrony.ru

Юрий Нагибин родился 3 апреля 1920 года в Москве. За несколько месяцев до этого его отца, Кирилла Нагибина, расстреляли за связи с белогвардейцами. Мать будущего писателя, Ксения Каневская, пыталась скрыть дворянское происхождение сына. Она указала в документах, что отец ребенка — адвокат Марк Левенталь, друг ее мужа. Друг семьи, писатель Игорь Оболенский вспоминал о Каневской: «Ксения Алексеевна <...> была жестким человеком, довольно острым на язык. Юрку обожала».


В 1927 году Левенталя арестовали и сослали в Ивановскую область. Мать некоторое время воспитывала Юрия Нагибина одна, но вскоре вышла замуж. Ее супругом стал писатель Яков Рыкачёв.


В детстве Нагибин увлекался футболом, даже входил в состав юношеской сборной «Локомотива». Однако мать и отчим часто предлагали ему попробовать себя в литературе. Первые произведения Нагибин создавал под руководством Якова Рыкачёва.

«Тогдашний тренер «Локомотива» француз Жюль Лимбек предсказывал мне большое будущее. <...> Но моя мать не хотела смириться с этим. Видимо, под ее нажимом отчим все чаще убеждал меня что-нибудь написать. <...> Писание захватило меня. <...> И я продолжал писать, упорно, с мрачным ожесточением, и моя футбольная звезда сразу закатилась».

Юрий Нагибин, «Рассказ о себе»


В 1938 году Нагибин окончил школу. Он хотел поступить в Литературный институт имени А.М. Горького, но мать убедила его подать документы в медицинский вуз. Однако уже на первом курсе писатель перевелся на сценарный факультет ВГИКа.


Вскоре произведения Нагибина появились в советской прессе. В 1940 году в журнале «Огонек» напечатали его рассказ «Двойная ошибка», а в 1941 — «Кнут». Писатель вспоминал: «Мартовскими, грязно заквашенными улицами я бегал от одного газетного киоска к другому и спрашивал: нет ли последнего рассказа Нагибина? Первая публикация светится в памяти ярче, чем первая любовь». В свободное от учебы время Нагибин читал свои рассказы на литературных вечерах.


Когда началась Великая Отечественная война, студентов и преподавателей ВГИКа эвакуировали в Алма-Ату. Нагибин не поехал с ними, остался в Москве и записался добровольцем в армию. Он хорошо знал немецкий язык, поэтому попал по распределению в Политическое управление Волховского фронта, в отдел контрпропаганды. Писатель придумывал лозунги для агитационных листовок, переводил документы, вел радиопередачи. В то же время он участвовал в боях на Воронежском и Волховском фронтах, получил Орден Отечественной войны II степени.


В 1942 году Нагибин был тяжело ранен, и его освободили от службы по состоянию здоровья. Тогда писатель вернулся в Москву и устроился журналистом в газету «Труд». Как военный корреспондент, он участвовал в битве за Сталинград, освобождении Минска, Вильнюса и Каунаса.


В газете «Труд» Нагибин публиковал свои рассказы о войне. Часть из них вошла в сборник «Человек с фронта». Книгу напечатали в 1943 году, и вскоре Нагибина приняли в Союз писателей СССР. Позднее он вспоминал: «Все виденное и пережитое тогда неоднократно возвращалось ко мне много лет спустя в ином образе, и я опять писал о Волге и Донбассе военной поры, о Волховском и Воронежском фронтах и, наверное, никогда не рассчитаюсь до конца с этим материалом».


«Очень хорошая проза»: рассказы и сценарии Юрия Нагибина



После войны Юрий Нагибин продолжал работать журналистом. Он публиковался в московских и региональных газетах, много путешествовал по СССР. К литературному творчеству Нагибин вернулся в начале 1950-х годов. Он опубликовал рассказы «Зимний дуб», «Четунов, сын Четунова», «Трубка». Затем вышли сборники «Человек и дорога», «Чистые пруды» и «Ранней весной». Нагибин стал одним из самых популярных прозаиков тех лет. По его произведениям сняли фильмы «Ночной гость», «Трудное счастье», «Братья Комаровы». Писатель вспоминал: «В критических статьях появились высказывания, что я наконец-то приблизился к художнической зрелости».


С начала 1960-х Нагибин часто ездил в Ярославскую и Рязанскую области — в Мещеру и на Плещеево озеро. Там писатель общался с местными жителями, ходил вместе с ними на охоту. Его впечатления от поездок легли в основу так называемого Мещерского цикла: сборников «Зеленая птица с красной головой» и «Погоня. Мещерские были».


«Я старался не пропускать ничего у Нагибина <...> Много говорилось в тех рассказах о нравственном отношении к человеку, чаще всего к маленькому, и не столько в том понимании, которое рождает образ гоголевского Акакия Акакиевича, а в прямом — к детям. Учить детей светлому восприятию жизни — великое дело, но одновременно надо учиться у детей такому восприятию. Рассказы Нагибина Мещерского цикла, казалось бы, посвящены охоте, на деле же этот цикл порожден чувствами и мыслями, занимавшими писателя, когда он писал о детях, об отношении к ним. Мещерский цикл — очень хорошая проза».

Писатель Виктор Астафьев, «Юрий Нагибин. Творческий портрет»


В то же время Нагибин писал сценарии для фильмов. По ним в эти годы сняли около 20 кинокартин: «Девочка и эхо», «Бабье царство», «Председатель» и другие. Писатель вспоминал: «Начал я с самоэкранизаций, это был период учебы, так и не завершенной в киноинституте, освоение нового жанра, затем стал работать над самостоятельными сценариями».


В 1964 году Юлий Файт экранизировал автобиографические рассказы Нагибина о Великой Отечественной войне. Режиссер писал: «Нагибин был классиком советской литературы, непререкаемым авторитетом в кино <...> Мы вместе работали над режиссерским сценарием. Далеко не каждый писатель возьмется».


В 1966 году Юрий Нагибин поддержал Андрея Синявского и Юлия Даниэля, которых осудили за «антисоветскую агитацию и пропаганду» в произведениях. Вместе с Беллой Ахмадулиной, Булатом Окуджавой, Варламом Шаламовым и многими другими советскими поэтами и прозаиками Нагибин подписал «письмо 62-х» с требованием освободить писателей.


В 1970-х Нагибин работал над циклом автобиографических рассказов и повестей о своем детстве, в который вошли книги «Школа», «Переулки моего детства» и «Лето». Нагибин писал: «Мои рассказы и повести — это и есть моя настоящая автобиография». Создавал он и произведения для школьников — например, «Рассказы о Гагарине».


Вместе с японским режиссером Акирой Куросавой Нагибин написал сценарий фильма «Дерсу Узала». В основу сюжета легли произведения Владимира Арсеньева «По Уссурийскому краю» и «Дерсу Узала». Картина вышла в 1975 году, а в 1976-м получила премию «Оскар» в категории «Лучший фильм на иностранном языке».


«В шестой раз сочетаюсь законным браком»: личная жизнь



Юрий Нагибин был женат шесть раз. Его первой супругой стала Мария Асмус, дочь профессора Литературного института. Они поженились в 1940 году и прожили вместе около двух лет. Марии Асмус Нагибин посвятил автобиографический роман «Дафнис и Хлоя эпохи культа личности, волюнтаризма и застоя». В нем он писал о своем первом браке: «Если человек без конца возвращается к какому-то переживанию своей жизни, значит, оно было очень важным, решающе важным, но так до конца и не понятым. Вот и я опять начинаю пережевывать жвачку под названием «первая любовь». Не отпускает меня эта тема моей жизни».


Вторая жена писателя, Валентина Лихачева, была дочерью директора автозавода имени Сталина. Нагибин познакомился с ней в 1943 году. Третьей супругой Нагибина стала Елена Черноусова, а четвертой — артистка эстрады и гимнастка Ада Паратова.


В пятый раз, в 1959 году, Нагибин женился на поэтессе Белле Ахмадулиной. Предложение ей прозаик сделал прямо на дне рождения бывшего мужа Ахмадулиной — поэта Евгения Евтушенко. Нагибин прожил с пятой супругой восемь лет. В автобиографической книге «Дневник» он вспоминал, что Ахмадулина была «холодна, как лед».


Последней супругой Нагибина стала переводчица Алла Нагибина. Они познакомились в 1965 году в гостях у общих друзей, а свадьбу сыграли в 1968-м.


«Завтра в шестой раз сочетаюсь законным браком. Не отболел, не отвалился струп, а я снова лезу на рожон. Поистине каждый спасается, как может. Впервые я делаю это по собственному желанию, без всякого давления извне, с охотой, даже радостью и без всякой надежды на успех.»

Юрий Нагибин, «Дневник», 1969 год


Со своей шестой женой писатель прожил до конца жизни. Детей у них, как и в остальных браках Нагибина, не было.


Историческая проза и мемуары Юрия Нагибина



Летом 1980 года Юрий Нагибин отправился в путешествие на Русский Север. Он побывал в Архангельске, Карелии, на Соловецких островах. Впечатления от этой поездки стали основой для соловецкого цикла рассказов и повести «Встань и иди», которую Нагибин посвятил своему отчиму Марку Левенталю. За это произведение в 1989 году писатель получил венецианскую премию «Золотой лев».


В 1980-х Нагибин продолжал писать детские произведения. Вместе с Ниной Соротокиной и Светланой Дружининой он создал сценарии для фильмов «Гардемарины, вперед!» и «Виват, гардемарины!». На телевидении выходили программы писателя, посвященные жизни Михаила Лермонтова, Николая Лескова и Сергея Аксакова.


В эти же годы Нагибин увлекся историей. Он написал повесть «Квасник и Буженинова», действие которой происходило в XVIII веке. Затем писатель опубликовал серию рассказов о знаменитых музыкантах и писателях.


«Вначале я был рабски предан Его Величеству Факту, затем пробудилась фантазия, и я перестал цепляться за зримую очевидность явлений, теперь оставалось отбросить сковывающие рамки времени. Протопоп Аввакум, Марло, Тредиаковский, Бах, Гёте, Пушкин, Тютчев, Дельвиг, Аполлон Григорьев, Лесков, Фет, Анненский, Бунин, Рахманинов, Чайковский, Хемингуэй — вот новые герои».

Юрий Нагибин, «Рассказ о себе»


Нагибин изучал и историю Москвы. Он написал книги «Москва… как много в этом звуке» и «Всполошный звон. Книга о Москве».


Последние годы жизни Нагибин вместе с женой провел в Италии. Несколько раз он выступал с лекциями по русской литературе в университетах США. В эти же годы писатель работал над книгами воспоминаний «Моя золотая тёща», «Дафнис и Хлоя эпохи культа личности, волюнтаризма и застоя» и «Дневник». Юрий Нагибин умер 17 июня 1994 года. Похоронили писателя на Новодевичьем кладбище в Москве.

]]>
Федор Рокотовhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8495/fedor-rokotovFri, 06 Dec 2019 11:20:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Федор Рокотов

МузеиПерсоныХудожник

Федор Рокотов был одним из самых популярных российских художников XVIII века. По утверждению современников он успел «переписать всю Москву». Рокотову заказывали картины члены императорской семьи: ему принадлежат портреты Петра III, Екатерины II и Павла I. Прославили живописца его камерные портреты в теплых тонах. Художник стремился передать эмоции и характер моделей, чего не делали живописцы до него.


Кадет шляхетского корпуса и студент Академии художеств



Федор Рокотов родился в середине 1730-х в имении князей Репниных Воронцово, недалеко от Москвы. Сегодня у исследователей нет точной версии происхождения Рокотова. По одной из них художник — представитель псковского дворянского рода Рокотовых. Он состоял в Московском Английском клубе — обществе, членами которого могли быть только представители аристократии. По другой версии Рокотов был крестьянином Репниных или внебрачным сыном князя Петра Репнина. В 1950-х годах искусствоведы обнаружили челобитную Екатерине II c просьбой освободить от крепостной зависимости племянников, которую художник написал в 1776 году: «Высочайшим вашего императорского величества указом повелено было сие мое прошение в Московскую губернскую канцелярию принять и <...> по силе законов дать оным малолетным для свободного житья у меня на воспитании <...> учинить о том решение…»


В 1755 году Рокотов уехал в Петербург, где поступил в Сухопутный шляхетский корпус. Кроме математики и военного дела, там преподавали гуманитарные науки, музыку и живопись.


К 1757 году относится первая известная картина живописца — «Портрет молодого человека в гвардейском мундире». На ней написано: «Писал Рокотов 1757 году Марта «15» дня». Художник Игорь Грабарь предположил, что это автопортрет Рокотова. Герой картины смотрит не прямо на зрителя, а в сторону. Повернута и его голова. В такой позе художники часто изображали себя на автопортретах из-за того, что им приходилось смотреть в зеркало во время рисования.


В том же году Федор Рокотов написал картину «Кабинет И. И. Шувалова». Это единственная работа художника, которая не относится к жанру портрета. По требованию Шувалова, фаворита Елизаветы I, основателя Академии художеств и Московского университета, Рокотов в точности воспроизвел полотна, которые висели в кабинете чиновника. Искусствовед Алексей Лебедев писал об этой работе художника: «Кабинет Шувалова» не просто intevrieur, не портрет шуваловской комнаты, а попытка заглянуть во внутренний мир самого Шувалова, попытка через изображение вещей, любимых человеком, показать, чем живет сам человек». Оригинал картины не сохранился до наших дней, но известна копия, которую написал ученик живописца в 1779 году.


В конце 1750-х Рокотов закончил Сухопутный шляхетский корпус и поступил на службу в кадетский корпус, где получил чин сержанта. А в 1760 году он стал студентом Академии художеств. Рокотов долгое время совмещал творчество и военную службу — из кадетского корпуса он ушел только в 1780-х годах. Тогда он дослужился до чина ротмистра, который давал право на дворянство.


Педагогами Рокотова в Академии художеств были гравер Луи Ле Лоррен и портретист Пьетро Ротари. Они писали в стиле рококо: использовали пастельные тона, моделей часто изображали в задумчивости. Эту манеру перенял Рокотов. Уже через два года живописца назначили адъюнктом — помощником профессора. Он преподавал другим воспитанникам Академии художеств.


«Был занят и знаменит»: портреты Федора Рокотова



В начале 1760-х Федор Рокотов был уже популярным художником. Портреты ему заказывали Иван Шувалов, Григорий и Иван Орловы и другие петербургские дворяне. Сотрудник Академии художеств Якоб Штелин вспоминал: «В 1762, 63 и 64 годах он был уж так занят и знаменит, что заказанные ему работы уже не мог один больше выполнять. В апреле 1764 года видели в его мастерской около пятидесяти похожих портретов, в которых прежде всего готовы были только головы». Художник старался точно передавать характер и настроение заказчиков. Он почти не уделял внимания фону, нарядам героев, но зато прописывал выражения их лиц.


Федор Рокотов получал заказы и от императорской семьи. В начале 1760-х он изобразил Петра III и его сына — будущего императора Павла I. В 1763 году Екатерина II пригласила Рокотова, чтобы тот написал ее коронационный парадный портрет. Картина так понравилась императрице, что она потребовала остальных живописцев изображать ее лицо, как у Рокотова.


«В великолепном развороте охваченного золотистой горностаевой мантией зеленого платья Екатерина II не сидит — восседает на кресле под тяжелой зеленой драпировкой, со скипетром в одной руке и державой у локтя другой, опирающейся на бархатную подушку руки. Сочные малиновые пятна обивки кресла и обшитой золотым галуном подушки подчеркивают торжественность облика императрицы. На этот образ работает и профильный поворот головы, и перевитая нитями крупного жемчуга прическа, завершенная бриллиантовой короной, и длинный, падающий на плечо локон, подчеркивающий медлительную значительность движений Екатерины <...> Екатерина на его холсте — сгусток энергии, воли, ни перед чем не отступающей решимости».

Искусствовед Нина Молева, «Тайны Федора Рокотова»



В 1765 году за копию полотна итальянского живописца Луки Джордано «Амур, Венера и Сатир» Федор Рокотов получил звание академика. Президент Академии художеств Иван Бецкой запрещал преподавателям брать частные заказы, вероятно, поэтому Федор Рокотов в 1766 году ушел из Академии.


Художник переехал в Москву, где стал брать заказы у местных дворян. Один портрет художника стоил 50 рублей (зарплата писаря на государственном заводе в те годы составлял около 20 рублей в год). Об этом известно из воспоминаний драматурга Ивана Долгорукова: «Тетка моя <...> пожелала иметь портреты сестер своих родных, матери моей и Ржевской, заказала их, вместе с своими, славному тогдашнему живописцу Рокотову <...> Выкупил матушкин портрет у него за пятьдесят рублей — цена самого Рокотова тогдашняя».


В 1763 году по указу Екатерины II в России учредили Воспитательный дом — образовательное учреждение для сирот. Его построили на деньги промышленника Петра Вырубова, чиновника Прокофия Демидова, Богдана Умского и меценатов. По предложению Ивана Бецкого портреты благотворителей заказали у популярных тогда художников — Федора Рокотова, Дмитрия Левицкого и Фридриха Баризьена. Из их работ Бецкой создали картинную галерею. Рокотов для нее в 1768 году написал так называемую «опекунскую серию», портреты Ивана Тютчева, Сергея Гагарина и Петра Вырубова. За картины он получил триста рублей: «Положим академику г-дину Рокотову за написание им трех опекунских портретов за каждый по сту, итого триста рублев выдать из опекунской суммы и впредь по написании таковых выдавать за каждый по сту рублев».


Федор Рокотов часто получал заказы на создание семейных галерей — портретов сразу нескольких представителей одной фамилии. Сразу после свадьбы свои изображения художнику заказали Николай и Александра Струйские. Мемуаристка Наталья Тучкова-Огарева так описывала эти работы Рокотова: «В углублении большой гостиной, над диваном, висел, в позолоченной раме, портрет самого Николая Петровича в мундире, парике с пудрою и косою, с дерзким и вызывающим выражением лица, и рядом, тоже в позолоченной раме, портрет Александры Петровны Струйской, тогда еще молодой и красивой, в белом атласном платье, в фижме, с открытой шеей и короткими рукавами». О портрете Александры Струйской поэт Николай Заболоцкий писал стихотворение:



Её глаза — как два тумана,
Полуулыбка, полуплач,
Её глаза — как два обмана,
Покрытых мглою неудач.
Соединенье двух загадок,
Полувосторг, полуиспуг,
Безумной нежности припадок,
Предвосхищенье смертных мук.


Писал Рокотов и многочисленные женские портреты — картины «Неизвестная в розовом», изображения Екатерины Мусиной-Пушкиной, Прасковьи Ланской и Анны Голицыной. Для них, он использовал более темные цвета, чем для мужских. Эти картины отличала лиричность и точная передача эмоций.


В 1770-х Рокотов посещал литературные кружки. Там он познакомился и подружился с писателями Василием Майковым, Александром Сумароковым и Семеном Порошиным. Художник создал их портреты.


В 1772 году Рокотов стал одним из основателей Московского Английского клуба — первого в России аристократического клуба. На его собраниях обсуждали новости политики и искусства. Живописец поставил свою подпись под правилами клуба.


Через два года по рекомендации писателя Николая Новикова Рокотов вступил в масонскую ложу «Клио». Вскоре художник подписался на журнал Новикова «Утренний свет». В нем публиковали переводы текстов немецких масонов, философские статьи на религиозные темы.


«Переписал всю Москву»: последние годы жизни



В 1785 году Федор Рокотов купил участок в Москве на углу улицы Старой Басманной и Токмакова переулка, где построил себе дом с мастерской. Там же живописец преподавал своим ученикам, которые часто помогали ему заканчивать заказы. У него учились Петр и Иван Андреевы, Иван Козьмин и Егор Григорьев.


По утверждению современников к концу XVIII века Рокотов успел «переписать всю Москву». Манера художника в 1780-х изменилась. От стиля рококо он перешел к классицизму. Рокотов стал уделять больше внимания деталям, костюмам героев и их фигуре, использовать яркие цвета. Лица его моделей часто были похожи между собой, критики называли их «рокотовской маской». Так ее описывали искусствоведы Ольга Евангулова и Андрей Карев: «Черты ее улавливаются в удлиненных миндалевидных глазах с опущенными наружными краями верхних век, в полуулыбке губ, широком разлете дугообразных бровей, в том неповторимом сочетании утонченного довольства и грусти, которое не поддается описанию».


Большинство женских портретов Рокотов писал в сложной овальной форме, а героинь на них располагал вполоборота — так он передавал динамику движения. Это изображения Варвары Суровцевой, Елизаветы Санти, Екатерины Голицыной.


В последние годы Рокотов жил в имении Аниково недалеко от Москвы, которое приобрел в начале 1790-х. Количество его заказов сократилось: живописец начал терять зрение и не мог много писать. Его картины 1790-х годов написаны в темных тонах и без множества деталей.


Умер Федор Рокотов 24 декабря 1808 года. Художника похоронили на кладбище Новоспасского монастыря в Москве. До наших дней его могила не сохранилась.

]]>
Людмила КасаткинаБиография актрисы театра и кино, сыгравшей в фильмах «Укротительница тигров» и «Помни имя свое».http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/3872/lyudmila-kasatkinaWed, 04 Dec 2019 09:50:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Людмила Касаткина

ТеатрыПерсоныАктер театра

С детства Людмила Касаткина занималась художественной самодеятельностью: выступала с танцевальным коллективом, училась актерскому мастерству. После окончания ГИТИСа она играла в Центральном театре Советской армии. Известной Касаткину сделали роли в фильмах «Укротительница тигров», «Помни имя свое» и «Операция «Трест».


Ученица балетной студии и студентка театрального института



Людмила Касаткина родилась 15 мая 1925 года в деревне Новое Село недалеко от Смоленска. Ее родители Иван и Варвара Касаткина были зажиточными крестьянами. Через три года после рождения дочери они переехали в Москву, чтобы избежать раскулачивания. Там родители будущей актрисы стали работать на заводе.


С детства Людмила Касаткина занималась художественной самодеятельностью. Когда будущая актриса училась в пятом классе, в класс, где она училась, пришел балетмейстер Игорь Лентовский. Он отбирал девочек в хореографический класс Центральной музыкальной школы при Московской консерватории. Людмилу Касаткину взяли. С первых лет учебы в музыкальной школе она много выступала, танцевала на концертах, занималась в балетной студии. Однако в четырнадцать лет Касаткиной пришлось оставить занятия: она сломала ногу. Вместо этого будущая артистка стала посещать Студию художественного слова при Дворце пионеров. Ее педагогами были актрисы Анна Бовшек и Анна Шнейдер.


Летом 1941 года Касаткина поехала на летние каникулы в Новое Село к бабушке и дедушке. Вскоре началась Великая Отечественная война, немцы приблизились к Смоленску. Чтобы не попасть в оккупацию, она пешком дошла до ближайшего города – Можайска, – а оттуда на поезде вернулась в Москву.


В 1943 году Людмила Касаткина закончила школу. По совету Анны Шнейдер и Анны Бовшек она подала документы в ГИТИС. Будущая артистка переживала, что ее не примут из-за низкого роста – 159 сантиметров. Однако на вступительных экзаменах Касаткина так прочитала «Итальянскую сказку» Максима Горького, что члены приемной комиссии решили зачислить ее в мастерскую актеров Иосифа Раевского и Григория Конского.


В 1947 году Касаткина закончила ГИТИС. Сразу после окончания института ее приняли в труппу Центрального театра Советской армии (сейчас – Центральный академический театр Российской армии). На его сцене Касаткина дебютировала в массовке, однако почти сразу же поручила крупную роль. В 1947 году актриса сыграла в спектакле «Первый гром». В эти годы у нее было лирико-комедийное амплуа.


Ко всем своим выступлениям Касаткина тщательно готовилась. Чтобы сыграть судью в спектакле «Ковалева из провинции», она посетила заседание. Артистка наблюдала, как ведут себя участники процесса, чтобы в деталях проработать образ.


Всего в Центральном театре Советской армии Людмила Касаткина сыграла более шестидесяти ролей, среди которых Катарина из «Укрощения строптивой», Лейди Торренс из «Орфей спускается в ад» и Миссис Этель Сэвидж из «Странной миссис Сэвидж».


«Укротительница тигров» и другие фильмы Людмилы Касаткиной



Известность пришла к Касаткиной в 1955 году, когда она сыграла главную роль в картине режиссеров Надежды Кошеверовой и Александра Ивановского «Укротительница тигров». В большинстве сцен с тиграми ее дублером была цирковая артистка Маргарита Назарова. Однако в нескольких эпизодах с животными ей пришлось сниматься самой под руководством дрессировщика Бориса Эдера. Маргарита Назарова получила травму, а режиссерам нужны были кадры, где актриса находилась бы максимально близко к тиграм.


«Мы отработали 8 месяцев, как режиссер вдруг заявил, что фильм не выйдет на экраны, если не будет снято мое лицо рядом с тигриной мордой. Чтобы спасти фильм, мне надо войти в клетку. И не нужно бояться - все меры предосторожности будут предприняты <....> Когда мы наконец сдавали картину на «Ленфильме», то Эдер сказал при всех - битком было в зале: «Я, Эдер, делаю предложение Людмиле Касаткиной стать укротительницей тигров. У нее есть настоящий кураж. Я ей доверю 11 штук». Я отказалась. «Ну что делать, я больше люблю людей». Он еще тогда рассердился: «Неужели вы не почувствовали в клетке власть, сильнее которой нет ничего на свете?». «Власть? Нет - азарт»

Людмила Касаткина (по статье журналиста Федора Раззакова «Людмила Касаткина»)


Картина «Укротительница тигров» стала одной из самых популярных в 1955 году. Ее посмотрело около 40 миллионов зрителей. В том же году режиссер Надежда Кошеверова пригласила Касаткину сняться в своем новом фильме – комедии «Медовый месяц». В ней актриса сыграла выпускницу медицинского института Людмилу Одинцову.


С конца 1950-х Касаткина стала сниматься в фильмах своего мужа Сергея Колосова. В журнале «Телевидение и радиовещание» писали: «Касаткина стала для Колосова опорой в самых рискованных художественных экспериментах». В 1960 году актриса сыграла главную роль в его экранизации пьесы Уильяма Шекспира «Укрощение строптивой». За эту роль она получила премию «Золотая нимфа» на Международном фестивале телевизионных фильмов в Монте-Карло.



Через несколько лет Касаткина снялась в телевизионном четырехсерийном фильме «Вызываем огонь на себя», где сыграла советскую разведчицу и подпольщицу Анну Морозову. Во время съемок этой ленты актриса чуть не погибла из-за ошибки пиротехников. Она вспоминала: «Волна [взрывная – Прим. ред] пошла под мое корыто, которое было из очень толстой жести. Корыто разорвалось в куски, которые полетели прямо мне на голову. Меня рванул за руку осветитель. Секунда решала мою судьбу».


В ленте «Операция «Трест», которая вышла на экраны в 1968 году, Касаткина вновь чуть не погибла. Она упала с лошади и получила травму позвоночника. Два месяца актриса лежала в больнице. Однако вскоре Касаткина была вынуждена вернуться к съемкам. В одном эпизоде артистка даже вновь скакала на лошади.


В 1974 году Касаткина сыграла в совместном советско-польском фильме «Помни имя свое» главную роль. Основой картины стала история узницы концентрационного лагеря Освенцим, которая разыскивала своего сына. Чтобы исполнить эту роль, актриса села на диету и похудела на 12 килограммов, читала мемуары заключенных и посетила концентрационный лагерь.


«Я сказала Сереже [Сергею Колосову], что не готова сниматься в сцене, когда у меня отнимают сына, и я не могла это пережить. И тогда я нашла сторожа в концлагере, где мы снимали, и он мне открыл какой-то барак, где были свалены горы детских башмачков. И всю ночь... всю ночь я рассматривала детскую обувь: стоптанную, с запекшейся кровью, новенькую. Башмачки из всех стран. Я старалась угадать, кому принадлежали ботиночки – мальчику, девочке, сколько им было лет и сколько он пробыл в концлагере до своей гибели... Наутро, когда я услышала по мегафону: «В барак, на съемку», я сказала: «Сегодня я могу сниматься, я сыграю, как у меня отнимали сына...»

Людмила Касаткина о съемках «Помни имя свое» (по статье журналиста Федора Раззакова «Людмила Касаткина»)


Фильм «Помни имя свое» прославил Касаткину и в СССР, и в Польше. В СССР его посмотрело 35 миллионов зрителей. В журнале «Советский экран» писали: «Авторы писем единодушно дают высокую оценку картине, благодарят режиссера Сергея Колосова и исполнительницу главной роли народную артистку СССР Людмилу Касаткину за волнующий рассказ о судьбе русской женщины-матери». Вскоре актриса получила звание Народной артистки СССР за «большие заслуги в развитии советского театрального искусства» и Заслуженного деятеля культуры Польши. Касаткина вспоминала: «Я не просила этих званий (заслуженная и народная). Когда мне дали звание народной СССР, я поняла, что что-то произошло, увидев глаза мамы, наполненные слезами. До этого я звания воспринимала как еще один камень, положенный на твои плечи». На кинофестивале в Гданьске артистка получила награду за лучшую женскую роль, а по итогам 1975 года была признана лучшей советской актрисой по версии читателей журнала «Советский экран».


В 1980-х Касаткина продолжила сниматься в кино. Она сыграла в телевизионных фильмах «Под крышами Монмартра» и «Дороги Анны Фирлинг», музыкальной комедии «Принцесса цирка».


Занималась Касаткина и озвучиванием. Ее голосом говорит Падчерица «Двенадцати месяцев», пантера Багира из «Маугли» и служанка из «Последней невесты Змея Горыныча».


Личная жизнь: «Я должна проверить, люблю ли я тебя»



Людмила Касаткина была замужем один раз. Ее супругом стал режиссер Сергей Колосов, который учился в ГИТИСе в одно время с актрисой. Они познакомились в 1946 году, а поженились спустя четыре года.


«Я была хорошенькой. У меня было много поклонников. Но меня называли девушкой из прошлого века. Потому что, если кто-то до меня дотрагивался руками, я бежала, как оглашенная. Такая недотрога была. И поэтому, когда за мной начал ходить Колосов, вернувшийся с войны, пионы носить... <...> Четыре года мы дружили до женитьбы. Я сказала ему: «Я должна проверить, люблю ли я тебя, а ты меня по-настоящему». И за четыре года он откинул от меня всех моих поклонников»

Людмила Касаткина (по статье журналиста Федора Раззакова «Людмила Касаткина»)


Вместе Касаткина и Колосов прожили больше шестидесяти лет. Актриса часто снималась в фильмах своего мужа. В 1958 году у супругов родился сын Алексей Колосов. Он закончил факультет журналистики МГУ, а затем стал джазовым композитором и музыкантом группы «Аура».


«Что такое для актрисы играть, играть, играть, а потом бац - и перерыв»



С 1979 года Людмила Касаткина преподавала в ГИТИСе. Вместе с мужем она руководила собственной актерской мастерской. Среди их учеников артистки Евгения Добровольская и Алиса Богарт.


В 1990-х Касаткина продолжила играть в театре, однако после перехода режиссера Алексея Попова в МХАТ стала получать меньше ролей. Актриса вспоминала: «Что такое для актрисы играть, играть, играть, а потом бац - и перерыв. Не стало Попова, одни режиссеры, с которыми я работала, ушли, пришли другие. И дело не в возрасте: я очень плавно переходила от девочек к женщинам».


Касаткина сосредоточилась на работе в кино. Она снималась в телевизионных сериалах, фильме Карена Шахназарова «Яды, или Всемирная история отравлений». Артистка была членом Российской академии кинематографических искусств «Ника», выступала на творческих вечерах и ездила с гастролями по России.


В последние годы жизни Касаткина болела. 11 февраля 2012 года умер ее муж Сергей Колосов, а через 11 дней скончалась и сама актриса. Колосова и Касаткину похоронили рядом на Новодевичьем кладбище в Москве.

]]>
Александр ЛеньковБиография актера театра и кино, исполнителя ролей в фильмах «По секрету всему свету» и «Зимняя вишня».http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2147/aleksandr-lenkovMon, 02 Dec 2019 12:40:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Александр Леньков

КиноПерсоныАктер кино

Александр Леньков с детства мечтал стать актером – он участвовал в школьных постановках, сам ставил кукольные спектакли. Больше сорока лет он посвятил Театру имени Моссовета: дети замирали, когда на сцену выходил Леньков. Известность актеру принесли роли в фильмах-сказках и картинах для детей, среди которых «По секрету всему свету» и «Волшебник изумрудного города».


«В театр попал случайно»: детство Александра Ленькова


Александр Леньков в роли рассказчика в художественном фильме Бориса Щедрина «Василий Тёркин» (1973)

Александр Леньков родился 17 мая 1943 года в городе Рассказово Тамбовской области. Туда его родители уехали на время Великой Отечественной войны. Отец будущего артиста Сергей Леньков был инженером-ракетостроителем и работал на засекреченном предприятии. Мать Ольга Ленькова закончила математический факультет Московского педагогического института и преподавала в школе.


Вскоре после рождения сына Леньковы вернулись в Москву. Там Александр Леньков пошел в школу. Учился будущий актер плохо, много хулиганил и задирал одноклассниц. Но уже тогда он увлекся театром: участвовал в художественной самодеятельности, сыграл свою первую роль в школьном спектакле – Снегурочку на новогоднем утреннике. Леньков устраивал представления и в своем дворе. Он организовал самодельный кукольный театр, для которого придумывал пьесы и искал реквизит.


Школа Ленькова находилась рядом с Театром имени Моссовета. Когда актер был в четвертом классе, туда пришли помощники режиссера Инны Данкман. Они искала мальчика на роль сына уборщицы в спектакле «Студенты третьего курса». Среди других школьников выбрали именно Александра Ленькова. Вскоре он сыграл и в спектакле «Кража».


В театр попал случайно: не по одаренности, а по типажности. Требовался мальчик с внешностью не совсем отличника, каким я и был на тот момент. Видимо, по лености помощники режиссера пошли в ближайшую от театра школу, где и высмотрели меня. Сразу сыграл довольно большую роль – сына уборщицы. Потом был следующий спектакль, где я играл с Верой Марецкой и был сыном миллионера. И тогда, еще мальчиком, я начал понимать, что на сцене мало говорить текст: один образ должен отличаться от другого. Не скажу, что я сразу решил стать артистом, – никакого трепетного отношения к театру поначалу у меня не было.

Александр Леньков (из книги Марии Характеровой «Кумиры. Беседы с замечательными людьми»)


Актер Театра имени Моссовета


Александр Леньков в роли Семена Лагоды в художественном фильме Виктора Иванова «Ключи от неба» (1964)

После окончания школы Александр Леньков хотел поступить во ВГИК и стать оператором. Но родители его отговорили. Они считали, что без специальной подготовки он не поступит в институт кинематографии. Тогда начинающий артист поступил в театральную студию при Театре имени Моссовета. Леньков стал студентом курса Юрия Завадского. Он учился вместе с Маргаритой Тереховой, Юрием Кузьменковым и Борисом Щедриным.


Театральную студию Леньков закончил в 1965 году. В качестве дипломного проекта он поставил спектакль «Театр Гарсиа Лорки». Для этой постановки актер сам сделал декорации из дерева и расписал их.


Сразу после выпуска Ленькова приняли в труппу Театра имени Моссовета, там актер проработал всю свою жизнь – более сорока лет. Он играл в спектаклях «Василий Теркин», «Эдит Пиаф», «Свадьба Кречинского». Чаще всего Ленькову давали комедийные роли. Играл он и в детских спектаклях. В постановке «Пчелка» он сыграл короля гномов. Артист вспоминал: «Однажды я даже играл эдакого уродца-гнома, в которого была влюблена девочка. Это была трагическая роль: дети замирали и плакали, а не шуршали конфетами, как это часто бывает на детских спектаклях». Для многих героев Леньков сам придумывал костюмы и грим, ставил акробатические номера. Художественный руководитель Театра имени Моссовета Павел Хомский рассказывал в интервью телеканалу «Культура»: «Ему можно ставить любые задачи. Поставить его вверх ногами, он будет вверх ногами. Если он считает, что это интересно, выразительно и художественно необходимо – пожалуйста! Будет стоять на голове и не пожалуется, и не будет говорить «мне неудобно».


В 2008 году Леньков попробовал себя в качестве режиссера. Он поставил спектакль «Шум за сценой» о буднях английской театральной труппы по одноименной пьесе Майкла Фрейна.


Личная жизнь и увлечения


Александр Леньков с женой Еленой Леньковой. Фотография: udimir.ru

Александр Леньков был женат лишь однажды, и со своей супругой актер познакомился еще в школе. Елена Ленькова была младшей сестрой его одноклассницы. Они поженились в 1964 году. Через пять лет у супругов родилась дочь Екатерина, которая стала художницей и дизайнером. Вместе с ней в 1990 году актер снялся в картине Ефима Гальперина «Сэнит Зон».


С детства Леньков любил рисовать. В старших классах он даже подумывал о том, чтобы поступить в архитектурный институт. А когда он уже работал в Театре имени Моссовета, – часто помогал художникам с декорациями. Иногда Леньков писал портреты друзей. Артист сам делал мебель, вырезал из дерева. Он вспоминал: «Дачу свою почти все сам сделал. Посмотрите на мои руки: они все в занозах и краске. Иногда выходишь на сцену и думаешь: только бы зрители не увидели, что краска не отмылась с физиономии».


Еще одним увлечением Ленькова было шитье. Он сам делал костюмы и верхнюю одежду для себя и родственников. Артист рассказывал в интервью Марии Характеровой: «Раньше нельзя было купить джинсы, модные рубашки. Так я это все шил».


«Это моя особенная гордость»: фильмы, программы и дубляж


Александр Леньков в роли пианиста Павлика в художественном фильме Эльдара Рязанова «Дайте жалобную книгу» (1965)

Еще во время учебы, в 1964 году, Александр Леньков дебютировал в кино. Он сыграл в комедии Эльдара Рязанова «Дайте жалобную книгу». Первая главная роль не заставила себя долго ждать – в 1965 году он снялся в картине о буднях летчиков «Ключи от неба».


Известен Леньков стал благодаря фильмам и сказкам для детей, среди которых «Приключения Петрова и Васечкина, обыкновенные и невероятные», «Тайна Снежной королевы» и «Волшебник Изумрудного города». В 1976 году Леньков снялся в двухсерийном фильме «По секрету всему свету» по рассказам писателя Виктора Драгунского. Актер сыграл отца мальчика Дениса Кораблева. Леньков говорил о своих ролях в таких картинах: «Это моя особенная гордость <...> Дети любят и знают моих героев за доброту, которой им так не хватает».


Кроме детских фильмов, Леньков играл и в социальных драмах. В 1985 году актер снялся в ленте Игоря Масленникова «Зимняя вишня». Он сыграл роль холостяка Вениамина – неудачливого жениха главной героини Ольги. Через год на Всесоюзном кинофестивале в Алма-Ате картине присудили приз «За исследование актуальных нравственных проблем».


Александр Леньков в роли волшебника в художественном фильме Владимира Аленикова «Приключения Петрова и Васечкина. Обыкновенные и невероятные» (1984)

Занимался Александр Леньков и дубляжом – он озвучивал иностранные мультсериалы и фильмы. Его голосом говорят Пятачок в мультфильмах The Walt Disney Company о Винни-Пухе, бурундук Дейл в «Чип и Дейл спешат на помощь», черепашки в «Черепашках-ниндзя». В 2000-х актер озвучивал компьютерные игры. Среди них – серия «Assassin's Creed», «Гарри Поттер и Узник Азкабана» и «World of Warcraft».


Ленькова часто можно было увидеть в телепередачах. Он играл в «Ералаше». В 1980-х артист вел программу «Умелые руки», где объяснял детям, как мастерить разные поделки. В начале 2000-х Леньков был ведущим сатирической передачи «Тушите свет!». Там он озвучивал персонажа Степана Капусту, повзрослевшего Степашку из «Спокойной ночи, малыши!». Голосом другого героя программы – Хрюна Моржова, прототипом которого был Хрюша, – стал пародист Алексей Колган. В передаче Степан и Хрюн обсуждали актуальные новости. В 2001 году «Тушите свет!» наградили ТЭФИ в категории «Лучшая юмористическая программа». Через год Александра Ленькова и Алексея Колгана на этой же премии признали лучшими ведущими развлекательной программы.


В последние годы жизни Леньков болел. Однако артист продолжал работать. В 2013-2014 он был ведущим передачи «Сказки для самых маленьких» на детском канале «Радость моя». Умер Александр Леньков 21 апреля 2014 года. Актера похоронили на Троекуровском кладбище в Москве.

]]>
Дмитрий ЛевицкийДмитрий Левицкийhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10229/dmitrii-levickiiWed, 27 Nov 2019 09:30:53 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Дмитрий Левицкий

МузеиПерсоныХудожник

В детстве Дмитрий Левицкий учился рисовать под руководством своего отца — гравера Григория Левицкого. Прославился художник уже в 1770-х благодаря портретам государственных чиновников и дворян из Петербурга. Левицкий написал известную картину «Екатерина-Законодательница в храме богини Правосудия», которую много раз потом копировал для современников, и серию «Смолянок» — портреты лучших учениц Воспитательного общества благородных девиц при Смольном монастыре.


«Господин академик Левицкий»



Дмитрий Левицкий родился в 1735 году в Киеве. Его отец Григорий Левицкий происходил из рода запорожских казаков. Он был художником и гравером, работал в Киево-Печерской типографии, а в 1738 году стал священником.


Уже в детстве под руководством отца Дмитрий Левицкий создавал свои первые рисунки. Учил его также живописец Алексей Антропов. Однако Левицкий не подражал его технике.


Искусствовед Нина Молева писала: «Если даже представить себе, что первые из известных нам портретов Левицкого отделяют от антроповского портрета Измайловой (1754) целых пятнадцать лет <...> в них невозможно найти даже самые отдаленные отголоски метода учителя».


В 1758 году Левицкий уехал из Киева в Петербург, где поступил в Академию художеств. Во время учебы он писал на заказ портреты, расписывал православные храмы, в том числе деревянную церковь Рождества Христова на Песках.


В 1762 году Левицкого, по распоряжению правительства, вместе с другими художниками направили в Москву. Живописцы создали панно на триумфальных воротах, которые возвели в городе в честь коронации Екатерины II.


В эти же годы вместе с художником Василием Васильевским Левицкий работал над другим государственным заказом. Он писал иконы для Храма великомученицы Екатерины на Всполье, который в 1760-х отреставрировали по поручению императрицы. Однако Василевский и Левицкий не сразу отдали готовые произведения заказчикам. Художникам долго не платили за их работу, и они требовали полного погашения долга. В приказе Министерства императорского двора писали: «Изготовленных иконостасов и написанных образов подрядчики безденежно не отдают». Иконы поместили в церкви только после оплаты заказа, а освятили храм в присутствии Екатерины II.


В 1768 году Дмитрий Левицкий вернулся в Петербург. Живописец участвовал в выставках Академии художеств. В 1770 году за портрет ректора Александра Кокорина он получил звание академика. В следующем году приказом Совета Академии художеств Левицкого назначили руководителем портретного класса: «Класс портретной препоручить обучать господину академику Левицкому». Им живописец руководил до 1788 года.


«Истинный XVIII век»: известные портреты кисти Дмитрия Левицкого



В конце 1760-х годов Дмитрий Левицкий стал одним из самых популярных портретистов России. Художник получал заказы как от правительства, так и от дворянских семей Петербурга.


В 1763 году Екатерина II учредила Воспитательный дом — благотворительное образовательное учреждение для сирот. На его строительство деньги пожертвовали горнозаводчик Прокофий Демидов, чиновники Петр Вырубов, Богдан Умский и другие.


В начале 1770-х Президент Академии художеств Иван Бецкой предложил императрице создать картинную галерею с портретами меценатов «с приложением описания их усердия к пользе человечества». Картины заказали у Федора Рокотова, Фридриха Баризьена и Дмитрия Левицкого.


В Опекунскую серию Левицкого вошли портреты Прокофия Демидова, Богда Умского и Никифора Сеземова. Демидова художник написал в образе садовника — на портрете он стоит с лейкой рядом с горшками цветов. Однако на фоне Левицкий изобразил колонны и здание Воспитательного дома. Так живописец соединил традиции парадного и домашнего портретов. Искусствовед Галина Данилова писала: «Художнику удалось создать правдивый образ человека со сложным и противоречивым характером <...> способного <...> быть добрым и расточительным».


В 1773 году в Петербург приехал французский философ и просветитель Дени Дидро. В том же году Левицкий написал его портрет.


«Дидро Левицкого — стареющий усталый человек, болезненно впечатлительный и напряженный во внутреннем неосознанном ожидании тех впечатлений, которые неустанно приносит ему жизнь»

Нина Молева, искусствовед


В свою коллекцию портрет Дидро купил ювелир Франсуа Дюваль, который позднее вывез картину в Женеву. Там она находится и сейчас.



В 1770-х годах Левицкий работал над портретами учениц Воспитательного общества благородных девиц при Смольном монастыре (позднее — Смольный институт благородных девиц). Эту серию картин художника называют «Смолянки». Заказ на нее Левицкий вновь получил от Ивана Бецкого. Над «Смолянками» живописец работал в течение трех лет. Ему позировали лучшие воспитанницы Смольного института, в том числе Екатерина Нелидова, Наталья Борщова и Глафира Алымова. Об этих портретах художник Александр Бенуа позже писал: «Это истинный XVIII век во всем его жеманстве и кокетливой простоте… очаровательная ложь, очаровательная по совершенству и выдержанности всей системы».


Воспитанниц Смольного института Левицкий написал в новом для русской живописи жанре — «портрет в роли». Все «Смолянки» изображены в театральных костюмах на сцене или на фоне декораций. При этом в картинах видны черты реализма. Художник старался точно передать особенности внешности каждой из девушек.


Портреты «Смолянок» по распоряжению Екатерины II поместили в Большом дворце в Петергофе. Оттуда их изъяли после Февральской революции и передали Русскому музею, где они выставлены и сегодня.


В 1783 году Левицкий по заказу канцлера Александра Безбородко написал парадный портрет Екатерины II «Екатерине-Законодательнице в храме богини Правосудия». На картине он изобразил императрицу как справедливую правительницу, которая чтит законы.


«Средина картины представляет внутренность храма богини Правосудия, пред которою, в виде Законодательницы, Ея Императорское Величество, сжигая на алтаре маковые цветы, жертвует драгоценным своим покоем для общего покоя. Вместо обыкновенной императорской короны увенчана она лавровым венцом, украшающим гражданскую корону, возложенную на главе ея».

Дмитрий Левицкий, журнал «Собеседник любителей российского слова», 1783 год


Портрет стал очень популярен. Левицкий и другие художники несколько раз повторяли его, скульптор Федот Шубин изготовил по нему статую «Екатерина II — законодательница», а поэт Иван Богданович даже посвятил живописцу стихи:


Левицкий! Начертав Российско божество,
Которым седьм морей покоится в отраде,
Твоею кистью ты явил в Петровом граде
Бессмертных красоту и смертных торжество.


Кроме государственных заказов Дмитрий Левицкий выполнял и частные. Он написал портреты членов семьи графа Артемия Воронцова, итальянской певицы Анны Давиа, архитектора Николая Львова и других. Художник Игорь Грабарь писал о картинах Левицкого: «В передаче интимного, неуловимого очарования лица, не блещущего красотой, не выделяющегося оригинальностью, в изображении простого, среднего, незаметного лица — соперников он не знал».


Преподаватель Академии художеств и член масонской ложи



В 1786 году Дмитрий Левицкий был избран членом Совета Академии художеств. Теперь он мог не только преподавать, но и менять учебный план, утверждать темы выпускных экзаменов. Среди учеников живописца были Степан Щукин и Андрей Емельянов. В отличие от других педагогов Академии Левицкий позволял своим воспитанникам работать не с манекенами, а с живыми натурщиками. Он требовал от студентов портретного класса «естественности» изображения. Искусствовед Нина Молева писала: «Левицкий не ограничивает ученика ни определенной позой изображенного человека, ни «действием», ни платьем — все предоставляется на усмотрение молодого художника, чтобы он имел возможность найти наиболее «натуральное» решение».


В августе 1789 года Левицкий ушел из Академии художеств из-за конфликта с руководством. Живописцу почти перестали платить деньги за государственные заказы и сократили жалование. Александру Безбородко Левицкий писал: «Все мастеровые и художники получали, а другие получают оплату за труды свои, один только я забыт милостию вашего графского сиятельства. Вот уже четвертый год как я не только не получаю за труды свои, но и за издержки мои никакой уплаты, будучи в самых горьких обстоятельствах при старости моей».


Кроме того, художника обвиняли в «политической неблагонадежности». Он был другом поэтов Василия Капниста и Николая Новикова, которые в своих стихотворениях критиковали политику Екатерины II.


Дмитрий Левицкий не оставил живопись. В 1797 году он написал портрет Новикова. Заказы художник получал и от Александра Лабзина. По его приглашению Левицкий вступил в масонскую ложу «Умирающий сфинкс». Кроме того, в 1807 году Лабзин уговорил живописца вернуться в Академию художеств. Однако портретный класс ему вновь не доверили.


«Левицкий не отказывается от надежды вернуть своему искусству официальное признание, возможность получать заказы и преподавать, друзья — от попыток ему помочь. И все время остается ощущение близкой победы: еще немного, еще один шаг, но снова художник отбрасывается в небытие обстоятельствами государственной жизни, новой проводимой правительством политики, личными расчетами тех, кто только что, казалось, принадлежал к самым верным и надежным друзьям».

Нина Молева, книга «Левицкий»


Левицкий работал художником до конца жизни, но уже не получал государственные заказы. В 1810-х он рисовал портреты петербургских дворян, в том числе офицера Николая Грибовского, фрейлины Екатерины II Анны Протасовой.


Умер Дмитрий Левицкий 16 апреля 1822 года. Похоронили его на Смоленском кладбище в Петербурге. Могила художника до наших дней не сохранилась.

]]>
Алексей ПлещеевБиография поэта, писателя, члена кружка петрашевцев и автора революционных гимнов.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8543/aleksei-plesheevFri, 22 Nov 2019 13:55:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Алексей Плещеев

ЛитератураПерсоныПисатель

Алексей Плещеев стал известен в 1840-х как автор революционных гимнов. Писал он и сатирические рассказы, в которых высмеивал чиновников и провинциальных помещиков. Писатель состоял в кружке петрашевцев и часть своей жизни провел в ссылке. Позже Плещеев работал журналистом и художественным критиком в изданиях «Отечественные записки» и «Северный вестник». Там он помогал публиковаться Антону Чехову, Семену Надсону, Всеволоду Гаршину и другим молодым писателям.


Учеба в университете и первые стихи


Алексей Плещеев. Фотография предоставлена М. Золотаревым / m.rusmir.media

Алексей Плещеев родился 4 декабря 1825 года в Костроме в старой дворянской семье. Его отец, Николай Плещеев, был чиновником по особым поручениям при Ар­хан­гель­ском, Во­ло­год­ском и Оло­нец­ком генерал-гу­бер­на­то­ре. Через два года после рождения сына он перевелся на службу губернским лесничим в Нижний Новгород.


Когда Плещееву было шесть лет, его отец умер. Мать писателя Елена Горскина воспитывала сына одна. Вместе с ним она переехала в небольшой город Княгинин недалеко от Нижнего Новгорода (сейчас – город Княгинино Нижегородской области). Позже Плещеев описал его в своем стихотворении «Детство»:


«Мне вспомнились детства далекие годы
И тот городок, где я рос,
Приходского храма угрюмые своды,
Вокруг него зелень берез»


До 13 лет Плещеев учился на дому. Мать наняла ему педагогов по иностранным языкам, литературе, истории. С детства будущий писатель много читал, даже пробовал самостоятельно переводить с немецкого стихотворения Иоганна Вольфганга Гете. Его любимым поэтом был Михаил Лермонтов.


В 1840 году Алексей Плещеев по желанию матери поступил в Петербургскую школу гвардейских подпрапорщиков. Однако там почти не преподавали историю и литературу, а упор делали на военном деле и строевой подготовке. Уже на первом году обучения Плещеев попросил мать забрать его оттуда, но она отказывала. В школе писатель проучился еще три года. На третьем курсе он не вернулся на учебу из увольнения, которое воспитанники получали на выходных. Его отчислили, официальной причиной в приказе назвали болезнь.


Следующие несколько месяцев Плещеев готовился к университетским экзаменам. В том же году он поступил на восточное отделение филологического факультета Петербургского университета. С первых курсов поэт писал стихи, среди которых «Безотчетная грусть», «Дачи» и «Дездемоне». В начале 1844 года Плещеев послал свои произведения редактору журнала «Современник» Петру Плетневу. Плетнев писал о поэте своему другу филологу Якову Гроту: «У него виден талант. Я его призвал к себе и обласкал его». В том же году стихи Плещеева напечатали в «Современнике» под общим заголовком «Ночные думы». Там же поместили его переводы с немецкого.


«Марсельеза поколения 1840-х»: стихи и рассказы Алексея Плещеева


Кружок Михаила Буташевича-Петрашевского. Изображение: homsk.com

Алексей Плещеев посещал литературные вечера, собрания философского кружка братьев Бекетовых, где познакомился с писателями Федором Достоевским, Иваном Гончаровым, Михаилом Салтыковым-Щедриным. Достоевский стал близким другом Плещеева. Он посвятил поэту свою раннюю повесть «Белые ночи».


Во второй половине 1840-х Плещеев увлекся социалистическими идеями. Он читал работы философов Шарля Фурье и Анри Сен-Симона. Вскоре поэт присоединился к кружку Михаила Буташевича-Петрашевского, в который, кроме него, входило еще 23 человека, в том числе Федор Достоевский. После этого Плещеев решил оставить университет.


«Я бы поскорее желал разделаться с университетским курсом, во-первых, — для того, чтобы на свободе заняться науками, которым я решил посвятить себя, науками живыми и требующими умственной деятельности, а не механической, науками, близкими к жизни и к интересам нашего времени. История и политическая экономия — вот предметы, которыми я исключительно решился заниматься»

Алексей Плещеев (из письма Петру Плетневу от 8 июня 1845 года)


Летом 1845 года Плещеева отчислили. Он сосредоточился на литературе. В 1846 году вышел первый сборник поэта. В него попали стихотворения «Вперёд! без страха и сомненья…» и «По чувствам братья мы с тобой», которые позднее стали революционными гимнами. Критик Николай Добролюбов писал: «В числе <...> стихотворений был этот смелый призыв, полный такой веры в себя, веры в людей, веры в лучшую будущность». Стихотворения Плещеева стали популярными среди революционно настроенной молодежи. Их называли «марсельезой поколения 1840-х». Критики хвалили стихи Плещеева за проработанность образов и общественную значимость. Однако, по их мнению, в своих произведениях поэт использовал однотипные сюжеты. В журнале «Финский вестник» в 1846 году их назвали «несамостоятельными» и «однообразными».


Плещеев был одним из первых поэтов в России, который отреагировал на революцию 1848 года во Франции. Он написал стихотворение «Новый год»:


«Близок час последней битвы!
Смело двинемся вперед -
И услышит бог молитвы,
И оковы разобьет»


Чтобы обмануть цензуру, Плещеев добавил стихотворению подзаголовок «Кантата с итальянского». Поэт писал: «Оно у меня давно написано и вовсе не по поводу Италии. Я только воспользовался обстоятельствами и строчки две изменил... С итальянского я для цензуры поставил». Стихотворение он отправил редактору «Отечественных записок» Николаю Некрасову. Тот согласился напечатать произведение, но цензура его все-таки не пропустила.


В эти же годы Алексей Плещеев начал писать рассказы, которые тоже выходили в журнале «Отечественные записки». Среди них – «Енотовая шуба. Рассказ не без морали», «Протекция. История бывалая», повесть «Шалость». В прозе писатель продолжал традиции Николая Гоголя. Он сатирически изображал чиновников и мещан, высмеивал обывателей.


Член кружка петрашевцев, политический ссыльный


Б. Покровский. Обряд казни петрашевцев на Семеновском плацу (фрагмент). 1849. Изображение: school.rusarchives.ru

Плещеев остался членом кружка петрашевцев. У него дома проходили встречи, на которых обсуждались работы философов-социалистов, в том числе запрещенные в России. В марте 1849 года Плещеев приехал в Москву. Там он достал и выслал Достоевскому тетрадь с «Письмом Белинского к Гоголю». Его нельзя было распространять в России из-за призывов к «пробуждению в народе чувства человеческого достоинства, столько веков потерянного в грязи и неволе». Достоевский прочитал письмо на собрании петрашевцев 15 апреля 1849 года. Однако за членами кружка петрашевцев и посетителями их встреч шла слежка. Уже 23 апреля были арестованы 43 человека, которые находились в Петербурге. 28 апреля Николай I подписал и направил в Москву секретное поручение «о немедленном и внезапном арестовании литератора Плещеева». Поэта задержали, доставили в Петербург и поместили в Петропавловскую крепость.


Расследование шло около полугода. Плещеева несколько раз допрашивали. Следователи полагали, что писатель специально поехал в Москву, чтобы достать для петрашевцев запрещенную литературу. Плещеев утверждал, что отправился туда, потому что «давно имел желание повидаться с теткой, живущей в Москве, с которой не виделся около девяти лет».


В декабре 1849 года Алексею Плещееву и другим петрашевцам вынесли приговор – расстрел. Их обвинили в распространении запрещенной литературы и революционных идей. 22 декабря петрашевцев привезли на на Семёновский плац. Там перед каждым из них лично прочитали приговор, а затем объявили, что смертная казнь отменена.


«Там всем нам прочли смертный приговор, дали приложиться к кресту, переломили над головою шпаги и устроили наш предсмертный туалет (белые рубахи). Затем троих поставили к столбу для исполнения казни. Я стоял шестым, вызывали по трое, следовательно, я был во второй очереди и жить мне оставалось не более минуты <...> Я успел тоже обнять Плещеева, Дурова, которые были возле, и проститься с ними. Наконец <...> привязанных к столбу привели назад, и нам прочли, что его императорское величество дарует нам жизнь. Затем последовали настоящие приговоры»

Федор Достоевский из письма брату Михаилу Достоевскому от 22 декабря 1849 года


Плещеева приговорили к четырем годам каторги, а затем вновь изменили приговор. Его направили на службу рядовым в Уральск в Отдельный Оренбургский корпус. Следующие четыре года поэт почти не занимался литературой, не получал отпусков. Он писал об Оренбурге: «Эта безбрежная степная даль, ширь, черствая растительность, мёртвая тишина и одиночество — ужасны».


В Оренбурге Плещеев познакомился с поэтами Тарасом Шевченко, Михаилом Михайловым и Алексеем Жемчужниковым, польским революционером Сигизмундом Сераковским, к кружку которого он присоединился. Журналист Бронислав Залесский писал о встречах этого объединения: «Один изгнанник поддерживал другого <...> После муштры собирались часто дружеские собеседования. Письма с родины, новости, принесенные газетами, были предметом бесконечного обсуждения».


В 1850-х года Алексей Плещеев участвовал в туркестанских походах русской армии по завоеванию Средней Азии. В 1853 году поэт подал прошение о добровольном участии в штурме крепости Ак-Мечеть Кокандского ханства. Так он рассчитывал получить повышение по службе. После взятия крепости Плещееву дали звание унтер-офицера, а затем – прапорщика. Вскоре поэт перешел на гражданскую службу «с переименованием в коллежские регистраторы». Он служил в Оренбургской пограничной комиссии, а затем – в канцелярии оренбургского губернатора.


В Оренбурге Плещеев женился. Его супругой стала дочь надзирателя Илецкого соляного прииска Еликонида Руднева. Поэт писал ей: «Ваша любовь одна способна исцелить мою болезненную натуру, которая сделалась такой единственно потому, что много выпало мне разных невзгод». У них Плещеева и Рудневой было трое детей. В браке поэт и его супруга прожили семь лет – до смерти Рудневой в 1864 году.


В конце 1850-х Алексей Плещеев снова стал заниматься литературой. Его стихотворения, рассказы и переводы тих лет печатали в журнале Михаила Каткова «Русский вестник». По рекомендации поэта Михаила Михайлова некоторые из них опубликовал Николай Некрасов в «Современнике». В 1858 году вышел второй отдельный сборник стихотворений Плещеева. Эпиграфом к нему стала строка из стихотворения Генриха Гейне «Я не в силах был петь…». Критик Николай Добролюбов писал о нем: «Сила обстоятельств не дала развиться в г. Плещееве убеждениям, вполне определенным и ровным <...> Нельзя в них [Стихотворениях – Прим. ред] не заметить следов какого-то раздумья, какой-то внутренней борьбы, следствие потрясенной и еще не успевшей снова установиться мысли».


«Нужно сказать новое слово»: Алексей Плещеев в Москве


Портрет Алексея Плещеева на фронтисписе издания его стихотворений. Санкт-Петербург: Типография А.С. Суворина, 1898

В 1859 году Алексею Плещееву разрешили «под строжайшим надзором» поселиться в Москве. Вскоре он стал сотрудником и пайщиком газеты «Московский вестник», в которой публиковал свои рассказы и стихи. По его просьбе в газету приносили свои произведения Михаил Салтыков-Щедрин, Николай Чернышевский, Иван Тургенев. Иногда Плещеев публиковал в «Московском вестнике» и свои рецензии на новинки литературы, хотя и не считал себя профессионалом в этой области: «Чтобы быть критиком — из ряду выходящим, надо иметь к этому <...> призвание <...> Я <...> не чувствую в себе ни таланта, ни знания достаточного для этого...».


В начале 1860-х Плещеев хотел открыть собственное издание. Сначала он предложил Михаилу Михайлову создать журнал «Иностранное обозрение». Затем вместе с Салтыковым-Щедриным поэт разработал проект издания «Русская правда». Однако Плещеев не получил разрешения от правительства на создание журналов из-за «политической неблагонадежности». За ним следили сотрудники полиции, которые подозревали, что поэт состоял в тайных революционных обществах, в том числе в народнической «Земле и воле», и финансировал подпольную типографию.


В 1860-х Плещеев писал о проходивших в России либеральных реформах Александра II – земельной, судебной, образовательной. Поэт не одобрил отмену крепостного права в 1861 году. Он считал, что правительство отдает «бедного мужика на жертву чиновничьему грабежу». В стихотворениях этого периода Плещеев призывал устроить в России революцию по образцу Франции. Поддерживал он и студенческие протесты. В стихотворении «Лжеучителям» он поддержал революционную молодежь. Поводом для написания этого произведения стала лекция профессора Московского университета и юриста Бориса Чичерина, который призывал бороться с «анархией умов».


На лирику Плещеева этих лет повлияло творчество Николая Некрасова – поэт обратился к теме народа. В стихотворении «Сельская песня» он писал о проблеме образования крестьян:


«Если волов я не так запрягаю,
Нету во мне для хозяйства пути,
Если в избе я тебе докучаю,
В школу, родная, меня отпусти»


Среди творчества Плещеева была и пейзажная лирика, в том числе стихотворения «Скучная картина», «Весна» («Опять весной в окно мое пахнуло»), «Тучи».


Продолжил Плещеев писать и прозу. В рассказах и новеллах он писал о тяжелой жизни городской бедноты, самоуправстве помещиков. В 1860 году в Москве вышел сборник прозаических произведений писателя в двух частях «Повести и рассказы А. Плещеева». Критики отмечали общественную значимость тем, которые поднимал Плещеев, но упрекали его в старомодности.


«Что же, сказалось ли что-нибудь в этой массе печатной бумаги, имеет ли этот десяток больших и малых повестей какое-нибудь отношение к тому, что занимает теперь наше общественное внимание? Или это повести просто для упражнения в процессе чтения? <...> Рассказы г. Плещеева никак не могут быть отнесены к последнему разряду. Элемент общественный проникает в них постоянно и этим отличает от множества бесцветных рассказов тридцатых и пятидесятых годов. <...> Теперь покамест повести, о которых мы говорим, читаются, хотя уж и не с тем интересом, как пятнадцать лет тому назад. Но уже и теперь являются запросы, которым герои подобных повестей решительно не в состоянии удовлетворить»

Николай Добролюбов, статья «Благонамеренность и деятельность» (журнал «Современник», 1860 год)


Плещеева упрекали и в «неопределенности». Поэт пытался выработать собственную политическую позицию и в своих произведениях зачастую поддерживал противоположные точки зрения. Достоевскому он писал: «Нужно сказать новое слово, а где оно?».


Секретарь «Отечественных записок»


Журнал «Отечественные записки» №5, май 1881. Санкт-Петербург: Типография А.А. Краевского

Из-за проблем с деньгами в 1864 году Алексей Плещеев поступил на государственную службу – стал ревизором Московской контрольной палаты. В следующие несколько лет поэт почти не занимался литературой. Закрылись журналы «Эпоха», «Современник», «Русское слово», где он печатался. Умерли друзья Плещеева Михаил Михайлов, Николай Добролюбов, Николай Чернышевский. Николаю Некрасову поэт писал: «Мне сдается, что моя литературная карьера вовсе покончена. Порой, правда, является сильное желание работать, писать, но все это только порывами...».


В 1866 году Плещеев женился второй раз. Его супругой стала Екатерина Данилова. Еще до брака у них родилась дочь Любовь. Литературовед Николай Кузин писал о второй жене поэта: «Доброта и привязанность новой его подруги никак не могли восполнить того чувства, что, видимо, навсегда унесла с собой в могилу незабвенная Еликонида Александровна». Вскоре после женитьбы поэт написал стихотворения «Когда тебе молчанием суровым...» и «Где ты, пора веселых встреч...», которые посвятил своей первой супруге.


Через два года Некрасов предложил Плещееву стать секретарем журнала «Отечественные записки». Плещеев согласился и вскоре переехал в Петербург.


«Многоуважаемый Николай Алексеевич! Сейчас получил Ваше письмо и сейчас же спешу ответить Вам. Разумеется, я весь к Вашим услугам. Кажется, Вы не могли сомневаться, что быть сотрудником журнала, редактируемого Вами, я считаю не только за особенное удовольствие, но и за честь. Все, что только напишется, пришлю Вам... Ведь, право, руки отнимались — работать никакой охоты не было, когда ни одного сколько-нибудь сносного журнала не было...»

Алексей Плещеев Николаю Некрасову, 8 декабря 1868 года


Вскоре Алексею Плещееву предложил сотрудничество редактор журнала «Вестник Европы» Михаил Стасюлевич. Там выходили переводы писателя с немецкого и французского языков. Печатался он и в газете «Биржевые ведомости».


С 1870-х Плещеев по приглашению Московской конторы Императорских театров в числе экзаменаторов присутствовал на вступительных испытаниях в театральное училище. Также поэт был членом Артистического кружка – объединения любителей искусства, которые выступали за создание частных театров в Российской империи. Состоял он и в Обществе русских драматических писателей и оперных композиторов. Под впечатлением от встречи со студентами на заседании Артистического кружка Плещеев написал стихотворение «Тосты»:


«Первый тост наш — за науку!
И за юношей — второй.
Пусть горит им светоч знанья
Путеводною звездой»


Многие стихотворения Плещеев посвящал своим друзьям. В 1877 году поэт написал «Я тихо шел по улице безлюдной…». Адресатом этого стихотворения стал Виссарион Белинский. В 1882 году в журнале «Устои» напечатали его произведение «Памяти Н. А. Некрасова».


После смерти Николая Некрасова Алексей Плещеев был редактором поэтического отдела «Отечественных записок» – отбирал произведения для публикации. Эта работа отнимала у писателя много времени, но он не оставил занятия литературой. В 1870-х Плещеев начал писать стихи для детей. В 1878 году вышел сборник «Подснежник». В «Отечественных записках» о нем написали: «Если в наше время трудно быть поэтом вообще вследствие известных особенностей нашей эпохи, то писать стихи для детей едва ли не еще труднее. Плещеев понимает эту трудность... Он согревал созданные им образы «собственным внутренним чувством». Через несколько лет композитор Петр Чайковский написал «Шестнадцать песен для детей», из которых четырнадцать были написаны на стихи из «Подснежника» Плещеева.


«Чего бы я не дал за то, чтобы иметь возможность уйти подальше от журналистики...»


Николай Ярошенко. Портрет Алексея Плещеева (фрагмент). 1888. Харьковский художественный музей, Харьков, Украина

После убийства Александра II 13 марта 1881 года начали преследовать революционеров. Арестовали и часть редакции «Отечественных записок», в том числе Николая Михайловского. После этого Плещеев написал стихотворение «Без надежд и ожиданий…»:


«Без надежд и ожиданий
Мы встречаем новый год.
Знаем мы: людских страданий
Он, как прежде, не уймет…»


В 1884 году «Отечественные записки» закрыли специальным постановлением правительства. В нем писали: «Правительство не может допустить дальнейшее существование органа печати, который не только открывает свои страницы распространению вредных идей, но и имеет ближайшими своими сотрудниками лиц, принадлежащих к составу тайных обществ». Материальное положение Плещеева после этого ухудшилось. Он заложил имение Княгинино, которое досталось ему от матери. Из-за ужесточения цензуры произведения писателя почти не публиковали в крупных изданиях. Их печатали только малотиражные «Еженедельное обозрение» и «Театральный мирок».


Через год публицист Анна Евреинова создала литературный журнал «Северные вестник». Она пригласила в него Плещеева на должность редактора отдела беллетристики. Писатель согласился. В «Северном вестнике» он публиковал отрывки из своей монографии «Публика и писатели в Англии в XVIII веке», переводы стихотворений английского поэта Томаса Мура. Плещеев помогал начинающим писателям. По его рекомендации в «Северном вестнике» печатали стихи Семена Надсона, рассказы Всеволода Гаршина.


В 1866 году Плещеев отметил сорокалетний юбилей творческой деятельности. Об этом событии он сообщал своему другу писателю Александру Гацискому: «Люди всех лагерей были на юбилее... Теперь — умирать пора. Другого такого не будет в жизни. Особенно горячо и сочувственно отнеслась ко мне молодежь». На торжественном собрании поэта поздравило более ста человек. Плещееву передали анонимное письмо от редактора подпольного народовольческого издания «Отголоски революции». В нем писателя называли учителем революционеров.


В 1887 году Алексей Плещеев познакомился с Антоном Чеховым. Писатель Иван Леонтьев вспоминал: «Не прошло получаса, как милейший А. Н. [Плещеев – Прим. ред] был у Чехова в полном «душевном плену» и волновался». Плещеев предложил Чехову сотрудничать с «Северным вестником». Писатель согласился. Специально для журнала он создал повесть «Степь». Плещеев похвалил Антона Чехова: «Это такая прелесть, такая бездна поэзии, что я ничего другого сказать Вам не могу и никаких замечаний не могу сделать, кроме того, что я в безумном восторге. Это вещь захватывающая, и я предсказываю Вам большую, большую будущность...». Он решил опубликовать «Степь» в новом номере «Северного вестника». Однако часть редакции журнала, в том числе редактор критического и научного отделов Николай Михайловский, высказались против. Михайловский считал, что Чехов идет «по дороге не знамо куда и незнамо зачем». В знак протеста он и часть сотрудников критического и научного отделов покинули издание.


Весной 1890 года из состава редакции «Северного вестника» вышел и Плещеев. Анна Евреинова прекратила финансировать журнал.


«Северный вестник» решилась Анна Михайловна закрыть <...> Для финала я с этой дамой расстался — и будет ли, не будет ли под ее редакцией выходить журнал, я в нем не сотрудник. Она так дерзка, таким нахальным тоном позволяла себе со мной говорить, что мне стоило больших усилий не обругать ее. Я сдержался, однако же, хотя и сказал ей две-три довольно-таки крупные резкости <...> Можете себе представить, в каком завидном я теперь положении, лишившись главного своего ресурса. Как и чем буду существовать, пока не знаю»

Алексей Плещеев Антону Чехову, письмо от 17 марта 1890 года


Плещеев оказался в тяжелом материальном положении и лишился своего основного заработка. Его единственным доходом стали переводы и биографические очерки для небольших изданий. Чехову Плещеев писал: «Ах! Чего бы я не дал за то, чтобы иметь возможность уйти подальше от журналистики...».


Через несколько месяцев после закрытия «Северного вестника» Алексей Плещеев получил наследство от дальнего родственника – миллионера Алексея Павловича Плещеева. Поэту досталось около двух миллионов рублей, имение, пять тысяч десятин (больше пяти тысяч гектаров) черноземной земли. В том же году Плещеев уехал в Париж, где поселился в дорогом отеле «Mirabeau». Он занялся благотворительностью. Писатель учредил фонды имени Чернышевского и Белинского для выплаты стипендий малоимущим студентам, пожертвовал деньги для издания журнала «Русское богатство», оплатил зарубежные поездки своим друзьям.


В последние годы жизни Плещеев много путешествовал по Европе. Он побывал в Швейцарии и Германии. В 1891 году, в швейцарском городе Люцерне, поэт заболел. Некоторое время он не мог ходить. Чехову Плещеев писал: «Много ходить или скоро ходить — не могу. Утомляюсь. Хотя хожу все с палкой». На лечение Плещеев несколько раз уезжал в Ниццу. По дороге туда 8 октября 1893 года поэт скончался. Его тело перевезли в Москву и похоронили на Новодевичьем кладбище.

]]>
Тарас ШевченкоОт крепостного крестьянина до знаменитого художника и поэта: история жизни.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10228/taras-shevchenkoTue, 19 Nov 2019 14:30:09 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Тарас Шевченко

ЛитератураПерсоныПоэт

Критик Николай Добролюбов говорил: «Тарас Шевченко — поэт совершенно народный». Крепостной крестьянин, Шевченко получил свободу благодаря своим художественным способностям: деньги на выкуп собирали Карл Брюллов, Василий Жуковский и даже члены императорской фамилии. Однако главным его призванием была поэзия – сборник «Кобзарь» стал основой литературного украинского языка.


«Из него будет или что-то очень хорошо, или большой лодырь»: детство Тараса Шевченко



Тарас Шевченко родился в селе Моринцы Киевской губернии (сегодня - Черкасская область в Украине). Его родители были крепостными крестьянами. Отец, Григорий Шевченко, отрабатывал барщину и возил на продажу барский хлеб в Крым. Чтобы прокормить семью, по ночам мастерил телеги, колеса и сани. Мать будущего поэта, Катерина Бойко, работала в поле. Тарас Шевченко был третьим ребенком: всего в семье воспитывалось шестеро детей.


В 1816 году семья переехала в деревню Кирилловка, откуда он был родом Григорий Шевченко. Там будущий поэт провел свое детство. Родители были заняты, поэтому за детьми следила старшая дочь Екатерина. Позже Тарас Шевченко в повести «Княгиня» писал: «<...> и вот стоит предо мною наша бедная, старая, белая хата с потемневшей соломенной крышею и черным дымарем, а около хаты, на причилку яблоня с краснобокими яблоками, а вокруг яблони цветник, любимец моей незабвенной сестры, моей терпеливой, терпеливой, моей нежной няньки». По праздникам отец любил читать вслух жития святых, а дед рассказывал истории о гайдаматчине - бунтах Правобережной Украины против польских помещиков.


Когда Тарасу Шевченко исполнилось восемь лет, его отправили в церковно-приходскую школу. Учителем там был суровый дьяк Губский. Своих учеников он бил розгами за каждую провинность, а по субботам назначал в классе «консула», который сек всех без исключения. Шевченко вспоминал: «Ты, небораче, и сам не знал, что творил: так тебя били, и ты так бил и в простоте сердечной НЕ усматривал в том греха Мир праху твоему, бедный бродяга, - имел ты совершенно прав!». Знания давались писателю легко: он быстро научился писать и читать, хорошо складывал числа и знал наизусть основные молитвы. Шевченко мечтал стать художником, и иногда крал у учителя деньги, покупал бумагу и рисовал коров и лошадей.


В 1823 году умерла мать Тараса Шевченко. Поэту на тот момент было девять лет.


«Я видел ад... Там неволя, .
Работа тяжкая, никогда
И помолиться не дают.
Там мать добрую мою
Еще молодую — в могилу
Нужда и труд положила»

Тарас Шевченко, песня «Если бы вы знали, панычи»


Отец остался один с пятью детьми. Дочь Екатерина, которая помогала с хозяйством, вышла замуж и уехала в соседнюю деревню. Спустя несколько месяцев Григорий Шевченко женился во второй раз. Его избранницей стала молодая вдова Оксана Терещенчиха. После смерти первого мужа, она сама воспитывала троих ребят. «Не проходило часа без ссоры и брани между отцом и мачехой: мачеха особенно ненавидела меня, наверное, за то, что я часто бил ее слабого Степана», - вспоминал Шевченко.


В 1825 году писатель остался без отца: Григорий Шевченко простудился в одной из поездок и умер. В наследство сыну ничего не досталось. Завещание гласило: «Сыну Тарасу из моего хозяйства ничего не надо; он не будет кой-каким мужчиной; его будет или что-то очень хорошо, или большой лодырь, для его мое наследница или ничего не будет значит, или ничего не поможет». Чтобы не оставаться с мачехой, Тарас Шевченко устроился к дьяку Богорскому. За жилье писатель выполнял работу по дому и даже заменял его в делах – читал Псалтырь над покойными.


Шевченко прожил у церковнослужителя недолго. В надежде научиться рисовать он сначала стал учеником дьяка-маляра из соседней деревни, а потом пошел по селам в поисках учителя живописи. В Хлебновке он встретил маляра, который расписывал купола церкви. Мастер согласился взять ученика, однако потребовал у Шевченко справку от барина – по закону, крепостной крестьянин должен был получить согласие помещика.


Брюллов, Жуковский, императрица: освобождение от крепостной зависимости



В 1828 году Тарас Шевченко добрался до села Ольшана, где был дом барина Энгельгардта. Справку помещик не выдал, а отправил четырнадцатилетнего Шевченко работать на кухню.


Вскоре писателя перевели в город Вильно (сегодня - Вильнюс) и сделали «казачком» - он ездил вслед за господами и подавал им шубы. Ждать иногда приходилось часами, и в свободное время Шевченко рисовал. В автобиографии он писал: «Странствуя с обозом за своим дидычем в Киев, Вильно и в Петербург, на постоялых дворах крал он изображения разных исторических героев, как-то Соловья-разбойника, Кульнева, Кутузова, казака Платова и прочих с намерением скопировать их на досуге точь-в-точь». 6 декабря 1829 года барин со своей женой уехал на бал. Шевченко нашел пустую комнату в доме, зажег свечу и начал перерисовывать с открытки Атамана Платова. Он так увлекся, что не заметил возвращения помещика. Энгельгардт оценил способности «казачка» и захотел сделать из него домашнего живописца. С позволения барина Шевченко стал заниматься у местного художника.


В 1831 году Энгельгардт переехал в Петербург и увез за собой прислугу. Там Шевченко отдали в артель декоратора Василия Ширяева. Его держали в качестве подмастерья: Шевченко мешал охру и подносил краску художникам. Параллельно он пробовал писать акварельные портреты. «Однажды тот же Энгельгардт увидел у Нечипоренка [друг Шевченко] работу своего крепостного артиста, которая ему, верно, очень понравилась, потому что он начал употреблять его для снятия портретов с своих любимых любовниц, за которые иногда и награждал рублем серебра, не более», - писал Шевченко в автобиографии.


Чтобы совершенствовать свои навыки, по ночам Шевченко ходил в Летний сад и срисовывал скульптуры. Летом 1835 года во время одной из таких прогулок в парке он познакомился с учеником Академии Художеств Иваном Сошенко. Наброски крепостного настолько его впечатлили, что Сошенко решил представить Шевченко известным мастерам – Алексею Венецианову и Карлу Брюллову. Брюллов сразу же захотел взять его на свой курс в Академии художеств, но сделать это было непросто, ведь крепостные крестьяне не могли быть студентами.


История Шевченко стала известна в творческих кругах, и ему решили помочь. Портретист Аполлон Мокрицкий писал в дневнике от 7 марта 1836 года: «Кажется, это будет единственное средство — через Брюллова избавить его от тяжелых, ненавистных цепей рабства. Шутка ли: человек с талантом страдает в неволе по прихоти грубого господина». Переговоры с помещиком прошли неудачно: он не захотел дать Шевченко свободу. «Это самая крупная свинья в торжковских туфлях!» - сказал Брюллов после встречи. Во второй раз к Энгельгардту пошел Венецианов. Барин потребовал за Шевченко огромную по тем временам сумму: 2500 рублей – на эти деньги можно было купить целое поместье.


Тогда наставник цесаревича, поэт Василий Жуковский устроил аукцион. Он разыграл в лотерею среди членов императорской фамилии свой портрет, который специально для аукциона написал Брюллов. Картина досталась императрице Александре Федоровне. Деньги собрали, и 22 апреля 1838 года Шевченко стал свободным. «<...> никому не кланяюсь и никого не боюсь, окроме Бога - великое счастье быть вольным человеком, делаешь, что хочешь, никто тебя не остановит», - писал в письме брату Шевченко 15 ноября 1839 года.


Учеба в Академии Художеств и первые поэтические сборники



Сразу после освобождения Тарас Шевченко поступил в Академию Художеств и «вскоре сделался одним из любимых учеников-товарищей великого Карла Брюллова». В 1839 году его наградили серебряной медалью за этюд «Бойцы». Шевченко много времени проводил в библиотеке: читал Плутарха, Данте, Шекспира, Шиллера, Гейне, изучал историю античной Греции. Параллельно он рисовал акварельные портреты на заказ: после громкой истории его освобождения недостатка в клиентах не было.


Во время учебы в Академии Шевченко начал создавать свои первые литературные произведения. Поэт Евгений Гребёнка в письме своему другу Григорию Квитке-Основьяненко писал: «<...> здесь у меня один земляк Шевченко, что за упорный писать стихи, то пусть ему сей и тот! Как что напишет, то только цмокны и ударь руками по бедрам!». За первые несколько месяцев 1839 года Шевченко сочинил стихотворение о слепом барде «Перебендя», закончил балладу «Тополь» и поэму «Катерина» о трагической судьбе влюбленной девушки. А в 1840 году выпустил сборник «Кобзарь» на украинском языке. Книга была задумана как песенник кобзаря - народного исполнителя. Иллюстрации к изданию сделал знаменитый украинский художник Василий Штернберг.


«Стихотворения г-на Шевченка ближе всего подходят к так называемым народным песнопениям: они так безыскусственны, что вы их легко примете за народные песни и легенды малороссиян: это одно уже много говорит в их пользу. - Автор не облекает своих чувств и поэтических мыслей в форму ямбов, хореев и проч.; <...> а при всем том его стихи оригинальны: это лепет сильной, но поэтической души»

Виссарион Белинский, журнал «Отечественные записки» №5, 1840


После выхода сборника «Кобзаря» Шевченко критиковали за использование украинского языка. Редактор литературного журнала «Библиотека для чтения» Осип Сенковский заявил, что поэт «противно искажает мнение и русский язык, подделываясь под хахлацький строй», а критик «Сына Отечества» Александр Никитенко назвал всю украинскую поэзию искусственной.


В 1841 году Шевченко написал историческую поэму «Гайдамаки» о восстании против помещиков. В произведении он описывал жестокость крепостного права и гнев народа. Вскоре закончил большую поэму «Марьяна-монашка». Несмотря на критику, поэт продолжил писать на украинском языке. Литератор Григорий Квитка-Основьяненко писал Шевченко: «Спасибо Вам, не смотрите в глаза тем <...>, что, вмившы нашего языка и не разобрав в ней ничего, кричат <...> Спасибо, что плюете на это, но не перестаете писать. Пишите, пишите, пусть Вам Господь поможет».


В 1842 году Шевченко отправился в путешествие в Швецию и Данию. После этой поездки он написал поэму «Гамалия» о морских походах запорожских казаков. Весной 1943 года, поэт поехал в Украину: он хотел посетить родные места и встретиться с семьей. «Был на Украине… Был везде и все плакал: разорили нашу Украину…», - вспоминал Шевченко. Он много ездил по стране: был в Киеве, побывал в Полтавской и Черниговской губерниях. В дороге поэт начал писать произведение «Сон» о тяжелом положении крестьян.


«А вон умирает в бурьяне под тыном
опухший, голодный ребенок! А мать
угнали пшеницу на барщине жать.
А вон видишь? Очи, очи!
Куда деться с вами?»

Тарас Шевченко, поэма «Сон»


Вернувшись в Петербург, Шевченко все меньше интересовался живописью. В мае 1844 года поэт написал поэму «Сова». История о вдове, которая сошла с ума из-за призыва в армию единственного сына, была основана на реальных событиях. Параллельно он работал над серией гравюр «Живописная Украина». Шевченко хотел изобразить ее политическую историю. Деньги от продажи альбома, должны были пойти на выкуп его старшей сестры. Однако нужную сумму собрать не удалось.


В 1845 году Шевченко закончил Академию Художеств и получил звание «неклассного художника». Он устроился живописцем в Киевскую археологическую комиссию и уехал из столицы. Через несколько месяцев после отъезда в Переславле Тарас Шевченко написал «Завещание» – одно из самых значительных для своего творчества стихотворений.


«Как умру, похороните
на Украйне милой,
Посреди широкой степи
выройте могилу <...>»

Тарас Шевченко, стихотворение «Завещание»


«Стихи возмутительного содержания»: десятилетняя ссылка поэта



В Киеве Шевченко познакомился с историком Николаем Костомаровым. «Достаточно было около часа поговорить с этим человеком, чтобы в полной мере сойтись с ним и услышать в него сердечное привязанность», - говорил Костомаров об авторе «Кобзаря». В 1846 году по приглашению историка, Шевченко стал членом Кирилло-Мефодиевское братства - тайной политической организации. Ее целью была отмена крепостного права и создание славянских демократических республик.


«Это был уже не кобзарь, а национальный пророк. Восторжено счастьем, наукой и поэзией, мне казалось, будто бы перед нами произошло то, чего дизнав на себе ветхозаветных посол Господень ... Киевская интеллигенция, лучче сказать, плодюща ее часть, охватывала украинского барда глубоким почитанием»

Поэт Пантелеймон Кулиш


В апреле 1847 года по доносу одного из студентов всех членов тайного общества арестовала полиция. Во время обыска у Шевченко нашли поэму «Сон», где он критиковал режим. Шеф жандармов Алексей Орлов писал в докладе Николаю I: «Шевченко <...> сочинял стихи на малороссийском языке самого возмутительного содержания. В них он то выражал плач о мнимом порабощении и бедствиях Украины, то возглашал о славе гетманского правления и прежней вольнице казачества, то с невероятною дерзостью изливал клеветы и желчь на особ императорского дома». Следствие длилось два месяца. Поэта сослали рядовым солдатом в Оренбургскую губернию. На докладе император собственной рукой написал: «Под строжайший надзор, с запрещением писать и рисовать».


Участь Шевченко пытались облегчить его влиятельные друзья в Петербурге: графы Андрей Гудович и Алексей Толстой. Однако их попытки ни к чему не привели. «Все прежние мои страдания, в сравнении с настоящим были детские слезы», - писал в дневнике Шевченко. В 1848 году поэта назначили в экспедицию на Аральское море. Руководитель похода, исследователь Алексей Бутаков, решил помочь поэту и взял его в качестве художника. Чтобы обойти запрет на рисование, Бутаков и оренбургский военный губернатор Владимир Обручев пошли на хитрость и не стали прописывать в бумагах обязанности Шевченко. За время экспедиции он нарисовал около 350 акварельных пейзажей и портретов. После возвращения из поездки о снисходительности к поэту узнали в Петербурге. Обручеву и Бутакову был объявлен выговор, а Шевченко отправили еще дальше от столицы: в Новопетровское укрепление (сегодня - Форт-Шевченко, Казахстан).


В 1850 году поэт прибыл в форт. Шевченко вспоминал о строгом штабс-капитане Потапове: «То, бывало, ни с того, ни с сего, начнет у него карманы выворачивать, чтобы посмотреть, нет ли у него чего написанного или нарисованного. То начнет глумиться над ним за недостаточно громкий и не «солдатскую» ответ на вопрос, или спущены вниз глаза и т.д.». В 1853 году у крепости сменился комендант: заведовать делами стал полковник Ираклий Усков. Шевченко подружился с Усковым и его семьей: обедал каждый день в его доме, в свободное время играл с детьми и учил их рисовать. Жена коменданта Агафья Ускова вспоминала: «Так как Шевченко был очень развитой человек, с прекрасной памятью, то темы для разговоров во время прогулок были очень разнообразны <...> Сначала Шевченко очень боялся моего мужа, считал его деспотом; мне много приходилось с ним спорить, и я наконец достигла того, что они сблизились».


Несмотря на запрет, Шевченко начал писать произведения. В короткие сроки поэт закончил повесть «Княгиня», «Художник» и «Близнецы».


Последние годы Шевченко: гравюры и букварь украинского языка



В 1857 году вице-президент Академии художеств Петр Толстой смог добиться для Шевченко освобождения. Писатель Иван Тургенев вспоминал: «<...> мы приняли его с дружеским участием, с искренним радушием. С своей стороны он держал себя осторожно, почти никогда не высказывался, ни с кем не сблизился вполне: всё словно сторонкой пробирался. Он посетил меня несколько раз, но о своей изгнаннической жизни говорил мало; лишь по иным отрывочным словам и восклицаниям можно было понять, как солоно она пришлась ему и какие он перенес испытания и невзгоды». Шевченко увлекся гравюрой, свободное время проводил в Эрмитаже. В 1859 году поэт уехал в Украину. Он хотел купить себе усадьбу на берегу Днепра и переселиться на родину. На одном из вечеров Шевченко прочитал свои антикрепостнические стихи в малознакомой компании местных помещиков. На него написали донос и в начале лета 1859 года поэта арестовали и выслали обратно в Петербург.


Шевченко вернулся к занятиям гравюрой, и в 1860 году получил звание Академика по гравированию меди. Поэт также составил букварь на украинском языке и хотел написать учебник по арифметике для сельских школ. Но не успел.


В 1861 году Тарас Шевченко скончался в своей мастерской. Сначала поэта похоронили на Смоленском кладбище в Петербурге, но через два месяца гроб перевезли на Украину и перезахоронили на Чернечьей горе недалеко от города Канева.


Интересные факты



1. В 1835 году вместе с художниками артели Ширяева Тарас Шевченко расписывал потолки Большого театра в Петербурге (сегодня - Петербургская консерватория). Крепостной подмастерье подружился с персоналом театра, и после реконструкции ходил на театральные представления бесплатно.


2. Один генерал едва не выкупил Тараса Шевченко ради мести. Незадолго до освобождения у Шевченко заказал портрет генерал. Когда работа была готова, заказчик ее не принял и отказался платить. Тогда Шевченко пририсовал на портрете намыленную бороду и продал его для вывески цирюльнику, у которого обычно стригся генерал. Офицер очень разозлился и уже обратился к помещику Шевченко, чтоб выкупить крепостного, но не успел: прошел аукцион, и поэт получил свободу.


3. Во время поездок по Украине Тарас Шевченко остро реагировал на несправедливость к крепостным крестьянам. Часто поэт сразу же уезжал из гостей, как только видел насилие. Иногда Шевченко покидал дома так спешно, что оставлял свои рукописи.


4. Несмотря на запрет рисовать комендант Новопетровского форта Усков позволял Шевченко расписывать летнюю беседку и кибитки. Более того, в саду Ускова была вырыта специальная землянка, в которой поэт прятал свои рисунки и поэмы.

]]>
Иван КозловскийБиография солиста Большого театра, создателя Государственного ансамбля оперы СССР.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8797/ivan-kozlovskiiFri, 29 Nov 2019 12:10:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Иван Козловский

МузыкаПерсоныИсполнитель

С детства Иван Козловский увлекался музыкой и сразу после окончания церковной школы поступил в музыкальный институт. Уже в 26 лет он стал солистом Большого театра и исполнял ведущие партии в популярных операх – «Борис Годунов», «Фауст», «Евгений Онегин». Козловский создал Государственный ансамбль оперы СССР – коллектив, который популяризировал классическую музыку.


Учёба и первые концерты



Иван Козловский родился 24 марта 1900 года в украинском селе Марьяновка в крестьянской семье. С ранних лет будущий певец занимался с родителями музыкой: отец учил его играть на гармонике, а мать – петь.


Детство Козловского прошло в Киеве, где он учился в церковной школе. В семь лет будущего певца отдали в хор при Михайловском Златоверхом монастыре. Козловский пел и в школьном коллективе. Позднее исполнитель вспоминал: «В школе не только пел в хоре, но и получил право проводить занятия в одной из его групп». На одном из концертов Козловского заметил композитор Александр Кошица. По его предложению исполнитель стал выступать в хоре Троицкого народного дома в Киеве.


Родители Козловского хотели, чтобы после окончания школы он поступил в семинарию и стал священником. Однако вместо этого он по рекомендации Кошицы подал документы в Высший музыкально-драматический институт имени Н. Лысенко (сейчас – Киевский национальный университет театра, кино и телевидения имени И.К. Карпенко-Карого). Певец стал студентом вокального класса Елены Муравьевой.


«Муравьева безошибочно определяла, какими гранями должен засверкать тот или иной голос, как помочь ему обрести свою неповторимую форму. <...> Елена Александровна между тем никогда не была диктатором: не заставляла людей петь так, как пела сама. Но если человек сходил с правильной звуковой позиции, всегда могла подсказать, в чем его ошибка»

Иван Козловский, книга воспоминаний «Музыка – радость и боль моя»


В 1920 году Козловский окончил музыкальный институт. Вскоре он записался добровольцем в Красную Армию. Служил певец в инженерной бригаде недалеко от Полтавы. Вместе с другими армейскими музыкантами Козловский участвовал в спектаклях Полтавского оперного театра, давал концерты на фабриках и в колониях для беспризорных. Выступал артист и на сцене Полтавского передвижного музыкально-драматического театра - пел в спектаклях «Наталка Полтавка» и «Вий». Кроме того, Козловский занимался верховой ездой. Его внучка Анна Козловская вспоминала: «Дед с детства любил лошадей. Он хорошо держался на лошадях, умело ими управлял и с удовольствием за ними ухаживал. Свою привязанность к лошадям он пронес через всю жизнь». Однажды артист даже выиграл заезд среди деятелей культуры.


Позднее в газете «Знамя перемен» он писал: «Помимо того, что я пел в опере, приезжал на спектакль верхом на лошади, я же играл и в драматических спектаклях — «Парижская коммуна», например». В Полтаве Козловский впервые исполнил партию Фауста из одноименной оперы Шарля Гуно. Руководство театра пригласило на главную роль начинающего артиста, потому что другие актеры заболели: в городе тогда началась эпидемия испанского гриппа. Спектакль прошел с успехом. Кроме Козловского, в нем играл известный тогда оперный певец Платон Цесевич. По его рекомендации артист получил еще одну крупную роль – Ленского в «Евгении Онегине».


В 1923 году Козловского пригласили в Русскую государственную оперу в Харьков, а еще через год он переехал в Свердловск (сейчас – Екатеринбург). Там он служил в Свердловском Государственном оперном театре имени А.В. Луначарского: исполнял главные партии в операх «Фауст», «Кармен» и «Травиата».


В 1924 году на гастроли в Свердловск приехала труппа Московского Художественного театра. Ее артисты часто бывали на спектаклях с участием Козловского и рассказали о нем Владимиру Немировичу-Данченко. Режиссер пригласил певца уехать с его театром на гастроли в Европу, но Козловский отказался – не хотел разрывать контракт со Свердловским оперным театром. Позднее он вспоминал: «Бывают моменты, когда понимаешь заманчивость предложения, но не можешь его принять».


«Во всех ролях он был прекрасен»: солист Большого театра



Уже в 1926 году Ивана Козловского пригласили в Большой театр. Первым спектаклем с его участием стала опера «Травиата» по мотивам романа Александра Дюма-сына «Дама с камелиями». Постановку посетил режиссер Всеволод Мейерхольд со своей женой Зинаидой Райх. Они познакомились и подружились с Козловским. Спустя несколько лет Мейерхольд пригласил певца сыграть в спектакле «Дама с камелиями». Козловский писал: «Получив письмо Зинаиды Райх, в котором говорилось о предложении Мейерхольда, я очень взволновался и обрадовался». Артисту пришлось отказаться от предложения Мейерхольда из-за загруженности.


В конце 1920-х Козловский стал одним из самых популярных исполнителей Большого театра. Он пел в операх «Евгений Онегин», «Снегурочка», «Любовь к трем апельсинам» и других. Оперная певица Наталья Шпиллер вспоминала: «В середине двадцатых годов в Большом театре появилось новое имя — Иван Семенович Козловский. Тембр голоса, манера пения, актерские данные — все в молодом тогда артисте изобличало ярко выраженную, редкую индивидуальность».


Славу Козловскому принесла постановка «Борис Годунов», в которой он исполнил Юродивого. Всего же у певца было больше тридцати партий в различных операх. Он стал солистом Большого театра. Музыковед Геннадий Голубин писал: «Во всех ролях он был прекрасен <...> Он учитывал и эпоху, и костюм, и манеру поведения на сцене и, конечно, грим <...> Козловский был даровитым драматическим актером».


Выступал Козловский и с концертами народной и эстрадной музыки, пел романсы, арии, религиозные композиции. Нередко артист гастролировал по СССР, в том числе с Государственным джаз-оркестром. Скульптор Сергей Коненков вспоминал: «Слушать пение Ивана Семеновича Козловского поистине большое наслаждение. Его украинские песни мелодичны, полны очарования и вдохновения».


Создатель Государственного ансамбля оперы



В 1938 году в Москве по инициативе Козловского создали Государственный ансамбль оперы СССР. Певец хотел популяризировать классическую музыку, поэтому в репертуар коллектива вошли адаптированные под массового слушателя партии из опер.


«Наш Ансамбль будет выступать на концертной эстраде. Мы вовсе не собираемся механически переносить оперный спектакль на концертную площадку. Мы стремимся создать новое зрелище, оперу-концерт, сохранив при этом непрерывность действия и его сюжетного развития. <...> Певцы, выступающие в спектакле, должны не только петь, но и пытаться создать образы и жить ими на сцене. <...> Перед участниками спектакля была поставлена трудная задача — без декоративного оформления, без грима, без театральных костюмов постараться создать психологически оправданные образы героев оперы»

Иван Козловский, «Ансамбль оперы Союза ССР» (из книги «Музыка – радость и боль моя»)


Специально для Государственного ансамбля оперы Козловский поставил несколько опер, главные роли в них он исполнил сам. Это были спектакли «Вертер» Жюля Массне, «Орфей и Эвридика» Кристофа Глюка, «Моцарт и Сальери» Николая Римского-Корсакова и другие. В 1941 году за «выдающиеся достижения в области вокально-драматического искусства» артист получил Сталинскую премию первой степени.


После начала Великой Отечественной войны Козловский вместе с коллективом Большого театра был эвакуирован в Куйбышев (сейчас – Самара). Несколько раз исполнитель выезжал с концертами на фронт. Он выступал перед солдатами в местах боевых действий, в госпиталях. Специально для армии Козловский записал несколько радиоконцертов. Позднее исполнитель вспоминал: «Война — какая это была проверка силы человеческого духа! Мне кажется, что она еще так недалеко — память цепко хранит ее. А самое яркое впечатление — радостное чувство Победы».


Личная жизнь и увлечения



Иван Козловский был женат дважды. Его первой супругой стала актриса Александра Герцик. Они познакомились в Полтаве в 1919 году и вскоре поженились. Герцик на тот момент была популярной актрисой, а Козловский учился в музыкальном институте. В театральных кругах певца прозвали «мужем самой Герцик». Ради Козловского актриса оставила карьеру в Полтаве. Она последовала за ним сначала в Харьков, а затем в Свердловск и Москву.


В 1934 году на отдыхе в Крыму Козловский познакомился с актрисой Галиной Сергеевой, которая стала его второй женой. В браке у супругов было двое детей – дочери Анна и Анастасия. Вскоре после рождения второго ребенка Козловский и Сергеева расстались. Больше певец не женился.


Козловский любил розыгрыши и часто подшучивал над своими коллегами в театре – прибивал гвоздями к полу галоши, завязывал морским узлом концертные брюки. Певец писал: «Ах, эти милые розыгрыши! Часто они вспоминаются с улыбкой и грустью».


В свободное время Козловский посещал скачки. Он был знаком с командующим 1-й Конной армией СССР Семеном Буденным. Вместе артист и военачальник ходили на Московский ипподром, обсуждали новые породы лошадей.


«Отец <...> любил шутить, провозглашать длинные тосты, разыгрывать друзей, проявляя при этом бурную фантазию и даже озорство; любил лошадей, любил играть в теннис, плавать в море; говорил женщинам замечательные комплименты, галантные, изысканные, даже если его соседке на каком-нибудь банкете было за восемьдесят, любил животных, детей… Но больше всего на свете он любил Музыку. И ради этой великой своей страсти готов был жертвовать всем»

Анна Козловская, статья «Мой отец – Иван Семенович Козловский»


Уход из Большого театра, роли в кино и мемуары



В конце 1940-х Козловский продолжал выступать в Большом театре и давать концерты. В 1948 году совместно с Сергеем Лемешевым он пел на юбилее вдовы Антона Чехова Ольги Книппер-Чеховой. Бывал исполнитель и за границей – ездил на гастроли в Румынию и Чехословакию.


В 1949 году Козловский вновь исполнил роль Юродивого в опере Модеста Мусоргского «Борис Годунов». За нее артист получил свою вторую Сталинскую премию. Спустя несколько лет эту же роль Козловский сыграл в фильме-опере Веры Строевой «Борис Годунов». Певец вспоминал: «Мне не стыдно признаться: я сам не сразу оценил, например, «Бориса Годунова» <...> Но зато сейчас я не могу ни одну оперу поставить рядом с этим гениальным творением».


В 1954 году Козловский покинул Большой театр. На тот момент он был одним из самых популярных его исполнителей. Причину своего решения певец не объяснял.


Музыку Козловский не оставил. Он гастролировал по СССР с концертами. Артист записал несколько новых пластинок с украинскими народными песнями, колядками. Козловский стал одним из первых исполнителей романса композитора Леонида Малашкина на стихи Федора Тютчева «Я встретил вас». Певец увидел в букинистическом магазине сборник старинных партитур, в котором была записана эта мелодия.


Снимался Козловский и в кино. В 1958 году он сыграл в картине Юлии Солнцевой «Поэма о море», в 1967 году – в фильме-спектакле «Самая высокая…». В роли самого себя артист появился в ленте Николая Губенко «И жизнь, и слезы, и любовь».


В 1970 году Козловский открыл на собственные деньги в родном селе Марьяновка детскую музыкальную школу. Козловский сам подбирал преподавателей для этого учебного заведения и закупал оборудование. Несколько раз певец выступал с хором Марьяновской музыкальной школы.


«Если сократить расстояние между городом и деревней в смысле выравнивания условий для получения музыкального образования <...> какое будет духовное обогащение для грядущего поколения! Оттого в каждой школе села, где есть учитель пения, как это бывало и ранее, должно звучать стройное детское пение. Как это настраивает к гармоничному восприятию мира — переоценить невозможно <...> Оттого музыкальные школы в отдаленных от центра селах — радостное явление, и оно должно быть всячески поддержано. Этим школам надо помочь, особенно на первых порах, инструментами, книгами, знанием и опытом, доброжелательностью»

Иван Козловский о музыкальных школах в селах (из книги «Музыка – радость и боль моя»)


Козловский давал концерты до 87 лет. В последние годы жизни артист писал мемуары. В 1992 году он опубликовал книгу воспоминаний «Музыка – радость и боль моя».


Умер Иван Козловский 21 декабря 1993 года. Исполнителя похоронили на Новодевичьем кладбище в Москве.


Вскоре после смерти певца его родственники и друзья учредили Фонд имени И.С. Козловского для помощи начинающим артистам. С 2000 года организация вручает специальный приз лучшим певцам России, а с 2011 года в Москве проводится Фестиваль-конкурс теноров имени И.С. Козловского.

]]>
Владимир ЛебедевБиография художника, иллюстратора детских книг, автора агитационных плакатов.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10220/vladimir-lebedevTue, 26 Nov 2019 15:45:38 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Владимир Лебедев

МузеиПерсоныХудожник

Иллюстрации Владимира Лебедева к детским книгам еще при его жизни хвалили за «невиданную в России виртуозность», а агитационные плакаты вывешивали на Невском проспекте, пароходах и поездах. Карикатурист, театральный художник, он создавал и живописные работы, которые сегодня хранятся в Русском музее и Третьяковской галерее.


Детство и учеба: «Рисовать я начал с четырех-пяти лет»



Владимир Лебедев родился 26 мая 1891 года в Петербурге. Его отец Василий Лебедев был механиком, а мать – домохозяйкой.


Все детство Владимир Лебедев провел в родном Петербурге. Он получил образование в Петровском коммерческом училище. В свободное время будущий художник занимался спортом – футболом и боксом, много рисовал, брал уроки у разных живописцев. Лебедев вспоминал: «Рисовать я начал, по рассказам родителей, с четырех-пяти лет. Проделывал я это сле­дующим образом: раскладывал на полу бумагу, а сам ложился на живот и «творил» бата­лии и лошадей, причем начинал рисовать лошадей всегда с хвоста».


Владимир Лебедев увлекался военной историей, хотел стать художником-баталистом. Сначала он был учеником частной школы А. И. Титова, где его научили рисовать обнаженную натуру, а с 1910 года стал посещать мастерскую баталиста Франца Рубо. Кроме него в этой мастерской учились живописцы Лев Бруни, Петр Львов и Михаил Авилов.


«Желание рисовать с натуры длительно и писать маслом привело меня к профессору Рубо. Очень интересно и волнующе для меня было то, что прежде чем разрешить посещать свою «стеклян­ную» батальную мастерскую, он решил попробовать меня. Посмотрел рисунки и спросил: Вы это без натуры рисовали? — Я ответил утвердительно. — Ну, тогда идите в соседнюю ком­нату, берите картон и уголь и изобразите мне атаку. Через полтора часа моих усилий я услы­шал за спиной голос: «Можете приходить работать в мастерскую в любое время писать и рисовать»

Владимир Лебедев, из архива (по книге искусствоведа Всеволода Петрова «Владимир Васильевич Лебедев»)


В 1912 году Лебедев начал ходить в частную школу рисования Михаила Бернштейна, который разрешил ему посещать занятия бесплатно. Художник в это время стал читать книги по истории искусств, пристрастился к анатомии и, как он сам говорил, ему «понравилось рисовать с натуры обнаженных людей». В школе он познакомился со своей первой женой – скульптором Саррой Дормилатовой, писателем Виктором Шкловским, художниками Владимиром Татлиным и Николаем Лапшиным, которые стали его близкими друзьями.


В том же 1912 году Лебедев поступил в Академию художеств, но занятия он посещал редко. Позднее он вспоминал: «Я в Ака­демии не нашел ни среды, ни профессуры. И она не вызывает у меня воспоминаний. Благодарен я только ее хорошей библиотеке». В это время иллюстрации к детским произведениям и политические карикатуры художника уже публиковали в журналах «Галчонок», «Аргус», «Новый Сатирикон».


Лебедев часто посещал выставки и салоны. К столетию Отечественной войны 1812 года, Французский институт в Петербурге и журнал «Аполлон» собрали около тысячи картин, рисунков и скульптур французских живописцев. Выставка этих предметов под названием «Сто лет французской живописи (1812—1912)» повлияла на творчество художника. Биограф Всеволод Петров писал: «Так возникли у Лебедева глубокие и прочные связи с французской художественной тради­цией, впоследствии укрепившиеся и прошедшие сквозь всю его жизнь».


В конце 1910-х Владимир Лебедев увлекся авангардом. Его работы этого периода, в том числе «Натюрморт с палитрой», написаны в стиле кубизма. С 1918 года он начал преподавать в Академии художеств, которую советское правительство преобразовало в Петроградские государственные свободные художественно-учебные мастерские (сейчас – Институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина). В этом же году в издательстве «Огни» вышла первая книга с иллюстрациями Лебедева – арабская сказка «Лев и бык».


«Широкой смелой кистью нарисованы звери на страницах этой книги большого формата. Художник откровенно любуется их энергией, целесообразной красотой и пластикой их движений. Здесь есть прекрасные, классические по красоте и силе рисунка страницы — например, развернутая на целую полосу смертельная схватка быка и льва. И все же этой выразительной серии еще недостает цельности замысла, единства художественной системы. Живая передача натуры спорит с «психологической» характеристикой очеловечен­ного, сказочного зверя и еще больше — с откровенными влияни­ями первобытной пещерной живописи»

Искусствовед Юрий Герчук, «Детские книги В.В. Лебедева»


После издания «Льва и быка» Лебедев вместе с Ильем Репиным, Сергеем Чехониным, Александром Бенуа и другими художниками проиллюстрировал первую советскую книгу для детей – сборник «Елка».


«Окна сатиры РОСТА»



В 1920-х Лебедев работал в Российском телеграфном агентстве (РОСТА), сотрудничал с сатирическими журналами большевиков, где публиковали его политические карикатуры. Рисовал художник и агитационные плакаты. Свою первую работу такого типа он создал еще в 1917 году. Тогда он участвовал в конкурсе Временного правительства на лучший рекламный плакат государственного кредита «Заём Свободы». Лебедев не выиграл, однако уже в следующем 1918 году он создал плакат-панно к годовщине Октябрьской революции, который вывесили в Петрограде на Невском проспекте.


В сентябре 1919 года в Москве начал работать плакатный отдел Российского телеграфного агентства. Спустя несколько месяцев его филиал появился в Петрограде. Владимир Лебедев работал там с весны 1920 года. Вместе с Владимиром Козлинским и Львом Бродаты он был одним из ведущих художников организации. В серии «Окна сатиры РОСТА» вышло около 600 плакатов Лебедева. Их вывешивали на улицах Петрограда, в рабочих клубах, на агитпоездах и пароходах. Ранние плакаты художника напоминали его карикатуры для журнала «Новый Сатирикон». Их героями выступали белогвардейцы, бывшие дворяне и мародеры. В произведениях 1920-х годов чувствовалось влияние кубизма, от которого художник взял лаконичность форм и новые композиционные решения — свободное размещение фигур на холсте. Интересовался Лебедев и творчеством Казимира Малевича. Книжный график Валерий Траугот писал: «И лебедевские «окна» РОСТА, и, главное, лебедевская книга находились под огромным влиянием Малевича. Лебедев целиком использовал приём Малевича, его творческую выдумку. От себя он внёс тонкий цвет». Среди сохранившихся до наших дней плакатов художника – «На страже Октября», «Работать надо – винтовка рядом», «Капиталист Запада рвет на себе волосы по поводу Второго Съезда Коминтерна».


«Эволюция плакатной манеры Лебедева протекала в ускоренном темпе. Лишь немногие ме­сяцы отделяют «сатириконскую» манеру от «лубочной», которая в свою очередь сменяется «кубистической». Последняя захватывает ноябрь-декабрь 1920 и весь 1921 год. Работы этого периода и составляют оригинальный вклад Лебедева в традицию советской плакатной графики. Вряд ли будет преувеличением назвать классическими многие из этих работ. Уже современ­ники склонны были видеть в них вершину искусства плаката 1920-х годов»

Всеволод Петров, «Владимир Васильевич Лебедев»


Театральный художник, иллюстратор, художественный редактор



Кроме плакатов, в 1920-х Владимир Лебедев создал графическую серию в кубическом стиле «Прачки», несколько пейзажей, натюрмортов, изображений своей мастерской. Главной работой художника этих лет стали рисунки тушью, свинцовым карандашом и гуашью под названием «Улица революции». Их Лебедев закончил к 1922 году. В этой серии он создал «бессмертное графическое выражение» улиц Петрограда в начале НЭПа.


К середине 1920-х годов Лебедев был популярным художником, которого знали как автора агитационных плакатов, его выставки часто проходили в Москве и Петрограде. Однако отзывы на произведения художника были противоречивыми – критики считали, что его работы не вызывают никаких эмоций и лишены чувств. Искусствовед Николай Радлов в статье «О футуризме» писал: «Один из самых крупных сейчас в России изобразительных талантов — Вл. Лебедев. С его дарованием можно было бы завоевать мир. А между тем, его искусство не доходит даже до широкой публики. <...> Творчество Лебедева безупречно мертво. Ни единое дыхание жизни не пронеслось над его невиданной в России виртуозностью». Другие критики спорили с Радловым: Николай Пунин, Всеволод Воинов и Пётр Нерадовский отмечали эмоциональность картин Лебедева. Николай Пунин писал о серии «Панель Революции»: «Некоторым кажется, что Лебедев, делая эти правдивые до натурализма зарисовки, только бесстрастно констатирует, а <...> по-моему <...> вся серия преисполнена тонкой романтики».


В том же 1922 году Лебедев вновь попробовал себя в книжной иллюстрации. В издательстве «Эпоха» вышла сказка Редьярда Киплинга «Слоненок» с его рисунками, а затем – «Приключения Чуч-ло». Для второй книги художник не только нарисовал иллюстрации, но и написал текст.


В 1923 году режиссер Константин Хохлов поставил в Большом драматическом театре Петрограда спектакль «Ужин шуток» по пьесе итальянского драматурга Сема Бенелли. Костюмы и декорации к постановке выполнили по эскизам Лебедева. А во время работы над спектаклем художник рисовал игравших в нем актеров.


«В полном согласии с режиссером, Лебедев потребовал от актеров тщательной разработки каждого жеста, каж­дого движения. Никакой расплывчатости, неопределенности он не прощал. «Учитесь упра­влять вашими мускулами. Не поза, а свободное владение телом» — таково было его требова­ние. Впервые мы, актеры, столкнулись с художником, для которого контуры тела человека, стоящего на сцене, составляют одно целое с конструкцией»

Актриса Надежда Комаровская, «Виденное и пережитое»



В 1924 году в Петрограде был создан детский отдел Госиздата РСФСР, который возглавили два редактора: литературный – Самуил Маршак, художественный – Владимир Лебедев. В том же году издательство «Радуга» напечатало книгу для детей «Охота». В ней не было текста, а все 24 страницы заполняли цветные литографии Лебедева. В конце 1920-х и начале 1930-х Госиздат публиковал книги с его рисунками к произведениям Маршака: «Усатый-полосатый», «Цирк», «О глупом мышонке» и другие. Рисовал художник иллюстрации и к русским народным сказкам. В своих произведениях он переработал дореволюционные принципы графики. Живописец отказался от контуров, использовал лаконичные формы, придерживался строгой композиции. Вскоре при издательстве сложилась школа Лебедева. Под его руководством трудились художники Евгений Чарушин, Алексей Пахомов, Валентин Курдов.


На рубеже 1920-1930-х годов Владимир Лебедев создал три графические серии – «Акробатка», «Гитаристка» и «Танцовщица». О «Танцовщице» искусствовед Николай Пунин писал: «Главным для художника было все-таки то, что в балерине он нашел совер­шенное и развитое выражение человеческого тела». Во всех этих рисунках художник стремился изобразить тело в разных позах, показать его красоту. В это же время Лебедев вернулся к живописи. Художник написал портрет своей второй жены – танцовщицы Надежды Надеждиной («Портрет артистки Н. С. Надеждиной»), картины «Женщина с мандолиной», «Девушка с кувшином», «Женщина с гитарой» и другие.


В 1933 году на базе Госиздата и «Молодой гвардии» было создано издательство «Детская литература» («ДЕТГИЗ»). Его редакторами вновь стали Самуил Маршак и Владимир Лебедев. Среди их совместных работ для этого издательства – «Мистер Твистер», «Петрушка-иностранец», «Вот какой рассеянный».


В середине 1930-х Лебедев создал серии иронических рисунков о советской действительности – «Девушки с букетами» и «Турецкие борцы». В них художник высмеивал советских обывателей. В 1935 году он провел выставку, на которой показал часть рисунков из серии «Турецкие борцы». Его работы раскритиковали в советской прессе. В газетах и журналах появлялись материалы, в которых картины называли несовременными и непонятными советскому человеку. В 1936 году в «Комсомольской правде» в статье «О художниках-пачкунах» писали о произведениях Лебедева: «Мазня вместо рисунков. Формалистическим выкрутасам не место в детской книге». Вскоре в издательстве «ДЕТГИЗ» созвали совещание, на которое, кроме Владимира Лебедева, пригласили иллюстраторов Льва Бруни и Владимира Конашевича. Художникам предложили остаться в издательстве, но изменить стиль своих работ и руководствоваться принципами соцреализма.


Военные агитационные плакаты



В конце 1930-х и начале 1940-х Лебедев продолжил работу в «ДЕТГИЗе». Он иллюстрировал выходившие там книги Самуила Маршака, Александра Куприна и Владимира Короленко.


В 1941 году началась Великая Отечественная война. Лебедев стал редактором Ленинградского отделения издательства «Искусство», где выпускали агитационные плакаты. Вскоре вместе с труппой Большого драматического театра его эвакуировали в Киров. Там художник нарисовал эскизы декораций и костюмов для постановки военной пьесы Александра Корнейчука «Фронт».


В мае 1942 года Лебедева вызвали в Москву для работы в плакатной мастерской ТАСС. Вместе с Кукрыниксами, Николаем Радловым и Михаилом Черемных он разрабатывал серию агитационных плакатов «Окна ТАСС». Тексты к большинству произведений художника писал Самуил Маршак. Каждый плакат приходилось делать очень быстро – в течение дня, по свежим сводкам агентства. Всего для ТАСС Лебедев создал около 40 работ. Среди них были и сатирические плакаты, в которых художник высмеивал немецкую армию и Адольфа Гитлера, и героические, где призывал советские войска не отступать.


«В плакатную графику он <Лебедев> вносил принципы «живописного» реализма, возникшие и развивавшиеся в его творчестве 1930-х годов <...> В «Окнах ТАСС» уже нет ни дефор­маций, ни схематизации предмета. <...> На плоскости плакатного листа развертываются монументальные, обобщенные, но всегда предметные, жизненно-конкретные и реалисти­чески-выразительные формы»

Всеволод Петров, «Владимир Васильевич Лебедев»


В советской критике плакаты Лебедева назвали «превосходными по про­стоте и выразительности рисунка».


«Он был удивительно прекрасный художник»: последние годы



После окончания войны Владимир Лебедев вернулся к книжной иллюстрации и живописи. Однако картины этих лет он почти никому не показывал. Он был недоволен своими последними работами и считал, что его лучшие картины были выполнены в 1920-х. Отрицательно отзывалась о художнике и советская критика – Лебедева обвиняли в подражании французским импрессионистам, отходе от реализма. В журнале «Искусство» в 1950 году писали: «Лебедев затворился в своей мастерской и не выступал на выставках, не решаясь демонстрировать свои живо­писные опыты, представляющие подражание Ренуару».


«Чтобы понять мое творчество, нужно знать и помнить, что я художник двадцатых годов. Говорю так не только потому, что этой эпохе принадлежат мои лучшие работы. Еще важнее и существеннее то, что меня сформировала духовная атмосфера того времени. Туда уходят корни всех моих идей и замыслов. Дух двадцатых годов я стремился пронести сквозь всю мою жизнь»

Владимир Лебедев (по книге «Художник В. Лебедев делает книгу» Юрия Герчука)


В 1950-х и 1960-х в «ДЕТГИЗе» вышло еще несколько книг с иллюстрациями Лебедева. Почти все из них написал Маршак, в том числе «Чего боялся Петя?», «Курочка ряба и десять утят» и «Тихая сказка». Создал художник и несколько новых версий своих иллюстраций 1920-х годов. Работы последних лет он стал оформлять по-новому: форзац делал красочным, украшал его орнаментами, экспериментировал со шрифтами.


В конце 1950-х Лебедев нарисовал свои последние живописные работы, в том числе портрет третьей жены Ады Лазо и «Портрет молодой девушки в зеленом платке». Но и эти картины он не показывал на выставках. Незадолго до смерти, в 1966 году, ему присвоили звание Народного художника РСФСР, а затем избрали членом-корреспондентом Академии художеств СССР. 21 ноября 1967 года Владимир Лебедев умер. Его похоронили на Богословском кладбище Ленинграда.


После смерти Лебедева его друг композитор Дмитрий Шостакович написал: «Он был удивительно прекрасный художник. Я плохо понимаю в живописи, плохо чувствую живопись, но его творчество всегда производит на меня сильное впечатление».


Сегодня картины, плакаты и иллюстрации художника к детским книгам хранятся в Русском музее и Третьяковской галерее.

]]>
Кирилл ЛавровАктер-самоучка и художественный руководитель Большого драматического театра.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10219/kirill-lavrovMon, 25 Nov 2019 16:25:47 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Кирилл Лавров

ТеатрыПерсоныАктер театра

У Кирилла Лаврова не было профессионального актерского образования – играть он учился прямо на сцене. Несмотря на это он стал художественным руководителем Большого драматического театра Санкт-Петербурга, сыграл в картинах «Живые и мертвые», «Мой ласковый и нежный зверь» и «Долгая счастливая жизнь».


Футболист и авиатехник



Кирилл Лавров родился 15 сентября 1925 года в Ленинграде в семье актеров Юрия Лаврова и Ольги Гудим-Левкович. Его отец работал в Большом драматическом театре и Театре имени Мейерхольда, а мать – на радио. Когда Кириллу Лаврову было пять лет, его родители расстались. Будущий актер остался с мамой, он вспоминал: «Я всегда знал — у меня есть отец; он у нас бывал, он меня навещал, о нем всегда говорили в семье в очень благожелательных тонах, и для меня он был фигурой достаточно авторитетной. Однако встречи наши были нечастыми. Отец много ездил».


В 1932 году Кирилл Лавров поступил во Вторую среднюю школу Смольнинского района Ленинграда. Учился он хорошо, но много хулиганил, пропускал уроки. Лавров увлекался футболом, посещал тренировки ленинградского клуба «Спартак», и вскоре попал в основной состав юношеской команды – был назначен правым крайним нападающим.


В детстве Кирилл Лавров хотел стать военным и после окончания семи классов, в 1941 году, подал документы в Мореходное училище. Но к учебе приступить не успел – началась Великая Отечественная война. Семья перебралась в Кировскую область. Денег не хватало, поэтому Лавров стал подрабатывать грузчиком, токарем на заводе, охранником. В 1943 году будущий актер записался добровольцем в действующую армию. Правда, на фронт он не попал – его направили в авиационное училище в Астрахани, а закончил он его уже в августе 1945 года. Следующие несколько лет Лавров служил авиатехником на Курильских островах. Там он увлекся литературой и театром, стал участвовать в художественной самодеятельности, играл в любительских постановках.


Актер Киевского театра русской драмы и Большого драматического театра



В 1950 году Кирилл Лавров вернулся в Ленинград, чтобы поступить в театральный институт. Но приемная комиссия не приняла его заявление.


«Меня не приняли в Театральный институт из-за отсутствия аттестата зрелости. Леонид Федорович Макарьев <…> посоветовал пойти в вечернюю школу. Я попытался. Два или три дня занимался математикой, у меня поднялась температура, мне стало противно, я все бросил и понял, что в 25 лет уже не могу учиться в школе <…> А вторая причина, по которой ни отец, ни я не имели диплома о среднем и высшем образовании, — просто лень. Отец постоянно говорил, что это у нас в роду»

Кирилл Лавров (по книге литературного критика Натальи Старосельской «Кирилл Лавров» из серии «Жизнь замечательных людей»)


В это время в Ленинграде на гастролях был Киевский театр русской драмы имени Леси Украинки, где работал отец Кирилла Лаврова. Его руководитель – Константин Хохлов – согласился принять начинающего артиста в труппу. Лавров перебрался в Киев, где учился актерскому мастерству, играл в спектаклях «Хождение по мукам», «В добрый час», «Рассвет над Москвой» и других. Артист Николай Рушковский писал: «Блестяще играл Алексея в первой пьесе Розова «В добрый час», которая шла в нашем театре очень хорошо. Это уже было по-настоящему, это было из того, что можно предъявлять. Вот в таких ролях Кирилл формировался как актер».


С 1954 года Кирилл Лавров работал в Большом драматическом театре имени М.Горького (сегодня он носит имя Георгия Товстоногова) в Ленинграде. Его пригласил туда Константин Хохлов, который возглавил театр. Артист работал там более пятидесяти лет, он лишь однажды хотел покинуть БДТ – после смерти Хохлова в 1956 году, когда руководителем театра стал Георгий Товстоногов. Почти сразу режиссер начал его менять: распустил половину труппы, убрал из репертуара несколько спектаклей. Кирилл Лавров решил уйти из БДТ сам – актера как раз пригласили в Ленинградский театр комедии. Однако Товстоногов предложил Лаврову сыграть в новых постановках. Уже в сентябре 1956 года артист исполнил одну из главных ролей в спектакле Товстоногова «Шестой этаж». За этой постановкой последовали другие – «Когда цветет акация», «Метелица» и «В поисках радости». Актера заметили критики. О его роли в спектакле писали: «В образе, созданном Лавровым, нет того чудесного максимализма молодости, которым подкупает Олег в исполнении С. Юрского, но в нем больше силы, упорства и воли; он медленнее и труднее приходит к протесту, но в его возмущении больше осознанной силы и зримой мужской ненависти».


Слава пришла к Кириллу Лаврову после спектакля Георгия Товстоногова «Пять вечеров» по одноименной пьесе Александра Володина. В постановке актер исполнил одну из главных ролей – студента Славу. Премьера «Пяти вечеров» прошла в марте 1959 года. Режиссер Анатолий Эфрос вспоминал: «Все приезжающие из Ленинграда, и ленинградцы, и москвичи, с такой восторженностью и с таким негодованием (были и такие) рассказывали о спектакле «Пять вечеров» у Товстоногова, что просто нельзя было не поехать…». В постановке Товстоногов сделал упор на реалистичную обстановку и искренность героев.


«В «Пяти вечерах» Володина Лавров проявил свою склонность к созданию многозначных характеров. По внешним признакам Слава был прямым продолжением тех симпатичных мальчишек, с которых Лавров начинал. Он был типичным представителем того молодого поколения, которое ничего не хотело принимать на веру <...> Этот курносый симпатяга, дерзкий и смешливый мальчишка с хитроватым, озорным глазом, оценивая про себя сложность отношений Тамары и Ильина, одновременно взвешивал на весах коренные основы жизни. И, очищая ее от стандарта и схемы, открывал для себя наново. А заодно и для нас, сидевших в зале»

Театровед Раиса Беньяш, «Без грима и в гриме»


Через три года Лавров сыграл Алексея Молчалина в постановке «Горе от ума». Режиссер Георгий Товстоногов решил переосмыслить пьесу Грибоедова, иначе взглянуть на главных героев. Лавров позднее писал: «Начиная работу, я поддался соблазну посмеяться над приспособленцем и подхалимом. Я легко обнаружил комедийное начало образа. Но когда однажды меня обожгла мысль о подлинном уме Молчалина, я начал жестоким образом исключать все смешное и подчеркивать все серьезное». Спектакль стал одним из самых известных в репертуаре Большого драматического театра.


После «Горя от ума» Лавров играл и в других популярных постановках – «Поднятой целине», «Мещанах» и «Трех сестрах». В последнем спектакле он исполнил роль штабс-капитана Соленого. Раиса Беньяш писала: «В Соленом-Лаврове рисунок роли определяла программная, вызывающая бестактность, непопадание в общий тон, настойчивость, с какой он привлекает к себе внимание».


Позже Кирилл Лавров исполнял в спектаклях Большого драматического театра главные роли. Актер сыграл городничего в «Ревизоре», Петра Мелехова в «Тихом Доне», Костылева в «На дне» и Астрова в «Дяде Ване». В 1970-м году в постановке «Защитник Ульянова» Юрия Аксенова он впервые исполнил роль Владимира Ленина. Артист вспоминал: «Фигура Владимира Ильича очень противоречивая, с абсолютно шекспировскими страстями, для любого артиста подарок — сыграть такого человека».


Увлечения и личная жизнь



Всю жизнь Кирилл Лавров занимался спортивной гимнастикой. В детстве он получил по ней первый юношеский разряд. Зимой актер часто уезжал в лес покататься на лыжах. Лавров увлекался и футболом. Он был капитаном любительской команды Большого драматического театра, посещал матчи «Зенита».


Со своей женой актрисой Валентиной Николаевой Лавров познакомился в 1951 году в Киеве, где они оба играли в Киевским театре русской драмы имени Леси Украинки. Поженились они спустя два года, и вскоре у супругов родился сын Сергей. Как и Лавров, Валентина Николаева после 1954 года была актрисой Большого драматического театра. Однако, в отличие от своего мужа, артистка не стала популярной и после рождения дочери в 1965 году оставила сцену.


В браке у Николаевой и Лаврова прожили почти пятьдесят лет – до смерти Николаевой в 2002 году. Их дочь Мария и внучка Ольга стали актрисами Большого драматического театра.


Роли в кино



В небольших эпизодах Кирилл Лавров стал сниматься еще в Киеве в начале 1950-х. Он сыграл в картинах «Звезды на крышах» и «Пути и судьбы». После возвращения в Ленинград актер снялся в лентах «Васёк Трубачёв и его товарищи», «Медовый месяц», «Повесть о молодожёнах» и других.


Первую главную роль актер получил в 1964 году. В картине Александра Столпера «Живые и мертвые» по одноименному роману Константина Симонова он сыграл военного корреспондента Ивана Синцова. Критик Эмиль Яснец писал: «Секрет роли и, добавим, ее сложность именно в том, что фигура героя предстает как связующее начало разорванных между собой эпизодов фильма <...> Рисуется эпос войны, события изображаются объективной камерой, а соединяются между собой образом Синцова — их свидетеля и участника». Фильм стал одним из самых популярных в год выхода – его посмотрело больше 40 миллионов зрителей – и прославил Лаврова. Актеру писали поклонники, которые благодарили его за искренность и правдоподобие.


После этого его часто звали на главные роли в фильмах. В 1966 году Лавров сыграл в картине Геннадия Шпаликова «Долгая счастливая жизнь», которая получила главный приз на Международном кинофестивале авторского кино в Бергамо. Через год актер снялся в продолжении «Живых и мертвых» – фильме «Возмездие». Вскоре после выхода картины он получил предложение от режиссера Ивана Пырьева сыграть в экранизации романа Федора Достоевского «Братья Карамазовы». Лаврову досталась одна из главных ролей – Ивана Карамазова. Многосерийный фильм стал последней работой Пырьева в кино. Режиссер не успел закончить его, и съемками последней третьей серии картины руководили Кирилл Лавров и Михаил Ульянов.


«Три больших и чрезвычайно сложных эпизода сняты Ульяновым и Лавровым в качестве режиссеров — «В Мокром», «Черт. Кошмар Ивана Федоровича» и «Суд», что потребовало от артистов немало сил и — что самое главное! — той самой ответственности за все, которой оба они были буквально пропитаны насквозь. <...> Вряд ли зритель почувствует «другую руку» в этих киносценах: какими бы ни были личные амбиции режиссеров поневоле, они абсолютно не ощутимы в общей ткани кинополотна. Лавров и Ульянов не делали собственный фильм, они завершали, доводили последнюю работу режиссера, которому оказались преданы до конца, пытаясь бережно сохранить все линии, намеченные Иваном Александровичем Пырьевым, не нарушить ту эстетику, в которой лента осуществлялась»

Наталья Старосельская «Кирилл Лавров» (из серии «Жизнь замечательных людей»)


В 1970-х Лавров снялся почти в двадцати картинах. В 1970 году вместе с Людмилой Чурсиной, Василием Лановым и Василием Шукшиным он сыграл в фильме «Любовь Яровая» о годах Гражданской войны, где исполнил роль матроса-красноармейца Федора Швандю. В 1972 году актер снялся в картине «Укрощение огня» о покорении космоса в СССР. Актеру досталась главная роль – инженера-конструктора Андрея Башкирцева. Прототипом этого героя был ученый Сергей Королев. Вскоре после выхода фильма Лаврову присвоили звание народного артиста СССР, а в 1974 году за роль Башкирцева актер получил Государственную премию РСФСР. Через несколько лет его пригласили сняться в советско-финском фильме «Доверие» о признании независимости Финляндии. В ней артист вновь сыграл Владимира Ленина.


В 1978 году Кирилл Лавров сыграл роль графа Карнеева в фильме Эмиля Лотяну «Мой ласковый и нежный зверь» по повести Антона Чехова «Драма на охоте». Василий Лановой писал: «Актер нашел и заявил своем отрицательном герое не до конца еще утраченные благородные свойства души, попытался вытащить крупицы человеческого из-под спуда цинизма, разврата, духовной опустошенности, показать трагедию гибнущей личности».


В 1980-х Лавров снялся в фильмах «Из жизни начальника уголовного розыска», «Магистраль», «Слушать в отсеках» и других. Самой известной его ролью этих лет стал Дубровский-старший в картине «Благородный разбойник Владимир Дубровский». Критики писали, что актеру удалось создать убедительный образ дворянина начала XIX века.


«Я согласился, чтобы не развалилось созданное Товстоноговым»



В мае 1989 года умер Георгий Товстоногов. Новым художественным руководителем Большого драматического театра его коллектив единогласно выбрал Кирилла Лаврова. Против проголосовал один человек – сам актер. Заведующая литературной частью БДТ Дина Шварц писала: «Здравомыслящий человек, он должен быть единоличным правителем, хотя бы на время». Лавров говорил, что согласился руководить театром, «чтобы не развалилось созданное Товстоноговым». Он не был режиссером, поэтому, чтобы ставить спектакли, привлекал в Большой драматический театр новых постановщиков. Кирилл Лавров не оставил актерской работы: в 1990-х и 2000-х он сыграл в постановках «Коварство и любовь», «Макбет», «Борис Годунов» и других.


В 1990-х актер занимался общественной деятельностью: состоял в Союзе театральных деятелей, Комиссии по науке, культуре, образованию и информации Межпарламентской Ассамблеи стран СНГ, был членом жюри премии «Ника». Кино он тоже не оставил, хотя снимался в основном в телесериалах, среди которых были «Убойная сила», «Бандитский Петербург», «Улицы разбитых фонарей». В 2005 году Лавров сыграл Понтия Пилата в экранизации романа Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита» Владимира Бортко. Об этой роли актер говорил: «Если б мне сказали: «Мастер и Маргарита» — твой последний фильм» — я б не расстроился. Эта роль достойна того, чтобы стать последней. Потому что в каждом из нас сидит кусочек Пилата — человека, который ушел от решения вопроса, не нашел в себе сил бороться и передал проблему другим».


В 2000-х здоровье Лаврова ухудшилось – он тяжело болел. Однако несмотря на это продолжал проводить собрания в театре и планировать новые спектакли. Последнее прошло 20 апреля 2007 года. Через пять дней Лаврова госпитализировали, а еще через два – артист умер. Его похоронили рядом с женой на Богословском кладбище Санкт-Петербурга.

]]>
Олег БорисовИстория жизни актера, который сыграл в фильме «За двумя зайцами» и «Дайте жалобную книгу».http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/4024/oleg-borisovFri, 22 Nov 2019 16:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Олег Борисов

КиноПерсоныАктер кино

Олег Борисов собирался изучать японскую культуру, пока случайно не нашел во дворе книгу об актерской игре. Творческие упражнения так увлекли его, что он сразу подал документы в школу-студию МХАТ. За свою карьеру артист выходил на сцены пяти театров и исполнил роли в 80 фильмах известных режиссеров: Эльдара Рязанова, Андрея Тарковского, Виктора Иванова и других. Сценарист Александр Миндадзе говорил: «Олег Борисов обогащал любой материал, играл больше, чем написано».


«Педагог глядел на меня и плакал»: детство и юность актера



Олег Борисов родился в селе Яковлевское (сегодня - город Приволжск Ивановской области). Его настоящее имя - Альберт, родители назвали сына в честь бельгийского принца. В своем дневнике актер писал: «Я потом долго искал его следы — побывал в Лондоне, постоял у Альберт-холла, в библиотеке отца книгу прочитал о каком-то Альберте фон Большадте, учителе Фомы Аквинского».


Альберт Борисов был старшим ребенком, в 1933 году в семье родился еще один сын - Лев Борисов. Через год семья переехала в Ярославль. Мать записалась в кружок самодеятельности и старалась не пропускать репетиции. Чтобы не оставлять детей одних, брала их с собой. Будущий актер бегал по зрительному залу, прятался за кулисами и наблюдал за работой режиссера.


В 1937 году Альберт Борисов пошел в первый класс. Он был неусидчивым учеником и предпочитал игры занятиям в школе. Борисов с друзьями притворялись казаками, перестреливались горохом и разыгрывали «раскулачивание», а однажды даже вынесли через окно у соседа самогонный аппарат. Актер вспоминал: «Двор, улица для меня были важнее всего. Там жил один удивительный человек, намного взрослее нас, пацанов, у него была своя мастерская, он делал броневички педальные для ребят. «Заходите, пожалуйста, заходите» – приглашал он. Это было высшим признанием».


В 1941 году началась Великая Отечественная война. Отец Борисова ушел добровольцем на фронт, а мать с двумя сыновьями эвакуировали в Казахстан, в город Чимкент (сейчас - Шымкент). В книге «Абсолютный ноль» Альберт Борисов писал: «Мы живем в маленьком театре, рядом со сценой <...> У меня от вшей поднялась температура - до сорока. Стою голый на скамейке, а мать кидает в буржуйку все мои вещи, одежду. Плачет Лева, младший брат». В эвакуации Борисов работал в местном колхозе вместе со взрослыми: косил траву, научился управлять трактором и помогал на лесопилке. Вернуться домой, в Ярославскую область, семья смогла только в 1943 году.


Спустя три года родители переехали в поселок фабрики «Победа труда» в Подмосковье, и школу Альберт Борисов заканчивал уже там. Он мало проводил времени за учебниками: «Физик по фамилии Заяц меня ненавидел. Люто. По его науке я был самым отстающим <...> Хуже всего обстояло с математикой. Педагог глядел на меня и плакал». Но зато Борисов был нападающим школьной команды по футболу, и играл главные роли во всех праздничных спектаклях.


От японистики до театрального: Борисов - студент МХАТа



В 1947 году Альберт Борисов закончил школу и поехал поступать в университет в Москву. О карьере актера он не думал: вместе с несколькими одноклассниками подал документы в Институт Востоковедения на японское отделение. Борисов вспоминал: «У нас был дружный класс, после школы ребята решили не расставаться, вместе учиться, и вот мы все, как один, сдали вступительные экзамены в Институт востоковедения». Однако поучиться на япониста не удалось. В июле этого же года он нашел на скамейке у дома книгу Конкордии Антаровой «Беседы К.С. Станиславского» и прочитал томик за несколько дней. Актер писал: «Сильное впечатление произвело упражнение, когда немому нужно было объясниться в любви к женщине, как должен был появиться отвратительный скрип вместо чарующего голоса. Я этот скрип хорошо натренировал и стал с ним ко всем приставать». Прослушивания в театральные институты еще шли, и Альберт Борисов решил попробовать свои силы. Вскоре он поступил в Школу-студию МХАТ. Однокурсники Борисова придумали ему новое имя - Олег. Хотя дома актера по-прежнему звали Альберт.


О своей учебе Борисов вспоминал: «Держали нас в строгости. Наш мастер Г.А. Герасимов терпеливо сдирал с нас наносное, неживое и добивался, чтобы мы делали все без фальши - независимо от того, посетит ли нас вдохновение». Самые талантливые студенты курса после окончания студии получали распределение в МХАТ. Место в театре прочили и Олегу Борисову, однако в последний момент не взяли: вместо него актером знаменитого театра стал другой выпускник. Режиссер Борис Вершилов утешал Борисова: «Умей ждать. Если катится все легко и ты имеешь быстрый успех, то путь твой, скорее всего, короток. Бери лучше другой сценарий: постепенный, через ошибки и ожидания». В 1951 году Олега Борисова распределили в Киевский Государственный Русский драматический театр им. Леси Украинки, и актер уехал из Москвы.


Как и многим начинающим артистам в то время, Олегу Борисову дали комнату прямо в театре - он ночевал в гримерной. Работы было много: актера сразу задействовали в спектаклях «Хождение по мукам», «Учитель танцев», «Враги» и «Маскарад». Сначала Борисову давали только эпизодические роли, однако через несколько лет он начал играть основных персонажей: Андрея в постановке «В Добрый час!», Короткова в «Живом трупе».


Личная жизнь: «...Сам того не ведая, приобрел золото»



Свою жену Олег Борисов полюбил еще до того, как познакомился с ней вживую. Однажды после спектакля актер заглянул в гримерную партнерши и увидел школьную фотографию ее подруги, Аллы Латынской. Девушка так понравилась Борисову, что артист попросил с ней познакомить. Латынская была дочерью бывшего директора театра, училась на журфаке. Однако знакомить специально Борисова не пришлось: он случайно столкнулся с ней на выходе из театра и сразу предложил встретиться на следующий день у университета. Актер вспоминал: «Ждал у входа, как потом рассказывала Алла, у каштана, чуть поодаль, отвернувшись спиной к основному зданию. Помню, очень волновался и все время курил. В своем единственном пальто из черного драпа…». Олег Борисов и Алла Латынская встречались три года.


Родителей знакомили в Москве: актер привез родственников Латынской на машине. Борисов в дневнике писал: «Смотрины прошли хорошо. Мама только сделала одно замечание Аллиному отцу: «Зачем это вы на ночь «Голос Америки» слушали? Это очень нехорошая станция».


В 1954 году Олег Борисов и Алла Латынская поженились. Через два года родился сын Юрий. Они прожили вместе всю жизнь. В дневнике актер писал о своей жене: «Когда-то в Киеве, сам того не ведая, приобрел золото. Наверное, и ездил в Киев на долгие 13 лет затем, чтобы найти этот клад».


Первые кинопробы: эпизодические персонажи и роль в фильме Тарковского



В 1955 году Олег Борисов впервые снялся в кино. Многие актеры из театра подрабатывали на съемках, и он тоже решил пойти на пробы. Борисова одобрили на роль рабочего-подпольщика в фильме Марка Донского «Мать». Затем были картины «Когда поют Соловьи», «Черноморочка», «Простая вещь». В 1958 году журналист Татьяна Бродская в газете «Труд» писала о фильме «Город зажигает огни», в котором играл Борисов: «То развязный, то застенчивый, веселый, задумчивый, грубоватый, но чуткий, всегда искренний и непосредственный – таков Сергей у О.Борисова. И он завоевывает симпатии зрителя, понимающего, что Сергей – это не просто легкомысленный, беспечный малый, а человек, искалеченный войной».


В 1958 году Олег Борисов снялся в фильме у Андрея Тарковского. Тогда режиссер был еще студентом ВГИКа, и искал актеров для своей курсовой работы «Сегодня увольнения не будет». Борисов в это время как раз приехал с театром на гастроли в Москву: после спектакля к нему подошли Андрей Тарковский и его однокурсник Александр Гордон и пригласили на главную роль. В дневнике актер написал: «Сценарий понравился, и я согласился не раздумывая. Все лето мы провели в Курске <...> Этот фильм стал важной частичкой моей жизни. Вероятно, содружество с Тарковским могло бы продолжиться - он приглашал меня в картину «Иваново детство», но из-за занятости в театре я сниматься не смог».


В эти годы Олег Борисов играл в Киевском Государственном Русском драматическом театре имени Леси Украинки. В 1959 году состоялась премьера спектакля «Комедия ошибок» по Шекспиру, где актер сыграл сразу две роли: Дромио Эфесского и Дромио Сиракузского.


«Надо отдать должное молодому актеру – он великолепно справляется с труднейшей задачей. Его Дромио не одинаковы – не только потому, что они носят разные головные уборы, а в силу различия человеческих натур, темпераментов, духовных обликов <...> Без высокого искусства перевоплощения это сделать трудно, пожалуй, даже невозможно. И дело не только в физическом напряжении <...> а главным образом – в необходимости создания психологически правдивого внутреннего образа героя. И это превосходно удалось актеру»

Илья Киселев, «Правда Украины» (1959 год)


Звездные фильмы Борисова: «За двумя зайцами» и «Дайте жалобную книгу»



В 1960 году Олег Борисов пришел на пробы фильма «За двумя зайцами». Режиссер Виктор Иванов был готов принять на главную роль авантюриста Голохвостова другого актера - Николая Гриценко. Но когда увидел Борисова в гриме, изменил свое решение.


В основу сценария легла пьеса украинского драматурга Михаила Старицкого. По сюжету, Голохвостый обанкротился и решил жениться по расчету, но в это же время встретил другую девушку и влюбился в нее по-настоящему. Работать на площадке было непросто: Иванов был очень требовательным и часто просил переснять сцены. Оператор постановщик Вадим Ильенко рассказывал о взаимоотношениях режиссера и исполнительницы главной роли Маргариты Криницыной: «Он ее доводил часто до слез. Рита убегала за декорации выплакиваться. Он ее искал, находил, извинялся — человек был отходчивый. И она продолжала работать». Конфликты у Иванова возникали и с Олегом Борисовым: актер спорил за право изменять свой текст.


«...Выход один: сомневаться и отрицать. Именно так я работал над каждой своей ролью. Не доверяя тому, что написано. Пытался прочитать то, о чем мой герой умолчал»

Олег Борисов, актер


Сначала «За двумя зайцами» хотели выпустить только в одной республике, поэтому снимали на украинском языке. Главные герои: Олег Борисов и Маргарита Криницына в картине говорили на «суржике» - смеси русского и украинского языков. Однако после премьеры фильма в 1961 году картину переозвучили на русском и показали на большом экране во всем Советском Союзе. Лента собирала полные кинотеатры. Актер вспоминал: «После «За двумя зайцами» успех был бурный <...> Афиши по городу: Голохвостый с тросточкой, без тросточки… Песня «Моя мама сэрдцэ добрэ маэ» исполнялась по заказу радиослушателей».


В 1963 году Олега Борисова пригласили на декаду советского кино в Польше. Там должен был состояться показ картины «За двумя зайцами». Отъезд актера в театре восприняли как «самовольный», и Борисова уволили. Позже выяснилось, что ошибка произошла из-за чиновников министерства культуры: они вовремя не предупредили дирекцию театра. В книге «Абсолютный ноль» Борисов писал: «Когда меня вызвали к министру, я в качестве компенсации за причиненный ущерб потребовал творческий отпуск на год. Для того времени - дерзость!». В «свободный» год Олег Борисов попробовал себя в качестве режиссера и снял комедию «Стежки-дорожки», но картина прошла незамеченной.


В 1964 году Эльдар Рязанов одобрил Борисова на главную роль в своем новом фильме «Дайте жалобную книгу». Актер сыграл журналиста Никитина, который помог директору ресторана улучшить сервис и превратить его в молодежное кафе. Рязанов вспоминал: «Я пытался переломить условность ситуаций и характеров максимально правдивой съемкой и достоверной, без комикования игрой актеров <...> Я привлек актеров, которых скорее можно было бы назвать драматическими». Главную женскую роль исполнила Лариса Голубкина. Картину посмотрели 30 миллионов зрителей - Борисова стали узнавать на улицах.


После длительного отпуска в Русский драматический театр им. Леси Украинки Олег Борисов не вернулся: актер вместе с семьей решил переехать в Ленинград.


«Не вся правда для нас недостаточна»: работа над ролями



В 1964 году Олег Борисов устроился в Ленинградский Большой драматический театр имени Горького. Режиссер Георгий Товстоногов сразу задействовал актера в известных спектаклях театра: «Идиот», «Сколько лет, сколько зим», «Мещане», «Дачники». Борисову доверяли сложных и противоречивых героев: в 1969 году он сыграл принца Гарри в постановке «Король Генрих IV». Чтобы понять своего героя, актер зачитывался книгами по анализу Шекспира и много репетировал. В своем дневнике он писал: «Бой с Хотспером, главарем заговорщиков, дается все труднее. Прихожу домой, показываю Алле те места, на которые сегодня приземлялся. Она определяет: царапина, гематома… и прикладывает медные пятачки <...> Мы деремся настоящим оружием – мечами с длинными клинками и кинжалами».


Параллельно с работой в театре Олег Борисов продолжал сниматься в кино. В 1970 году актер сыграл разведчика Виктора Соломина в картине Алексея Германа «Проверка на дорогах». На площадке Борисов встретился с Роланом Быковым и Владимиром Заманским. По сюжету, в плен партизанскому отряду добровольно сдался человек, который сотрудничал с немцами - он раскаялся и хотел воевать против фашистов. Однако киноленту запретили: за то, что она якобы бросает тень на партизанское движение. Впервые картина вышла на большой экран, когда началась перестройка.


«Гордая, воинствующая индивидуальность, не согласная на примирение, не способная на компромисс. Конфликтность, положенная от рождения в колыбель, как дар злой феи. Раздор героя с миром не мелок и не на пустом месте возникает — в нем заложен высокий и грозный смысл бытия человека вообще <...> Для иных персонажей Борисова жизненным девизом было — «не взлюби ближнего, как самого себя»

Татьяна Москвина, журнал «Искусство кино» (2004)


В 1973 году на экраны вышел четырехсерийный телевизионный фильм «Крах инженера Гарина» с Олегом Борисовым в главной роли. Фантастическую историю об ученом, который изобрел лазерное оружие массового поражения и хотел захватить мир, сняли по мотивам романа Алексея Толстого «Гиперболоид инженера Гарина». Несмотря на высокие телевизионные рейтинги, критики оценили картину невысоко: персонажи сериала, по их мнению, не совпадали по характеру с авторскими.


Умение переосмыслить персонажа и раскрыть его с новой стороны помогло Борисову во время съемок фильма «Женитьба» в 1977 году. Режиссер Виталий Мельников вспоминал: «В общепринятой трактовке Кочкарев - это легкомысленный, пустой, но очень энергичный человек. Мы с Олегом Борисовым чувствовали, что если в этой широко распространенной концепции есть правда, то это не вся правда и уж, во всяком случае, для нас она недостаточна». Борисов полностью изменил восприятие персонажа зрителями - главный герой в исполнении актера превратился в одинокого и неприкаянного человека.


«Не клянчил реплики»: Борисов в театре, на радио и в кино



С 1977 года Олег Борисов записывал спектакли для радио. Сначала это были сказки: «Сказка о царе и его работнике Балде», «Сказка о царе Салтане». Но постепенно в аудио формате стали появляться и другие постановки Ленинградского Большого драматического театра имени Горького: «Фаворит», «Звездопад», «Старосветские помещики». Одной из самых значимых для Борисова была роль Григория Мелехова в спектакле «Тихий Дон». Журналист Наталья Лагина писала: «Казалось, Григорий Мелехов <...> менее всего подходит Борисову <...> Но есть самое главное: через метания, непоправимые ошибки, провалы, поиски правды неверными путями, через разочарования, срывы, кровь, преступления, неоправданную жестокость, через бесконечные страдания обретает он себя». В 1978 году Олегу Борисову присвоили звание народного артиста СССР.


В начале 1980-х актеру все меньше давали роли в театре: Олег Борисов был занят на съемках. Один из одним выходили фильмы: «Рафферти», «История одной любви», «Две строчки мелким шрифтом». В 1982 году на большом экране показали сразу две картины с участием Борисова: «Остановился поезд» Вадима Абдрашитова и «Остров Сокровищ» Владимира Воробьева. В фильме «Остановился поезд» актер сыграл следователя прокуратуры, который пытался разобраться в инциденте на железной дороге. Сценарист Александр Миндадзе вспоминал: «Он был одним из тех немногих, уникальных актеров, кто не клянчил реплики. Он только приветствовал сокращения, предпочитал пластическое решение разговорам. Он был настолько выразителен, что очень многое мог сыграть и без слов». За актерскую игру в этом фильме Борисов получил Государственную премию РСФСР имени братьев Васильевых.


В 1983 году режиссер Олег Ефремов предложил Олегу Борисову перейти в Московский художественный театр. Над ответом актер думал недолго: о МХАТе он мечтал со студенчества. Через несколько месяцев Борисов переехал в Москву и сразу приступил к репетициям - Ефремов одобрил артиста на роль Астрова в спектакле «Дядя Ваня». А с ноября 1989 года Олег Борисов играл не только в МХАТе. В декабре этого же года он дебютировал на сцене театра Советской Армии в роли Павла I.


В 1988 году Вадим Абдрашитов пригласил Олега Борисова посотрудничать еще раз и сняться в фильме «Слуга». Актера одобрили на роль чиновника Андрея Гудионова - «хозяина», который покровительствует бывшему десантнику. Военный настолько привык к Гудионову, что уже не представлял свободной жизни и готов выполнить любой приказ. Время в фильме постоянно менялось: события прошлого переплетались с будущим, реальность - со снами. В 1989 году за исполнение этой роли Борисова наградили премией «Ника», а спустя два года - Государственной премией СССР.


«Думаю, что моя миссия выполняется лишь на сотую долю того, что могу. А есть ли вообще какая-нибудь моя миссия? Если есть, то почему столько кочек, кто написал там такой неудачный, сумбурный сценарий? Почему концы с концами не сходятся? Как было бы хорошо, если бы этот сценарий начинался так: «Albert Borisoff родился в 19 веке, в имении под Парижем…»

Олег Борисов


В 1991 году Олег Борисов ушел на пенсию и создал вместе с сыном «Антрепризу Олега Борисова». Спектакли актер ставил сам: на сцене показывали «Пиковую даму», «Человек в футляре», «Мне скучно, бес» по мотивам произведений Гете, Пушкина и Манна.


В 1994 году актер скончался. Причиной смерти стало хроническое заболевание. Олега Борисова похоронили на Новодевичьем кладбище.

]]>
Алексей Егоров!http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10217/aleksei-egorovWed, 20 Nov 2019 14:15:40 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Алексей Егоров

МузеиПерсоныХудожник

Итальянские живописцы называли Алексея Егорова «русским Рафаэлем» и «гениальным рисовальщиком». Он точно передавал анатомические особенности человеческой фигуры, искусно подбирал цвета и строил композицию. В Академии художеств Егорову присвоили звание профессора исторической живописи. Его учениками были выдающиеся русские живописцы, в том числе Карл Брюллов, Петр Шамшин, Алексей Марков.


Учеба в Академии художеств и поездка в Италию



Точные дата и место рождения, как и сведения о родственниках Алексея Егорова, неизвестны. Он родился в калмыцком селении в 1776 году, а через шесть лет, в 1782-м, его подобрали и отвезли в Москву казаки. Мальчика определили в воспитательный дом, где педагоги заметили его способности к рисованию. Вскоре Егорова перевели в Воспитательное училище при Императорской Академии художеств в Петербург. Там он занимался у профессоров Ивана Акимова и Григория Угрюмова, увлекся графикой и рисованием с натуры.


За время учебы Егоров несколько раз получал почетные награды и медали. В 1797 году его признали одним из лучших выпускников Академии и оставили преподавать. Три года спустя художник получил звание академика.


Алексея Егорова считали строгим преподавателем: даже в тренировочных работах он добивался от студентов точности и совершенства композиции. «Рисунок — это наука. Точная, как и алгебра. Но умейте соблюдать античную красоту тела», – говорил он своим ученикам.


В 1803 году руководство Академии отправило нескольких преподавателей за границу, набираться опыта у мастеров из других стран. Среди них оказался и Алексей Егоров. Он поехал в Рим, где вскоре познакомился с художниками Винченцо Камуччини и Антонио Канова. Итальянские живописцы оценили композицию и колористику в картинах русского художника, и вскоре Егоров стал популярен. Римская публика с интересом следила за его творчеством. За успехи в живописи его называли «гениальным рисовальщиком» и «русским Рафаэлем», а за физическую силу и тяжелый характер — «медведем».


Картины Алексея Егорова



В 1807 году Алексею Егорову пришлось вернуться на родину: французский император Наполеон угрожал захватить Италию. В Академии художеств Егоров вернулся к преподаванию. Вскоре его назначили адъюнкт-профессором, а затем и академиком за картину «Положение во гроб». Работы Егорова ценили не только профессиональные художники, но и аристократы и члены императорской семьи. Александр I пригласил живописца преподавать основы рисунка императрице Елизавете Алексеевне.


Алексей Егоров был набожным человеком, читал Библию и черпал из нее вдохновение. На религиозные сюжеты он создал знаменитые картины «Явление Христа Марии Магдалине», «Сошествие Святого Духа на апостолов». В 1812 году Егорова признали знатоком исторической живописи и присвоили ему звание профессора, а в 1814-м он закончил картину «Истязание Спасителя», которую современники называли его лучшей работой.


«Мы, живущие в XX веке, не поймем этого, а современники понимали, что егоровский Христос, подверженный бичеванию палачей, олицетворяет идею России 1812 года, стойко вынесшей поругание неприятеля. Три года, а то и больше заняла работа над этим полотном, выписанным с особым тщанием. <...> Слухи об этом полотне разнеслись по всей Европе, и даже взыскательная Англия пожелала приобрести егоровскую картину»

Валентин Пикуль «Свеча жизни Егорова»


Петербургские дворяне часто заказывали у Егорова свои портреты, но он почти всегда отказывался от такой работы. Художник считал, что основная цель его картин – проиллюстрировать Библию и прославить слово Божие. Однако он все же создал несколько заказных портретов: «Авдотья Ивановна Голицына в образе весталки», «Мария Петровна Буяльская», «Алексей Илларионович Философов, генерал от артиллерии» и другие.


К началу 1830-х годов Алексей Егоров стал признанным мастером рисунка и регулярно получал заказы, в том числе от государственных галерей. Его приглашали расписывать церкви и создавать иконостасы для храмов. Однако положение художника изменилось в 1840 году, когда Николай I поручил ему написать образ для Екатерининского собора в Царском Селе. Готовая работа императору не понравилась, хотя он и не объяснил, чем именно. Николай I вскоре приказал уволить Егорова из Академии.


«Кто знает Алексея Егоровича Егорова, каждому приятно вспомнить имя его, но кто услышит о его теперешнем положении, примет участие и выронит слезу сострадания. Алексей Егорович, наш столп академии, опора каждого художника, лишен сего титла достойного; он отрешен от должности. Ему отказано служить, мрачная завеса опустилась на Славу Его, кто поднимет ее? Его Истинный Талант и Слава во веки не затмятся…»

Художник Петр Заболотский, ученик Алексея Егорова


Последние годы жизни и смерть



В 1840-х годах Алексей Егоров жил бедно. Ему пришлось съехать с квартиры, которую еще в 1800-х годах для него выделила Академия художеств. Живописец поселился в недорогом доходном доме на Васильевском острове. К нему часто приходили бывшие ученики – Карл Брюллов, Петр Шамшин, Алексей Марков и другие художники.


Несмотря на то, что Егоров оказался в немилости у императора, его ранними работами по-прежнему восхищались. Их выставляли в галереях, знаменитые художники делали с них гравюры. Профессор Академии художеств Федор Иордан называл картину Егорова «Истязание Спасителя» одним из лучших образцов живописи XIX века.


Картины 1840-х годов были уже не так популярны у публики и критиков. Однако Егоров продолжал заниматься живописью. Как и прежде, главной темой его работ были религиозные сюжеты.


«Егоров всегда стоял перед мольбертом и писал какой-нибудь большой образ; около него на кресле, в пунцовом ситцевом платье, прикрывая ковровым платком свой громадный живот, всегда сидела на натуре очень еще красивая собой жена его (я не помню её иначе как в почтенном положении) Вера Ивановна; у него все Богородицы выходили — жена его, а все ангелы — старшая дочь его хорошенькая Наденька…»

Писательница Мария Каменская


Алексей Егоров умер 22 сентября 1851 года. Перед смертью он сказал: «Вот и догорела свеча моей жизни». Похоронили художника на Смоленском православном кладбище в Петербурге. Уже в советское время могилу Егорова перенесли в Некрополь мастеров искусств Александро-Невской лавры.


Интересные факты



1. Алексей Егоров говорил, что единственными воспоминаниями о калмыцком детстве у него были кибитка, сапожки и расшитый золотыми нитками шелковый халат.


2. Однажды в Италии Егоров поспорил с местным живописцем: тот утверждал, что русские художники уступают в мастерстве итальянским. Тогда Егоров, не отрывая руки, изобразил на стене мелом фигуру человека. Его изображение получилось анатомически правильным и точным, и итальянец признал поражение.


3. Папа римский Пий VII предлагал Егорову остаться в Риме и стать придворным художником Ватикана. Живописец отказался: он предпочел вернуться на родину и работать в Императорской Академии художеств.


4. О тяжелом характере Егорова в Петербурге 1840-х годов ходили легенды. Рассказывали, что однажды он выгнал из своей квартиры жениха дочери – офицера Дмитрия Булгакова. За обедом Булгаков случайно сложил вилку и нож крестом. Из-за этого художник решил, что он масон.


5. На картине «Благоденствие мира». Егоров изобразил все человеческие фигуры в натуральную величину. Работа над огромным полотном заняла у него всего 28 дней. Картину хотели повесить в Академии художеств, но несколько служащих не смогли справиться с этой задачей. Тогда на помощь пришел сам Егоров и закрепил полотно на стене в одиночку.

]]>
Зиновий ГердтБиография актера театра и кино, который играл в фильмах «Фокусник», «Золотой теленок» и «Место встречи изменить нельзя».http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1121/zinovii-gerdtMon, 18 Nov 2019 15:05:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Зиновий Гердт

КиноПерсоныАктер кино

Актерскую карьеру Зиновий Гердт начал в театре рабочей молодежи, когда учился в техническом училище на слесаря. Известность ему принесли роли в фильмах «Фокусник» и «Золотой теленок», спектаклях «Необыкновенный концерт» и «Божественная комедия». Работал Гердт и как актер дубляжа: его голосом говорят волшебник Гудвин и Муми-тролль, а также персонажи многих других мультфильмов.


Электромонтажник метро и актер рабочего театра



Зиновий Гердт родился в городе Себеж Витебской губернии (сейчас – Псковская область). Его имя по паспорту - Залман Храпинович, а в семье будущего актера звали Зяма. Псевдоним «Зиновий Гердт» актёр взял позже - в 1939 году.


Отец Гердта Афроим Храпинович до революции работал приказчиком и коммивояжером, после – служил в райпотребсоюзе. Позднее актер вспоминал: «Мой отец был человеком небогатым, но очень честным и уважаемым в Себеже, в синагогу по субботам ходил, да и вообще придерживался традиций». Мать артиста Рахиль Секун была домохозяйкой. В семье Храпиновичей, кроме Зиновия, было еще трое детей.


В Себеже Гердт пошел в школу. С первых классов он писал и публиковал в местных газетах стихи на русском языке и идише. Занимался и художественной самодеятельностью – выступал на литературных вечерах, играл в школьных спектаклях. В аттестате ему написали «имеет склонность к драматической игре». Однако в детстве будущий актер мечтал стать лодочником: «В Себеже — озера, волны, в лодке дети сидят, и тебя переполняет чувство долга, ответственности. И отвага, и романтика, и должность очень человеческая. Мне казалось, вот это и есть самое настоящее, жизненное».


В 1932 году Зиновий Гердт с семьей переехал в Москву, где поступил в фабрично-заводское училище на слесаря. Там он познакомился с писателем Исаем Кузнецовым, который позднее писал: «Зяма был не только моим первым, но и самым близким другом». Они дружили всю жизнь.


После окончания училища Гердт работал на «Метрострое» – монтировал электроподстанции, а в свободное время играл в московском театре рабочей молодежи (ТРАМ) при заводском клубе. В ТРАМе он познакомился с режиссером Михаилом Швейцером, писателями Борисом Слуцким, Михаилом Львовским, Александром Галичем, Давидом Самойловым. Посещал Гердт и литературные вечера. Актер старался говорить грамотно, на досуге читал словари. Он писал: «Мое хобби — русский язык, родная речь. Моя библиотека в основном состоит из стихов и русских словарей. Словари — мое любимейшее чтение. Это замечательное занятие. Хватило мне на целую жизнь». Гердт нередко исправлял чужие ошибки.


«Я помню, как мы сидели у нас в большой комнате, пировали… Болтали, шутили, смеялись, читали стихи… Я думаю: все что-то читают, и я что-нибудь прочту… Прочел и сказал: «Александр Блок». Что тут сделалось с Зямой!.. Сначала он затрепетал, как будто его родного дедушку или бабушку обозвали матерным словом, а потом разразился криком: «Как Блок?! Это Пастернак!..» <...> Начал на свою дурную голову с ним спорить: «Нет, это Блок!..» <...> Зяма уже завелся всерьез: «Ноги моей больше не будет в этом доме!.. Пусть здесь путают Блока с Пастернаком!..»

Режиссер Михаил Швейцер (по книге Зиновия Гердта «Рыцарь совести»)


В конце 1930-х театр рабочей молодежи преобразовали в студию Валентина Плучека и Алексея Арбузова – «Арбузовскую студию». Именно тогда появился псевдоним Зиновий Гердт. Коллеги решили, что настоящее имя Гердта звучит «несерьезно и неблагозвучно», и артисту предложили придумать новое. В качестве псевдонима он взял фамилию популярной тогда балерины Елизаветы Герд. Букву «т» в фамилию танцовщицы предложил добавить Арбузов: режиссер считал, что так она будет звучать солиднее. Гердт согласился. Вскоре он сменил имя и в паспорте.


Гердт сыграл в постановке «Город на заре». Над ней совместно работал почти весь коллектив театра. Плучек вспоминал: «Три года во все свободное время, без отдыха, почти без сна мы как одержимые занимались в студии без зарплаты <...> И, как будто не зная усталости, мы все сообща писали — или, точнее, импровизировали, репетируя и играя эпизод за эпизодом <...> то, что потом стало пьесой «Город на заре». Премьера спектакля состоялась 3 февраля 1941 года и прошла с успехом. После нее «Арбузовской студии» дали статус государственного театра и выделили помещение.


Гердт увлекался танцами и джазовой музыкой. У актера была постоянная партнерша, с которой он выступал перед вечерним показом фильмов в московском кинотеатре «Ударник». Гердт вспоминал: «Под патефон мы могли танцевать до утра. Обожали западные танцы <...> Я брал призы, считался одним из лучших танцоров».


«Всегда играл свой спектакль на высшем уровне»: роли в театре кукол



В июне 1941 года началась Великая Отечественная война. Зиновий Гердт записался в армию добровольцем. Исай Кузнецов писал: «Всего четыре месяца прошло со дня премьеры «Города на заре». <...> Мы с Зямой не сомневались — в такие дни надо не репетировать, а воевать». Актера направили на курсы саперов в в Московское военно-инженерное училище. Гердт закончил обучение в декабре 1941 года и вскоре отправился на фронт. Он воевал на Калининском, Воронежском фронтах.


В феврале 1943 года в боях под Харьковом Гердт получил тяжелое ранение – в его ногу попал осколок танкового снаряда. За четыре года артист перенес одиннадцать операций. Гердт вспоминал: «Выпускали несколько раз, на костылях, а потом я возвращался». После операций одна нога у актера была короче другой на восемь сантиметров. Из-за этого он хромал до конца жизни.


В 1945 году Гердт присоединился к труппе Центрального театра кукол (ГЦТК). На просмотр к его руководителю Сергею Образцову актер пришел на костылях. В книге воспоминаний «Рыцарь совести» Гердт так описывал прослушивание: «Я пришел к Сергею Владимировичу, состоялся просмотр, я долго, очень долго читал стихи, не понимая зачем, а меня все просили: читай, читай…». Его взяли в труппу, несмотря на проблемы со здоровьем - театру нужны были опытные актёры с хорошей дикцией.


Первым спектаклем Гердта в ГЦТК стал «Маугли». Актеру дали роль рассказчика - он должен был читать текст из-за кулис. А первую роль с куклой он исполнил в 1946 году в постановке «Необыкновенный концерт», где сыграл конферансье Эдуарда Апломбова. Спектакль стал очень популярен. Племянник Гердта Эдуард Скворцов вспоминал: «Необыкновенный концерт» <...> пришлось играть более пятисот раз. Так вот, Зяма превратил рутину в пятьсот вариаций Гердта на собственную тему, как классный джазмен, не повторяясь ни разу».


Позднее спектакль показали и за границей. Труппа театра побывала в Китае, Египте, Швеции. Гердт рассказывал: «В зарубежных гастрольных поездках роль Конферансье я всегда играю на языке народа той страны, в которой мы выступаем». Переводить текст на иностранный язык ему помогал профессиональный переводчик, который ездил вместе с труппой на гастроли. Вместе с ним актер изучал местную прессу, а затем добавлял шутки из нее в сценарий.


Во многих спектаклях ГЦТК Гердт играл сразу нескольких персонажей: как мужских, так и женских. Артист легко менял тембр голоса, интонацию.


«Игра в кукольном театре требовала от него, пожалуй, больше усилий, чем от обычного актера. Ведь нужно было постоянно двигать на поднятых руках довольно тяжелую куклу и одновременно говорить за нее. Гердт, виртуозный мастер перевоплощения, блестяще воспроизводил оттенки голоса разных персонажей — многие зрители не верили, что за них разговаривает один и тот же артист. Помогло ему и умение танцевать: отбивая про себя ритм, он заставлял куклу выполнять сложные па, которые не мог больше делать сам…»

Литературовед Матвей Гейзер, книга «Зиновий Гердт» из серии «Жизнь замечательных людей»


В Центральном театре кукол Зиновий Гердт проработал почти сорок лет. Актер ГЦТК Роберт Ляпидевский вспоминал: «Что бы ни случилось — какая-то неприятность, какая-то неполадка, что-то не так с куклой, дурное настроение, простуда, температура, вино или грузинская чача — неважно что, — Гердт всегда играл свой спектакль на высшем уровне. Таких актеров — единицы».


Гердт покинул Центральный театр кукол в 1982 году. Он писал: «...Как ни интересно мне было работать в кукольном театре, я всегда мечтал о драматической сцене». Валерий Фокин пригласил его в Театр им. Ермоловой.


«Это не просто актер, а нечто взятое прямо из жизни»: фильмы Зиновия Гердта



С 1962 года Зиновий Гердт вел на телевидении передачу «Кинопанорама», где рассказывал о советских и иностранных фильмах, брал интервью у режиссеров и актеров. В кино он начал сниматься в конце 1950-х годов. Как правило, это были эпизодические роли. Кроме этого Гердт озвучивал киноленты. «Муми-тролли», «Волшебник Изумрудного города», «Приключения капитана Врунгеля» - его голос можно услышать в нескольких десятках фильмов и мультипликационных картин. Актер Константин Райкин писал: «Если в фильме звучал голос Гердта — фильм не мог быть пустым».


В 1967 году Петр Тодоровский пригласил Гердта сняться в картине «Фокусник». Он должен был сыграть артиста-сатирика. Однако вскоре Тодоровский решил отдать актеру главную роль. Режиссер вспоминал: «Зиновий хвалил сценарий, восторгаясь замечательно выписанной ролью главного героя, завидовал актеру, которому будет предложена роль фокусника. <...> Я слушал Зиновия и вдруг подумал: так вот же он, фокусник!».


Через год Гердт сыграл жулика Михаила Паниковского в экранизации романа Ильи Ильфа и Евгения Петрова «Золотой теленок». Режиссер картины Михаил Швейцер вспоминал: «Как только Зяма вышел на съемочную, сел, вздохнул, начал кряхтеть, мне стало ясно, что это не просто актер, который подходит на роль Паниковского, а нечто взятое прямо из жизни». Эта роль прославила актера. Гердта стали узнавать на улицах. Через год он получил звание Народного артиста РСФСР.


В фильме «Тень» по пьесе-сказке Евгения Шварца артист исполнил одну из немногих отрицательных ролей в своей карьере – министра финансов.


Личная жизнь



Зиновий Гердт был женат трижды. Со своей первой женой, актрисой Марией Новиковой, артист познакомился в «Арбузовской студии». Гердт и Новикова поженились в начале 1941 года. Вскоре актер ушел на войну. Оттуда он писал жене: «Я очень хочу жить. Для того, чтобы видеть тебя». К письмам Гердт прикладывал стихи, которые посвящал Новиковой:


«Я приказываю гневно,
Чтоб писала ежедневно,
Ежедневно, ежечасно.
Ведь неведенье ужасно.
Если ты замедлишь вестью —
Я убью тебя на месте»


В 1945 году у Новиковой и Гердта родился сын Всеволод, но вскоре после рождения ребенка они расстались.


Второй женой Гердта стала скульптор Екатерина Семерджиева - вместе они прожили восемь лет.


В 1958 году во время гастролей с театром кукол в Египте, Сирии и Ливане Зиновий Гердт познакомился со своей третьей супругой - филологом Татьяной Правдиной. Она переводила «Необыкновенный концерт» на арабский язык. Через два года Правдина и Гердт поженились. Вместе они прожили больше тридцати лет. Позже Правдина вспоминала: «Мы были счастливой семьей — семьей единомышленников, то есть не только любили друг друга как мужчина и женщина, но и дружили».


Гердт и Правдина часто устраивали праздники, на которые приходили их друзья – актеры, режиссеры и писатели.


«У Зямы и Тани был открытый дом. В новогодние праздники десятки людей чередовались за накрытыми столами, и среди них были не только знакомые. Однажды около трех часов ночи один из гостей обратился к Тане:

— Простите, а вы кто будете?
— Я вообще-то хозяйка, — ответила Таня. — А вы кто?»

Режиссер Эльдар Рязанов (из книги Зиновия Гердта «Рыцарь совести»)


Зиновий Гердт – телеведущий



В 1982 году Зиновий Гердт перешел на работу в Театр имени Марии Ермоловой. Там он сыграл костюмера в одноименном спектакле Евгения Арье. Режиссер и актер Михаил Козаков в книге «Рисунки на песке» назвал эту роль Гердта вершиной его театрального творчества: «Гердт в дуэте с Всеволодом Якутом прогремел на всю Москву. Слава Богу, что эта работа Гердта зафиксирована на пленке в телевизионной версии».


В эти годы Гердт продолжил сниматься в кино. Он сыграл в фильмах «О бедном гусаре замолвите слово», «Мэри Поппинс, до свидания!», «Интердевочка» и других. На телевидении в 1980-х актер вел передачи «Ваш выход» о закулисной жизни советских театров и «Киноафиша», где делал обзоры на новые фильмы.


В 1990-е Гердт появлялся в программах «Поле чудес», «Час пик» с Владиславом Листьевым, снимался в рекламе. С 1995 года актер был ведущим передачи «Чай-клуб» на канале «ТВ-6». Ее снимали на даче артиста. Туда приходили актеры, режиссеры и поэты, с которыми Гердт беседовал об их творчестве.


«Я обожаю слушать истории разных людей. Телекомпания «ТВ-6» дала мне право самому выбирать собеседников в своей программе «Чай-клуб». И я провожу некую предварительную работу. Если я лично не знаю человека, а только его имя, то навожу справки у знакомых. Моим гостем должен быть непременно человек, не замеченный в непорядочности. Принцип такой: пьют чай у Гердта люди, в порядочности которых он уверен»

Зиновий Гердт о передаче «Чай-клуб» (из книги «Рыцарь совести»)


В последние годы жизни Зиновию Гердту было трудно работать. Артист передвигался на инвалидной коляске, однако продолжил работу на телевидении. Устраивал он и творческие вечера. Режиссер Петр Тодоровский вспоминал: «На последнем творческом вечере его на сцену выносили на руках. Но он собрался с силами, встал, шагнул к рампе и прочитал стихотворение Давида Самойлова. Так же, на руках, его поднимали на третий этаж дома, где проходили съемки передачи «Чай-клуб».


18 ноября 1996 года Зиновий Гердт умер. Похоронили актера на Кунцевском кладбище в Москве.

]]>
Варлам ШаламовБиография писателя, который почти двадцать лет провел в исправительно-трудовых лагерях на Колыме.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9884/varlam-shalamovFri, 15 Nov 2019 15:30:54 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Варлам Шаламов

ЛитератураПерсоныПоэт

Почти двадцать лет своей жизни Варлам Шаламов провел в лагерях. Впечатления от тяжелых условий работы на Дальнем Востоке легли в основу произведений писателя – «Колымских рассказов» и стихотворений из цикла «Колымские тетради». Эти книги принесли Шаламову славу «Достоевского XX века» в СССР и за рубежом еще при жизни.


“Все будет делаться наоборот”: детство Шаламова



Варлам Шаламов родился 18 июня 1907 года в Вологде. Отец будущего писателя Тихон Шаламов был священником Собора Софии Премудрости Божией в Вологде, а до того – миссионером на Алеутских островах и на Аляске. Его жена Надежда Воробьева была учительницей. Кроме Варлама, в семье Шаламовых было еще четверо детей.


И отец, и мать Шаламова были образованными людьми. Тихон Шаламов владел четырьмя иностранными языками, Надежда Воробьева была выпускницей женской гимназии. Они дали детям хорошее домашнее образование. Варлам Шаламов уже в три года умел читать – начинал с приключенческих повестей, а в подростковом возрасте изучал труды философов. В раннем детстве он стал писать стихи.


В 1914 году Шаламов поступил в Губернскую мужскую гимназию имени императора Александра I Благословенного. Будущий писатель хорошо учился, занимался в драматическом кружке. Позднее он вспоминал: «Все школьные задания я делал сразу по возвращении домой, в первый же час, еще до чая, до обеда — все остальное время читал, чтобы занять, залить жажду жадного мозга». Отец Шаламова хотел, чтобы после гимназии будущий писатель поступил в семинарию и стал священником, хотя сам Шаламов о службе в церкви не мечтал.


«Я буду жить, но только не так, как жил ты, а прямо противоположно твоему совету. Ты верил в Бога – я в него верить не буду, давно не верю и никогда не научусь. <...> Ты ненавидел бескорыстную любовь к книге, я буду любить книги беззаветно. Ты хотел заводить полезные знакомства, я их заводить не буду. Ты ненавидел стихи, я их буду любить. Все будет делаться наоборот. <...> Ты хочешь известности, я предпочитаю погибнуть в любом болоте».

Варлам Шаламов, из монолога отцу, автобиографическая повесть «Четвертая Вологда»


Рабочий, студент, политзаключенный



В 1917 году произошла Февральская, а затем Октябрьская революция. Шаламовы пострадали от смены власти: «Отцу мстили все – и за всё. За грамотность, за интеллигентность.<...> Из дома нас выкинули, выбросили с минимумом вещей. В нашу квартиру вселили городского прокурора». После революции гимназию, где учился Шаламов, преобразовали в единую трудовую школу. Ее будущий писатель и закончил в 1924 году. Отец предлагал ему остаться в Вологде и пойти в местную семинарию, однако Шаламов отказался. Он переехал в Москву, где стал дубильщиком на Кунцевском кожевенном заводе. В столице он посещал литературные кружки, ходил на вечера поэзии. Несколько раз Шаламов давал уроки малограмотным рабочим, учил их писать. Он вспоминал: «Жизнь моя поделилась на две классические части — стихи и действительность».


В 1926 году Шаламов решил поступить в университет. Он подал документы в Московский текстильный институт и в МГУ на факультет советского права. Приняли будущего писателя в оба учреждения, но выбрал он Московский университет. Об учебе Шаламов писал: «В Московском университете <...> диспуты были особенно остры. Всякие решения правительства обсуждались тут же».


В те же годы Варлам Шаламов посещал встречи литературной группы ЛЕФ, писал для ее журнала «Новый ЛЕФ», был сотрудником радиогазеты «Рабочий полдень». Несколько раз Шаламов участвовал в антиправительственных митингах, а 7 ноября 1927 года побывал на антисталинской демонстрации к десятилетию революции, которая прошла под лозунгами «Выполним завещание Ленина!» и «Долой Сталина!». Спустя полтора года его арестовали в подпольной типографии, где печатали «Завещание Ленина» – письмо Ленина, в котором он дал оценку своим соратникам и негативно отозвался о Сталине. Следствия писатель ждал в Бутырской тюрьме.


«19 февраля 1929 года я был арестован. Этот день и час я считаю началом своей общественной жизни – первым истинным испытанием в жестких условиях. <...> После увлечения историей русского освободительного движения, после кипящего Московского университета 1927 года, кипящей Москвы – мне надлежало испытать свои истинные душевные качества. Я не писал там никаких стихов. Я радовался только дню, голубому квадрату окна – с нетерпением ждал, когда уйдет дежурный, чтобы опять ходить и обдумывать свою так удачно начатую жизнь <...> Я надеялся, что и дальше судьба моя будет так благосклонна, что тюремный опыт не пропадет. При всех обстоятельствах этот опыт будет моим нравственным капиталом, неразменным рублем дальнейшей жизни»

Варлам Шаламов, «Бутырская тюрьма» (из книги «Вишера»)


Шаламова обвинили в контрреволюционной деятельности, участии в троцкистском заговоре и приговорили к трем годам исправительно-трудовых лагерей. Срок он отбывал в Вишерском лагере в Пермской области, где строил Березниковский химический комбинат. О лагере Шаламов позднее писал: «Что мне дала Вишера? Это три года разочарований в друзьях, несбывшихся детских надежд. Необычайную уверенность в своей жизненной силе. Я выдержал пробу — физическую и моральную. Я крепко стоял на ногах и не боялся жизни. Я понимал хорошо, что жизнь — это штука серьезная, но бояться ее не надо. Я был готов жить».


«Нас привезли сюда умирать»: Варлам Шаламов на Колыме



На свободу Шаламова выпустили в октябре 1931 году. Писатель вернулся в Москву. Его знакомый по ЛЕФу, фотограф Леонид Волков-Ланнит устроил Шаламова в журнал «За ударничество». Вскоре он стал публиковаться в изданиях «За овладение техникой» и «За промышленные кадры». Там печатали пропагандистские и агитационные материалы, тексты о достижениях первой пятилетки. О своей журналистской работе Шаламов писал: «Лучше быть продавцом магазинным, чем в газете работать».


Шаламов сочинял стихи, которые «писались, но не показывались никому», бывал на встречах с литераторами. Одним из любимых поэтов Варлама Шаламова этого периода был Борис Пастернак, литературный вечер которого он посетил в 1933 году: «Я сидел, забившись в угол в темноте зала, и думал, что счастье — вот здесь, сейчас — в том, что я вижу настоящего поэта и настоящего человека — такого, какого я представлял себе с тех пор, как познакомился со стихами».


Писал Шаламов и рассказы. В 1936 году в журнале «Огонек» опубликовали его «Три смерти доктора Аустина», а вскоре в «Литературном современнике» напечатали еще один рассказ писателя – «Пава и дерево». Исследователь творчества Шаламова Валерий Есипов писал: «Такие рассказы <...> построены на зарубежном — вовсе не знакомом ему [Шаламову – Прим. ред] — материале и являются попыткой отразить тему надвигающегося на Европу фашизма».


В 1937 году Шаламова вновь арестовали за контрреволюционную деятельность. Его обвиняли в связях с троцкистами и попытках свергнуть советскую власть. Шаламов вспоминал: «С первой тюремной минуты мне было ясно, <...> что идет планомерное истребление целой “социальной” группы — всех, кто запомнил из русской истории последних лет не то, что в ней следовало запомнить». Писателя сослали на Колыму, на исправительно-трудовые работы в Северо-восточный лагерь.


«Голые, безлесые, каменные зеленоватые сопки стояли прямо перед нами, и в прогалинах между ними у самых их подножий вились косматые грязносерые разорванные тучи. Будто клочья громадного одеяла прикрывали этот мрачный горный край. Помню хорошо: я был совершенно спокоен, готов на что угодно, но сердце забилось и сжалось невольно. И, отводя глаза, я подумал — нас привезли сюда умирать…»

Варлам Шаламов о Колыме, рассказ «Причал ада»


На Колыме Шаламов работал на приисках, добывал золото. Несколько раз писатель попадал в лагерную больницу из-за истощения. В 1942 году срок Шаламова закончился, но его не освободили из-за доноса, в котором писателя вновь обвинили в контрреволюционной деятельности. Сам Шаламов считал, что его осудили «в войну за заявление, что Бунин — русский классик». На этот раз писателю дали десять лет лагерей. Шаламов работал лесорубом, землекопом, добывал уголь. В 1945 году он вновь попал в больницу, был при смерти, а после выздоровления решил сбежать: «Я ни о чем не думал, да и думать на морозе нельзя – мороз отнимает мысли, превращает тебя быстро и легко в зверя. Я шел без расчета, с единственным желанием выбраться с этой проклятой бесконвойной командировки». Побег не удался. После возвращения в лагерь писателя определили на работы на штрафном прииске «Джелгала», где условия были тяжелее, чем на обычных приисках. Шаламов писал: «После многочасовой изнурительной работы люди будут ползти по обледенелым, вырубленным в снегу ступеням, хватаясь за обрывки обмороженного тальника, ползти вверх, выбиваясь из последних сил, таща на себе дрова – ежедневную порцию дров для отопления барака».


Весной 1946 года Шаламов в очередной раз заболел – он попал в больницу с подозрением на дизентерию. После выздоровления лагерный врач Андрей Пантюхов устроил его санитаром в местную больницу, а затем направил на курсы фельдшеров. Позднее Шаламов вспоминал: «Хотя мне было под сорок лет, я занимался на пределе сил, и физических, и душевных». После курсов писатель работал фельдшером в поселках Дебин и Ключ Дусканья.


Стихи Варлама Шаламова



В конце 1940-х Шаламов вернулся к литературному творчеству – писал стихотворения, которые позднее вошли в цикл «Колымские тетради». В 1951 году срок его заключения закончился, но вернуться в Москву Шаламов не мог – у него не было денег. Еще несколько лет он жил и работал фельдшером на Дальнем Востоке.


В начале 1950-х через знакомых Шаламов отправил в Москву свои стихи Борису Пастернаку. Поэт писал: «Я никогда не верну Вам синей тетрадки. <…> Пусть лежит у меня рядом со старым томиком алконостовского [Издательства «Алконост» – Прим. ред] Блока». Между писателями началась переписка. Пастернак рекомендовал Шалому возвращаться в Москву и отправлять стихотворения, среди которых были «Камея», «Серый камень», «Приснись мне так, как раньше...» и другие.


В страну морозов и мужчин
И преждевременных морщин
Я вызвал женские черты
Со всем отчаяньем тщеты.

Варлам Шаламов, «Камея», 1951 год


В 1953 году Шаламов смог вернуться в Москву. Он начал работать над своим сборником «Колымские рассказы». Вскоре писатель устроился внештатным корреспондентом в журнал «Москва», где публиковал тексты об искусстве и культуре. Стихи Шаламова этих лет печатали в журналах «Знамя» и «Юность». В эти же годы писатель познакомился и начал общаться с Александром Солженицыным, Ольгой Ивинской, Надеждой Мандельштам. Однако его отношения с Солженицыным не заладились. В переписке писатели негативно отзывались о творчестве друг друга, а у Шаламова даже была целая тетрадь, в которой он критиковал Солженицына.


В 1960-х в СССР печатали отдельные рассказы Шаламова о Колыме. В издательстве «Советский писатель» выходили его поэтические сборники «Огниво», «Шелест листьев» и «Дорога и судьба». Рецензии на них писали известные критики и писатели – Борис Слуцкий, Вера Инбер, Георгий Адамович.


«Маленький сборник стихов Варлама Шаламова, вышедший этой весной в Москве, заранее, ещё до чтения, вызывает тревожное любопытство: каковы могут быть, какими могли остаться стихи человека, проведшего долгие годы на Колыме? <...> Стихи умные, суховатые. Судя по их общему складу, Шаламов не столько склонен забыть или простить былое, сколько готов махнуть на него рукой»

Георгий Адамович, «Стихи автора «Колымских рассказов», «Русская мысль», Париж, 1967 год


Личная жизнь



В Вишерском лагере, в 1931 году, Шаламов познакомился со своей первой женой – дочерью революционера Галиной Гудзь, которая приехала туда навестить мужа. Вскоре Гудзь развелась со своим супругом, а через несколько лет вышла замуж за Шаламова. В 1935 году супругов родилась дочь Елена.


В 1936 году по просьбе брата жены – советского разведчика Бориса Гудзя – Шаламов написал заявление в НКВД, где отказывался от своих прошлых убеждений – идей троцкизма. Однако это не спасло писателя и его семью от репрессий. В лагеря, кроме самого Шаламова, сослали его жену и ее сестру.


Галина Гудзь вернулась в Москву в 1946 году и занялась воспитанием дочери, которая выросла без отца. Позднее Гудзь писала Шаламову: «Дай мне слово, что ты оставишь Леночку в покое, не будешь разрушать ее идеалы. Она воспитана лично мною, подчеркиваю это слово, в казенных традициях, и никакого другого пути я для нее не хочу». В 1956 году супруги расстались.


В октябре 1956 года Шаламов женился во второй раз. Его супругой стала писательница Ольга Неклюдова. Они познакомились на одном из вечеров Ольги Ивинской, подруги и музы Бориса Пастернака. Вместе с Неклюдовой писатель прожил около десяти лет. Ей он посвятил несколько стихотворений, в том числе «Незащищенность бытия»:


Тебя дыханье оскорбит,
Неловкий взгляд заденет.
И, очевидно, оттого
Совсем не в нашей воле
Касаться сердца твоего,
Не причиняя боли.

Варлам Шаламов, «Собрание сочинений», 1998


«Колымские рассказы» и письмо Шаламова в «Литературную газету»



В конце 1960-х Варлам Шаламов работал над автобиографической повестью о детстве «Четвертая Вологда» и антироманом – крупным модернистским прозаическим произведением – «Вишера» о первом заключении в исправительно-трудовом лагере. Продолжал Шаламов писать и «Колымские рассказы». Окончательно он завершил цикл к 1972 году. Рассказы принесли писателю известность и в СССР, и за границей, о них положительно отзывались советские и иностранные критики, которые отмечали достоверность и точность Шаламова в описании лагерной жизни. В этом же году Шаламова приняли в Союз писателей СССР.


Правда, вскоре отношения с писателями, знакомыми и друзьями испортились. Шаламов опубликовал открытое письмо в «Литературной газете», в котором обвинял эмигрантские издания «Посев» и «Новый журнал» в публикации «Колымских рассказов».


«Подлый способ публикации, применяемый редакцией этих зловонных журнальчиков — по рассказу-два в номере — имеет целью создать у читателя впечатление, что я — их постоянный сотрудник <...> Эти господа, пышущие ненавистью к нашей великой стране, её народу, её литературе, идут на любую провокацию, на любой шантаж, на любую клевету, чтобы опорочить, запятнать любое имя <...> Ни один уважающий себя советский писатель не уронит своего достоинства, не запятнает чести публикацией в этом зловонном антисоветском листке своих произведений. Проблематика «Колымских рассказов» давно снята жизнью, и представлять меня миру в роли подпольного антисоветчика, «внутреннего эмигранта» господам из «Посева» и «Нового журнала» и их хозяевам не удастся!»

Варлам Шаламов, письмо в редакцию «Литературной газеты», 15 февраля 1972 года


Многие посчитали, что письмо в «Литературную газету» он написал под влиянием сотрудников КГБ. Переводчица Лилианна Лунгина вспоминала: «Жизнь наложила на него страшную печать, исказила лицо, он был весь в морщинах, у него был тяжелый, страшный взгляд. Это был абсолютно раздавленный системой человек». С Шаламовым перестали общаться писатели, с которыми он поддерживал отношения много лет. Сам Шаламов утверждал, что ему надоела «беспрерывная спекуляция его именем», а публикации в эмигрантских изданиях были сделаны без его согласия.


Во второй половине 1970-х он тяжело болел и жил в Доме инвалидов и престарелых Литературного фонда в Москве. За рубежом в это же время продолжали публиковать произведения писателя: в 1978 году в Лондоне отдельным изданием без разрешения автора вышли «Колымские рассказы». В последние годы жизни Шаламов почти не мог двигаться, однако продолжал сочинять стихи. В 1982 году, во время перевода из Дома инвалидов в Психоневрологический интернат, Шаламов тяжело простудился. Он умер 17 января 1982 года. Похоронили писателя на Кунцевском кладбище в Москве.

]]>
Павел Филоновhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10191/pavel-filonovThu, 14 Nov 2019 15:40:25 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Павел Филонов

МузеиПерсоныХудожник

Павел Филонов называл себя не художником, а исследователем. Он создал новое направление «аналитическое искусство», рисовал «атомами» и считал, что картина развивается, как живой организм. Поэт Алексей Крученых писал о Филонове: «Вулкан погибших сокровищ, Великий художник, Очевидец незримого, Смутьян холста».


Рисование, танцы и вышивка крестиком: детство художника


Павел Филонов. Портрет. Изображение: 24smi.org

Павел Филонов родился в Москве. Родители около 1880 года переехали в город из Рязани вместе с тремя старшими детьми — Петром, Александрой и Екатериной и их бабушкой. В марте этого же года в семье родилась еще одна дочь, Мария. Отец Филонова происходил из крестьян и до 1880 года не имел фамилии: вероятно, ее присвоили уже при переезде. В Москве он работал извозчиком. Мать, как позже писал художник в автобиографии, «брала в стирку белье». В семье поддерживали творческие начинания детей. Старшие сестры хорошо танцевали и пели, а Павел Филонов рисовал. С четырех лет он пробовал изображать карандашом на бумаге все предметы, которые видел в доме.


В 1887 году отец Филонова скончался. Через два месяца после его смерти в семье родилась еще одна дочь, Евдокия. Мать осталась одна с шестью детьми и их бабушкой, которой к тому моменту было около 100 лет. Денег на жизнь не хватало. Пятилетний Павел Филонов научился у бабушки вышивать крестиком и украшал скатерти и полотенца на продажу. По выходным он вместе со старшими сестрами танцевал в Русском драматическом театре Федора Корша и театре народных представлений «Скоморох». За участие в массовке им платили небольшие гонорары.


Когда Филонову исполнилось 11 лет, он поступил в Каретнорядную приходскую школу. Будущий художник чаще всего делал домашние задания по ночам: днем ему нужно было помогать семье. В редкие свободные минуты он рисовал пейзажи. К этому времени относится самая ранняя из его сохранившихся работ — открытка «Московский дворик».


В 1894 году старшая сестра Павла Филонова, Александра, вышла замуж. Ее супругом стал Александр Гуэ — богатый инженер и владелец магазина электротоваров в Петербурге. Александра Филонова переехала с мужем в столицу и взяла на себя всю заботу о семье. Она сняла для родственников большую квартиру и регулярно посылала им деньги.


Павел Филонов. Московский дворик. 1894. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В 1896 году от чахотки умерли мать и старший брат Павла Филонова. Вскоре Александра Филонова-Гуэ забрала всех оставшихся родственников в Петербург. Сестра художника Евдокия Глебова вспоминала: «Отношение не только сестры, но и ее мужа к нам было на редкость хорошее <...> Мы жили в богатой буржуазной обстановке, перемена была очень резкая, и привыкали мы к ней с большим трудом. Особенно было трудно брату. Хотя он и остался у сестры, но бунтовал. Помню, как он не хотел спать на матраце, сбрасывал его на пол, спал без матраца — закалял себя».


Вскоре Александр Гуэ заинтересовался рисунками 14-летнего Филонова и устроил его в живописно-малярные мастерские, где обучали декораторов. Каждого ученика прикрепляли к определенному мастеру и объекту. Занятия продолжались 10–11 часов в день.


На этой работе была самая лучшая школа, начиная со смоления люков помойных ям, окраски уборных, росписи изразцовых печей до росписи квартиры министра Сипягина <...> промывки голубя в куполе Исаакиевского собора, раскраска еврейской синагоги <...> Работа велась всеми материалами и способами, стоя, сидя, лежа, при постоянном риске сорваться с лесов, при ежедневных обедах в трактирах и «живопырках», под орган и граммофон.

Из автобиографии Павла Филонова


С 1898 года Павел Филонов посещал по вечерам рисовальные классы Общества поощрения художеств. Дома он осваивал разные техники и учился копировать работы других мастеров.


От маляра до живописца: путешествия и учеба в Академии художеств


В мае 1901 года 18-летний Павел Филонов получил свидетельство маляра. В июне того же года он отправился в поселок Рамонь недалеко от Воронежа расписывать имение принцессы Евгении Ольденбургской. Директор живописно-малярных мастерских лично порекомендовал художника как одного из лучших выпускников.


В Рамони Филонов успевал рисовать и для себя. Он создал несколько натурных пейзажей карандашом и акварелью и впервые попробовал писать маслом. Так появилась картина «Восход солнца на реке, протекающей подле Рамони».



После возвращения в Петербург маляр съехал от сестры и снял комнату на Васильевском острове. Зарабатывал он росписями на заказ. Однако вскоре этого стало мало: Филонов мечтал быть профессиональным художником. Все свое свободное время он проводил в музее Александра III (сегодня — Русский музей), где для тренировки копировал картины известных мастеров, а в 1903 году решил поступать на живописное отделение Академии художеств. К экзамену Филонов подготовил портфолио: целый месяц трудился над рисунком гипсовых скульптур и портретом сторожа малярной мастерской — «первым портретом упорной долговременной работы», как писал в автобиографии. Однако вступительные испытания в Академию художник провалил. Помимо портфолио нужно было сдать экзамен: написать обнаженную натуру. Он никогда раньше этого не делал, и ему не хватило техники и знания анатомии.


Чтобы восполнить пробелы, в том же 1903 году Павел Филонов поступил в частную мастерскую живописца Льва Дмитриева-Кавказского. Академик был заядлым путешественником, поэтому его студенты сначала изучали экзотических животных и птиц, а только потом пробовали рисовать человека. Дмитриев-Кавказский требовал от работ детальности и точности пропорций.


Незаметно начиная с изучения какой-нибудь колибри, ястреба, совы, летучей рыбы <...> подвел к изучению анатомии, и Филонов <...> до начала занятий утром перед уроками и в перерыве в обеденное время изучал со скелета, с гипсовых фигур, рук и ног, по учебникам и атласам».

Из биографии Павла Филонова


Во время занятий Дмитриев-Кавказский часто рассказывал о путешествиях. Павел Филонов вдохновился его историями и тоже решил отправиться в поездку. В 1905 году он доплыл на лодке из Рыбинска в Казань. Следующим летом Филонов поехал в Иерусалим через Афон. Денег у художника было немного, поэтому по пути он брался за любую работу: рисовал этикетки для папирос и мыла, копировал иконы, писал портреты попутчиков. На пароходе недалеко от Константинополя художник встретил жертв еврейских погромов. Филонов вспоминал: «На палубе обратил внимание среди давки и тесноты на еврея, вроде бы не очень старого, но поседевшего, и девочку лет 7-8. Она лежала на мокрых, кажется, веревках. Филонов взял девочку и пересадил на сухое место <...> На это еврей ему грубо и резко ответил, что это его не касается. Спустя несколько часов <...> извинялся за грубость и говорил: «Вы меня простите, я из Кишинева, я насмотрелся ужасов, на меня был занесен топор, я не знаю, как я с дочкой спасся, я не могу видеть русского, мы едем в Иерусалим». Эта встреча вдохновила художника на создание картины «Поклонение волхвов». Он закончил это полотно только в 1912 году.


Павел Филонов. Поклонение волхвов. 1913. Частное собрание, Швейцария

После путешествия Павел Филонов дважды безуспешно пробовал поступить в Академию Художеств. В 1908 году его наконец зачислили вольнослушателем с характеристикой «за исключительное знание анатомии». Его преподавателями стали художники Ян Ционглинский, Иван Творожников и Роберт Залеман. Филонов прилежно занимался: он перестал брать заказы, переехал для экономии в комнату поменьше и сосредоточился на учебе. Сокурсница художника Варвара Бубнова вспоминала: «Филонов был беден, но как будто не замечал этого. Однажды я была у него. Он жил на верхнем этаже старого доходного дома. В его крохотной комнате помещалась только кровать. Дверь выходила прямо на последнюю площадку «черной» лестницы. На ней стоял его стол — большой, кухонный».


На втором курсе Павел Филонов постепенно отошел от академизма. Художник начал экспериментировать с цветами: натурщики на холсте становились зелеными, а их руки, по выражению сокурсника Петра Бучкина, «поголубели как ручьи». Работы Филонова заинтересовали его сокурсника Вольдемара Матвейса, который организовал «Союз молодежи» — общество художников-экспериментаторов. В 1910 году кружок устроил выставку русского авангарда. В ней участвовал и Павел Филонов: его картины висели рядом с работами Михаила Ларионова, Натальи Гончаровой, Дмитрия Митрохина.


Преподаватели эксперименты Филонова не одобряли. А в 1910 году художника и вовсе исключили «за то, что своими работами развращал товарищей». Поводом стала проделка Филонова: в ночь перед выставкой с участием президента Академии Художеств он тайно раскрасил свою картину «Натурщик» в сине-лиловый цвет. Павел Филонов опротестовал свое исключение, но через несколько недель, когда его восстановили, «добровольно вышел» сам.


Аналитическое искусство Филонова: первые картины


После ухода из академии Павел Филонов переехал в деревню Ваганово. Его сестра Евдокия Глебова вспоминала: «Почему он выбрал эту деревню — не знаю. Я была у него там. Жил он в небольшой темной избе, с маленьким окошком, с соответствующей обстановкой. Была осень — сыро, холодно… Как он мог там работать? В темноте, с керосиновой лампой?». Зимой 1910 года Филонов закончил картину «Головы». Ее представили на второй выставке «Союза молодежи» как «Картину без названия». Среди лиц он изобразил и себя в левом нижнем углу. Через семь месяцев было готово еще одно полотно — снова «Картина без названия». В 1912 году обе работы участвовали в московской выставке «Ослиный хвост», которую организовали авангардисты Михаил Ларионов и Наталья Гончарова. Творчество Филонова высоко оценили критики. Картину «Головы» за большую сумму приобрел коллекционер Левкий Жевержеев.


В 1912 году вышла статья Павла Филонова «Канон и закон», в которой художник выступил с резкой критикой кубизма и изложил свое видение искусства. Он утверждал, что кроме формы и цвета есть целый мир невидимых явлений и взаимодействий. Живописцу недостаточно изобразить только внешнее восприятие объекта — ему нужно выявить законы его развития, эволюции. Филонов писал: «Позволь вещи развиваться из частных, до последней степени развитых, тогда ты увидишь настоящее общее, какого не ожидал». По мнению художника, картина должна была развиваться из точки, как произрастающее зерно. В статье Филонов впервые ввел термин «аналитическое искусство».



В этом же году Павел Филонов отправился в путешествие по Италии и Франции. Он вспоминал: «Сам себе сделал «заграничную поездку», которую получали ученики-конкуренты, кончавшие академию, чтобы ознакомиться с западным искусством». Художник изучал фрески эпохи Возрождения, побывал в Лувре, где увлекся творчеством живописца Иеронима Босха.


В 1913 году Филонов вернулся в Россию и написал сразу несколько картин: «Ночь на Лиговке», «Россия после 1905», «Мужчина и женщина». В этом же году на «Выставке картин внепартийного Общества художников» вывесили большое полотно Филонова «Пир королей». Темные краски с красноватым свечением, костяные руки и пустые глазницы, люди-призраки на тронах и скрюченные фигура раба — современники восприняли работу как предзнаменование войны. Расположение фигур отсылало к «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. Велимир Хлебников описывал эту работу: «...Пир трупов, пир мести. Мертвецы величаво и важно ели овощи, озаренные подобным лучу месяца бешенством скорби».


"Упорно рисуй каждый атом": декорации для Маяковского, иллюстрации для Хлебникова


В декабре 1913 года Павел Филонов оформил декорации к трагедии Маяковского «Владимир Маяковский». Евдокия Глебова вспоминала: «Сестра Мария Николаевна и я помогали брату. Хорошо помню, как мы трудились над какой-то огромной слезой». Через несколько месяцев Филонов уже иллюстрировал поэтический сборник «Рыкающий Парнас», в который вошли стихи футуристов: Владимира Маяковского, Давида Бурлюка, Алексея Крученых, Велимира Хлебникова. Однако сразу же после выпуска тираж изъяли: цензура усмотрела в рисунках порнографию. В 1914 году художник попробовал себя в роли оформителя еще раз и создал иллюстрации к сборнику Хлебникова «Изборник».



В 1914 году Филонов выпустил манифест «Интимная мастерская живописцев и рисовальщиков «Сделанные картины» с лозунгом «Мировой расцвет». Художник писал от имени апостола, зовущего к новой вере: «Делайте картины и рисунки, равные нечеловеческим напряжениям воли, каменным храмам Юго-Востока, Запада и России, они решат вашу участь в день страшного суда искусства и знайте, день этот близок». Лето того же года художник провел у сестры на даче. Он закончил картину «Крестьянская семья» и даже начал писать стихи. Филонов торопился: в любой момент его могли мобилизовать на фронт, началась Первая мировая война. Весной 1915 года вышла книга живописца «Пропевень о проросли мировой» - с фольклорными историями на языке, который придумал он сам. До конца 1915 года Павел Филонов успел написать еще два полотна: «Германская война» и «Цветы мирового расцвета». Он работал маленькой кистью. Каждая точка, которую Филонов ставил на картине, символизировала атом. Живописец как будто создавал сложные организмы из частиц.


Упорно и точно рисуй каждый атом. Упорно и точно вводи прорабатываемый цвет в каждый атом, чтобы он туда въедался, как тепло в тело или органически был связан с формой, как в природе клетчатка цветка с цветом.

Павел Филонов


Осенью 1916 года Павла Филонова призвали на войну и отправили на румынский фронт. После революции солдаты избрали его председателем Военно-революционного комитета Отдельной Балтийской морской дивизии. Филонов вспоминал: «Я был на войне 1,5 года, и, к счастью, меня выбрали в комитет и этим спасли меня». В 1918 году художника направили в Петроград, чтобы передать знамена полков в революционный штаб. После этого Филонов на фронте больше не был. Он вернулся к живописи и через несколько месяцев закончил картину «Волы (Сцены из жизни дикарей)».


В 1919 году художник участвовал в «Первой государственной свободной выставке произведений искусства» в Зимнем дворце. Павел Филонов представил цикл «Ввод в мировой расцвет» из 22 работ разных лет: «Пир королей», «Коровницы», «Перерождение человека», «Ломовые», «Рабочие», «Две девочки» и многие другие. Большевики трактовали слово «расцвет» в названии как торжество революции. Нарком просвещения Анатолий Луначарский говорил: «Филонов — величайший мастер. Его трудно понять, но это не умаляет его величия, и в будущем он станет гордостью страны». Павел Филонов подарил государству два полотна: «Победитель города» и «Мать».


"Его расшифрует будущее": творчество в послереволюционной России


Павел Филонов с женой Екатериной Серебряковой на даче. 1928. Фотография: chaskor.ru

В 1921 году Филонов познакомился с Екатериной Серебряковой. Она была революционером: в 20 лет вступила в организацию «Народная воля», несколько лет жила в Англии, где печатала коммунистическую литературу. Серебрякова сразу сразу понравилась художнику. Они стали много общаться и вскоре поженились. Филонов писал: «Катя, сам не знаю почему, но во мне растет чувство радости, что мы сошлись на свете и сдружились так крепко. Ты не зазнавайся, смотри. Подумаешь, какая радость, жил парень один и вдруг свалился ему на плечи такой властитель дум, как ты».


В этот период Павел Филонов начал писать картины, посвященные революции. К 1922 году он закончил полотна «Формула петроградского пролетариата» и «Формула периода 1905–1921 годов». Важнее всего для художника было изобразить движение. Разрушительную силу революции он показывал через цветовые пятна, в которых растворялись фигуры людей и животных. В 1922 году он подарил оба полотна "петроградскому пролетариату" и передал в Русский музей.


Если бы он говорил не красками, пока еще, к сожалению, недоступными массам, а человеческим языком — он явился бы тем рычагом, который перевернул бы весь мир, и наступил бы рай земной. Его работой руководили страдания за человечество и желание ему добра <...> Его расшифрует будущее.

Екатерина Серебрякова


В 1923 году художник опубликовал «Декларацию мирового расцвета» — теоретическую работу об аналитическом искусстве. Это была вторая редакция манифеста «Сделанные картины», где он подробнее объяснял главную идею: живописец должен отображать не только внешний вид предмета, но и все, что он знает о нем. Павел Филонов публично отстаивал свои художественные принципы: выступал с докладами на конференциях, читал лекции о «системе мирового расцвета». Постепенно вокруг него сложился круг тех, кто разделял его идеи. У художника возникла своя школа — «Коллектив мастеров аналитического искусства». Начинающим живописцам он советовал: «Непременно начни писать дневник по искусству. Эта работа над дневником научит тебя самокритике, самодисциплине и выдержке <...> пиши коротко, без прикрас, без хвастовства. Напишешь — перечитай и исправь, сделай толково». В 1925 году Филонов с учениками получил мастерскую в Академии художеств, однако от должности профессора отказался.


Павел Николаевич был очень терпелив с учениками. Например, был ученик Лукстынь. По национальности латыш, он говорил на ломаном русском языке и любил задавать нелепые вопросы. Филонов терпеливо, очень пространно отвечал ему, стараясь быть понятным, но когда он кончал, Лукстынь задавал свой вопрос снова так, как будто Павел Николаевич ничего ему не объяснял. Это продолжалось иногда три, четыре раза.

Татьяна Глебова, график. «Воспоминания о Павле Николаевиче Филонове»


В 1927 году художники «Коллектива аналитического искусства» оформили интерьеры Дома печати, нарисовали декорации к спектаклю режиссера Игоря Терентьева «Ревизор». Литератор Илья Дмитроченков вспоминал: «Мне памятен литературный вечер в Доме печати <...> Выступал с чтением поэмы «Хорошо» Владимир Маяковский. На заднике сцены были рельефно выписаны Павлом Николаевичем крупные лодки <...> На стенах зала висели картины учеников Павла Николаевича <...> таких великолепных полотен мне больше не приходилось видеть». Вскоре Филонов написал картину «Формула весны».


В 1929 Государственный Русский музей подготовил персональную выставку Филонова. Однако она так и не открылась: отношение к творчеству художника изменилось. После нескольких закрытых просмотров для советских чиновников и критиков картины объявили «непонятными рабочим массам» — к 1930 году искусство становилось все более реалистичным.



Вскоре Филонову перестало хватать денег. Свои картины он не продавал и зарабатывал тем, что создавал на заказ. В 1935 году художник написал огромный портрет Сталина в семь квадратных метров для Клуба Моряков, потом изображения конькобежцев и хоккеистов для катка в Детском селе (сейчас — Царское село). В том же году он закончил картину «Первая симфония Шостаковича». Он создал ее по мотивам одноименного музыкального произведения, которое услышал по радио.


В 1938 году были репрессированы оба пасынка Филонова — сыновья Екатерины Серебряковой. После их ареста жену художника парализовало. Живописец ухаживал за ней несколько лет: заново учил ее говорить, ходить и писать.


Однажды <...> я посетил Павла Николаевича. На мольберте <...> стояло свежее полотно, на нем уже были изображены узники, оголенные до пояса, и лица их истощены до блеска крахмала, их было несколько человек, в том числе и Сталин рядом с сыном Серебряковой... Я спросил Павла Николаевича, возможно, Сталин не должен находиться на картине. Павел Николаевич возразил мне и убедительно добавил, что Сталин сам был арестант, да еще при царе, и если он теперь находится среди новых, то здесь нет ничего предосудительного.

Илья Дмитроченков, писатель


Когда наступила Великая Отечественная война, Павел Филонов остался в блокадном Ленинграде. Художник умер от истощения 3 декабря 1941 года. Его сестра Евдокия Глебова вспоминала: "<...> лежал в куртке, теплой шапке, на левой руке была белая шерстяная варежка, на правой варежки не было, она была зажата в кулак <…> Рука большого мастера, не знавшая при жизни покоя, теперь успокоилась". Филонова похоронили на Серафимовском кладбище.

]]>
Дзига ВертовБиография режиссера, который совершил революцию в документальном кино и снял первый звуковой фильм в СССР.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2292/dziga-vertovMon, 11 Nov 2019 10:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Дзига Вертов

КиноПерсоныРежиссер

«Человек с киноаппаратом» Дзиги Вертова - одна из самых известных картин за всю историю документального кино. Режиссер снял первый звуковой фильм в СССР, применил слоу-мо - эффект замедленного действия - и придумал приемы, которыми до сих пор используют в кинематографе. Французский режиссёр Жан Руш говорил: «Когда мы (то есть кинематографисты) надеемся найти что-нибудь новое, то вдруг обнаруживаем, что в 20-е или 30-е годы Вертов уже изобрел все это в теории и доказал на практике... Все современное кино вышло из его фильмов».


Музыка, фотография, политические стихи: детство Дзиги Вертова



Давид Кауфман - настоящее имя Дзиги Вертова - родился в Белостоке в зажиточной семье. Его отец, Абель Кауфман, владел двумя книжными магазинами и управлял городской библиотекой. Мать, Фейга Гальперн, была дочерью уважаемого раввина. Родители жили в городе из-за черты оседлости: евреям запрещали селиться в центральной части России. Давид Кауфман был старшим ребенком. Позже в семье родились еще двое сыновей: Моисей и Борис.


Родители стремились дать детям хорошее образование и отдали их в русские школы. В 1907 году Давид Кауфман поступил в реальное училище Белостока с углубленным изучением французского, немецкого языков и естественных наук. Туда же поступил и брат Моисей. Вскоре они начали звать друг друга на русский манер: Денис и Михаил. Новые имена появились из соображений безопасности - в городе часто были еврейские погромы.


Будущий режиссер много читал. Брат Михаил Кауфман вспоминал: «В 9-10 лет Дзига сильно увлекался сочинениями Фенимора Купера, Майн Рида, Джека Лондона и Конан Дойля. Читал он их запоем, часто даже в ущерб учёбе. Чтобы ему не мешали напоминаниями об уроках, он чуть ли не каждый день после обеда, а в праздники по утрам куда-то исчезал. Пытались его искать, но безрезультатно. Никому не приходило в голову, что он уединялся в одном из находившихся во дворе сараев». Денис Кауфман пробовал писать и сам. Он сочинил приключенческий роман о мексиканских революционерах и несколько политических стихотворений, где высмеивал консерваторов у власти. Один из памфлетов - «Выступление соло клоуна В. Пуришкевича на заседании Государственной думы» - будущий режиссер даже хотел напечатать в газете. Однако это не удалось. Михаил Кауфман вспоминал: «Ни один из написанных Дзигой памфлетов воспроизвести не могу. Хорошо лишь помню, как все они запылали в печке, когда пошел слух о повальных обысках в городе».


После уроков Кауфман ходил в музыкальную школу, где учился играть на фортепиано. Его любимым композитором был Александр Скрябин. А по выходным будущий режиссер вместе с братьями развлекался с самодельной камерой-обскурой - ящиком, с помощью которого можно получать изображения предметов. Заметив, что дети интересуются фотографией, сестра матери Мария Кауфман подарила им фирменный аппарат. Школьники снимали соседей и дарили всем фотокарточки на праздники.


В 1914 году, когда началась Первая Мировая война, семья переехала из Белостока сначала в Киев, потом в Могилев. Вскоре восемнадцатилетнего Давида Кауфмана призвали в армию. Но на фронт он не попал: его и других юношей с хорошим слухом отправили учиться в военно-музыкальную школу в украинский Чугуев. У будущего режиссера были проблемы с легкими, поэтому спустя несколько месяцев его комиссовали. Из-за войны и массовой эвакуации черта оседлости почти перестала существовать. Тогда Кауфман переехал в столицу и решил получить образование. В этот же 1914 год он поступил в Петроградский психоневрологический институт, основателем которого был известный физиолог Владимир Бехтерев. Ученый считал, что наука должна быть доступной для всех: институт принимал евреев и женщин без ограничений. Тогда же будущий режиссер придумал себе псевдоним Дзига Вертов: от польского «дзига» - «волчок», «юла» и русского Вертов - «вертеться».


Прыжок с крыши и «киноправда»



С 1916 года в Петрограде было неспокойно. На улицах проходили шествия и митинги, которые часто перерастали в беспорядки. Это напоминало будущему режиссеру о еврейских погромах в Белостоке, и он решил уехать в Москву. Вскоре Дзига Вертов стал студентом юридического факультета Московского университета, но бросил учебу в 1918 году - изучать римское право в стране, охваченной революцией, казалось бессмысленным. Он стал искать работу. Помог случай: весной этого же года Вертов встретил школьного друга и уже успешного публициста Михаила Кольцова.


«И однажды, весной 1918 года, - возвращение с вокзала. В ушах еще вздохи и стуки отходящего поезда... чья-то ругань... поцелуй... чье-то восклицание <...> И мысли на ходу: надо, наконец, достать аппарат, который будет не описывать, а записывать, фотографировать эти звуки <...> Но, может быть, киноаппарат? Записывать видимое. Организовывать не слышимый, а видимый мир. Может быть, в этом - выход? В этот момент - встреча с Михаилом Кольцовым, который предложил работать в кино»

Дзига Вертов, «Статьи. Дневники. Замыслы»


Михаил Кольцов устроил Вертова секретарем-делопроизводителем в отдел хроники Московского кинокомитета. Будущий режиссер принимал и регистрировал кинопленки для экранного журнала «Кинонеделя» о событиях Гражданской войны. Вскоре он начал редактировать подписи к кадрам и монтировать небольшие видео. Уже осенью 1918 года Дзига Вертов стал заведующим киносекцией отдела агитационно-инструкторских пароходов и поездов ВЦИК. Он руководил работой фронтовых операторов, отбирал их материалы, и сам ездил на съемки. Летом 1918 года он смонтировал свой первый фильм-хронику «Годовщина революции». Картина показывала все важнейшие события в России с февраля 1917 по ноябрь 1918 года: демонстрации, совещания Временного правительства, разгон Учредительного собрания. Работа над фильмом заняла у режиссера чуть больше недели. «Годовщину революции» выпустили тиражом 40 копий, при том что обычные киноленты выходили максимум в пяти экземплярах. Картину показывали по всей стране: ее возил литературно-инструкторский поезд ВЦИК. Благодаря фильму жители провинции узнали, как выглядели первые лица государства. В работе Вертова были крупные планы Владимира Ленина, Льва Троцкого, Александра Керенского. «Годовщина революции» считалась утерянной, однако в 2017 году в Российском государственном архиве литературы и искусства нашли полные титры фильма. Это позволило заново, по кусочкам, его смонтировать. Дзига Вертов в ленте использовал уже существующую хронику, и киноведы просматривали десятки роликов пленки и по описанию находили нужную в Российском архиве кинофотодокументов. Сегодня картину снова показывают в кинотеатрах.


Во время гражданской войны Дзига Вертов ездил по стране в специальных агитпоездах и снимал кинохронику. Только за 1919 год он выпустил фильмы «Бой под Царицыном», «Литературно-инструкторский агитпароход ВЦИК «Красная звезда» и «Вскрытие мощей Сергия Радонежского». Однажды в титрах Вертов попробовал вписать свое имя. Это привело к скандалу. В отделе говорили, что у документального кино не может быть режиссера - съемкой руководит действительность.


Параллельно с хроникой Дзига Вертов начал экспериментировать с монтажом. Рядом со зданием кинокомитета находился заброшенный двухэтажный дом - раньше там жили дворяне. Режиссер попросил друга и оператора Александра Лемберга встать у входа с киноаппаратом и снимать с замедленным эффектом, а сам поднялся на крышу и спрыгнул вниз. Дзига Вертов отделался парой ушибов. На пленке отразились его эмоции за пару секунд: от страха до финальной улыбки. Режиссер сделал вывод: с помощью камеры можно увидеть то мимолетное, что недоступно обычному взгляду, он называл это кино-правдой. Этот опыт вошел в историю под названием «прыжком Вертова» или «прыжок с грота».


В 1922 году режиссер создал группу единомышленников «Кинооки», куда вошли операторы Иван Беляков, Александр Лемберг, Илья Копалин и другие. Членом группы был и брат Вертова Михаил Кауфман, который недавно вернулся из армии. С 1922 по 1924 год они сняли 23 выпуска экранного журнала «Киноправда» о повседневной жизни городов и деревень - режиссер отрицал право художника на вымысел. Монтировала сюжеты Елизавета Свилова. Вскоре они с Дзигой Вертовым сблизились, а позже - поженились.


«Дзига был убежден, что кадры мало показывать, с их помощью надо научиться рассказывать. Так был впервые поставлен вопрос о специфическом киноязыке, о котором Дзига говорил и думал как о музыке <...> Дзиге доставляла большую радость каждая находка, каждый удачный, добытый новым приемом кадр <...> Все сводилось к тому, чтобы научиться фиксировать жизненные явления во всей их непосредственности, без потери жизненной правды»

Михаил Кауман, «Вертов в воспоминаниях современников»


Фильмы без актеров и сценария: мировой киноязык Дзиги Вертова



В 1924 году Дзига Вертов снял фильм «Жизнь врасплох» из серии «Кино-глаз». Это была картина без актеров, костюмеров и гримеров - режиссер ставил себе цель снять реальную жизнь без постановочных эпизодов. По задумке Вертова таких фильмов-выпусков в «Кино-глазе» должно было быть шесть. Но удалось закончить только первый, поэтому «Жизнь врасплох» вскоре стали называть как всю серию. Кинолента состояла из глав с разными сюжетами: «В церковном празднике, или Действие самогона на деревенских баб», «Утро в пионерском лагере», «Китайский фокусник» и другие. Больше всего Вертов показывал молодежь - новое поколение, которое, по мнению режиссера, было сознательнее взрослых Российской империи.


Оператором был Михаил Кауфман. Он использовал новаторские приемы: съемка в отражении, с автомобиля, а также метод двойной экспозиции, когда изображения в 2 слоя накладывались друг на друга. Елизавета Свилова вспоминала: «А как хорошо, как радостно было работать рядом с Вертовым за монтажным столом! Казалось, кусок пленки мог просто воспламениться от того жгучего интереса, с которым Дзига брал его в руки. В такие минуты в Вертове как бы спорили ученый и поэт. Он трезво осмысливал содержание съемки <...> Затем вдохновенно, руководствуясь интуицией, определял место и длину плана. Потом оценивал сделанное и сам отвергал его, переделывал десятки раз». Выпуск «Кино-глаза» получил премию на Международной выставке в Париже.


После смерти Ленина в 1924 году Дзига Вертов собрал всю хронику с похорон вождя и сделал выпуск «Ленинской кино-правды», а в 1926 году выпустил ленту «Шестая часть мира» о промыслах коренных народов в отдаленных частях СССР. С этого начался конфликт Дзиги Вертова и руководства «Совкино». Режиссера обвинили в том, что он потратил слишком много денег на съемки и отдали заказ на документальный фильм к годовщине революции не ему, а Эсфирь Шуб. В ответ Дзига Вертов отказался показывать сценарий будущей картины «Человек с киноаппаратом», материалы для которой он снимал с 1925 года. В начале 1927 года режиссера уволили из «Совкино».


Однако без работы Дзига Вертов был недолго: через несколько месяцев ему предложили место на Одесской киностудии, и он вместе с женой и братом Михаилом Кауфманом переехал на юг. Режиссер снял фильм «Одиннадцатый» об электрификации Украины, а в 1929 году закончил знаменитую ленту «Человек с киноаппаратом». Кинокартина представляла собой собранные воедино эпизоды жизни оживлённого города, длительность каждого - не более 10 секунд: природа, городской пейзаж, выставки и спортивные состязания. Команда Вертова снимала на улицах Москвы, Киева и Одессы. «Человек с киноаппаратом» - немое кино, но каждый его показ сопровождался живым выступлением оркестра.


«Человек, вооруженный киноаппаратом направляется в жизнь <...> Человек должен проявить максимум быстроты и ловкости, чтобы поспеть за убегающими жизненными явлениями. В процессе съемки скрещиваются улицы и трамваи, толпы и одиночки, ноги и улыбки. Жизнь не ждет указаний кинорежиссера. Тысячи и миллионы людей делают свое дело. Все происходит независимо от вашего желания. Вы должны всюду успеть со своим аппаратом»

Дзига Вертов, «Статьи. Дневники. Замыслы»


Американский обозреватель Джим Хоберман назвал работу «урбанистической симфонией-калейдоскопом». А в 1964 году кинокритики 24 стран назвали «Человека с киноаппаратом» одним из 20 лучших документальных фильмов всех времен и народов. Однако современники Дзиги Вертова отозвались о картине скептически. Режиссера критиковали за то, что он отошел от «интересов пролетариата», а писатель Осип Брик обвинил Кауфмана в высокомерии.


Из любимца в опального режиссера: похвала Чаплина и запрет Сталина



В 1930 году Дзига Вертов снял один из первых звуковых фильмов в истории страны - «Симфония Донбасса» или «Энтузиазм» о выполнении пятилетнего плана. Вертов сам написал музыкальную схему, по которой композитор Николай Тимофеев сочинил звуко-шумовой марш. Также был использован фрагмент симфонии Дмитрия Шостаковича. Помимо музыкального сопровождения, в фильме звучат реплики рабочих и гул фабричных машин и гудков.


После выхода картины Вертову написал письмо Чарли Чаплин: «Я никогда не мог себе представить, что эти индустриальные звуки можно организовать так, чтобы они казались прекрасными. Я считаю «Энтузиазм» одной из самых волнующих симфоний, которые я когда-либо слышал. Мистер Дзига Вертов - музыкант. Профессора должны у него учиться, а не спорить с ним. Поздравляю».


В 1932 году режиссер вернулся в Москву и устроился на советско-германскую студию «Межрабпомфильм». Он сразу же получил заказ на агитационный фильм к десятой годовщине смерти Владимира Ленина. В дневнике Дзига Вертов писал: «Полная пустота в голове. А работы много. Настроение должно быть бодрым и радостным. Иначе нельзя, иначе не по-большевистски. Я всегда делаю не то, что нужно. Надо хотеть то, что нужно. Лень – это желание делать то, что хочется, а не то, что нужно». В 1934 году он закончил картину «Три песни о Ленине», в которой обратился к фольклору. В первой части под названием «В черной тюрьме было лицо мое» Вертов демонстрировал, плюсы советского образования и медицины. Дальше, под песню «Мы любили его», шла кинохроника с похорон Ленина. Финальная третья часть была о передовиках производства: на фоне кадров со всесоюзных строек звучала мелодия «В большом каменном городе». В 1934 году за «Три песни о Ленине» Дзига Вертов получил специальный приз на кинофестивале в Венеции.


В 1937 году скончался революционер Серго Орджоникидзе, и фильм о его жизни тоже поручили снять Дзиге Вертову. За работой режиссера следил чиновник Госкино Яков Блиох. Они не нашли общий язык и часто спорили: Блиох вносил правки и хотел, чтобы Вертов сделал «понятное для широких масс» кино. В этом же году режиссер закончил пропагандистский фильм «Колыбельная» о советских женщинах, жизнь которых, по сюжету, в эпоху Сталина стала более полноценной и счастливой: они могли делать выбор, работать наравне с мужчинами, совмещать карьеру и семью. Вертов снимал девушек в роддомах, школах и на заводах.


Премьера «Колыбельной» состоялась в 1937 году. Однако в кино она шла всего пять дней: по указанию Сталина картину запретили без объяснения причин. С тех пор режиссеру больше не давали важных заказов.


«Трудно сказать, что именно не понравилось Сталину в фильме Вертова <...> Выражение «отец народа» приобретает здесь излишний буквализм - будучи фактически единственным мужским персонажем фильма (и во всяком случае - центральным персонажем), Сталин «появляется только в окружении женщин, и каждое такое появление сменяется кадром нового ребёнка — новой девочки»

Константин Богданов, «Vox populi: Фольклорные жанры советской культуры»


«Все его теории были выброшены на свалку»: последние годы Дзиги Вертова



В 1939 году, после подписания пакта Молотова-Риббентропа, Дзига Вертов и Михаил Кауфман добивались разрешения вывезти родителей из польского Белостока. Однако режиссерам отказали. Во время войны их родственники погибли в концлагерях. В 1941 году Дзигу Вертова с женой эвакуировали в Алма-Ату, где он готовил документальный журнал «Советский Казахстан». Однако выпуски не показывали на экране: пленки без объяснения причин просто хранили на складе. В 1942 году режиссер снял агитфильм «Тебе, фронт!» о подвигах в тылу. Картину показали лишь в нескольких кинотеатрах.


В 1943 году Дзига Вертов вернулся в Москву и стал работать в Центральной студии документальных фильмов. А с 1944 года режиссер занимался выпусками кинохроники «Новости дня», но ему доверяли снимать только части сюжетов.


В 1948 году в СССР началась кампания по борьбе с космополитизмом. На одном из заседаний Дзигу Вертова из-за фильма «Человек с киноаппаратом» раскритиковали за идею международного языка кино и обвинили в том, что для него форма важнее содержания. Киновед Лев Рошаль вспоминал: «Вертов выступил с ответным словом, и в какой-то момент выступления ему стало плохо. Его, чуть живого, увели с трибуны. В диспетчерской был кожаный диван, на который его уложили. К концу собрания туда вошел замминистра, едва не переступив через Вертова, подошел к столу, набрал домашний телефон и сказал: «Ну, мы тут заканчиваем, все в порядке, дело идет к концу. Можете разогревать обед». С этого момента Дзига Вертов редко покидал свою квартиру.


«Революционер, сделавший киножурналистику искусством, в то время прозябал на задворках Центральной студии документальных фильмов. Все его теории были выброшены на свалку, а сам он, после многочисленных проработок, чудом уцелевший от бесчинств энкаведешников, превратился в старика с испуганными глазами и доброй, застенчивой улыбкой»

Эльдар Рязанов, «Неподведенные итоги»


Работы Дзиги Вертова консервативные чиновники не признавали в течение 30 лет. Творчество Вертова реанимировали французские эксперты кино в 60-х годах XX века. Французский режиссер-документалист Фредерик Россиф говорил: «Все западное кино в долгу перед Вертовым за его революционный поиск. До Вертова документалисты снимали изображение, после Вертова они научились снимать идеи». Вертов считал монтаж важным элементом специфики кино. Говорил, что монтаж документального кино начинается ещё до съёмок, на стадии рождения идеи.


Документальные фильмы Дзиги Вертова вдохновляли не только деятелей кино, но и музыкантов, которые писали к немым лентам музыку. К фильму «Человек с киноаппаратом» саундтреки записывали и зарубежные музыканты: британский композитор Майкл Найман, английский джаз-бенд «The Cinematic Orchestra», норвежский музыкант Biosphere и другие.


Дзига Вертов умер 12 февраля 1954 года.

]]>
Георг ОтсОт архитектора до оперного певца: история жизни Мистера Икса советской эстрады.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10189/georg-otsThu, 07 Nov 2019 15:35:26 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Георг Отс

МузыкаПерсоныИсполнитель

Георг Отс сначала учился на военного, а потом - на архитектора, однако с самого детства он увлекался музыкой. Впервые артист выступил на сцене в 12 лет в школьном хоре, а в 24 года стал солистом Государственного театра “Эстония”. Он исполнял и оперные партии, и эстрадные песни - “Хотят ли русские войны”, “Сааремааский вальс”, “Я люблю тебя, жизнь”. Концерты Отса всегда проходили с аншлагом. А всесоюзную славу исполнителю принесла главная роль в фильме “Мистер Икс”.


Знаток арий и спортсмен: детство и юность Георга Отса



Георг Отс родился в Петрограде в семье выходцев из Эстонии. Его отец - Карл Отс, выпускник Петроградской народной консерватории - участвовал в городских музыкальных постановках. Мать, Лидия Отс, была учительницей в общественном объединении “Просветительское общество”. Родители будущего певца долго не могли придумать ему имя, поэтому назвали в честь Георгиевской больницы, где он появился на свет. Отс рассказывал: “Мама говорила, что было воскресенье и в открытое окно доносились звуки духового оркестра. Мимо проходила похоронная процессия. Так что родился я под звуки музыки”. Вскоре после рождения сына семья переехала в Таллин, где Карл Отс устроился в Театр оперы и балета “Эстония”.


Когда Георгу исполнилось пять лет, Карл Отс впервые взял его в театр. Там ставили пьесу Антона Рубинштейна “Демон”, в которой Отс-старший исполнял партию князя Синодала. Героя убивали в конце второго действия: во время представления Георг Отс заплакал, а в антракте побежал за кулисы - убедиться, что отец жив. Арии из опер будущий певец слышал и дома. Карл Отс часто репетировал в гостиной, а мать каждые выходные проводила в доме литературно-музыкальные вечера.


В 1928 году Георг Отс поступил в престижный Французский лицей в Таллине. Там он изучал несколько иностранных языков: французский, английский и русский. А в учебную программу помимо общеобразовательных предметов входили бальные танцы и история искусства. О музыкальных способностях Георга Отса в семье не подозревали до первого класса. На занятии учитель попросил школьника исполнить какую-нибудь мелодию, а он спел арию Каварадосси из оперы “Тоска”. Оказалось, что Георг Отс легко запоминал и мог на слух воспроизводить партии, которые репетировал дома отец. Ученика сразу же взяли в школьный хор. На занятиях музыки в школе Отс научился играть на фортепиано и кларнете, и по вечерам стал аккомпанировать отцу.


Однако школьника привлекала не только музыка. Георг Отс занимался фехтованием и плаванием. В 1938 году будущий певец окончил Таллинский лицей и поступил в Таллинское военное училище на Тонди, где делали упор на технические дисциплины и физическую подготовку. Усиленные тренировки дали результат: в 1939 году Георг Отс стал чемпионом Эстонии по плаванию на марафонскую дистанцию, а в 1940 году он снова одержал победу, но уже в эстафете вольным стилем. Обучение в военном училище длилось два года, закончил обучение Отс уже в офицерском звании.


В семье настаивали, чтобы Георг Отс получил высшее образование. Родители предлагали две специальности: инженер и врач. В 1940 году будущий певец начал учиться на архитектора в Таллинском техническом университете, в этом же году Эстония вошла в состав СССР. Однако свое обучение студент не окончил: началась Великая Отечественная Война.


“Не пытался, но можно попробовать”: первые концерты на фронте



В августе 1941 года Георга Отса мобилизовали. Призывников пароходами отправляли в Ленинград для зачисления в военные части. Вместе с ними на судах размещали и мирных жителей Таллина: немцы уже подступали, началась массовая эвакуация. 18 августа Георг Отс на пароходе "Сибирь" попал под бомбардировку. Корабль затопили. Георг Отс отдал свой спасательный жилет раненому, а сам поплыл до ближайшего маяка. Певец вспоминал: "Вспыхнул пожар, огонь распространялся от центра к корме. <...> Но волна была высокая, а вода в открытом море ледяная. Я ухватился за обломок бревна, но скоро в него вцепился ещё кто-то, и я оставил его". Через несколько часов будущего певца подобрали на борт моряки противоминного корабля.


Всех спасшихся призывников доставили в Ленинград, но вскоре началась блокада. Отса отправили на поезде в тыл - на небольшую станцию Зырянка недалеко от Челябинска. Там новобранцев обучали военному делу, а затем распределяли по фронтам. Так как у будущего певца уже был офицерский чин, в 1942 году его назначили командиром противотанкового взвода. Однако до фронта Георг Отс не доехал. На железнодорожной станции он встретил эстонского режиссера Прийта Пылдрооса, который набирал артистов в художественные фронтовые ансамбли.


“Вышла не то долгая остановка, не то пересадка, точно не помню, но надо было часа полтора ждать. В здании вокзала находилась группа офицеров запаса <...> Поговорив о том, о сем, я поинтересовался, нет ли здесь кого подходящего для ансамблей. Выяснилось, что нет, есть только сын известного тенора Карла Отса <...> Мы познакомились, и я сразу же приступил к делу. “Ваш отец — известный оперный певец, а вы как, тоже поете?” — спросил я. Отс ответил сдержанно, с присущей ему скромностью: “Не знаю, не пытался, но можно и попробовать”

Прийт Пылдроос, художественный руководитель ансамблей


Георга Отса направили в Ярославль - там ему присвоили звание артиста второй категории и определили артистом в хор эстонского композитора и педагога Густава Эрнесакса. Коллектив много гастролировал: за год дали 400 концертов на фронте и в госпиталях. Вскоре Георг Отс познакомился с солистом джазового оркестра Виктором Гурьевым. Они подружились, и стали выступать вместе: Гурьев пел, а Отс - аккомпанировал.


Во время войны Георг Отс стал брать уроки вокала у эстонского певца Александра Ардера. В 1944 году Отс впервые выступил как солист: в ярославском госпитале он спел “Я не забыл свой дом родимый”. Война подходила к концу: советские войска перешли в наступление, и художественные ансамбли распустили. Всем артистам искали места в театрах - Георга Отса отправили в Государственный академический театр “Эстония”.


Солист театра “Эстония”: премьеры, роли и дуэты с отцом



Осенью 1944 года Георг Отс прибыл в эстонскую столицу. Он решил получить музыкальное образование и поступил в Таллинское музыкальное училище. Параллельно работал, исполнял эпизодические роли в операх. В том же году за день до премьеры оперы Чайковского “Евгений Онегин” в театре заболел артист. Партию Зарецкого пришлось петь Георгу Отсу - он сделал из малоприметного персонажа одиозного отрицательного героя. Выступление настолько понравилось режиссеру, что он стал отдавать Отсу крупные роли в других постановках. Вскоре он стал солистом театра. Теперь на афишах появлялся не только отец, который все еще работал в “Эстонии”, но и сын. Они часто исполняли произведения дуэтом.


Учеба в музыкальном училище давалась певцу легко: он экстерном сдавал экзамены и окончил училище за два года. В 1946 году Георг Отс стал студентом Таллинской консерватории и занимался у известного педагога Тийта Куузика.


В 1947 году он вышел на сцену в образе доктора Малатесты в опере Доницетти “Дон Паскуале”. Уже через два года певцу начали давать главные роли в постановках, среди которых были оперы “Огни Мщения”, “Кармен”, “Цыганский барон”, “Уличные певцы” и другие.


В 1949 году театр “Эстония” объединили с Театром имени Кингисеппа, и в труппу пришел известный режиссер Александр Винер. Он решил поставить “Евгения Онегина” с новыми декорациями и в другом составе. Главная роль Онегина досталась Георгу Отсу. Партию певец готовил самостоятельно: по многу раз перечитывал поэму Пушкина, каждый день репетировал. Художественный руководитель театра “Эстония” вспоминал: “Некоторые коллеги, шутя, жаловались директору: почему у них высокие ноты звучат лучше, чем у Геога Отса, но зарплата в половину меньше? На что директор отвечал: “Когда Георг Отс поет - в зале в два раза больше зрителей”. Артистизм и харизма певца привлекали публику. В 1950 году за исполнение роли Онегина Отса наградили Сталинской премией.


В 1951 году известный режиссер Герберт Раппапорт взялся за экранизацию повести эстонского писателя Ганса Леберехта “Свет в Коорди”. Чтобы сделать историю о первых послевоенных колхозах в Эстонии интереснее, Раппапорт решил снять музыкальный фильм. Поэтому на главную роль вернувшегося с войны Пауля Рунге искали эстонского актера, который умел хорошо петь. Преподаватели Таллинской консерватории посоветовали режиссеру Георга Отса, и после кинопроб певца одобрили. Музыку специально кинофильма писали два композитора: Эуген Капп и Борис Кырвер.


По сценарию герой Отса пел во время пахоты. Планировалось, что у плуга певца заменит колхозник-дублёр. Однако актер отказался: “Что же это получается - я буду петь с экрана о работе, а работать будет другой?”. Он взял соху и в кадре пахал сам. Работу в фильме Георгу Отсу зачли как дипломную - в 1951 году он окончил Таллинскую консерваторию. В 1952 году создателей картины, в том числе и Георга Отса, наградили Сталинской премией III степени. Песни из фильма так понравились эстонским зрителям, что спустя три года композитор Лео Нормет написал на их основе оперу “Свет в Коорди”.


После кинопремьеры Отс продолжил играть в театре. В 1953 году в “Эстонии” режиссер Александр Винер поставил “Демона” с Георгом Отсом в главной роли. Певец долго вживался в роль. Он много читал, сам делал зарисовки костюма и грима. Постановка понравилась зрителям: в театре ставили оперу еще 10 сезонов подряд. В 1956 году Георгу Отсу присвоили звание Народного артиста СССР.


“Безупречно соединились музыкант, вокалист и драматический актер”: фильм “Мистер Икс”



В 1958 году на студии “Ленфильм” начались съемки музыкального фильма “Мистер Икс” - киноверсии оперетты Имре Кальмана “Принцесса цирка”. “Мистер Икс” - непростая история любви молодой вдовы Теодоры Вердье и загадочного акробата в маске. Возможность поработать над картиной была событием: обращаться к иностранным композиторам и показывать на экране буржуазный мир прошлого с богатыми декорациями разрешили только с приходом Хрущевской оттепели. Режиссер Юлий Хмельницкий поставил фильм на основе собственного спектакля в Ленинградском театре музыкальной комедии. Главную роль циркача Мистера Икса он предложил Георгу Отсу - Хмельницкий помнил его по киноленте “Свет в Коорди”. Сначала певец приглашения не принял. Отс настаивал, чтобы постановка была как можно ближе к оригиналу. В фильме “Мистер Икс” действие происходило в Париже, тогда как в опере Кальмана - в дореволюционном Петербурге. Более того, арии Мистера Икса по задумке композитора должен был исполнять тенор, а у Отса был баритон. Однако вскоре певец уступил и согласился сыграть роль. Дирижер Дмитрий Кабалевский вспоминал: “Я был потрясен и восхищен тем, насколько совершенен и ярко индивидуален оказался Отс, как безупречно соединились в нем музыкант, вокалист и драматический актер”.


Большую часть сцен снимали на арене цирка. Дублером Георга Отса был акробат Мстислав Запашный: он выполнял все трюки под куполом. В конце 1958 года фильм вышел на большой экран. Картина принесла Отсу успех: певца стали узнавать на улице и поджидать после спектаклей, а арию Мистера Икса “Да, я шут, я циркач, так что же?” - часто ставить на радио.


Конечно, очень большую роль сыграл фильм “Мистер икс”. После Георга я Мистера Икса петь не стал. Пробовать - пробовал. Я всегда, когда занимаюсь, записываю себя на магнитофон, прослушиваю потом. В итоге занимался-занимался и думаю: “Нет, хорошая ария, но после Отса я ее петь не буду”

Муслим Магомаев, певец


После выхода картины оперетта Кальмана вошла в репертуар практически всех музыкальных театров СССР. Однако сам Георг Отс остался фильмом недоволен: “Эта картина напоминает мне американский кинофильм. Единственное, что безупречно, так это музыка Кальмана”.


Главной певец считал свою работу в театре. Когда в 1960 году режиссер Виталий Головин предложил Отсу экранизировать оперу “Демон” по поэме Лермонтова, единственным условием солиста было назначить съемки в перерывах между спектаклями. Снимали в студии на Шаболовке в Москве. Всю партию Георга Отса записали за один день - певец мог прилететь из Таллина только на 24 часа.


Георга Отса стали часто приглашать на гастроли. Он побывал в Финляндии, Швеции, пел на Кавказе и в Сибири. В его репертуар входили оперные партии и около 500 эстрадных песен: “Соловьи”, “Сааремааский вальс”, “Подмосковные вечера”, “С чего начинается родина”, “Я люблю тебя, жизнь”. Одной из самых известных композиций в исполнении Отса стал “Севастопольский вальс”. В 1962 году Георг Отс выступил на стадионе имени Кирова в Ленинграде - одном из самых больших арен в СССР, которая вмещала 100 000 зрителей. Параллельно начал записывать пластинки: “Романсы эстонских композиторов”, “Песни в исполнении Георга Отса”, “Георг Отс и Виктор Гурьев”. Певец говорил: “Я буду счастлив, если хотя бы один человек, слушая мои песни, испытает потребность сделать что-нибудь полезное и доброе людям”.


В 1962 году Георга Отса пригласили на телевидение - в эфире передачи “Голубой огонек” он исполнил “Новогодний вальс”. С Новым Годом певец поздравил зрителей и в 1964 году. Во второй раз он спел песню “Повсюду сегодня друзья”.


Личная жизнь: три жены Георга Отса



Георг Отс был женат трижды. С первой супругой, Маргот Отс, певец познакомился, когда поступил в Таллинский технический университет. Она была из состоятельной семьи. В 1940 году Эстония вошла в состав СССР, и родителей Маргот объявили классовыми врагами и депортировали. Самой девушке удалось избежать репрессий: к этому моменту она уже жила у Георга Отса. В 1941 году они поженились, однако брак продлился недолго: долгое время после бомбардировки парохода “Сибирь” от Отса не было вестей, супруга решила, что он погиб и вышла замуж за немецкого офицера.


Второй женой Георга Отса стала танцовщица Аста Саар. Девушка работала в одном театре с отцом Георга, однако молодые люди не были знакомы до войны. Георг Отс и Аста Саар встретились в Ярославле, где формировали эстонские отряды для отправки на фронт. В 1944 году в Таллин они вернулись вместе. Оба устроились в театр: Отс - оперным певцом, Саар - артисткой кардебалета. В браке родилось двое детей: сын Юло и дочь Юлле.


В 1964 году певец познакомился с известной манекенщицей Таллинского дома мод Илоной Ноор. Она говорила об Отсе: “В него невозможно было не влюбиться. Его обожали все женщины страны - от 17 до 70. Он притягивал к себе. Я даже не сомневалась, когда он сделал мне предложение, хотя у нас была разница 20 лет. И не ошиблась. Георг ни в чем мне не отказывал, очень красиво ухаживал”. Чтобы сделать предложение, Георг Отс развелся со своей женой. Вскоре у Отса и Ноор родилась дочь Марианна.


Последние роли в театре



В 1966 году Георг Отс добился разрешения поставить на сцене театре “Эстония” оперу “Порги и Бесс”. Это была премьера всесоюзного масштаба - этого спектакля не было в репертуаре советских театров. Однако добиться разрешения было непросто: согласие на американскую оперу джазового композитора Джорджа Гершвина не давали ни таллинские, ни московские чиновники. Тогда в дело решил вмешаться Георг Отс. Певец позвонил напрямую министру культуры Екатерине Фурцевой, и после долгого разговора она дала согласие. Георг Отс исполнил партию главного героя Порги, нищего калеки. Теперь во всех постановках театра солировал только он: “Повесть о настоящем человеке” Сергея Прокофьева, “Риголетто” Джузеппе Верди, “Джоконда” Амилькаре Понкьелли.


В 1970 году Георг Отс последний раз появился на киноэкране: сыграл философа Бальтазара Руссова в фильме “Между тремя поветриями”. В 1972 году у него резко ухудшилось здоровье. Георг Отс стал меньше выступать, однако уже в 1973 году вернулся в театр: подготовил роль в опере Верди “Травиата”, съездил на гастроли в Москву, Ленинград и Софию. В 1974 году Георга Отса выбрали председателем театрального общества Эстонии. В это же время его пригласили преподавать оперный класс в Таллинской консерватории.


5 сентября 1975 году в “Эстонии” оперой “Огни мщения” открывали театральный сезон. Однако занавес в этот вечер не подняли - режиссеру сообщили, что скончался Георг Отс. Певца похоронили на Лесном кладбище в Таллине.

]]>
Константин Васильевhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10190/konstantin-vasilevTue, 05 Nov 2019 14:45:49 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Константин Васильев

МузеиПерсоныХудожник

Признание и слава пришли к Константину Васильеву уже после смерти: в 1980-х о нем стали писать, как о художнике, который раскрыл «глубину и силу чувств своего народа». С детства он интересовался русскими и скандинавскими сказками и былинами, любил классическую музыку и историю родной страны. Все его увлечения отразились в картинах – батальной живописи, портретах, пейзажах и многочисленных иллюстрациях.


«Всем прочим делам и увлечениям предпочитал посещение Третьяковки»



Константин Васильев родился 3 сентября 1942 года в Майкопе. В то время город был оккупирован немецкой армией. Отец мальчика, Алексей Васильев, ушел в партизанский отряд, а мать – Клавдия Шишкина – не успела эвакуироваться. Несколько месяцев она оставалась с ребенком одна. До войны родители Константина Васильева работали на одном из крупных заводов города, а в 1943 году, после осовбождения Майкопа, Алексею Васильеву доверили его восстановление.


После окончания войны семья переехала в Краснодар. Там Константин Васильев пошел в детский сад при станкостроительном заводе, где его отец работал начальником производства. Жить Васильевым пришлось прямо в цехе – город был разрушен, квартир для работников не хватало. В 1946 году в семье появился второй ребенок – дочь Валентина. Отец решил, что детям вредно расти на заводе. Он написал прошение в министерство промышленности с просьбой перевести его в другой город, и вскоре семья переехала в поселок Васильево под Казанью. Мальчик много болел – родители часто возили его в санатории и оставляли у дедушки, Пармена Шишкину, чтобы он проводил больше времени на природе.


С детства Константин Васильев много читал. Он обожал сказки и былины, а более всего любил «Сказание о трех богатырях». Много времени Васильев уделял рисованию. Работы мальчика выделяли заметили еще в детском саду, а в школе он уже умел точно копировать картины известных художников. Родители решили, что такие способности надо развивать, однако в поселке Васильево не было художественной школы. Тогда они собрали лучшие рисунки сына и отправили их в Москву, в интернат при Московском художественном институте имени Василия Сурикова. И вскоре Константина Васильева зачислили в школу. В интернате он учился блестяще. Часто ходил в Третьяковскую галерею и Пушкинский музей, коллекционировал репродукции, интересовался творчеством старых мастеров.


Всем прочим делам и увлечениям Костя Васильев предпочитал посещение Третьяковки. Пожалуй, не было в музее картины, которую бы он не обследовал. Его интересовало буквально все - и холст, и подрамник. Но самым важным было распознать, как писал художник картину и что при этом чувствовал.

Директор музея Константина Васильева Анатолий Доронин


Вскоре начинающего художника начала тяготить учеба. От воспитанников в ней требовали строгого соответствия академическому стилю, а Васильев увлекся сюрреализмом и абстракционизмом. В 1957 году он перевелся в Казанское художественное училище. Здесь Константин Васильев много экспериментировал, искал свою манеру творчества. Он часто получал премии на художественных конкурсах, которые проводились в училище. Иногда Васильев подрабатывал – рисовал шаржи для казанского сатирического журнала «Чаян».


Первые художественные опыты: сюрреализм



В 1961 году Константин Васильев с отличием закончил училище. Его дипломной работой стали эскизы декораций к опере Николая Римского-Корсакова «Снегурочка» по одноименной пьесе Александра Островского. По распределению Константина Васильева отправили работать декоратором народного театра в небольшой город Мензелинск в Татарстане. Там художник задержался ненадолго: в театре сообщили, что декоратор у них уже есть. Васильев уехал в Казань. Какое-то время он работал в местном художественном фонде, принял участие в выставке «Художники-сатирики Казани», а затем вернулся в поселок Васильево и устроился преподавателем рисования в школу.


В ранних картинах Васильева, среди которых «Струна», «Абстрактные композиции» и «Вознесение», чувствовалось влияние сюрреалистов Сальвадора Дали и Ива Танги, абстракционистов Василия Кандинского и Джексона Поллока. Большим увлечением Константина Васильева была классическая музыка – он любил Дмитрия Шостаковича, Александра Скрябина, Петра Чайковского. Особенно нравился Васильеву цикл опер немецкого композитора Рихарда Вагнера «Кольцо нибелунгов». В 1961-1963 годах в футуристической манере художник изобразил портреты своих любимых музыкантов. Создавал Васильев и пейзажи. На картины «Осень» и «Лесная готика» его вдохновляла живописная природа Татарстана. В середине 1960-х годов Константина Васильева перестал интересовать сюрреализм, и он перешел к реалистической манере творчества.


Единственное, чем интересен сюрреализм, это своей чисто внешней эффектностью, возможностью открыто выражать в легкой форме сиюминутные стремления и мысли, но отнюдь не глубинные чувства.

Константин Васильев


Картины «Константина Великоросса»


Васильев долго не мог найти свой особый стиль. Он писал: «Все, что я рисовал, было совершеннейшей чушью, последнюю картину я уничтожил и беру абсолютно другой курс». В 1960-х годах художник много экспериментировал – обращался к разным направлениям и жанрам. В 1969 году Константин Васильев написал картину «Северный орел». У произведения интересная история. Однажды друг художника Олег Шорников рассказал ему, что видел в лесу большого орла, который сидел на поваленном дереве и чистил перья. Шорников описал особый пронзительный взгляд орла, когда она заметила человека.


Константин Васильев. Северный орел. Музей Константина Васильева, Казань

Когда в условленное время Васильев снял с полотна покрывало, в комнате воцарилась необычная тишина. Друзья предполагали увидеть какую угодно птицу, но… мужика с топором никак не ожидали. <...> Зрителя буквально сверлил орлиный взгляд мужественного человека, властелина тайги, одухотворяемого природой и одухотворяющего первобытную стихию леса своим трудом, мужеством и волей. Картина радовала сияющим тоном, поражала сложностью тончайшей игры света в бесконечном узоре инея, заснеженной хвои, веток, стволов.

Анатолий Доронин, из книги «Константин Васильев. Жизнь замечательных людей»


Картину отнесли к новому для творчества художника направлению живописи – символическому реализму. В том же 1969 году Васильев начал подписывать свои работы как «Константин Великоросс».


Вдохновение для новых картин Васильев нашел в литературе. Художник с детства сохранил любовь к сказкам и народному эпосу. Его интересовали русские былины и предания, скандинавские, древнеисландские и древнегерманские мифы и саги. В начале 1970-х годов он создал цикл «Русь былинная», в который вошли картины «Илья Муромец и голь кабацкая», «Бой со змеем», «Русский витязь» и другие. Проиллюстрировал Васильев и памятник древнерусской литературы «Слово о полку Игореве». Он изобразил главных героев эпоса, в том числе самого князя Игоря. Также художник нарисовал иллюстрации к операм Вагнера, которые часто слушал. Так появились картины «Валькирия над сражённым Зигфридом», «Заклинание огня», «Карлик Нибелунг Альберлих» и многочисленные графические эскизы к музыкальному циклу. Героями картин Васильева часто становились богатыри и воины, в произведениях он изображал сражения или битвы.



Батальную тему Константин Васильев продолжил в серии полотен, посвященных Второй мировой войне. Работа «Парад 41-го» поразила искусствоведов необычным ракурсом. Васильев решил изобразить вид на парад 7 ноября 1941 года на Красной площади с храма Василия Блаженного. Так художник сделал акцент на памятнике Кузьме Минину и Дмитрию Пожарскому.


Мы видим ритмические серо-стальные колонны солдат и невольно чувствуем драматичную атмосферу происходящего. В то же время фигуры русских граждан Минина и Пожарского, изображенные в античных тогах, сразу дают нам другой мощный духовный план – бесконечности, неистребимости народа, вызывая исторические ассоциации с нашими пращурами. <...> Удивительно, что мы, зная победоносный конец войны, переживаем в этой картине напряженность ее начала.

Анатолий Доронин, из книги «Константин Васильев. Жизнь замечательных людей»


В цикл работ помимо полотна «Парад 41-го» вошел парадный портрет маршала Георгия Жукова, картины «Нашествие», «Тоска по Родине» и «Прощание славянки». На создание последних двух произведений его вдохновили старые русские марши.



Символизм Константина Васильева особенно проявляется в его последних работах. Одним из любимых образов художника с юных лет была свеча. Он появился на картинах – «Ожидание» и «Человек с филином», которые Васильев написал в 1976 году. Герои полотен держат в руках горящие свечи, а у ног старца на картине «Человек с филином» находится свиток, на котором написано «Константин Великоросс».


Творческий путь художника прервался трагически и неожиданно: 29 октября 1976 года на железнодорожном переезде Васильева и его друга сбил поезд. Похоронили художника в поселке Васильево в березовом лесу, где он любил гулять при жизни.


Всесоюзные слава и признание пришли к Константину Васильеву уже после смерти. В 1980-х и 1990-х годах состоялись выставки в СССР и зарубежных странах, в 1996 году был открыт музей художника в поселке Васильево, а в 1998 году – Музей славянской культуры Константина Васильева в Москве.


Интересные факты:


1) В детстве любимым художником Константина Васильева был Виктор Васнецов. Васильев увидел картину «Три богатыря» в сборнике детских сказок, впечатлился, решил скопировать ее и подарить свой рисунок отцу на день рождения. Работа понравилась родственникам начинающего художника – они отметили необыкновенное сходство персонажей в репродукции и зарисовке Васильева.


2) Многие ученические работы Константина Васильева, которые он создавал во время учебы в школе-интернате при Московском художественном институте имени Василия Сурикова, не сохранились. Одна картина осталась у его сокурсника Николая Чаругина. Васильев создал натюрморт с гипсовой головой, а затем случайно пролил на него клей и выбросил работу. Чаругин картину подобрал и сохранил.


3) Константин Васильев очень любил книги Федора Достоевского. Еще в интернате у него появилась идея нарисовать иллюстрации к его произведениям. К творчеству писателя он обращался на протяжении всей жизни, а в 1973 году даже написал портрет Достоевского.


4) Константин Васильев очень внимательно относился ко всем своим картинам – часто переделывал фоны, добавлял детали, рисовал много эскизов. В живописи его привлекала почти математическая точность.


Художник испытывает наслаждение от соразмерности частей, наслаждение при правильных пропорциях, неудовлетворение при диспропорциях. Эти понятия построены по закону чисел. Воззрения, представляющие собой красивые числовые соотношения, – прекрасны. Человек науки выражает в числах законы природы, художник созерцает их, делая предметом своего творчества. Там – закономерность. Здесь – красота.

Константин Васильев


Незадолго до смерти он хотел внести изменения в картину «Прощание славянки» и положил картину на отмывку. Полотно извлекли из воды только после смерти Васильева, и оно оказалось сильно повреждено.


Константин Васильев. У чужого окна. Музей Константина Васильева, Казань

5) Константин Васильев никогда не был женат и даже говорил, что его единственная спутница на всю жизнь – живопись. Напоминанием о юношеской влюбленности в Людмилу Чугунову остались ранние работы художника. Портрет его второй подруги Елены Асеевой часто экспонируют на выставках Васильева.


6) В поселке Васильево Константин Васильев работал не только учителем в школе, но и художником-оформителем на местных предприятиях, в том числе на Васильевском стекольном заводе. Он рисовал агитки, плакаты, оформлял лозунги. Должности художника на заводе не было, поэтому его записали слесарем второго разряда.


7) На Васильева сильно повлияла смерть его младшей сестры Людмилы в 1967 году. Девушка училась в 10 классе, когда внезапно тяжело заболела. Она попросила брата нарисовать для нее иллюстрации к былине о Дунае Ивановиче. Для сестры художник создал два больших полотна и несколько эскизов.


8) Константин Васильев задумывал, но не успел воплотить серию «Великие женщины России». В цикл должны были войти портреты выдающихся героинь русской истории – от княгини Ольги до космонавта Валентины Терешковой.

]]>
Александр БородинБиография композитора, в жизни которого страсть к музыке уживалась с наукой.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8277/aleksandr-borodinTue, 05 Nov 2019 10:10:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Александр Бородин

МузыкаПерсоныКомпозитор

Александр Бородин прославился как автор исторической оперы «Князь Игорь», премьера которой прошла в Мариинском театре в 1890 году. Он также сочинял симфонии, романсы, квартеты и концерты. При этом Бородин не был профессиональным композитором: главным делом жизни он считал химию. Александр Бородин ездил на зарубежные конференции с Менделеевым, руководил собственной лабораторией и даже открыл химическую реакцию, которую позже назвали в его честь.


«Мой сторублевый котик»: детство Бородина


Родители Александра Бородина: Авдотья Антонова и Лука Гедианов. Фотография: art-music-club.jimdo.com

Александр Бородин родился в Петербурге. Его отец, Лука Гедианов, происходил из знатного и богатого грузинского рода. Князь поздно женился, брак был неудачным: через несколько лет супруги стали жить отдельно, и Гедианов переехал из Москвы в Петербург. В столице, на одном из танцевальных вечеров, отец влюбился в Авдотью Антонову – дочь простого военного из Нарвы. Их общего сына Гедианов распорядился записать как ребенка своего слуги по фамилии Бородин. По документам будущий композитор был крепостным собственного отца.


Первое время Александр Бородин рос в доме князя. Авдотья Антонова жила в соседних комнатах, однако при посторонних сын называл ее «тетушкой». Она с недоверием относилась к пансионам и настояла, чтобы Александр Бородин получил образование дома. Мать наняла преподавателя по французскому и немецкому языкам, сама учила сына читать и считать. Впоследствии жена композитора Екатерина Бородина писала: «Мать его боготворила и баловала страшно. Она очень любила кошек и звала его «мой сторублевый котик».


В 1839 году у Луки Гедианова начались серьезные проблемы со здоровьем. Чтобы упрочить положение возлюбленной и обеспечить ей безбедное существование в случае своей смерти, отец устроил Авдотье Антоновой фиктивный брак с военным врачом Хансом Клейке. А спустя год Гедианов подарил ей четырехэтажный особняк недалеко от Семеновского плаца. Вскоре Антонова переехала туда вместе с сыном. Окна дома выходили на площадь, где тренировались военные, и Александр Бородин часто слышал военный оркестр. Будущему композитору так нравились звуки маршей, что он пытался подбирать их на слух на домашнем фортепиано. Иногда Бородин просил разрешения спуститься на плац: музыканты охотно разговаривали с ним и показывали инструменты.


Мать заметила интерес сына к музыке. С 1841 года будущий композитор брал уроки игры на флейте, а чуть позже – на фортепиано и виолончели. Уже в девять лет Александр Бородин сочинил первое музыкальное произведение – польку «Элен». Он посвятил композицию своей первой возлюбленной. Ею стала Елена, взрослая подруга матери.


Самодельные краски и концерт для флейты в 13 лет


Андрей Деньер. Портрет Александра Бородина (фрагмент). 1848. Историко-литературный журнал «Исторический вестник», т. 28. Санкт-Петербург: Типография А.С. Суворина, 1887

В 1843 году умер отец. Незадолго до смерти Гедианов дал сыну вольную грамоту. Мать вскоре стала жить с учителем немецкого языка Федором Федоровым. В 1846 году он познакомил Александра Бородина с Михаилом Щиглевым – сыном преподавателя математики в Царскосельском лицее. Детей решили обучать вместе: так было дешевле нанимать педагогов по каждому предмету. Щиглев вспоминал: «Федоров уговорил моих родителей отдать меня в Петербург, в семейство Саши Бородина, чтоб ближе было ходить в 1-ю гимназию, куда меня хотели отдать, и чтоб готовиться по наукам вместе <…> Таким образом, я переехал в дом к матери Бородина». В дом приходили учителя по русскому, французскому и немецкому языкам, истории, географии, математике, рисованию и черчению. По сложности материала программа мало отличалась от Царскосельского лицея – за планом учебных занятий следил отец Щиглева. Ученикам также преподавали танцы и музыку.


«Мы оба бойко играли и свободно читали ноты и на первый же год переиграли в четыре руки и знали чуть не наизусть все симфонии Бетховена и Гайдна, но в особенности заигрывались Мендельсоном. Рано начали мы с Бородиным наслаждаться оркестровой музыкой. Мы слушали оркестр в Павловске, где играл тогда Иоганн Гунгль. Вскоре начались симфонические концерты в университете, под управлением Карла Шуберта. Мы не пропускали ни одного из этих концертов»

Михаил Щиглев, дирижер и композитор


Когда Александру Бородину было 13 лет, он сочинил свой первый концерт для флейты с фортепиано. Композитор исполнял партию флейты, Щиглев - фортепиано. Преподаватель по музыке похвалил произведение и посоветовал ученику продолжать писать. Вскоре Бородин закончил трио для двух скрипок и виолончели. Мать издала пьесы сына. В предисловии было написано: «Просим читателей обратить внимание на новое прекрасное сочинение адажио для фортепиано, написанное А. Бородиным. В этом небольшом произведении столько души и творческой силы, что мы заранее поздравляем любителей музыки с новым талантом».


Однако музыка была не единственным увлечением Александра Бородина. Свою комнату он превратил в импровизированную химическую лабораторию: на подоконниках стояли банки с растворами, на столе - колбы, трубки и горелка. Будущий композитор читал книги по химии, сам делал акварельные краски к уроку рисования и экспериментировал с фейверками. Он решил превратить увлечение в профессию: в 1850 году Александр Бородин поступил на медицинский факультет Медико-хирургической академии. Сделать это было непросто: закон не позволял бывшим крепостным получать высшее образование. Тогда мать пошла на хитрость. Авдотья Антонова договорилась с чиновником в Тверской губернии, и тот приписал Александра Бородина к купечеству третьей гильдии. Композитор сначала сдал экзамены на аттестат зрелости в Первой петербургской гимназии, потом - вступительные в академию, и все - на отлично.


«Занятиям по академии он предавался всей душой»: учеба в медицинской академии


Медико-хирургическая академия, Санкт-Петербург. Фотография: rospotrebnadzor.ru

Александр Бородин был прилежным студентом. Чтобы лучше выучить анатомию, он много времени проводил в комнате с анатомическими препаратами, читал учебники. Его родственник Дмитрий Александров вспоминал: «Занятиям по академии он предавался всей душой; провонял совсем трупным запахом препаровочной; читал обыкновенно, сидя в кресле и ноги положив на подоконник. Дома почти всегда надевал халат и туфли». На третьем курсе Александр Бородин стал заниматься у знаменитого химика Николая Зинина. У ученого была большая лаборатория. Композитору разрешили быть там в любое время и проводить собственные опыты.


«Лаборатория превратилась в миниатюрный химический клуб, в импровизированное заседание химического общества, где жизнь молодой русской химии кипела ключом, где велись горячие споры, где хозяин, увлекаясь сам и увлекая гостей, громко, с жаром развивал новые идеи и, за неимением мела и доски, писал пальцем на пыльном столе уравнение реакций, которым впоследствии было отведено почетное место в химической литературе. Это была пора патриархальных дружеских отношений между учителем и учениками»

Александр Бородин, биографический очерк «Николай Николаевич Зинин»


Во время учебы в академии Бородин не забывал о музыке. Он брал уроки фортепиано и виолончели, а в выходные вместе с Михаилом Щиглевым ходили на вечера к Ивану Гаврушкевичу. Там собирались знаменитые музыканты и композиторы: Александр Серов, Иосиф Гунке, Осип Дробиш. Щиглев вспоминал: «Мы не упускали никакого случая поиграть трио или квартет где бы то ни было и с кем бы то ни было. Ни непогода, ни дождь, ни слякоть - ничто нас не удерживало, и я, со скрипкой подмышкой, а Бородин с виолончелью в байковом мешке на спине делали иногда громадные концы пешком». На четвертом курсе академии Александр Бородин написал романсы «Красавица-рыбка» и «Слушайте, подруженьки, песенку мою», а также трио «Чем я тебя огорчила». Увлечение композитора не одобрял преподаватель по химии. Николай Зинин говорил: «Господин Бородин, поменьше занимайтесь романсами. На вас я возлагаю все свои надежды, чтоб приготовить заместителя своего, а вы все думаете о музыке и о двух зайцах».


В 1856 году Александр Бородин окончил Медико-хирургическую академию. Его назначили ординатором во Второй военно-сухопутный госпиталь. Однако вскоре композитор понял, что работа врача не для него: Бородин несколько раз падал в обморок при виде тяжелобольных, а однажды во время операции сломал инструмент в горле пациента. Он сумел вовремя сориентироваться, и все обошлось. Александр Бородин вспоминал: «Кучер бухнулся мне в ноги; я же с трудом удержался от того, чтобы не ответить ему тем же самым. Подумайте только, что бы было, если бы я завязил обломок щипцов в горле такого пациента! Наверняка я бы был разжалован и попал бы в Сибирь». В госпитале композитор познакомился с семнадцатилетним Модестом Мусоргским - они пару раз вместе ходили на вечера к главному врачу.


В апреле 1856 года Бородин устроился ассистентом Зинина и вел семинары у студентов академии. Композитор решил серьезно заняться наукой и начал писать диссертацию «Об аналогии мышьяковой кислоты с фосфорной в их действии на человеческий организм». В 1858 году он защитился и стал доктором медицины. Осенью следующего года «для усовершенствования в химии» академия направила Александра Бородина в Германию. На поездке настоял Николай Зинин. Незадолго до отъезда композитор случайно встретился с Мусоргским во второй раз.


«Между прочим, я узнал, что он [Мусоргский] сам пишет музыку <...> я был ужасно изумлен небывалыми, новыми для меня элементами музыки <...> Признаюсь, заявление его, что он хочет посвятить себя серьезно музыке, сначала было встречено мною с недоверием и показалось маленьким хвастовством; внутренно я подсмеивался немножко над этим. Но, познакомившись с его «скерцо», призадумался: верить или не верить?»

Александр Бородин, композитор


Заграничная стажировка и дружба с Сеченовым и Менделеевым


Илья Репин. Портрет композитора и ученого-химика Александра Бородина (фрагмент). 1888. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

В Германии Александр Бородин работал в лаборатории знаменитого химика Эрленмейера. Она располагалась в университетском городе Гейдельберге, где в это время жили физиолог Иван Сеченов, химик Дмитрий Менделеев, врач Сергей Боткин. Молодые ученые были знакомы и часто собирались вместе. Сеченов в «Автобиографических записках» писал: «Узнав, что я страстно люблю «Севильского цирюльника», он [Бородин] угостил меня всеми главными ариями этой оперы и вообще очень удивлял всех нас тем, что умел играть все, что мы требовали, без нот на память». В свободное время Бородин и Менделеев путешествовали: они вместе побывали во Франции, Италии, Швейцарии. Менделеев вспоминал: «Пускались мы в дорогу с самым маленьким багажом — с одним миниатюрным саквояжем на двоих. Ехали мы в одних блузах, чтобы совсем походить на художников, что очень выгодно для Италии — для дешевизны <...> Бегали мы весь день по улицам, заглядывали в церкви, музеи, но всего более любили, народные маленькие театрики, восхищавшие нас живостью».


В 1860 году Александр Бородин с Николаем Зининым и Дмитрием Менделеевым был на первом международном съезде химиков в Карлсруэ, Германия. На нем учёные впервые сформулировали определения атома и молекулы.


Спустя несколько месяцев Бородин познакомился с пианисткой Екатериной Протопоповой, которая приехала в Гейдельберг поправить здоровье. Они много времени проводили вместе. Протопопова рассказывала: «День его устраивался так: с 5-ти утра и до 5-ти вечера — химическая лаборатория; с 5-ти до 8-ми наши с ним прогулки по горам. Какие хорошие это были прогулки, чего только мы с ним не переговорили тогда. С 8-ми или 9-ти часов вечера до 12-ти музыка в зале Гофманского пансиона». В 1861 году Бородин впервые описал реакцию серебряных солей карбоновых кислот с галогенами. Этот процесс превращения химических элементов назвали в его честь. В 1862 году обучение химика закончилось, и пара вернулась в Россию, где вскоре обвенчалась.


Между музыкой и наукой


Александр Бородин (стоит пятый слева) среди основателей Русского химического общества. 1868. Музей-Архив Санкт-Петербургского Университета Д.И. Менделеева, Санкт-Петербург

В 1862 году в доме у своего друга, терапевта Сергея Боткина, Бородин познакомился со знаменитым композитором Милием Балакиревым. Они разговорились о сочинительстве, и Балакирев пригласил химика на вечер его музыкального кружка, который позже назвали «Могучей кучкой». Туда входили композиторы Модест Мусоргский, Цезарь Кюи и Николай Римский-Корсаков. Музыканты собирались у Балакирева: играли свои сочинения и вместе дорабатывали их до финального варианта. После пары вечеров Александр Бородин стал постоянным участником кружка.


Чаще всего роль критика выполнял Балакирев - преподаватель им же основанной «Бесплатной музыкальной школы». О своем знакомстве с Бородиным он писал: «Наше знакомство имело для него то важное значение, что до встречи со мной он считал себя только дилетантом и не придавал значения своим упражнениям в сочинении. Мне кажется, что я был первым человеком, сказавшим ему, что настоящее его дело — композиторство». После длительного перерыва Бородин снова стал сочинять музыку. У него возникла идея первой симфонии.


В 1863 году Александр Бородин возглавил новую химическую лабораторию в Медико-хирургической академии. Химику выделили ведомственную квартиру этажом выше: так он мог больше времени проводить за работой. Бородин был одним из самых популярных преподавателей в учебном заведении.


«Близкое, задушевное отношение Бородина к ученикам не ограничивалось только лабораторией. Почти все работавшие там были приняты в его семью, как самые близкие знакомые, часто завтракали, обедали и даже ужинали у него, когда оставались долго в лаборатории. Квартира Бородина была, можно сказать, постоянно настежь для всей молодежи. По выходе учеников его из академии он постоянно хлопотал об участи каждого»

Профессор Алексей Доброславин, ученик Александра Бородина


Преподавание отнимало много времени, поэтому свою первую симфонию Бородин закончил только спустя пять лет – в 1867 году. На премьере в Русском музыкальном обществе оркестром дирижировал Балакирев. Произведение приняли тепло: публика долго аплодировала, а композитора несколько раз вызывали на сцену. Симфонию хвалил и знаменитый музыкант Франц Лист. Александр Бородин вспоминал: «Вы сочинили прекрасную симфонию!» — гаркнула фигура зычным голосом <...> Первая часть — превосходная, ваше анданте — шедевр, скерцо — восхитительно, и затем это — остроумно придумано!». Вскоре после премьеры Бородин написал романсы «Спящая княжна», «Старая песня», «Фальшивая нота», «Морская царевна».


В конце 1860-х годов композиторы «Могучей кучки» обратились к жанру оперы. Мусоргский работал над «Борисом Годуновым», Балакирев - над «Жар птицей», а Римский-Корсаков заканчивал «Псковитянку». Общему настроению поддался и Александр Бородин: он задумал оперу «Князь Игорь». Сюжет композитору подсказал музыкальный критик Владимир Стасов. Перед тем, как начать писать музыку, Бородин изучал летописи и исторические документы, съездил в Путивль - древнерусский город, откуда начал свой поход на половцев князь Игорь. Композитор сам сочинил либретто. К 1870 году был готов первый отрывок - «Сон Ярославны».


Одновременно с оперой композитор начал сочинять вторую симфонию. Однако работа продвигалась медленно - Александр Бородин был занят в лаборатории. Более того, в 1872 году химик стал преподавателем первых в России Высших медицинских курсов. У него не оставалось времени на музыку. Вскоре серьезно заболела жена Екатерина Бородина: чтобы не беспокоить ее сон, композитор практически перестал играть на фортепиано.


«Его бесконечная доброта и отсутствие себялюбия делали домашнюю обстановку такою, что заниматься сочинением было для него крайне неудобно <...> Спросишь его: «Александр Порфирьевич, написали ли вы?». Он отвечает: «Написал». Но оказывается, что он написал множество писем. «Александр Порфирьевич, переложили ли вы наконец такой-то нумер?» — «Переложил», — отвечает он -серьезно. — «Ну, слава богу, наконец-то!» — «Я переложил его с фортепиано на стол», — продолжает он так же серьезно и спокойно»

Николай Римский-Корсаков, композитор


«Богатырская симфония» и премьера «Князя Игоря»


Константин Коровин. Плач Ярославны (фрагмент). Эскиз декорации к опере Александра Бородина «Князь Игорь». 1909. Государственный центральный театральный музей им. А.А.Бахрушина, Москва

К опере «Князь Игорь» Александр Бородин вернулся только в 1874 году. Первыми композитор написал «Половецкий марш» и «Плач Ярославны». Большую часть произведения он закончил летом 1875 года в Москве, когда гостил у родственников жены. Вдали от работы Александр Бородин посвящал много времени музыке: в этот период появились «Половецкие пляски», хор первого акта и ария Кончака. По приезде в Петербург композитор показал наработки друзьям из «Могучей кучки». Он вспоминал: «Признаюсь, я даже не ожидал, что мои московские продукты произведут такой фурор <...> Корсинька в восторге, Модест — тоже <...> Особенно меня удивляет сочувствие к первому хору, который мы пробовали в голосах и - без хвастовства скажу - нашли ужасно эффектным, бойким и ловко сделанным в сценическом отношении».


В 1876 году Александр Бородин закончил вторую симфонию. Премьера состоялась в феврале 1877 года на концерте Русского музыкального общества в Петербурге. Критик Владимир Стасов сразу же назвал симфонию «Богатырской»: «Сам Бородин рассказывал мне не раз, что в адажио он желал нарисовать фигуру Бояна, в первой части — собрание русских богатырей, в финале — сцену богатырского пира при звуке гуслей, при ликовании великой народной толпы». Александр Бородин добавил в симфонию отрывки русских народных песен. Произведение восприняли неоднозначно. Основные партии исполняли на медных духовых инструментах: одни критики считали это «монументальным», а другие – слишком «тяжелым».


В 1880 году Александр Бородин сочинил два струнных квартета, симфоническую картину «В средней Азии» и начал работать над третьей симфонией. Друзья композитора торопили его закончить оперу «Князь Игорь».


«Свою химию он любил выше всего, и когда мне хотелось ускорить окончание его музыкальной вещи, я его просила заняться ею серьезно, он вместо ответа спрашивал: «Видели ли вы на Литейной, близ Невского, магазин игрушек, на вывеске которого написано: «Забава и дело»? На мое замечание: «К чему это?» — «А вот, видите ли, для меня музыка — забава, а химия — дело»

Людмила Шестакова, сестра Михаила Глинки


Ни третью симфонию, ни оперу «Князь Игорь» Александр Бородин закончить не успел. 27 февраля 1887 года он скончался. Вскоре после смерти химика Римский-Корсаков и Александр Глазунов разобрали бумаги Бородина и дописали его оперу «Князь Игорь». Римский-Корсаков вспоминал: «Некоторые нумера его были окончены и оркестрованы автором <...> прочее же было лишь в отрывочных набросках, а многое и вовсе не существовало <...> Содержание этих действий я твердо знал из бесед и совместных обсуждений с Бородиным». В этой редакции оперу впервые поставили в 1890 году в Санкт-Петербургском Мариинском театре.

]]>
Константин Маковскийhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8243/konstantin-makovskiiFri, 01 Nov 2019 13:55:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Константин Маковский

МузеиПерсоныХудожник

Константин Маковский был одним из самых популярных российских художников в конце XIX века. Портреты у него заказывали члены императорской семьи и петербургские дворяне. Картины Маковского участвовали выставках Товарищества передвижников, Петербургского общества художников, а самого живописца в прессе называли «вдохновенным певцом эпохи».


Студент Академии художеств и участник «бунта четырнадцати»



Константин Маковский родился 2 июля 1839 года в Москве. Его отец Егор Маковский был одним из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества, членом Московского художественного общества, коллекционером живописи. Константин Маковский писал о нем: «Тем, что из меня вышло, я считаю обязанным себя не академии, не профессорам, а исключительно моему отцу». Мать будущего портретиста, певица Любовь Молленгауэр преподавала в Московской консерватории.


В семье, кроме Константина Маковского, было еще четверо детей. Все они с раннего возраста учились рисовать под руководством отца. В доме Маковских часто бывали известные художники того времени: Карл Брюллов, Василий Тропинин, Сергей Зарянко. Первыми художественными работами Константина Маковского стали копии гравюр. Любовь Молленгауэр занималась с детьми музыкой. Будущий художник умел играть на фортепиано и петь.


Когда Константину Маковскому было 12 лет, он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Там он учился у Михаила Скотти, Сергея Зарянко и Аполлона Мокрицкого.


В 1858 году Маковский окончил училище и поступил в натурный класс Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге. С первых лет учебы он участвовал в выставках с картинами на исторические темы: «Исцеление слепых» и «Агенты Димитрия Самозванца убивают сына Бориса Годунова».



К 1863 году Маковский вошел в список лучших студентов Академии художеств. Среди них ежегодно устраивали конкурс на большую золотую медаль. Выпускнику Академии, который получал эту награду, государство назначало денежное пособие и в течение шести лет оплачивало жизнь и работу в Италии.


В 1863 году правила участия в конкурсе изменились. Организаторы объединили студентов жанрового и исторического классов и запретили им самостоятельно выбрать тему работы. В список лучших учащихся, помимо Маковского, вошли еще 13 человек, в том числе Иван Крамской, Фирс Журавлев и Александр Литовченко. 8 октября 1863 года они подали заявление в Совет Академии с просьбой изменить условия конкурса. Обращение осталось без ответа. Тогда студенты написали коллективное письмо вице-президенту Академии художеств Григорию Гагарину и лично посетили нескольких членов Совета. Однако те отказались менять условия состязания. 21 ноября 1863 года, в день объявления темы конкурса, тринадцать студентов класса живописи и один ученик класса скульптуры покинули Академию художеств. В их числе был и Константин Маковский. В прессе этот случай назвали «бунтом четырнадцати». Он стал первым открытым выступлением против академического направления в живописи.


Член Артели художников



Вместе с другими участниками «бунта четырнадцати» Маковский в 1863 году вступил в Артель художников. Эта организация стала первым в России независимым объединением живописцев. Илья Репин вспоминал: «Артель художников — нечто вроде художественной фирмы, мастерской и конторы, принимающей заказы с улицы, с вывеской и утвержденным уставом». Ее возглавил Иван Крамской.


Он хотел создать трудовую коммуну художников вроде той, что была описана в романе Николая Чернышевского «Что делать?». Члены Артели художников сняли квартиру, в которой совместно проживали, сдавали в нее деньги — 10% от каждой лично выполненной работы, 25% — от созданной совместно с другими членами организации.


В 1860-х Маковский писал сцены из жизни петербургских горожан. К его работам в этом жанре относятся «Вдовушка», «Селедочница» и «Маленькие шарманщики». В этих картинах Маковского критики отмечали влияние Василия Тропинина: темную цветовую гамму, подчеркнуто красивые черты лиц. Историк Елена Широкова писала: «Константин Маковский, человек весёлый и жизнелюбивый, и сам понимал, что он не создан для живописания «свинцовых мерзостей дикой русской жизни», не дано ему писать «униженных и оскорбленных»: изможденных крестьянок, оборванных нищих, убитых горем вдов».



Писал Маковский и портреты. В 1868 году он изобразил своего брата Владимира Маковского. Художник часто получал заказы от представителей петербургской знати и быстро стал популярным. Он зарабатывал так много, что смог снять мастерскую недалеко от Дворцовой площади, а вскоре вышел из Артели художников.


В 1869 году Маковский создал полотно «Народное гулянье во время масленицы на Адмиралтейской площади в Петербурге». Критик Владимир Стасов писал о ней: «Весь Петербург гуляет и улыбается на морозе при розовых отблесках зимнего солнца. Тут и франт <...>, и оборванные мальчишки; <...> купчихи и балаганные актеры в плохих трико, <...> чиновники, любующиеся на паяцев <...> мастеровые, толсто хохочущее мужичье и дамочки в шикарных шляпах, солдаты и продавцы орехов и стручков». За эту картину Маковский получил звание профессора Академии художеств.


Передвижник и «придворный живописец»



В 1870 году вместе с другими членами «бунта четырнадцати» Константин Маковский вступил в Товарищество передвижных художественных выставок. Среди целей этой организации были «облегчение для художников сбыта их произведений» и «развитие любви к искусству в обществе».


Маковский помогал разработать устав передвижников и с 1870-х и до конца жизни Маковский регулярно участвовал в их выставках.


В это же время Маковский вместе с композитором Сергеем Танеевым издавал рукописный юмористический журнал «Захолустье». Авторы называли его «бесплатным, без определенного выпуска номеров и без зазрения совести» изданием. Под псевдонимом Немврод Плодовитое Маковский публиковал там карикатуры.


В 1870-х Маковский много путешествовал по России. После поездки в Тамбовскую губернию он написал картину «Дети, бегущие от грозы». В одной из деревень он встретил девочку, внешность которой показалась ему интересной. Художник попросил ее позировать для полотна. Девочка согласилась, но в нужный день не пришла. Маковскому рассказали, что накануне она пошла в лес с младшим братом, попала под сильный ливень, промокла и заболела. Художник рисовал ее по памяти.


Ездил Маковский и за границу. Под впечатлением от путешествия в Египет он создал картины «Перенесение священного ковра в Каире», «Болгарские мученицы», «Дервиши в Каире». Полотно «Болгарские мученицы» на одной из выставок в Санкт-Петербурге увидел император Александр II. Он впечатлился работой до слез. Однако основатель объединения «Мир искусства» Александр Бенуа вспоминал: «Увидав её в Академии, я скорее был разочарован этой, на мой вкус, слишком пёстрой в красках картиной. Ещё не побывав на выставке, слушая разговоры старших, я готовился увидеть нечто чудовищно страшное <...>, а тут как раз самых зверств я и не приметил». Картину «Перенесение священного ковра в Каире» Александр II в 1876 году купил за 10 тысяч рублей (в среднем, ежемесячная зарплата в Российской империи в 1870 году была примерно 25 рублей).



В 1877 году началась русско-турецкая война. Несколько месяцев Маковский провел на Балканах, где наблюдал за боевыми действиями. Там же находился художник Василий Верещагин, который делал зарисовки сражений. Маковский же больше интересовался бытом местных жителей, историей Балкан.


В 1879 году картину Маковского «Русалки» представили на 7-ой Передвижной выставке. Там ее увидел и приобрел для Эрмитажа Александр II. Вскоре император заказал художнику свой портрет. Маковский закончил его в 1881 году. Это был третий из созданных им портретов императора: предыдущие два он написал в 1860-х годах, для русского посольства в Лондоне и для Московской канцелярии.


В 1880-х Маковского стали называть «придворным живописцем». Портреты у него заказывали представители самых знатных дворянских родов — Строгановы, Юсуповы, Волконские. Художник вспоминал: «Лучшие красавицы наперебой позировали мне... Я зарабатывал громадные деньги, жил с царственной роскошью и успел написать несметное количество картин, декоративных панно, портретов, этюдов и акварелей».


«Вдохновенный певец эпохи»



В 1880-х Маковский увлекся историей и коллекционированием. Он собирал старинные вещи: украшения, одежду, статуэтки, предметы быта. Часть из них живописец использовал в качестве реквизита для картин «Маленький антиквар» и «В мастерской художника». На обоих полотнах он написал и своего сына Сергея.


«Коллекционерство было всю жизнь его [Маковского — Прим. ред] страстью, безостановочно покупал он «красивую старину» со вкусом знатока, но без особого разбора — и нужное и ненужное, и то, что могло пригодиться как аксессуар для исторической картины, и то, что просто «понравилось» своим изяществом, своеобразием или вычурой и что можно было куда-нибудь пристроить в жилых комнатах или в мастерских».

Сергей Маковский, «Портреты современников»


Героев своих картин Маковский часто наряжал в старинные одежды. Иногда, прежде чем приступить к написанию картины, устраивал у себя в квартире театральные костюмированные представления. Не всем его заказчикам это нравилось. Художница и меценат Мария Тенишева писала: «Маковский почему-то непременно захотел писать меня в костюме Марии Стюарт. Хотя я этой фантазии не разделяла, но пришлось сдаться, потому, что с некоторыми художниками невозможно говорить резонно: они непогрешимы, не терпят здравой критики».



В 1880-х годах Маковский часто устраивал персональные выставки. Основной темой работ этого времени стали эпизоды из истории России. Художник изображал бояр XV—XVII веков, намеренно переодевал своих заказчиков в старинные костюмы. К этому периоду относятся картины «Боярыня у окна», «Боярышня», «Боярский свадебный пир». Последнее полотно хотел купить для своей галереи коллекционер Павел Третьяков. Однако Маковский попросил за него 20 тысяч рублей. Третьяков решил, что это слишком дорого, и отказался.


В итоге художник продал «Боярский свадебный пир» американскому коллекционеру, который заплатил за картину в три раза больше. В 1880-х и 1890-х Маковский несколько раз бывал в США. Там его картины хорошо продавались. Издатель Алексей Суворин вспоминал: «За портрет ему заплатили 3000 долларов, угощали обедом. Верещагин, по его словам, не имел там успеха и продавал дешево. Айвазовский — тоже ничего не продал, остались картины на комиссию».



Увлечение русской историей отразилось и в других картинах Маковского: «Выбор невесты царем Алексеем Михайловичем», «Смерть Ивана Грозного» и «Поцелуйный обряд». Критики отмечали в этих работах точность цветопередачи, внимание к деталям. Маковского называли «певцом эпохи». Он прописывал даже мелкие детали на своих полотнах, элементы одежды и декора. На Всемирной выставке в 1889 году живописец получил золотую медаль за свои работы, а вскоре ему вручили кавалерский крест ордена Почетного Легиона — одну из главных наград Франции, которую вручают за особые заслуги перед этим государством.


«Маковский открыл красоту в древнерусской старине и воспроизвел ее перед нами в бесчисленных картинах из древнерусской и боярской эпох. Он — вдохновенный певец эпохи, в которой так много своеобразной прелести и живой колоритности, позабытой и умершей, но воскрешенной талантливым художником. Маковский — поэт-историк, живой и вдохновенный комментатор Забелина и Соловьева. Одному его «Боярскому пиру» мы более обязаны русской стариной, чем десятками учебников».

Журнал «Нива», 1911 год, №2


«Нежность к нему приобретала оттенок поклонения»: личная жизнь



Константин Маковский был женат трижды. Его первой супругой стала актриса драматической труппы Императорских театров в Санкт-Петербурге Елена Буркова, которая выступала под псевдонимом Черкасова. Буркова была внебрачной дочерью графа Владимира Адлерберга, министра двора и уделов при Николае I. За Маковского она вышла замуж в 1866 году. Как и ее муж, Буркова увлекалась живописью и музыкой. В гости к супругам часто приходили художники, писатели и композиторы, в том числе члены объединения «Могучая кучка». Историк Елена Широкова писала: «Это был счастливый брак людей, имеющих общие интересы и духовные запросы».


В 1871 году у Маковского и Бурковой родился сын Владимир, но он умер вскоре после рождения. Тяжело заболела и жена художника. Маковский несколько раз выезжал с женой на юг, но это не помогло. Елена Буркова умерла в 1873 году.


Через два года Маковский женился вновь. Со своей второй супругой Юлией Летковой он познакомился в 1874 году на балу. Леткова хотела стать певицей и приехала в Петербург поступать в консерваторию. Сын художника Сергей Маковский вспоминал: «Ей шел всего шестнадцатый год, но казалась она старше уменьем держать себя в обществе и умственной зрелостью <...> Отец влюбился с первого взгляда и не отходил от нее весь вечер». Художник Илья Репин назвал Юлию Леткову «ангелом неизреченной красоты».



В 1880-х и 1890-х годах Маковский создал несколько портретов жены, среди которых «Портрет Ю.П. Маковской» и «Головка». Вместе они прожили больше двадцати лет. В браке родились трое детей: Сергей, Елена и Владимир. Сергей Маковский вспоминал: «Наша семья, в течение первых пятнадцати лет совместной жизни с отцом, была дружной, гармонически слитной семьей. Нежность к нему, знаменитому, балованному художнику, приобретала оттенок восторженного поклонения. Существом высшего порядка входил он в наш детский быт». С детства Маковский учил своих детей рисовать.


«Я очень рано решила, что буду художницей и в себя верила. Старший брат, Сережа, имел хорошие способности и рисовал лучше меня. Однажды он исполнил акварелью и преподнес отцу к праздникам целую картину «Полтавский бой» и продекламировал Пушкина с воодушевлением. Что было похвал! И действительно «картина» удалась. В другой раз, несколькими годами позже, отец задал Сереже и мне <...> задачу: «помочь ему» написать облака и вечернее небо на одном из панно для особняка фон Дервиза. <...> Я почувствовала: «Нет, слишком рано». Однако, подумав, твердо заявила Сереже: «Всё равно, художником буду я, а не ты». И оказалась права».

Елена Лукш-Маковская (по книге Сергея Маковского «Портреты современников»)



С начала 1890-х Маковский и Леткова не жили вместе. В 1889 году на Всемирной выставке в Париже художник познакомился с Марией Матавтиной. В 1891 году родился их первый ребенок — сын Константин. Художник несколько раз пытался развестись с Юлией Летковой, но она долго отказывалась, а затем обратилась в суд с требованием «о предоставлении ей права проживать с тремя детьми по отдельному паспорту от мужа и об устранении последнего от всякого вмешательства в дело воспитания и образования детей». Сергей Маковский вспоминал: «Семья наша распалась еще в 1893 году, с тех пор я встречал отца лишь мельком, издали».


Развод Маковский получил в 1898 году. Художник обязался пожизненно выплачивать Юлии Летковой пенсию. К тому времени у него было уже трое детей от Марии Матавтиной.


«Художник, начинавший когда-то так блистательно»: последние годы



В 1890-х Константин Маковский купил мастерскую в Париже и проводил там много времени вместе с Марией Матавтиной. В Россию художник вернулся только в начале 1900-х.


В 1901 году в Конногвардейском манеже в Петербурге открылась вторая выставка Петербургского общества художников. Его создали в 1890 году члены Академии художеств. На выставке Маковский показал свою патриотическую картину «Минин на Нижегородской площади». Ранее ее демонстрировали на Всероссийской Нижегородской выставке в 1896 году. Публицист Владислав Артемов писал: «На огромном холсте художник развернул героическую сцену, воскрешая славное прошлое русской земли».


В этот период историческая живопись стала терять популярность. В прессе Маковского критиковали за поверхностные сюжеты. Владимир Стасов писал: «К. Маковский, художник, в сущности богато одаренный и начинавший когда-то так блистательно, так свежо и размашисто, что всех удивлял и радовал. Но это время давно прошло: он давно пишет всё больше французские будуарные панно и будуарные картины, или французские маленькие конфетные головки». Однако Маковский оставался одним из самых популярных живописцев Петербурга. Художнику продолжали заказывать портреты. В 1905 году по просьбе императорской семьи он изобразил третью дочь Николая II, великую княжну Марию. В эти же годы живописец создавал пейзажи, портреты девушек в национальных костюмах, зарисовки из семейной жизни, в том числе картину «Оленька и Коля на крыльце дачи».


В 1915 году Маковский стал одним из учредителей Общества возрождения художественной Руси. Среди целей этой организации было «распространение в русском народе широкого знакомства с древним русским творчеством». Члены Общества выпускали открытки с памятниками древнерусского зодчества, выступали за чистоту русского языка от иностранных заимствований.



Спустя несколько месяцев Константин Маковский попал в аварию. На углу Садовой улицы и Невского проспекта в его экипаж врезался трамвай. Художник упал и сильно ударился головой. Маковскому сделали операцию, однако его сердце не выдержало. 30 сентября 1915 года художник умер.


Похоронили Константина Маковского на Никольском кладбище Александро-Невской лавры. О похоронах Сергей Маковский писал: «Последнее свидание с отцом у его гроба запечатлелось навсегда, может быть — как самое значительное событие жизни. Я не отдавал себе отчета прежде, до какой степени близок ему».


После смерти Маковского Мария Матавтина продала значительную часть его коллекции старинных предметов. На вырученные деньги она купила имение, где собиралась устроить семейный склеп. Однако планам Матавтиной помешала революция. Во время беспорядков могила Маковского была разрушена. До нашего времени она не сохранилась.

]]>
Людмила СенчинаБиография певицы и актрисы, исполнительницы «Золушки» и артистки Театра музыкальной комедии.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10188/lyudmila-senchinaThu, 31 Oct 2019 17:15:42 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Людмила Сенчина

МузыкаПерсоныИсполнитель

Журналисты называли Людмилу Сенчину «Золушкой союзного значения» – она прославилась сразу после окончания музыкального училища благодаря песне «Золушка» на стихи Ильи Резника. Артистка выступала на эстраде, играла в советских кинофильмах, спектаклях и Театре музыкальной комедии.


«Меня против всех правил приняли»: студентка музыкального училища


Людмила Сенчина в молодости. Фотография: Юрий Абрамочкин / sputnik

Людмила Сенчина родилась в украинском селе Кудрявцы (сегодня – Кудрявское). Ее мать была учительницей, а отец, Петр Сенчин, – работником местного дома культуры. Он был потомком цыган, и по правилам молдавского языка, который был для Сенчина родным, его фамилия не склонялась. Окончание «а» к ней будущая певица добавила позднее.


Когда Людмиле Сенчиной было десять лет, ее семья переехала в Кривой Рог. Там Сенчина училась в школе, участвовала в художественной самодеятельности, посещала музыкальный кружок. С детства она любила петь, мечтала поступить в консерваторию. Сенчина окончила школу в 1966 году и в августе отправилась в Ленинград поступать на отделение музыкальной комедии Ленинградского музыкального училища имени Н.А. Римского-Корсакова. Однако документы уже не принимали, но Сенчиной помог случай.


«Я уже совсем было отчаялась, но вечером, под самое закрытие, мы все же добрели до Музыкального училища Римского-Корсакова. Входим, сидит вахтерша, а навстречу нам идут два человека – <...> старший педагог по вокалу и старший концертмейстер. И они согласились меня послушать <...> Я исполнила песню «Подставляйте ладони, я насыплю вам солнца», которую слышала по радио, и серенаду Шуберта – ту, что как раз пела Фрося Бурлакова в фильме «Приходите завтра». В общем, накануне 1 сентября меня против всех правил приняли»

Людмила Сенчина, из статьи Федора Раззакова «Людмила Сенчина»


В училище вокальное мастерство преподавала Рода Зарецкая, которая была учителем солиста Мариинки Юрия Самбурова и артиста Большого театра Алексея Касьяненко. Зарецкая еще на первом курсе посоветовала будущей певице выступать с музыкальными номерами. Вскоре Сенчина присоединилась к вокальной группе Ленинградского государственного концертного оркестра и выступала с ним на творческих встречах.


«Золушка союзного значения»: песни Сенчиной



«Золушка». Музыка Игоря Цветкова. Слова Ильи Резника. Исполняет Людмила Сенчина


В 1970 году Людмила Сенчина окончила Ленинградское музыкальное училище имени Н.А. Римского-Корсакова. Почти сразу после выпуска артистку пригласили в Театр музыкальной комедии, где она стала играть в опереттах. В том же году Сенчина впервые снялась в кино. Она исполнила роль учительницы в фильме Наума Бирмана «Волшебная сила».


Известной Сенчина стала в 1971 году. На одном из концертов она выступила с песней «Золушка» композитора Игоря Цветкова на стихи Ильи Резника. Артистка вспоминала: «Все аплодировали как сумасшедшие, меня несколько раз вызывали на бис. Я приехала на концерт подающей надежды певицей, а уехала звездой». Изначально Сенчина не хотела выступать с «Золушкой»: считала композицию несерьезной, детской и неподходящей для ее репертуара. Исполнить эту песню артистку уговорил руководитель Ленинградского концертного оркестра Анатолий Бадхен. Он присылал Сенчиной открытки со словами «Золушки», при встрече напевал мелодию. После долгих уговоров артистка согласилась выступить с композицией. Уже к концу 1971 года «Золушка» стала так популярна, что Сенчину пригласили на новогодний «Голубой огонек», а фирма грамзаписи «Мелодия» издала пластинку с ее песнями. В прессе Людмилу Сенчину называли «Золушкой союзного значения».


В 1970-х Сенчина выступала с концертами в городах СССР. В ее репертуар вошли песни «Камушки», «Спасибо вам, люди!», романс «Целую ночь соловей нам насвистывал…» («Белой акации гроздья душистые») из фильма «Дни Турбиных». Между гастролями Сенчина снималась в эпизодических ролях в фильмах, вела на телевидение передачу «Артлото», выступала в «Голубом огоньке» и «Песне года».


В 1975 году Сенчина покинула Театр музыкальной комедии, но продолжила играть в кино. В 1977 году артистка исполнила одну из главных ролей в картине «Вооружен и очень опасен» режиссера Владимира Вайнштока: сыграла певицу кабаре Жюли. Сцена в постели с Леонидом Броневым стала одной из первых эротических сцен в советском кинематографе. Сенчину осуждали критики и публика, но менее популярной актриса не стала. Также в этой кинокартине она исполнила песни «Не грусти», «Очень опасен» и «Расскажи, дорогой», которые специально для фильма написал Владимир Высоцкий.


В 1979 году Сенчина получила звание Заслуженной артистки РСФСР за «заслуги в области советского музыкального искусства». Она продолжила выступать на эстраде – пела в дуэте с Эдуардом Хилем и Игорем Тальковым, рок-группой «Цветы», записала совместную песню с французским музыкантом Мишелем Леграном. Среди репертуара Сенчиной этих лет - композиции «Любовь и разлука», «Полевые цветы» и «Не ищите ландышей в месяце апреле».


В 1980-х годах Людмила Сенчина сыграла главную роль в советско-американской постановке «Дитя мира» по пьесе Владимира Аленикова и Дэвида Уолкомба, над которой кроме нее работали Стас Намин, Владимир Пресняков-старший и певец Джон Денвер. Режиссер и сценарист Дэвид Уолкомб рассказывал газете «Собеседник» в 1986 году: «Дитя мира» по сюжету напоминает сказку, вернее, это и есть сказка. <...> Герои спектакля, отправившиеся искать мир, - современные Ромео и Джульетта, любящие друг друга русский мальчик Егор и американская девочка Дженнифер». В мюзикле участвовал хор детей из разных стран – членов ООН. Так создатели спектакля хотели «изменить напряженную ситуацию в мире к лучшему». Премьера постановки состоялась на XII Всемирном фестивале молодёжи и студентов в Москве в 1985 году. А вскоре вместе с труппой мюзикла Сенчина побывала на гастролях в США, где выступила на открытии Генеральной Ассамблеи ООН в Вашингтоне.


Личная жизнь: «Я хорошая мать»


Людмила Сенчина с первым мужем – актером Вячеславом Тимошиным. Фотография: kulturologia.ru

Людмила Сенчина была замужем три раза. Ее первым супругом стал актер Вячеслав Тимошин. Они играли в Театре музыкальной комедии. Сенчина и Тимошин поженились в 1970 году и прожили вместе около десяти лет. В браке у супругов родился сын Вячеслав Тимошин. Сенчина рассказывала, что всегда общалась со своим сыном как со взрослым: «Я хорошая мать. <...> Я с детства своего ребенка растила самостоятельным человеком. Никогда не считала его деточкой».


Со вторым мужем – музыкантом группы «Цветы» Стасом Наминым – Сенчина познакомилась в 1980 году. Сенчина и Намин несколько раз выступали вместе. Позднее певица вспоминала: «Стас – замечательный человек, очень интересный. <...> С ним я узнала другую музыку, другую литературу». Их брак продлился около десяти лет.


В третий раз Сенчина вышла замуж за своего продюсера и концертного директора Владимира Андреева. С ним певица прожила до своей смерти.


«Удивить еще хочется»: последние годы жизни



«Полевые цветы». Музыка Раймонда Паулса. Слова Андрея Ковалева. Исполняет Людмила Сенчина. Передача «Субботний вечер с Николаем Басковым». 13 июля 2013 года


После распада СССР, в 1990-х, Сенчина почти не появлялась на телевидении. Она ездила давала концерты в небольших городах, а в Санкт-Петербурге каждую зиму выступала с программой «Рождество в Северной столице».


В 2002 году Сенчина стала Народной артисткой России. Певицу вновь стали приглашать на музыкальные фестивали, в том числе «Славянский базар в Витебске», «Звезды ретро» и «Ялта-Москва-Транзит». Появлялась артистка и на телевидении. Сенчина была гостем программ «Женские истории», «Кумиры», «Прямой эфир». В 2013 году она стала участником проекта «Универсальный артист», где исполняла песни в разных музыкальных жанрах.


В последние годы жизни здоровье Сенчиной ухудшилось. Однако несмотря на болезнь певица продолжала выступать и планировала записывать новые песни: «Хочу альбом записать акапельный, без музыки, только душой. Удивить еще хочется. Даже не знаю чем, но хочу». В начале 2018 года Сенчина попала в больницу, а 25 января в возрасте 67 лет умерла. Похоронили певицу на на Смоленском православном кладбище в Санкт-Петербурге.

]]>
Георгий ЖженовПочти 20 лет на Колыме и роли в «Берегись автомобиля», «Ошибка резидента» и «Экипаж»: биография актера.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/5510/georgii-zhzhenovWed, 30 Oct 2019 10:25:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Георгий Жженов

КиноПерсоныАктер кино

Георгий Жженов дебютировал кино в 1930-х, когда снимался в патриотических фильмах Сергея Герасимова и братьев Васильевых. Однако вскоре его карьера прервалась почти на 20 лет из-за ссылки на Колыму. Несмотря на это, он вернулся в Москву и продолжил играть в театре и кино, Жженов исполнил роли в картинах «Берегись автомобиля», «Ошибка резидента» и «Экипаж».


«Жили без столичных излишеств»: детские годы и учеба



Георгий Жженов родился 22 марта 1915 года в Петрограде. Его отец Степан Жженов был выходцем из крестьян Тверской губернии, в Петрограде он работал кладовщиком. Георгий Жженов был ребенком от второго брака с Марией Щелкиной, его отец женился на ней после смерти первой супруги.


«Жили без столичных излишеств, по-деревенски: стол, лавки, несколько табуреток, нехитрый посудный ларь <...> да образа в переднем углу — вот и вся мебель. И, как водится, полати от стены до стены, вместо кроватей. На них, как на деревенской печи, как в норе или в гнезде, спали, ели, играли, ссорились и мирились, подрастали помаленьку все мы — многочисленное семейство Жженовых. Отец был прижимист, берег каждую копейку — копил. На нужды семьи не обращал никакого внимания: живы — и ладно! <...> Отец держал всех в черном теле. Над первой своей женой имел власть неограниченную. <...> Боялись все, кроме моей матери»

Георгий Жженов, из книги «Прожитое»


В 1923 году Жженов поступил в 204-ю трудовую школу в Петрограде в класс с физико-математическим уклоном. Он пропускал много занятий, получал плохие оценки. Артист вспоминал: «Я не баловал усердием добронравных учителей. В прилежных учениках себя не помню. Усидчивостью и рвением не отличался».


С детства Георгий Жженов любил театр и цирк, часто посещал спектакли и представления. Поэтому сразу после окончания семи классов школы он решил пойти в цирковое училище. Чтобы поступить в Ленинградский эстрадно-цирковой техникум пришлось взять документы старшего брата, поскольку Жженову было 15 лет, а в техникум брали с 16.


С первых курсов Георгий Жженов начал выступать в Ленинградском цирке-шапито с акробатическими номерами. В это же время его пригласили на студию «Ленфильм». Сначала он снимался в эпизодах, а в 1932 году получил свою первую главную роль – он сыграл тракториста Пашки Ветрова в картине «Ошибка героя» режиссера Эдуарда Иогансона. О киноленте Жженов писал: «С этого фильма и началась моя бескорыстная любовь к кинематографу, продолжающаяся с некоторой взаимностью уже около семи десятков лет». После выхода фильма актер оставил цирковой техникум и перевелся в Ленинградский техникум сценических искусств (сейчас – Российский государственный институт сценических искусств) в мастерскую Сергея Герасимова. Во время учебы он продолжал сниматься в кино – в «Золотых огнях», «Чапаеве», «Наследном принце республики» и других фильмах.


«Годы жестоких испытаний»: ссылка на Колыму и в Норильск


Георгий Жженов. Фотография: bessmertnybarak.ru

В 1938 году Сергей Герасимов пригласил Георгия Жженова сыграть в картине «Комсомольск» о строительстве города Комсомольск-на-Амуре. Съемки проходили на Дальнем Востоке – туда вся команда фильма отправилась на поезде «Москва – Владивосток». В одном вагоне с актером путешествовал сотрудник посольства США в СССР, военный атташе Филипп Файмонвилл. Он ехал во Владивосток встречать американскую делегацию. В дороге дипломат познакомился и подружился со многими советскими артистами. Жженов вспоминал: «Файмонвилл <...> охотно принимал участие во всех наших дурачествах и играх. К тому же Файмонвилл прекрасно говорил по-русски. Нам безразлично было — американец он, негр или папуас!». После этого актер встречался с ним еще несколько раз: спустя полтора месяца на перроне Северного (сейчас – Ярославского) вокзала в Москве и на балете «Лебединое озеро» в Большом театре.


5 июля 1938 года Жженова арестовали по обвинению в шпионаже на США. В деле писали, что актер передал Филиппу Файмонвиллу секретные сведения о советской промышленности, оборонных заводах, «морально-политических настроениях работников советской кинематографии» и строительстве Комсомольска-на-Амуре.


«Очень страшно, когда с понятий Справедливость и Человечность впервые вдруг сорвали все красивые одежды… Мне было только 22 года. Я боялся не физических увечий, нет, — может быть, я и вытерпел бы их, — я боялся сумасшествия. <...> В камере я потребовал бумагу для заявления. <...> В какие только адреса я не жаловался! Писал на имя начальника тюрьмы, прокурору по надзору, Верховному прокурору, Калинину, Сталину — бесполезно!.. Все мои протесты и жалобы попадали куда угодно, только не в дело»

Георгий Жженов, жалоба-заявление Начальнику Управления МВД Норильска, 1953 год


Георгия Жженова приговорили к пяти годам исправительно-трудовых лагерей и сослали на Колыму, на золотые прииски государственного треста «Дальстрой». Там он работал шофером, слесарем и диспетчером.


Срок Жженова закончился в 1943 году, но из-за Великой Отечественной войны по «особому распоряжению» его, как и других заключенных, оставили на Колыме. Его приговор продлили еще на 21 месяц. В 1945 году за «хорошую, добросовестную работу» Жженова освободили досрочно, однако покинуть Дальний Восток ему не разрешили.


Актер вошел в состав Магаданского музыкально-драматического театра. Первые выступления Жженова на этой сцене состоялись еще в заключении, с 1943 года артист состоял в культбригаде прииска имени Тимошенко, где он работал под руководством актера Константина Никанорова.


«Смотрел на тебя [Георгия Жженова – Прим. ред] и думал: как сумел этот похожий на бандита молодой парень, несмотря на годы жестоких испытаний в сталинских тюрьмах и лагерях, и здесь, в этой штрафной «преисподней», сохранить не только жизнь, но и себя как человека, остаться цельным, уберечь свое сердце от черствости, не дать ему заржаветь в постоянной борьбе за физическое существование на земле?!»

Актер Константин Никаноров о Георгии Жженове (из повести Георгия Жженова «От «Глухаря» до «Жар-птицы»)


В Москву Георгий Жженов вернулся в 1947 году. Работы не было – бывшего заключенного не звали ни в театр, ни в кино. Помочь решил Сергей Герасимов. По его рекомендации Жженову предложили сыграть эпизодическую роль в картине «Алитет уходит в горы» Марка Донского. Позже артист устроился в небольшой провинциальный театр города Павлово Нижегородской области. Но проработал он там недолго: в июне 1949 года его вновь арестовали, обвинив в шпионаже в пользу американцев. Актера приговорили к ссылке в Норильск.


В Норильске Жженов оставался до 1953 года – тогда он написал жалобу в МВД СССР с просьбой снять с него обвинения и освободить досрочно. В Ленинград артист смог вернуться в 1954 году. Через год его полностью оправдали и реабилитировали Военным трибуналом. Об этом актер писал: «В возрасте тридцати восьми лет начал свою профессиональную жизнь актера сызнова, как говорится — с нуля!».


Фильмы и театральные роли



C 1955 года Георгий Жженов начал работать в Ленинградском областном драматическом театре (сегодня – Государственный драматический Театр «На Литейном») и снова сниматься в кино. В 1957 году режиссер Михаил Дубсон, с которым актер познакомился еще в 1938 году в ленинградской тюрьме, пригласил его сыграть в картине «Шторм».


В 1960 году Жженов перешел в Театр имени Ленсовета. Там актер сыграл Астрова в «Дяде Ване», Нила в «Мещанах», Теодора в «Собаке на сене». В это же время он снимался в кино: в конце 1950-х и начале 1960-х сыграл почти в двадцати фильмах. Однако известности актеру они не принесли. Некоторые из картин даже не выходили в прокат или подвергались сильной цензуре. Так случилось и с экранизацией военной повести Василя Быкова «Третья ракета», которую снял режиссер Ричард Викторов. Почти все эпизоды с участием Жженова вырезали по распоряжению Главного политического управления Советской армии. Режиссер Марлен Хуциев вспоминал: «В фильме вырезали очень серьезный эпизод — фактически всю роль Георгия Жженова. Он играл такого полусумасшедшего кагэбэшника. <...> Когда сняли и увидели, как Жженов здорово сыграл, поняли, что сцена становится одной из принципиальных в фильме».


Слава пришла к Жженову в 1966 году, когда он сыграл автоинспектора в ленте Эльдара Рязанова «Берегись автомобиля». Фильм стал одним из самых популярных в этом году, его посмотрело почти 30 миллионов зрителей. Олимпийский чемпион по легкой атлетике Валерий Борзов вспоминал: «Трудно представить себе <...> «Берегись автомобиля» - без того же Смоктуновского, Жженова, Аросевой, даже без Ронинсона».


В 1968 году Жженов переехал в Москву и стал артистом Театра имени Моссовета. Туда его пригласил режиссер Юрий Завадский. Он предложил актеру сыграть Льва Толстого в спектакле «Бегство в жизнь» по одноименной пьесе Сергея Ермолинского. Правда, постановку запретили: министр культуры СССР Екатерина Фурцева, которая побывала на одной из репетиций, посчитала, что образ Толстого в спектакле исказили.


В этом же году Георгий Жженов снялся в главной роли в фильме Вениамина Дормана «Ошибка резидента» о бывшем эмигранте, разведчике Михаиле Тульеве. Одну из сцен картины снимали в следственном изоляторе №1 Москвы – «Матросской тишине». Жженов вспоминал: «Это были самые мучительные для меня съемки — я вспомнил прошлое. Не передать того тягостного ощущения на съемочной площадке, ожидания, когда же наконец кончится смена». Фильм стал популярным: в прокате его посмотрело 35 миллионов зрителей, а в следующие несколько лет вышло продолжение – картины «Судьба резидента», «Возвращение резидента» и «Конец операции «Резидент».


В 1969 году Георгию Жженову присвоили звание Заслуженного артиста РСФСР за «заслуги в области советской кинематографии». Через год актер снялся в еще одном популярном фильме – он сыграл политика Вилли Старка в картине «Вся королевская рать». Позже Жженов рассказывал в интервью журналу «Вестник»: «В роли Старка, вы наверное не знаете, начинал сниматься Павел Луспекаев. Умер, надо его заменять кем-то. Конкуренты у меня были серьезные: Олег Ефремов, Андрей Попов, Юрий Любимов».


В 1970-х Жженов много снимался и играл в Театре имени Моссовета. Там выходили спектакли с его участием – «Похороны в Калифорнии», «Вечерний свет» и «Царствие земное». В 1973 году актер сыграл генерала Петра Бессонова в картине «Горячий снег» о Котельниковской оборонительной операции Великой Отечественной войны. За эту роль он получил Государственную премию СССР, Серебряную медаль имени А. П. Довженко и звание Народного артиста РСФСР.


В 1980 году Жженов снялся в первом советском фильме-катастрофе «Экипаж» о крушении пассажирского авиалайнера. Он сыграл главную роль – командира экипажа Андрея Тимченко. В прессе писали положительные отзывы о картине, а в прокате ее посмотрело более 60 миллионов зрителей. Хвалили и героя Жженова. В журналах и газетах его называли идеальным советским человеком. В том же году Георгий Жженов получил звание Народного артиста СССР.


«Я стремился представить этого человека [Андрея Тимченко из фильм «Экипаж» – Прим. ред] таким образом, чтобы было ясно: он и в обыденных обстоятельствах всегда ведет себя так же, как повел себя в такой исключительной ситуации; ведет себя так, как велит совесть. Катастрофа должна была только лишний раз подтвердить право Тимченко на звание положительного героя. В то же время мне не хотелось играть его этаким непогрешимым суперменом; насколько то позволял материал, я пытался уходить от однозначных характеристик. <...> Право, я ни в коей мере не хочу очернить своего героя, но мне очень жаль будет, если он окажется причисленным к лику героев «идеальных»

Георгий Жженов об Андрее Тимченко, журнал «Искусство кино», №11, 1980 год


Личная жизнь и увлечения


Георгий Жженов с третьей женой – Ириной Махаевой. Фотография: 2aktera.ru

Георгий Жженов был женат четыре раза. Со своей первой супругой – актрисой Евгенией Голынчик – он познакомился во время учебы в Ленинградском техникуме сценических искусств. Расстались Жженов и Голынчик сразу после ареста артиста.


«Когда Женя пришла на последнее свидание в Питере, я ей сказал: «Умоляю: не жди меня. У меня нет гарантии, что выживу. Во всяком случае, я не хочу, что бы ты свою жизнь ставила в зависимость от моей – неудачной. Спасибо тебе за всё, но живи, как тебе хочется. Ты молода и у тебя есть на то право. Пусть я не буду теми веригами, которые на твоей совести останутся»

Георгий Жженов о Евгении Голынчик


Второй женой Жженова стала актриса Магаданского музыкально-драматического театра Лидия Воронцова. Ее, как и артиста, сослали на Колыму за шпионаж. Воронцову обвиняли в «связи с иностранными моряками». В 1946 году у супругов родилась дочь Елена. Однако долго Жженов и Воронцова вместе не прожили. Позже актер писал: «Лида – трагедия моей жизни».


С третьей женой – актрисой Ириной Махаевой – Жженов вместе работал в Норильском театре. Вместе они прожили около 10 лет, в браке родилась дочь Мария, которая стала филологом. Именно Махаева в 1953 году отвезла жалобу артиста в Москву и добилась его возвращения из ссылки.


Последней, четвертой женой Жженова стала актриса Лидия Малюкова. Они поженились в 1960 году. Через два года у них родилась дочь Юлия. В браке они прожили больше 40 лет. Лидия Малюкова вспоминала: «Он был для меня всем. Лучше человека, чем он, я никогда не встречала в своей жизни. И не встречу. Таких людей, как Жженов, просто не существует. И как мужчина, и как просто личность».


Георгий Жженов — мемуарист


Георгий Жженов. Фотография: sm-news.ru

В конце 1990-х Георгий Жженов мало снимался в кино. В 1992 году он сыграл в спектакле «На золотом озере» в Театре имени Моссовета. Об этой роли артист писал: «Для меня это не просто очередная роль <...> В наше время, когда вокруг столько взаимной злобы, всякого беспредела, противопоставить этому сияющую чистотой душу <...> Роль в этой пьесе утолила мою тоску по несыгранному». В 1995 году актер получил премию «Хрустальная Турандот» «за долголетнее и доблестное служение театру».


В 1990-х Жженов много писал. Актер издал мемуары о своем аресте, Колыме и годах заключения «От «Глухаря» до «Жар-птицы», «Прожитое» и «Омчагская долина», сборник рассказов «Саночки».


«В предлагаемых читателю записках я пытаюсь извлечь из недр моего прошлого события более чем полувековой давности. Пытаюсь воскресить, вытащить из архивов пережитого страницы жизни, давным-давно прочитанные, перевернутые быстро бегущим временем и похороненные в бездонных кладовых забвения…»

Георгий Жженов, из предисловия к книге воспоминаний «Прожитое»


В последние годы жизни Жженов занимался общественной работой. Артист входил в состав Комиссии по помилованию и Совет при Президенте РФ по содействию развитию институтов гражданского общества.


В декабре 2004 года Жженова госпитализировали – у артиста нашли рак. Однако в больнице его долго не держали. В марте 2005 года актер отметил свой девяностолетний юбилей, в Театре имени Моссовета провели торжественный вечер в его честь. Осенью того же года болезнь артиста обострилась, его вновь госпитализировали. Умер Георгий Жженов 8 декабря 2005 года. Похоронили актера на Новодевичьем кладбище в Москве.

]]>
Сергей ГерасимовИстория жизни режиссера и педагога, который снял «Тихий Дон», «Молодую гвардию» и хронику ялтинской конференции.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2054/sergei-gerasimovTue, 29 Oct 2019 17:50:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Сергей Герасимов

КиноПерсоныРежиссер

Сергей Герасимов пришел в кинематограф как актер, но вскоре понял, что хочет снимать фильмы сам. «Тихий дон», «Учитель», «Журналист», «У озера» - его картины были новаторскими для своего времени, для эпохи соцреализма. Герасимов стал не только известным режиссером, но и педагогом: у него учились Сергей Бондарчук, Николай Рыбников, Галина Польских. А с 1986 года его имя носит один из самых известных кинематографических ВУЗов - ВГИК.


Театр из табурета и работа с 14 лет: детство Сергея Герасимова


Сергей Герасимов (в центре) и директор Дворца молодежи Леонард Брук (справа) на съемках художественного фильма Сергея Герасимова «Дочки-матери». Фотография: архив Леонарда Брука

Сергей Герасимов родился в селе Кундравы Челябинской области. Отец, Аполлинарий Герасимов, раньше работал на Путиловском заводе в Петербурге, пока его не арестовали и выслали в Сибирь на 4 года за распространение марксистской литературы. С 1890-х годов он был инженером на Миасском заводе - предприятии по добыче золота. Мать, Юдифь Эстрович, выросла в украинском городе Старобельск, но оказалась в Сибири за участие в народовольческом кружке.


В 1909 году отец утонул во время геологической экспедиции. Мать решила переехать в Екатеринбург: в большом городе ей было легче найти работу чтобы прокормить семью. Детям она наняла няню. Герасимов вспоминал: «Это была замечательная женщина, в свое время окончившая прогимназию, чем она очень гордилась. В годы детства она была для меня самым дорогим человеком на свете <...> Мать я видел редко - чтобы прокормить, обуть, одеть немалое семейство, она постоянно работала в городе».


Когда Сергею Герасимову было восемь лет, он впервые попал в театр на оперу «Евгений Онегин». Вскоре после этого он посмотрел драматический спектакль «Разбойники» по одноименной пьесе Шиллера. Главную роль играл знаменитый актер Михаил Розен-Санин. В книге «Жизнь, фильмы, споры» Сергей Герасимов писал: «Я и сейчас вижу его поразительное лицо, когда он держит перед собой зеркало, а потом в отчаянии разбивает его. После спектакля я потерял сон и, обладая изрядной памятью, повторял наизусть куски яростных шиллеровских текстов, немыслимо гримасничал перед зеркалом, драпируясь в нянин платок». Будущий режиссер по выходным устраивал миниатюрный домашний театр: переворачивал вверх ножками табурет и покрывал его платком - так получались сцена с кулисами, а декорации делал из цветной бумаги и елочных игрушек. Няня учила Герасимова рисовать и прочила ему карьеру живописца.


В 1915 году Сергей Герасимов поступил в реальное училище в Екатеринбурге, однако проучился он там недолго: в 1918 году стали задерживать жалования рабочим, и бедность вынудила мать с тремя младшими детьми переехать в Красноярск. В 14 лет Сергей Герасимов устроился на металлургический завод и стал помогать семье деньгами. Он вспоминал: «Переехав с семьей в Сибирь, продолжал свое безалаберное учение в Красноярске, деля его с работой <...> Годы были трудные, голодные <...> И тогда я совсем забыл об искусстве - мечты мои не шли дальше сытного обеда и сна вдосталь». В начале 1920-х годов семья вернулась в Екатеринбург. Старшие братья к этому времени сами получили образование и устроились на работу: Владимир был архитектором, Борис - оперным певцом. Они стали помогать деньгами и поддержали увлечение Сергея Герасимова театром. Теперь будущий режиссер не пропускал премьер.


Из художника в актёры: знакомство с кино



В 1923 году Сергей Герасимов отправился в Петроград, чтобы стать художником. Он поступил в Художественно-педагогический техникум (сейчас - Санкт-Петербургское художественное училище имени Н. К. Рериха). Однако через несколько месяцев будущий режиссер забросил учебу: «Глядя на соседние мольберты, вскоре убедился, что дарование мое в живописи ничтожно малое и что влечет меня совсем в другую сторону». В 1924 году его однокурсник Иван Дорер привел восемнадцатилетнего Герасимова в театральную молодежную группу ФЭКС - «Фабрику эксцентрического актера». Позже режиссер писал: «Я жил в столице уже не первый месяц и так как стеснялся своей провинциальной неосведомленности, то обычно не расспрашивал своих приятелей, что значит то или иное, а слепо шел за ними, имея в виду познать жизнь такой, какой она сама открывалась мне». Режиссерами экспериментальной мастерской были Леонид Трауберг и Григорий Козинцев. Ненамного старше Герасимова, они быстро нашли с ним общий язык и в первую же встречу предложили главную роль в новом спектакле «Гамлет». Герасимов начал учить роль, однако постановка так и не состоялась: вместо театра руководители ФЭКС решили заняться кинематографом.


В мастерской ФЭКС Сергей Герасимов получил первые навыки в актерской профессии: занятия вел сценарист и кинорежиссёр Леонид Трауберг. Акробатика, гимнастика и бокс были обязательной частью учебной программы. В 1925 году будущий режиссер дебютировал в кино. Он снялся в немой комедии «Мишки против Юденича» о битве пионера Мишки и дрессированного медведя с войском белого генерала Юденича. Герасимов сыграл роль шпиона. В следующем году с его участием вышли фильмы «Чертово колесо» и «Шинель». Чтобы научиться лучше держаться в кадре, Сергей Герасимов поступил в Техникум сценических искусств (сейчас - Российский государственный институт сценических искусств).


В 1927 году режиссеры Козинцев и Трауберг одобрили Герасимова на главную роль в фильме «С.В.Д.» о восстании киевского общества декабристов в 1825 году. Актёр играл предателя по имени Медокс, из-за которого заговор раскрыли.


«Я стойко перенес все превратности сюжета, по которому Медоксу предстояло погибнуть в затопленном монастырском подземелье от нашествия крыс <...> В декорацию подземелья хлынула накопленная в специальном бассейне ледяная невская вода (дело было зимой), затем туда выпустили крыс. Но крысы не хотели уничтожать Медокса — они расползались, лезли по стенам. Помощники режиссера ловили их и швыряли обратно. Тогда, озлившись, животные действительно кинулись на меня»

Сергей Герасимов, книга «Жизнь, фильмы, споры»


Личная жизнь: встреча с Тамарой Макаровой



В 1927 году на съемках фильма «Чужой пиджак» Сергей Герасимов познакомился с Тамарой Макаровой. Он играл агента, она - машинистку. Уже в 1928 году артисты поженились. Сергей Герасимов повез жену на Урал знакомиться с родителями. Тамара Макарова вспоминала: «Самым романтическим впечатлением нашей жизни была поездка на Урал, где Сергей родился. На озеро близ Челябинска. Там открывался его юношеский облик, о котором никто не догадывался: он быстро ходил по лесу, восторгался каждой невидали, посвистывал, напевал из опер или казачьи песни». Своих детей у пары не было, но позже они усыновили племянника актрисы - сестру Макаровой репрессировали и ребенка хотели отдать в детский дом.


Сергей Герасимов и Тамара Макарова вместе работали и на площадке: позже режиссер часто снимал актрису в своих фильмах.


«Послушайте, Сереженька, это же прекрасно»: первые фильмы Герасимова



В 1930 году Сергей Герасимов окончил Техникум сценических искусств и задумал снять собственный фильм о молодых революционерах - «Двадцать два несчастья». Картина вышла на экраны в этом же году.


Герасимов вспоминал: «Еще в процессе постановки Козинцев, взглянув на материал будущего фильма, сказал мне: «А у вас нет намерения немного подучиться режиссуре? Мы начинаем свой новый фильм «Одна». Там для вас и роль найдется, а заодно поработаете ассистентом». Герасимов согласился и сыграл роль председателя сельсовета. На площадке он так впечатлил своей игрой Козинцева, что тот пригласил актера преподавать на отделении кино Ленинградского института сценических искусств. В 1931 году Сергей Герасимов, сам недавний выпускник, стал педагогом.


В 1935 году Сергей Герасимов взялся за фильм «Семеро смелых», посвященный полярной зимовке. Актерами были студенты его мастерской. Снимали в Заполярье и на Кавказе: пока шла работа, все члены съемочной группы жили вместе. Герасимов вспоминал: «Это помогло родиться той естественности тона и свободе поведения, которые и сделали успех этому фильму <...> для последних ледовых съемок пришлось взбираться на Эльбрус, хотя никто из нас никогда не был альпинистом <...> только такая отчаянная команда могла взгромоздиться без всякой подготовки, буквально харкая кровью, и отснять все, что было предусмотрено, за эти три дня». В 1936 году фильм вышел на экраны. Это была первая серьезная работа Сергея Герасимова.


Спустя два года режиссер снял картину «Комсомольск» о том, как советская молодежь осваивала Дальний Восток. Сценарий Герасимов писал уже в самом городе - он хотел сначала осмотреться и пообщаться с людьми. Во время работы над фильмом Герасимов задумал еще одну картину - «Учитель». Она сильно отличалась от «Комсомольска»: там уже не было быстро развивающегося действия. По сюжету, молодой специалист Степан Лаутин вернулся в родное село и собрался открыть школу, однако к идее скептически относится его отец - председатель колхоза. Сергея Герасимова интересовал конфликт поколений. В книге «Жизнь, фильмы, споры» он писал: «Эта картина наиболее непосредственно связана с моими деревенскими впечатлениями. Там есть персонажи, целиком выхваченные из моего уральского детства, и я люблю ее, пожалуй, больше всех своих работ». Режиссер был дотошен в мелочах: сам рисовал художнику интерьеры домов, восстанавливал по памяти частушки, которые он слышал в детстве, требовал от актеров говорить на уральском диалекте. В 1939 году фильм был готов. Съемочная группа до последнего сомневалась в успехе: в то время популярностью пользовались фильмы о революции или гражданской войне.


«Когда я в первый раз показал уже законченный я перезаписанный фильм самым близким своим друида и прежде всего Г. Козинцеву и когда он, какой-то озадаченный, раздумчивый, вышел вместе со мной из зала и помолчал, стоя в коридоре, прежде чем обернуть меня к себе и сказать: «Послушайте, Сереженька, это же прекрасно», - я испытал такое натяжение нервов, какого позже уже не испытывал по поводу сдачи собственных картин»

Сергей Герасимов, книга «Жизнь, фильмы, споры»


В 1941 году за фильм «Учитель» режиссёр Сергей Герасимов и исполнительница главной женской роли Тамара Макарова были удостоены Сталинской премии II степени.


«Сам Герасимов определял свой метод как «натурализм» <...> Вдумайтесь — и это в те времена, когда едино существовал только соцреализм, и ничего не должно и не могло быть иного»

Марлен Хуциев, кинорежиссёр


Монтаж в ночь начала войны, съемки ялтинской конференции и работа во ВГИКе



К 100-летию со дня смерти Лермонтова Герасимов задумал снять экранизацию драмы «Маскарад». На главные роли режиссер пригласил Николая Мордвинова и Тамару Макарову. Одного из персонажей - Неизвестного, Герасимов играл сам. Работали очень быстро: за три с половиной месяца картина была готова. Финальный монтаж заканчивали ночью 21 июня 1941 года. На следующий день должен был состояться показ в студии лермонтовской юбилейной комиссии во главе с Андреем Ждановым. Однако просмотр отменили: началась Великая Отечественная война. Сначала о «Маскараде» забыли, но спустя несколько недель Герасимова отправили сдавать фильм в Московский комитет кинематографии. Он вспоминал: «По-моему, фильм даже никто и не просмотрел, кроме М. И. Ромма <...> Мы сидели с ним вдвоем в просмотровом зале, и обоим нам было необыкновенно странно смотреть на экран, где протекала жизнь словно бы в каком-то совсем ином измерении». На обратном пути в Ленинград режиссер попал под бомбежку.


«Еще не обстрелянные пассажиры выбегали из вагонов, не зная, как следует вести себя в подобных случаях. <...> Пассажиры выскакивали из вагонов, направляясь куда-то вправо. А там уже собралась толпа вокруг упавшего полусожженного «юнкерса». Молча смотрели люди на разбитую машину, вокруг которой ходили наши зенитчики <...> Это было первое и вследствие этого наиболее прямое и сильное впечатление от войны, шагнувшей прямо в глубь страны»

Сергей Герасимов, книга «Жизнь, фильмы, споры»


Сергей Герасимов и Тамара Макарова решили не уезжать из города. Осенью 1941 года режиссер вместе с Михаилом Калатозовым задумали фильм о военном Ленинграде «Непобедимые». Снимали на улицах, в перерывах между бомбардировками и обстрелами. К весне 1942 года все материалы отсняли, и всю съемочную группу отвезли в Ташкент: там находились эвакуированные киностудии с оборудованием для монтажа. Фильм вышел на экраны в 1943 году. Сергей Герасимов приехал в Москву и вскоре снял вторую картину о войне - «Большая земля».


В 1944 году режиссер возглавил Центральную студию документальных фильмов. Он вспоминал: «Я получил совершенно неожиданно для себя должностное назначение <...> Опять надо было начинать все сначала, так как до этого дня я к документальной кинематографии относился как рядовой зритель». В феврале 1945 года Сергей Герасимов руководил съемками Ялтинской конференции, а в июле 1945 - Потсдамской. Режиссер снимал хронику в освобожденном Берлине, Вене и Праге.


Параллельно Герасимов стал преподавать во ВГИКе. Руководить мастерской помогала Тамара Макарова. В 1946 году режиссер вместе со студентами подготовил спектакль по роману Александра Фадеева «Молодая гвардия». Постановка о молодежной подпольной организации во время Великой Отечественной Войны собирала полные залы, и дирекция Театра Киноактера перенесла спектакль с малой сцены на большую. В 1947 году Герасимов снял экранизацию с теми же актерами: в фильме дебютировали Инна Макарова, Нонна Мордюкова, Сергей Гурзо, Владимир Иванов. Режиссер вспоминал: «Все участники были <...> связаны с войной. Почти все парни побывали на фронте, вернулись с ранениями и орденами. Несмотря на юные годы, война стала их бытом — и ничего не нужно было воображать. Надо было только вспоминать». Сценарий к фильму Герасимову пришлось писать дважды. Первую версию за «игнорирование роли партийной организации в партизанской борьбе» забраковало руководство. Фильм «Молодая гвардия» вышел на экраны в 1948 году. Через несколько месяцев Герасимова и семерых его студентов наградили Сталинской премией I степени.


Осенью 1949 года Сергей Герасимов в составе советской делегации поехал в Китай на торжества по поводу провозглашения Китайской Народной Республики. Поездка затянулась на полтора года: режиссера попросили снять фильм о достижениях коммунизма «Освобожденный Китай». В 1952 году Герасимов вернулся в СССР и выпустил картину «Сельский врач» о деревенской жизни. Большую часть времени режиссер проводил в институте: «Мастерская во ВГИКе стала для меня, пожалуй, первым делом жизни».


В разное время у Герасимова учились Сергей Бондарчук, который позже снял оскароносный фильм «Война и мир», одна из самых известных актрис советского кино Людмила Гурченко и исполнитель главных ролей в фильмах «Высота», «Девчата» и «Весна на Заречной улице» Николай Рыбников. Его студентами были и режиссер Кира Муратова, и актрисы Галина Польских, Алла Ларионова, Лариса Удовиченко. Сценарист Лариса Садилова вспоминала об учебе в мастерской: «Нам во ВГИКе было можно то, что другим было нельзя. Например, на соседнем курсе Петрушевскую не разрешали снимать, а Герасимов разрешал — и никакой ректор ему был не указ. Нас мучил физрук, мы попросили Герасимова отменить нам физкультуру вообще как предмет. И он отменил». Сергей Герасимов выпустил во ВГИКе восемь курсов. С 1986 года институту присвоили имя режиссера.


Киноэпопея Герасимова: история создания фильма «Тихий Дон»



Вскоре после XX съезда КПСС Сергей Герасимов подал заявку на съемку фильма «Тихий дон». Экранизировать роман Шолохова режиссер хотел еще в 1939 году, однако картину не одобрили: произведение «выводит на первый план судьбу Григория Мелехова, человека без дороги, по сути, обреченного историей». С приходом к власти Хрущева отношение к искусству изменилось, и в 1956 году Герасимов приступил к работе над фильмом. В отборе актеров участвовал и Михаил Шолохов. Писатель лично одобрил актеров: на роль Аксиньи - Элину Быстрицкую, казака Григория Мелехова - Петра Глебова. Картину снимали на берегу реки Донец. На хуторе Диченский возвели масштабные декорации: воссоздали дома Мелеховых, Коршуновых, хуторскую церковь, господский дом Листницких и даже вокзал Новочеркасска. Для фильма актер Петр Глебов учился ездить на лошади, а Элина Быстрицкая несколько раз в день стирала в холодной воде, чтобы ее руки были похожи на огрубевшие ладони казачки.


В массовке Герасимов задействовал местных жителей. Он вспоминал: «Во время подготовки кавалерийских сцен старые казаки корили молодых трактористов и комбайнеров, стыдили их, кивая на актеров и прежде всего на П. Глебова, который к тому времени успел срастись с конем, как истый казачина».


Фильм состоял из трех серий, общей длительностью 350 минут. Перед премьерой ленту показали Шолохову: съемочная группа приехала в станицу Вешенская.


«Когда добрались до станичной площади, увидели картину необыкновенную. Станица буквально переполнилась людьми всех возрастов. Съезжались целыми семьями, толпились вокруг станичного клуба. Просмотры должны были проходить круглосуточно — столько собралось людей, желающих посмотреть «Тихий Дон». В битком набитом просмотровом зале все новые и новые зрители смотрели фильм, а на улице, прямо на площади, обсуждали»

Сергей Герасимов, книга «Жизнь, фильмы, споры»


Только за первый год показа «Тихий дон» посмотрели 47 миллионов зрителей. Картина стала самой известной экранизацией романа. В 1958 году картине присудили премию «Хрустальный глобус» на Международном кинофестивале в Карловых Варах.


Сближение художественного и документального: работы Герасимова в 1960-х



В 1962 году на экраны вышел еще один фильм Сергей Герасимова - «Люди и звери». В основе сценария лежала реальная история. Татьяна Макарова написала текст после одного из партийных собраний во ВГИКе, где обсуждали судьбу бывшего педагога. Во время Великой Отечественной войны он попал в немецкий плен, а после 1945 года не вернулся на Родину: боялся попасть в ГУЛАГ. После многих лет странствий по миру, преподаватель хотел восстановиться на работу в институт.


На главную роль Сергей Герасимов одобрил Николая Еременко. Фильм снимали в разных странах: и в ГДР, и на Кубе. Режиссер вспоминал: «И везде сцены, предусмотренные сценарием, обрастали новыми событиями, новыми людьми, потому что к этому времени для меня игровой кинематограф все больше и больше сближался с документальным. Все больше интересовала жизнь и все меньше - беллетристический вымысел».


Этот же прием смешения художественного и документального Сергей Герасимов использовал в своем следующем фильме «Журналист». Историю любви журналиста-международника из Москвы Алябьева и провинциальной работницы Окаемовой режиссер снял в 1967 году в родном городе Миассе. Картина состояла из двух частей. Герасимов объяснял замысел: «Для меня история отношений Алябьева и Окаемовой отнюдь не история добросердечного устроения двух молодых судеб. Для меня - это начало того многосложного жизненного диалога, какой призваны вести все мыслящие люди, способные раскрыть друг другу всю глубину своей натуры». В картине снялся актер Юрий Васильев и бывшая ученица Герасимова Галина Польских.


Во время работы над «Журналистом» режиссеру пришла идея картины «У озера». Она должна была стать автобиографической: Герасимов задумал противопоставить неподвижности воды и радикальные изменения жизни людей вокруг. Однако поездка в Сибирь изменила его планы. Там шли споры о строительстве целлюлозного комбината на озере Байкал. Герасимов общался с учеными из Новосибирска и Иркутска, а на самом Байкале познакомился с исследователем Михаилом Кожуховым. Он стал прототипом главного героя фильма Александра Бармина. Все лето 1968 года режиссер собирал материал и узнавал позиции обеих сторон: за и против строительства. Разных мнений придерживались и персонажи картины. Руководитель комбината в исполнении Василия Шукшина убеждал в надежности очистительных систем, ученое сообщество говорило об экологической катастрофе.


«Пафос покорения Сибири настолько привлекателен в существе своем, настолько неотделим от исторической перспективы развития нашей экономики, что оспаривать необходимость строительства предприятий, ставящих целью освоение гигантских лесных богатств Центральной и Восточной Сибири, казалось как-то поначалу странно и даже парадоксально. Но тут вступает в силу <...> мысль о нарушении природного баланса, которое не проходит безнаказанно»

Сергей Герасимов, книга «Жизнь, фильмы, споры»


В 1969 году фильм вышел на экраны. Картина Герасимова была новаторской и вызвала бурные дискуссии: режиссер одним из первых в советском кино поднял тему взаимоотношений природы и человека. В 1971 году Сергей Герасимов, а также исполнители главных ролей Олег Жаков, Наталья Белохвостикова и Василий Шукшин получили Государственную премию СССР.


Тему Сибири Герасимов продолжил и в 1972 году. Тогда он закончил фильм о молодых строителях Норильска «Любить человека».


История на экране: последние годы жизни режиссера



В 1980-х годах Сергей Герасимов увлекся русской историей и выпустил две картины об эпохе царствования Петра I. Фильмы «Юность Петра» и «В начале славных дел» были сняты по роману Алексея Толстого «Петр I». Первого русского императора сыграл Дмитрий Золотухин. Режиссер говорил: «Мне хочется, чтобы люди поняли это непростое время и почувствовали, что от него к нашим дням тянутся удивительные связи <...> скажем, извечное желание вдохнуть в жизнь нечто новое взамен того, что нужно поменять, вычеркнуть, - то, о чем так мечтал Петр: поменять жизнь».


«Создавалось впечатление: что бы Герасимов ни играл или ни ставил, историческое сие было или современное, у зрителя возникало впечатление: Сергей был безусловно, непосредственным участником представляемых им событий»

Иосиф Прут, книга «Неподдающийся: о многих других и кое-что о себе»


В 1984 году режиссер снял свой последний фильм «Лев Толстой». Фильм рассказывал о последних днях отечественного классика. Сергей Герасимов исполнил роль писателя, а Тамара Макарова сыграла его жену. На фестивале в Карловых Варах кинолента получила «Хрустальный глобус».


26 ноября 1985 года режиссер скончался. Его похоронили на Новодевичьем кладбище.

]]>
Игорь СтравинскийБалеты для «Русских сезонов» Сергея Дягилева, работа с Джорджем Баланчиным и лекции в Гарварде.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8304/igor-stravinskiiMon, 28 Oct 2019 15:10:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Игорь Стравинский

МузыкаПерсоныКомпозитор

Cлава пришла к Игорю Стравинскому после премьеры его балетов на «Русских сезонах» Сергея Дягилева в Париже. Вскоре современники стали называть его «Великий Игорь» за смелые эксперименты с музыкальной композицией, мастерство техники и необычные сюжеты произведений. Декорации к его балетам создавали художники Александр Бенуа и Николай Рерих, хореографию готовили известные танцовщики Вацлав Нижинский и Джордж Баланчин, а костюмы разрабатывала сама Коко Шанель.


Первые музыкальные занятия



Игорь Стравинский родился 17 июня 1882 года в Ораниенбауме (сейчас – Ломоносов) в семье музыкантов. Его отец Федор Стравинский был оперным певцом, солистом Мариинского театра. Мать будущего композитора Анна Холодовская играла на пианино и была концертмейстером на выступлениях супруга. В гости к Стравинским часто приходили их друзья: композиторы Цезарь Кюи и Николай Римский-Корсаков, критик Владимир Стасов и писатель Фёдор Достоевский.


Начальное образование Стравинский получил во Второй Санкт-Петербургской гимназии, откуда перешел в одно из лучших учебных заведений Петербурга - гимназию Гуревича. Учился композитор плохо, иногда прогуливал занятия. Позднее он вспоминал: «Конечно, я был очень плохим учеником и ненавидел эту школу, как и вообще все мои учебные заведения, глубоко и навсегда». Во время каникул семья выезжала в деревню Льзи недалеко от Санкт-Петербурга. Здесь будущий композитор любил слушать многоголосое пение крестьян.


«Подозрение, что я возможно, обладаю музыкальным талантом, зародилось там. Возвращаясь вечером с полей, крестьянки в Льзи пели приятную спокойную песню, в течение всей жизни всплывающую в моей памяти в ранние вечерние часы досуга. Они пели в октаву - конечно, без гармонизации, - и их высокие, резкие голоса напоминали жужжание миллиарда пчел. Ребенком я никогда не отличался особенно развитой памятью, но эта песня запечатлелась в моем сознании с первого же раза»

Игорь Стравинский, «Диалоги. Воспоминания. Размышления»


Игоря Стравинского учили музыке, однако родители не воспринимали занятия всерьёз. Первые уроки будущему композитору давала пианистка Александра Снеткова. Позднее Стравинский писал: «Мне было тогда девять лет, и, вероятно, я учился у нее в течение двух лет. Помню, как она рассказывала мне о приготовлениях в консерватории к похоронам Чайковского (1893 г.), но не помню, чтобы я чему-нибудь научился у нее в области музыки». После Снетковой Стравинского учила Леокадия Кашперова. Композитор вспоминал, что на уроках она запрещала пользоваться педалями фортепиано. Кашперова учила Стравинского «органной технике» и требовала, чтобы он «держал звук пальцами».


Зимой 1901-1902 годов Стравинский брал уроки композиции и гармонии у Федора Акименко. Его следующим педагогом стал Василий Калафати. О занятиях с ним Стравинский писал: «Калафати научил меня прибегать к слуху как к первому и последнему критерию, за что я ему благодарен. Я занимался у него больше двух лет». Все свободное время будущий композитор проводил в Мариинском театре – бывал там пять-шесть дней в неделю, слушал оперы.


После окончания гимназии по настоянию родителей Стравинский поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Но вместо лекций будущий композитор посещал занятия Николая Римского-Корсакова. С ним Стравинский изучал музыкальную композицию, а с 1902 года пробовал сочинять собственные произведения.


Балеты Стравинского для «Русских сезонов»



В 1905 году Стравинский должен был закончить юридический факультет, но от сдачи экзаменов отказался. К тому моменту он сблизился с Сергеем Дягилевым и художниками объединения «Мир искусства». Вместе с ними композитор посещал выставки, балеты и симфонические концерты, был членом объединения «Вечера современной музыки». Дягилев присутствовал на премьере одних из первых произведений Стравинского – сюиты «Фавн и пастушка» на стихотворения Александра Пушкина и Симфонии ми-бемоль мажор. Критики называли его произведения «импрессионистскими» за объемное звучание и летящий темп.


В 1908 году умер Николай Римский-Корсаков. Своему учителю Стравинский посвятил «Погребальную песнь». Позднее Стравинский писал: «Это была как бы процессия всех солирующих инструментов оркестра, возлагающих по очереди свои мелодии в виде венка на могилу учителя на фоне сдержанного тремолирующего рокота, подобного вибрации низких голосов, поющих хором».


Вскоре Сергей Дягилев предложил композитору написать балет «Жар-птица» для «Русских сезонов». Музыку не смогли создать ни Анатолий Лядов, ни Николай Черепнин, к которым сначала обратился импресарио. Стравинский в это время изучал русский фольклор, как раз интересовался историей о сказочной птице и втайне продумывал фабулу нового произведения. Над партитурой он работал всю зиму 1909 года. Балет поставил танцовщик Михаил Фокин, который к тому времени уже стал балетмейстером антрепризы, а эскизы костюмов и декораций рисовали Леон Бакст и Александр Головин.


Премьера «Жар-птицы» состоялась в Париже 25 июня 1910 года и прошла с успехом. Однако сам Стравинский остался недоволен балетом – он считал, что в нем не согласованы «движения танца и настоятельные требования музыкального ритма». Критиковал «Жар-птицу» и Александр Бенуа. Он писал: «Пока хореографические затеи Фокина исполнялись артистами на репетициях, они представлялись фантастическими, на сцене же все как-то заволокла неуместная, слишком элегантная пышность».



Следующими балетами Стравинского для «Русских сезонов» стали «Петрушка» и «Весна священная». В них композитор впервые перешёл к диссонансам - непривычным по звучанию сочетаниям нот. Балет «Весна священная, картины языческой Руси в 2 частях» Стравинский задумал еще во время работы над «Жар-птицей»: «Однажды, когда я дописывал в Петербурге последние страницы «Жар-птицы», в воображении моем совершенно неожиданно, ибо думал я тогда совсем о другом, возникла картина священного языческого ритуала». Над балетом кроме самого композитора работал художник Николай Рерих, который интересовался язычеством. Он помогал Стравинскому со сценарием, рисовал эскизы декораций и костюмов. Хореографию «Весны священной» поставил танцовщик Вацлав Нижинский. Премьера балета прошла 29 мая 1913 года. Часть публики восприняла «Весну священную» негативно. Балерина Ромула Пульска вспоминала: «Волнение и крики доходили до пароксизма. Люди свистели, поносили артистов и композитора, кричали, смеялись». Чтобы успокоить их, Дягилев даже несколько раз выключал в зале свет. Однако это не помогло, и спектакль пришлось прервать. Мнения критиков разделились: некоторые из них писали об абсурдности постановки, а другие полагали, что Стравинский создал балет будущего: «Композитор написал партитуру, до которой мы дорастем только в 1940 году».


В Париже Стравинский познакомился с композиторами Эриком Сати и Клодом Дебюсси. Дебюсси писал о нем: «Стравинский <...> остаётся самым чудесным оркестровым механизмом этого времени». В дальнейшем композиторы продолжили общение – они переписывались несколько лет.


Стравинский с семьей жил в Петербурге, а холодное время года проводил в Швейцарии. В 1914 году из-за начала Первой мировой войны композитор остался там на лето, а после революции решил и вовсе не возвращаться в Россию.


В Швейцарии он работал над оперой «Соловей» по одноименному произведению Ханса Кристиана Андерсена, а в 1918 году создал оперу-балет «История солдата» на основе сказок Александра Афанасьева с либретто на французском языке. Впервые ее показали в этом же году в Лозанне.


В начале 1920-х годов композитор создал балет по мотивам русских сказок «Байка про лису, петуха, кота да барана». Его жанр сам Стравинский определил как «весёлое представление с пением и музыкой». Вскоре он написал «русские хореографические сцены с музыкой и пением», которые получили название «Свадебка».


Балеты этого времени объединяли фольклорные мотивы и полиритмия - медленные и быстрые фрагменты в одном произведении. Музыковед Михаил Друскин писал: «Русский период не только по эстетической ценности созданных тогда произведений, но и по его значению для всей художественной эволюции Стравинского – главнейший период его творчества».


После революции Стравинский решил не возвращаться в Россию. Позднее он вспоминал: «Этот период, конец 1917 года, был одним из самых тяжелых в моей жизни <...> Коммунистическая революция восторжествовала в России, и я был лишен последних средств к существованию <...> Я остался попросту ни с чем, на чужбине, в самый разгар войны». Композитор переехал во Францию. Там он сошелся с членами группы «Шестерка» – французскими музыкантами и писателями. Стравинский был идейным вдохновителем творчества композиторов этого объединения, они называли его «Великий Игорь» или «Царь Игорь». Писатель Жан Кокто писал: «Весна священная» произросла мощным деревом, оттесняя наш кустарник, и мы собирались было признать себя побеждёнными, как вдруг Стравинский вскоре сам присоединился к нашему кругу приёмов».


«Сыграть себя»: неоклассические произведения Стравинского



В 1919 году Стравинский по заказу Дягилева написал балет «Пульчинелла». На его создание композитора вдохновила музыка XVIII века. Под впечатлением от нее Стравинский создал новую оркестровку, которая отсылала к старинным классицистическим мелодиям.


«Пользуясь готовой конструкцией, Стравинский никогда не подчиняется ей целиком: подобно актеру «театра представления», он оставляет возможность проявить собственное отношение, «сыграть себя». В этом также сказывается единый для всего творчества принцип, позволяющий Стравинскому все «искажения» «модели», юмористические и не юмористические, которыми пестрит его неоклассический стиль»

Музыковед Светлана Савенко, статья «К вопросу о единстве стиля Стравинского»


На создание «Пульчинеллы» композитора вдохновили кукольные спектакли, которые он смотрел во время путешествия в Неаполь. В балете Стравинский постарался передать особенность комедии дель арте – особого жанра итальянского театра. В таких представлениях актеры выступали в масках и часто импровизировали на сцене. Премьера «Пульчинеллы» состоялась 15 мая 1920 года. Декорации к балету нарисовал художник Пабло Пикассо. Публика встретила «Пульчинеллу» критически. Стравинского обвиняли в искажении классической музыки и отходе от «истинно русского наследия». Однако были и положительные отзывы. Александр Бенуа вспоминал: «От нового произведения Стравинского «Пульчинелла» я даже был в упоении».


В 1922 году Стравинский закончил работу над оперой-буфф «Мавра», в основу которой легла поэма Александра Пушкина «Домик в Коломне». А в следующие несколько лет композитор почти не писал музыку. Он выступал на концертах со своими произведениями, дирижировал оркестром и играл на фортепиано.


В 1927 году Стравинский получил заказ на сочинение небольшого музыкального произведения от Библиотеки Конгресса в Вашингтоне. В процессе работы над ним композитор изучал поэзию Николы Буало и французскую литературу эпохи классицизма. Под впечатлением произведений того времени Стравинский решил написать классический балет: «В воображении моем вставал так называемый «белый балет», в котором, на мой взгляд, выявлялась самая сущность танцевального искусства». Основой сюжета стали древнегреческие легенды о боге Аполлоне Мусагете – предводителе муз. Постановщиком балета стал американский хореограф Джордж Баланчин.


«Балетмейстер Джордж Баланчин поставил танцы именно так, как мне хотелось. С этой точки зрения спектакль был настоящей удачей. По сути дела, это была первая попытка воскресить академический танец в произведении современном и написанном специально для этой цели. Баланчин, проявивший много мастерства и фантазии в ранее поставленных балетах, нашел для постановки танцев «Аполлона» группы, движения, линии большого благородства и изящной пластичности, навеянной красотой классических форм»

Игорь Стравинский, «Хроника моей жизни»а


Костюмы для балета «Аполлон Мусагет» создавала французский модельер Коко Шанель. С ней Стравинский познакомился еще в 1913 году после премьеры «Весны священной». В 1920 году, когда композитор испытывал проблемы с деньгами, Коко Шанель пригласила его пожить на своей вилле. В дальнейшем они дружили и переписывались.


Премьера «Аполлона Мусагета» состоялась 27 апреля 1928 года в Вашингтоне. В том же году балет показали в Париже на «Русских сезонах» Сергея Дягилева. Вскоре после этого отношения Стравинского и Дягилева испортились. Дягилев был недоволен тем, что композитор по заказу танцовщицы Иды Рубинштейн написал балет «Поцелуй феи». Стравинский вспоминал: «Он не смог простить мне <...> громогласно поносил и мой балет и меня в частных кругах, и в печати».


Премьера балета «Поцелуй феи» состоялась в ноябре 1928 года. На его создание Стравинского вдохновила музыка Петра Чайковского. Ему же композитор и посвятил произведение.


В конце 1920-х и начале 1930-х годов Игорь Стравинский увлекся античной историей и древнегреческой мифологией. Композитор написал оперу «Царь Эдип», мелодраму «Персефона». Интересовался в эти годы Стравинский и библейскими сюжетами, церковными песнопениями. Под впечатлением от них создал «Симфонии псалмов», хоровые сочинения «Символ веры» и «Отче наш». Михаил Друскин писал об этих произведениях Стравинского: «В античных мифах об Аполлоне и Орфее, в трагедии Эдипа и библейских сказаниях <...> он стремится передать сущностное, надличное, веками отстоявшееся, но всегда как живое и непреходящее, и передает это языком современного искусства».


«Могу только думать о тебе и сочинять музыку»: личная жизнь



Игорь Стравинский был женат дважды. Первой супругой композитора стала его двоюродная сестра Екатерина Носенко. Стравинский вспоминал: «С первого же часа, проведённого вместе, мы, казалось, отдали себе отчёт в том, что в один прекрасный день поженимся — так, по крайней мере, потом мы говорили друг другу».


Браки между кузенами в Российской империи были запрещены, но Стравинский и Носенко нашли в Петербурге священника, который согласился их обвенчать. Они поженились в январе 1906 года. Композитор и его супруга прожили вместе до смерти Носенко в 1939 году. В браке у них родилось четверо детей: Федор, Людмила, Святослав и Милена.


«<...> Мы были исключительно близки, ближе, чем иногда бывают возлюбленные, так как просто любовники могут оставаться чуждыми друг к другу, хотя и живут вместе всю жизнь и любят друг друга. И действительно, самые сильные юношеские романы были у меня с другими девушками, и ни одна из них не стала столь близкой мне, как Екатерина Носенко».

Игорь Стравинский, «Диалоги. Воспоминания. Размышления»


В 1940 году Стравинский женился второй раз. Его супругой стала актриса и художница Вера Боссе. Они познакомились еще в 1921 году. Тогда Боссе была женой художника Сергея Судейкина. Стравинский писал ей: «Могу только думать о тебе и сочинять музыку — такую музыку, которая связана с тобой». Вместе композитор и актриса прожили больше тридцати лет.


Серийная техника и «русский слог»



С середины 1930-х Стравинский часто бывал в США: давал концерты, писал музыку. С 1939 года он преподавал в Гарвардском университете. Михаил Друскин писал о его лекциях по музыкальной эстетике: «Лекции эти полемически заострены, существенное в них сочетается с поверхностной бравадой парадоксами, есть в них и весьма недоброжелательные выпады против музыкальной культуры СССР». Позднее лекции композитора были опубликованы под названием «Музыкальная поэтика».


Вскоре после начала Второй мировой войны Стравинский окончательно переехал в США и поселился в штате Калифорния, а в 1945 получил американское гражданство. В это время он работал над своим первым религиозным музыкальным произведением для исполнения в католической церкви - «Мессой».


Произведения Стравинского конца 1940-х, среди которых балет «Орфей», написаны в неоклассическом стиле с применением новых авангардных техник. Сочинения содержали не гармоничные мелодии, привычные для слушателей, а серии. В них ноты разной высоты следовали друг за другом в строгой последовательности, которая повторялась на протяжении всего произведения. В этой технике написаны композиции «Септет», «Кантата», «Canticum sacrum». Продолжил Стравинский и обработку библейских сюжетов. В 1950-х он написал кантату «Потоп», «Священное песнопение в честь апостола Марка».


Специально для труппы Джорджа Баланчина Стравинский создал бессюжетный балет «Агон». Основой произведения послужили французские придворные танцы XVII века. Баланчин вспоминал: «Подобной музыки мне еще не приходилось слышать. Что поражало меня, так эта жизненная сила каждого такта. Каждый такт ведет свою, обособленную жизнь, и вместе с тем они объединены в живое целое».


Осенью 1962 года Игорь Стравинский с гастролями приехал в СССР. Его концерты прошли в Москве и Ленинграде с успехом. На них композитор сам дирижировал оркестром. В СССР прозвучали сюиты из оперы «Жар-птица», композиции «Фейерверк» и «Дубинушка».


В последние годы Стравинский все дальше отходил от русского стиля. Критики писали, что композитор стал сочинять «нейтральную музыку». Сам Стравинский с их мнением не был согласен: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это — в ее скрытой природе». На основе русских народных песен в 1965 году он создал канон для оркестра «Не сосна у ворот раскачалася».


В середине 1960-х годов Стравинский тяжело заболел. В 1966 году композитор написал реквием «Заупокойные песнопения», которое считал одним из главных произведений в своей жизни: «Заупокойные песнопения» завершили всю мою творческую картину».


В 1967 году Стравинский хотел вновь посетить СССР и отпраздновать там свой 85-летний юбилей, но не смог этого сделать из-за состояния здоровья. Последним произведением композитора стала обработка духовных песен Хуго Вольфа. Умер Игорь Стравинский 6 апреля 1971 года в Нью-Йорке. Похоронили его на кладбище Сан-Микеле в Венеции, недалеко от могилы Сергея Дягилева.

]]>
Василий ТропининБиография художника, который работал преподавателем публичного художественного класса, написал портреты Александра Пушкина и Николая Карамзина.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8249/vasilii-tropininFri, 25 Oct 2019 14:15:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Василий Тропинин

МузеиПерсоныХудожник

Василий Тропинин по происхождению был крепостным крестьянином. Он получил свободу только в 47 лет, когда уже стал знаменитым художником. Портреты у Тропинина заказывали московские дворяне и купцы, его картины покупали коллекционеры и антиквары.


Крепостной, кондитер и вольнослушатель Академии художеств



Василий Тропинин родился 30 марта 1776 года в селе Карпово Новгородской губернии. Его родители были крепостными крестьянами графа Антона Миниха. Отец будущего художника Андрей Тропинин получил вольную за хорошую службу. Однако остальных членов семьи граф Миних не освободил.


С детства Василий Тропинин много рисовал. Искусствовед Александра Амшинская писала: «По семейным преданиям потомков Минихов <...> известно, что рисунки дворового мальчика забавляли господских детей, были своего рода курьезом для взрослых. Однако никто никакой пользы в них не видел». Начальное образование будущий художник получил в народном училище в Новгороде. После учебы Тропинин вернулся в село Карпово. К тому времени оно принадлежало зятю Миниха — графу Ираклию Моркову.


В начале 1790-х годов Морков отправил Василия Тропинина в Петербург учиться кондитерскому делу. В свободное от занятий время будущий художник посещал Императорскую Академию художеств, где изучал анатомию и копировал гравюры. Двоюродный брат Ираклия Моркова Алексей узнал об увлечении Тропинина и за свой счет определил его в Академию Художеств. С 1799 года живописец стал вольнослушателем Академии, студентом мастерской портретиста Степана Щукина, посещал занятия Григория Угрюмова, Иоганна Лампи-ладшего и Габриэля Дуайена. Работы Тропинина часто побеждали на академических конкурсах. В 1804 году картину «Мальчик, тоскующий об умершей своей птичке» показали на выставке. Кроме Тропинина, там представили свои работы и уже знаменитые к тому времени живописцы: Орест Кипренский, Иван Акимов и Владимир Боровиковский. Выставку посетила императрица Мария Федоровна. Картину высоко оценили критики, за сходство с гравюрами французского художника Жана-Батиста Грёза они назвали Тропинина «русским Грёзом».


Уже в сентябре того же года Тропинину пришлось покинуть Академию художеств. Граф Ираклий Морков отозвал живописца с учебы и велел переехать в свое имение в селе Кукавка.


«Возвращенный в дом графа Тропинин занял место среднее между поваром-кондитером и личным лакеем графа Моркова. И если бы Тропинин проявил хотя бы малейшее стремление к независимости своего положения и таланта, после того когда талант получил правильное, хотя и незаконченное воспитание, то он рисковал бы потерять окончательно всякую возможность заниматься живописью»

Журнал «Искусство в Южной России», 1913 год, №1


По приказу графа Тропинин построил в селе Кукавка церковь и расписал ее. В то же время он создал «Портрет мужчины в польском костюме», скопировал несколько картин Рембрандта.


В Кукавке молодой художник познакомился с вольной поселенкой Анной Катиной, в 1807 году они обвенчались. После свадьбы Катина, как и Тропинин, стала крепостной графа Моркова. В 1809 году у супругов родился сын Арсений.


«Счастливое дарование и склонность к живописи»



В 1812 году началась Отечественная война. Вместе с семьей графа Моркова Тропинин переехал в Москву. После окончания войны он вернулся к творчеству: создавал портреты московских дворян, в том числе писателей Николая Карамзина и Ивана Дмитриева. Написал Тропинин и семейный портрет графов Морковых. Вскоре живописец стал известен в Москве. В журнале «Отечественные записки» про него писали: «Тропинин, крепостной человек графа Моркова. Он также учился в Академии художеств и имеет счастливое дарование и склонность к живописи. Колорит его похож на Тицианов».


В 1818 году Тропинин вернулся в Кукавку. Там он создавал пейзажи и портреты крестьян, в том числе «Украинца с палкой». Художник вспоминал: «Я там без отдыха писал с натуры, писал со всего и со всех, и эти мои работы, кажется, лучшие изо всех до сих пор мною писанных». В селе Тропинин создал и несколько жанровых полотен, включая «Свадьбу в Кукавке».


В 1821 году Тропинин вернулся в Москву. Здесь он продолжил работу над «народными образами» – портретами украинских крестьян. Тропинин написал «Девушку с прялкой» и «Мальчика с дудкой». Работал он и над портретами художников Егора Скотникова и Николая Майкова. Критики хвалили новые работы живописца за выразительность линий, грамотную работу с цветами и светотенью.


В начале 1820-х художник все еще оставался крепостным. Почитатели творчества Тропинина требовали у Моркова дать ему вольную. Друг живописца Михаил Дмитриев даже предлагал графу простить крупный карточный долг за освобождение. Александра Амшинская писала: «Один из членов [Английского – Прим. ред] клуба, укоряя графа за долгие обещания отпустить художника на волю, в сердцах сказал, что Морков, пожалуй, сунет Тропинину в рот пирог, когда у того уже зубов не будет». Вольную художник получил только весной 1823 года. Однако его семья осталась в крепостных.


В сентябре того же года Тропинин написал письмо в Академию - просил дать ему звание художника: «8 сего мая получил я совершенную свободу из крепости, теперь остается мне избрать род жизни <…> прошу отличное сословие художников обратить хотя самомалейшее внимание на участь мою». Вскоре Тропинину присвоили звание «назначенного в академики» за картины «Кружевница», «Старик нищий» и «Портрет художника Скотникова». «Кружевницу» и «Старика нищего» в свою частную коллекцию – так называемый «Музеум» – купил писатель и журналист Павел Свиньин.


«И знатоки и не знатоки приходят в восхищение при взгляде на сию картину [«Кружевница» – Прим. ред], соединяющую поистине все красоты живописного искусства: приятность кисти, правильное, счастливое освещение, колорит ясный, естественный, сверх того в сём портрете обнаруживается душа Красавицы и тот лукавый взгляд любопытства, который брошен ею на кого-то, вошедшего в ту минуту. <...> Мастерская, свободная кисть, сильный правильный тушь, широкие тени, эффект поразительный — вот главные достоинства сей картины [«Старик нищий» – Прим. ред]. <...> Мудрено решить, которому из двух произведений Тропинина: сему Портрету или вышеописанной Девушке»

Павел Свиньин, рукописный каталог коллекции «Музеум»


Чтобы получить звание академика, Тропинину надо было пройти экзамен в Академии художеств. Осенью 1824 года его вызвали в Петербург. Живописец должен был написать портрет, который бы оценили профессора Академии художеств. Тропинин изобразил работника Санкт-Петербургского монетного двора Карла Леберехта. За эту картину художнику и присвоили звание академика.


В это же время Тропинин создал несколько реалистичных зарисовок из повседневной жизни петербуржцев. Остаться преподавателем в Академии художеств он отказался. Тропинин писал: «Все я был под началом, да опять придется подчиняться то [Алексею – Прим. ред] Оленину, то тому, то другому…».


Тропинин прожил в Петербурге еще несколько месяцев. За это время он получил несколько заказов на портреты, в том числе от госсекретаря Михаила Сперанского. Однако художник отказался – вскоре он вернулся в Москву. Граф Морков попытался устроить его преподавателем в государственную школу, но Тропинин вновь отказался: «Я хочу теперь спокойной жизни, ваше сиятельство, и никакой официальной обязанности на себя не приму».


«Отец милосердный к ученикам, портретист великий, натуралист неподражаемый»



С 1824 года и до конца жизни Тропинин жил и работал в Москве. Здесь он стал одним из самых популярных портретистов. В эти годы он создал картины «Гитарист», «Каменщик», «Дама в зеленом платье». Его работы приобрел в коллекцию антиквар Дмитрий Лухманов, их вывесили в московском Опекунском совете и Обществе скаковой охоты.


Почти все время Тропинин занимался живописью. Скульптор Николай Рамазанов писал о нем: «Все обидное переносил с высоким терпением и посреди всех художественных занятий совершенно забывал все окружавшее его неприятное и трудился до упаду; случалось, где работал, там и засыпал».


Критики считали Тропинина автором особого жанра живописи – «домашнего» или «халатного» портрета. Художник изображал своих героев в простой одежде и непринужденной обстановке. В том же стиле Тропинин создал портрет Александра Пушкина по заказу поэта Сергея Соболевского.


«Голубые глаза поэта здесь исполнены особенного блеска, поворот головы быстр, и черты лица выразительны и подвижны. Несомненно, здесь уловлены подлинные черты Пушкина, которые по отдельности мы встречаем в том или другом из дошедших до нас портретов. Остается недоумевать, почему этот прелестный этюд не удостоился должного внимания издателей и ценителей поэта»

Художник Николай Щёкотов о портрете Александра Пушкина


В конце 1820-х Тропинин создал несколько портретов своих друзей – художников Карла Брюллова, гравера Егора Скотникова, скульптора Ивана Витали. Изображал он и простых людей за повседневными делами, в том числе на картинах «Старик, обстругивающий костыль» и «Мальчик-слуга со свечой».


В 1833 году Тропинина пригласили преподавать в недавно созданном публичном художественном классе (позднее – Московское училище живописи, ваяния и зодчества). Создатели этого заведения хотели обучать живописи представителей малоимущих сословий – небогатых мещан, крестьян. В 1843 году, спустя десять лет преподавания, Тропинина избрали почетным членом Московского художественного общества за то, что он «без всякой обязанности, из особого усердия постоянно посещал класс и содействовал своими советами в его успехах». Художник был одним из самых любимых педагогов у студентов публичного художественного класса. Один из его учеников И. Тучнин вспоминал: «Какой прекрасный человек, отец милосердный к ученикам, портретист великий, натуралист неподражаемый; авторитет, всеми любимый. Мы приходили к нему, он нас, учеников, принимал, как отец принимает детей».


В 1830-х Тропинин стал получать меньше заказов, однако не оставил живописи. В то время он писал парадные портреты представителей знати. В этом стиле были исполнены картина «Портрет супругов Николая Ивановича и Надежды Михайловны Бер», портреты профессоров Московского университета, членов купеческих семей Корзинкиных, Коноваловых, Сорокоумовских и других. Создавал Тропинин и жанровые сцены, в том числе «Девушку с горшком роз» и «Старуха стригущая ногти».


В 1840-х Тропинин создал серию портретов небогатых московских горожан из низших слоев общества. Он изображал куртизанок, ямщиков, цыган. В картинах из этой серии художник стремился реалистично передать их быт, акцентировать внимание на социальной проблематике. В эти же годы Тропинин часто рисовал стариков. Среди его картин этой тематики – «Старуха, стригущая ногти». Для этой работы художнику позировала его жена.


В 1844-1846 годах Тропинин работал над автопортретом. Картина получила название «Портрет на фоне Москвы». Себя художник изобразил на фоне Московского кремля. Художник тщательно проработал задний фон – пейзаж Москвы. Для его изображения Тропинин выбрал светлые тона. Так художник акцентировал внимание на стоящей на первом плане фигуре.


В 1840-х и 1850-х годах Тропинин продолжал писать на заказ портреты московских дворян – Оболенских, Зубовых, Паниных. Его картины висели в их семейных галереях.


В 1855 году умерла жена Тропинина. Художник тяжело переживал утрату, часто болел. В том же году он переехал в собственный дом в Замоскворечье, где жил до своей смерти.


«Было много цветов и деревьев, в клетках чирикали и пели птички, поскакивая с жердочки на жердочку; в просторных и уютных комнатах, украшенных сверху донизу произведениями кисти славного художника, все имели спокойный, веселый вид. Я заметил это Василию Андреевичу, но он, тяжело вздохнув, сказал мне: «Нет, не говорите этого; вот старуха моя умерла…», и что хотя птички все-таки хорошо поют, но его уже более не занимают»

Николай Рамазанов о доме Василия Тропинина, «В. А. Тропинин», журнал «Русский вестник», 1861 год, №11


Спустя два года, 15 мая 1857, Василий Тропинин умер. Похоронили художника на Ваганьковском кладбище в Москве.


В 1969 году в Москве открыли музей Василия Тропинина и московских художников его времени. Основой экспозиции стало собрание купца и коллекционера Феликса Вишневского. В музее представлена большая часть картин Тропинина, в том числе «Портрет на фоне Москвы» и «Кружевница». Работы художника также хранятся в Третьяковской галерее, Русском музее, Всероссийском музее А.С. Пушкина.

]]>
Иван Билибин«Сказка о царе Салтане», «Золотой петушок» и эмблема Временного правительства: биография знаменитого художника-сказочникаhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10137/ivan-bilibinWed, 23 Oct 2019 10:45:16 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Иван Билибин

МузеиПерсоныХудожник

Первую иллюстрацию Билибин нарисовал в 1899 году к «Сказке об Иване-царевиче, Жар-птице и о Сером волке», вдохновившись работами Васнецова. Следующие сорок лет художник обращался к русским народным сказкам и былинам. Его графические серии скупали Русский музей и Третьяковская галерея, а эскизы декораций заказывали театры от Буэнос-Айреса до Парижа.


«Насколько я себя помню, я рисовал всегда»: детство и юность художника



Иван Билибин родился в поселке Тарховка недалеко от Петербурга. Его отец, Яков Билибин, был главным врачом в военно-морском госпитале в Либаве (сегодня — Лиепая, Латвия). Мать, Варвара Билибина, получила хорошее образование, но после свадьбы занималась детьми: Иваном и младшим Александром.


Родители увлекались живописью. Билибин вспоминал: «Я рос в интеллигентной семье с либеральным оттенком. С великим интересом ожидалась всегда передвижная выставка; что-то она даст в этом году? <...> Конечно, я заражался этим ожиданием от взрослых <...> Все имена художников были нам хорошо известны, как деревья своего собственного сада». Мать хорошо играла на фортепиано: в молодости училась у известного композитора Антона Рубинштейна. Иногда по вечерам Билибины устраивали небольшие семейные концерты. Из-за болезни ноги будущий художник мало времени проводил на улице, не занимался спортом, но много читал и рисовал.


В 1888 году Иван Билибин стал учеником Первой Петербургской гимназии. Учился он хорошо: увлекался литературой и историей, но лучше всего оценки были по математике. За успехи в точных науках Билибина наградили серебряной медалью. Гимназистом особенно гордился дядя, Николай Билибин. Он был известным педагогом и автором учебников по алгебре и геометрии.


Все свободное время будущий художник посвящал рисованию: «Насколько я себя помню, я рисовал всегда». Иван Билибин в основном изображал природу: ранние работы назывались «Домик в лесу», «Сосновый бор», «Пейзаж». В старших классах гимназии он захотел научиться разным техникам живописи и с 1895 года стал посещать Рисовальную школу Общества поощрения художеств. В то время там преподавал известный живописец Ян Ционглинский.


Иван Билибин вспоминал: «Это был прекрасный учитель, <...> проповедовавший рыцарское преклонение перед Прекрасной Дамой — святым искусством. Все мы, те, кто у него учились, помним его пламенные афоризмы: «Кричите, свистите и рычите от восторга к искусству!» Или: «Помните, что художник не должен быть ни лакеем, ни обезьяной!».


В 1896 году Иван Билибин окончил гимназию. Его идею профессионально заниматься живописью и поступить в Академию художеств не одобрил отец. Яков Билибин считал, что так сын не сможет в будущем зарабатывать деньги и обеспечивать себя. Чтобы не портить отношения с семьей, Иван Билибин поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета.


Но искусство не отошло на второй план. После лекций Иван Билибин писал сказки и сам же их иллюстрировал. Свои эскизы он показывал друзьям. В мемуарах «Жили-были» Ольга Яфа писала: «<...> Все гурьбой входили в гостиную, где наши гости принимались демонстрировать свои новые достижения: Иван Яковлевич показывал нам последние эскизы или читал новую сказку. В его сказках всегда говорилось о солнце, о весне, о светлых мечтах и о вдохновленных героях, и все действующие лица носили необычайно красивые и фантастичные имена».


В мае 1898 года студент сдал экзамены за второй курс и уехал на лето в Мюнхен. Это была его первая самостоятельная поездка. Иван Билибин ходил в музеи смотреть на полотна Рафаэля, Леонардо да Винчи, Рембрандта, увлекся творчеством Арнольда Бёклина и Франца фон Штука — мастеров фантазийных сюжетов. Все три месяца, проведенных в Германии, Билибин занимался в частной художественной студии Антона Ашбе. Он вспоминал: «Там я впервые хлебнул вольного духа заграничных мастерских, заразился штуко- и беклиноманией и, совершенно опьянев от новой жизни, уныло вернулся осенью в Питер».


Вдохновение Васнецовым: первые картины Билибина



Сразу по приезде, в сентябре 1898 года, Иван Билибин поступил в Тенишевскую мастерскую Ильи Репина. Занятия там проходили каждый день кроме воскресенья: знаменитый живописец преподавал по принципам Высшего художественного училища. Билибин писал: «Как же я доволен этой зимою! Так как и работаю же я! С утра до вечера занят своим любимым делом, даже среди ночи просыпаюсь и набрасываю темы для эскизов». Работа в мастерской занимала у него все время: Билибин редко ходил на лекции в университет и почти забросил учебу. Появлялся только на сессиях, чтобы сдать экзамены.


«<...> Я увидел молодого жизнерадостного, черноватого, с большой бородой для его лет студентика с курьезной подпрыгивающей походкой <...> когда Репина не было в мастерской, то одним из первых застрельщиков по части острот, веселых разговоров и общих песенок за рисованием был Иван Яковлевич <...> работающий так, что как будто рисование у него между прочим; случалось, что болтал больше с Марией Чемберс-Билибиной (будущая жена), чем рисовал, а результаты же были неплохи в рисунке».

Владимир Левитский, художник-график


Зимой 1898 года Иван Билибин посетил выставку Виктора Васнецова в Академии художеств. Главным экспонатом была только что законченная картина «Богатыри». Он вспоминал: «Сам не свой, ошеломлённый ходил я после этой выставки. Я увидел у Васнецова то, к чему смутно рвалась и о чём тосковала моя душа». Под впечатлением от картины Билибин создал акварельную иллюстрацию к «Сказке о Иване-царевиче, Жар-птице и о сером волке» и «Царевне-лягушке». Работой молодого художника заинтересовались в Экспедиции заготовления государственных бумаг: ведомство планировало выпускать книгу русских народных сказок. Билибину заказали иллюстрации. Срок выполнения — четыре года.


В 1900 году Иван Билибин окончил университет и получил диплом юриста. Он продолжил заниматься у Репина: уже осенью Билибин стал вольнослушателем Высшего художественного училища при Академии. Он говорил о своем учителе: «Бывают художественные группы, грозди цветов, где каждый отдельный художник является отдельным цветком, но, чтобы иметь представление обо всей грозди, надо взять всю совокупность. Бывают и отдельные крупные цветки, говорящие сами о себе, и таким цветком был Репин». В это же время Билибин начал сотрудничать с журналом «Мир искусства»: оформлять полосы и участвовать в выставках издания.



В 1901 году Иван Билибин работал над книгой Экспедиции: написал иллюстрации к сказкам «Марья Маревна», «Сестрица Аленушка и братец Иванушка», «Белая уточка». В следующем году художник закончил «Княгиню на теремной башне». В картине Билибин впервые применил прием разных точек зрения: зритель видел башни города и корабли сверху, а саму княгиню — как если бы находился снизу. Художник обрамлял иллюстрации в декоративную рамку: по краям листа были широкие полосы с геометрическим узором. Книга сказок, выпущенная Экспедицией заготовления государственных бумаг, сделала Билибина знаменитым: у художника появились подражатели — Эрнест Лисснер и Борис Зворыкин.


В 1902 году Иван Билибин женился на Марии Чемберс. Девушка тоже была художницей и оформляла книги: они вместе ходили в мастерскую на занятия к Репину. В браке родилось двое детей.


Во время работы над иллюстрациями Билибин задумал поездку на Север. Летом 1902 года он поехал в Вологодскую и Архангельскую губернии. В своем эссе «Народное творчество севера» художник писал: «Это — край бесконечных лесов и больших и спокойных рек, катящих свои воды на север». Иван Билибин повторил свою экспедицию в 1903 и 1904 годах, но уже с заданием от Русского музея: собрать для этнографической коллекции старинные вещи и национальную одежду. После поездок художник стал документально точно относиться к деталям — терема, костюмы теперь выписывались им с опорой на исторические книги. Под впечатлением от Севера он взялся за иллюстрации к былине «Вольга» и одновременно выполнял небольшие заказы от частных издательств: рисовал открытки с видами Архангельской губернии.


«И вот таким-то углом, где еще теплится загасая последняя искра древних русских укладов, и является наш Север. Для всякого русского исторического художника непосредственное ознакомление с Севером имеет громадное значение. Это — его Рим, это — главное место его специального художественного образования».

Иван Билибин, эссе «Остатки искусства в русской деревне»


«Имя Билибина говорит за себя»: книги, театральные декорации и карикатуры



В 1904 году Иван Билибин проиллюстрировал «Сказку о царе Салтане» Александра Пушкина. Художник работал медленно. Сначала он наносил на бумаге эскиз, потом, уже на кальке, дорабатывал все детали и переводил на ватман. Сложнее всего было провести скошенной кистью тонкие контуры фигур — за четкость линий друзья называли его «Иван — железная рука». Живописец Николай Радлов дал иллюстратору еще одну характеристику: «первый профессионал книги».


Иван Билибин выбирал цвета исходя из особенности типографских станков и продумывал толщину бумаги, поэтому после печати иллюстрации не теряли своего качества. Книга вышла в 1905 году и сразу же получила высокую оценку критиков: через несколько месяцев Русский музей Александра III приобрел оригиналы графического цикла.


Параллельно Иван Билибин брался за мелкую работу: оформлял обложки книг и журналов, рисовал открытки и афиши, рекламные плакаты для акционерных обществ, разрабатывал новые шрифты.


Художник поддержал революцию 1905 года. Либерал и антимонархист, Билибин рисовал карикатуры для сатирического журнала «Адская почта» и «Жупел». Самой известной стала «Осел» — художник изобразил осла с императорскими регалиями. В обрамлении картины Билибин использовал грифонов — символ дома Романовых. Карикатура вызвала общественный резонанс и вскоре журнал «Жупел» был закрыт. Гравер Анна Остроумова-Лебедева вспоминала: «К Билибину на квартиру явились жандармы и после тщательного обыска арестовали его... Редакция была разгромлена и весь материал увезен. Так кончил свои дни «Жупел». Через несколько дней Билибина отпустили.


В 1907 году драматург Николай Евреинов предложил Ивану Билибину выполнить эскиз декораций для Старинного театра. Художник оформил религиозную драму «Действо о Теофиле», события которой развивались в Средневековье. Билибин разбил сцену на три яруса: рай, земля и ад — так он объединил сразу несколько мест действия.


Вскоре после премьеры художника позвали в дягелевскую антрепризу. Билибин разработал дизайн костюмов к опере Мусоргского «Борис Годунов». Постановка с Шаляпиным в главной роли на сцене парижской Гранд Опера принесла славу не только певцу и Сергею Дягилеву, но и Билибину: теперь его знали еще и как театрального художника.


В 1908 году Иван Билибин нарисовал эскизы декораций к опере Римского-Корсакова «Золотой петушок». Затем были заказы на постановки «Садко», «Руслан и Людмила», а в 1910 году Билибин нарисовал костюмы для танцовщицы Анны Павловой к балету «Дочь фараона».


«Имя Билибина достаточно говорит за себя. Фантастический характер оперы нашел в талантливом художнике действительно тонкого и смелого интерпретатора <...> Сочетание красок, ослепительная в самой мягкости своей их гамма, порождают впечатление редкой гармонии и переносят восхищенного зрителя в настоящее волшебное царство».

Журнал «Обозрение театров» об опере «Руслан и Людмила» (1903 год)


Несмотря на большую занятость в театре Билибин продолжал иллюстрировать литературные произведения. В 1910 году Экспедиция заготовления государственных бумаг выпустила самое известное издание художника — «Сказка о золотом петушке». Всю серию зарисовок сразу же приобрела Третьяковская галерея. При оформлении книги Иван Билибин использовал эскизы, сделанные им ранее для одноименной оперы. Яркие цвета, гротескные образы, тщательно проработанные детали — художник выдержал единый стиль на протяжении всего издания. Главный акцент был на иллюстрациях: текст сказки был лишь в верхней части страниц.


Несколько раз в неделю Иван Билибин вел занятия по графике в школе Общества поощрения художеств, в которой в юношестве учился сам. Среди его учеников были начинающие иллюстратор Георгий Нарбут и художник театра Константин Елисеев. Ксения Воронец-Попова вспоминала: «Иван Яковлевич очень редко сам поправлял работы учеников. Но разбирал он их очень тщательно. От его внимания не ускользала ни одна необоснованно проведенная черточка. Он требовал лаконичной гармоничности рисунка…» Одна из студенток, Рене О’Коннель, стала супругой Ивана Билибина: в 1912 году он развелся с Марией Чемберс и женился второй раз.


Каир, Париж, Ленинград: эмиграция и возвращение в Россию



В феврале 1917 года монархию свергли и к власти пришло Временное правительство. Иван Билибин нарисовал эмблему Российской республики — официального символа власти, который использовался на денежных знаках и официальных бумагах. Он использовал изображение двуглавого орла времен Ивана III, только без атрибутов царской власти. За это эмблема получила прозвище «ощипанная курица». С 1992 года билибинский орел – символ Банка России.


После Февральской революции Иван Билибин стал членом Особого совещания по делам искусств при Временном правительстве. Председателем был писатель Максим Горький.


Социалистическую революцию художник не принял. Осенью 1917 года Иван Билибин вместе с женой спешно уехал из Петрограда (сейчас — Санкт-Петербург) на свою дачу в Крым. Рене О’Коннель описывала место: «Смолистый запах сосен и можжевельника, скрипение цикад, горячие скалы, шум прибоя на этом самом глубоком по берегу Крыма месте моря и полное отсутствие людей». Они прожили там до сентября 1919 года.


Зимой 1919 года вместе с отступающей белой армией Иван Билибин доехал до Новороссийска. Художник решил эмигрировать, его жена Рене О’Коннель отказалась. 21 февраля 1920 года на пароходе «Саратов» Иван Билибин отплыл из России на Кипр. Однако по пути распространился тиф, многие пассажиры заболели, и высадку запретили. Вместо этого их отправили на карантин в египетский город Александрия, а затем — в палаточный лагерь для русских беженцев под Каиром.


Зиму 1920 года Иван Билибин провел в лагере. Беллетрист Александр Яблоновский в «Письмах эмигранта» описывал быт: «Я повторяю: это зрелище общей бедности уже никого из нас не удивляет, потому что такова жизнь в нашем лагере. Чёрной работой занимаются все <...> А вот известный художник И.Я. Билибин, засучивши рукава, в паре с полковником генерального штаба тащит на носилках дрова на кухню». Весной этого же года Билибин переехал в Каир, открыл свою мастерскую и быстро разбогател: обеспеченные греки заказывали ему картины и росписи.


«Я никогда не забуду того потрясающего впечатления, когда я впервые попал в старинные мусульманские кварталы Каира, с изумительными мечетями первых времен, с его рынками и его толпою. Мне казалось, что передо мной ожила одна из страниц «Тысяча и одной ночи», и не верилось, что все это существует в натуре».

Иван Билибин, «Автобиографические записки»


В феврале 1923 года в Каир приехала Александра Щекатихина-Потоцкая, бывшая ученица Билибина. Несмотря на то, что Щекатихина-Потоцкая жила за границей, она не потеряла связь с Россией и отправляла свои эскизы на Петроградский фарфоровый завод. Билибин и Щекатихина-Потоцкая проводили много времени вместе и вскоре поженились. В 1924 году пара переехала в Александрию, а через год поселилась в Париже. Иван Билибин оформлял обложки эмигрантских изданий, рисовал афиши.



В 1929 году певица Мария Кузнецова-Бенуа заказала у Билибина эскизы декораций для оперы — она недавно основала «Частную парижскую оперу» и планировала провести сезон. За год художник оформил три постановки: «Сказку о царе Салтане», «Снегурочку» и «Сказание о невидимом граде Китеже». После премьер Иван Билибин начал получать заказы от разных театров мира. В 1931 году он разработал декорации для балета Стравинского «Жар-птица», который ставили в Буэнос-Айресе, а чуть позже сотрудничал с чешскими театрами в Брно и Праге.


В 1933 году Иван Билибин выпустил иллюстрированное издание «Сказки о рыбаке и рыбке». Александр Бенуа писал: «[Издание] является желанным подарком для наших детей, особенно для тех (число их растет), которые уже совершенно офранцузились так, что и с русской поэзией их приходится знакомить в французском переводе». В 1936 году Билибин впервые взялся за иностранную литературу — оформил «Русалочку» Ханса Кристиана Андерсона. Это сразу заинтересовало зарубежных издателей: вскоре иллюстратор подписал контракты на выпуск французских и немецких народных сказок.


В Париже Билибин познакомился с Владимиром Потемкиным — советским дипломатом во Франции. Они близко общались, и в 1935 году Иван Билибин получил заказ на роспись в здании посольства СССР. Потемкин предложил художнику вернуться на родину, и в сентябре 1936 года Билибин вместе с семьей приехал в Ленинград.


Иллюстратор стал профессором графической мастерской Института живописи, скульптуры и архитектуры. Параллельно Иван Билибин сотрудничал с театрами: он рисовал декорации для Театра оперы и балета имени Кирова и Театра Драмы имени Пушкина. В 1937 году художник выпустил серию иллюстраций к роману Алексея Толстого «Петр I», а спустя год — к «Песне про купца Калашникова» Михаила Лермонтова.


В сентябре 1941 года должна была открыться персональная выставка Ивана Билибина. Но она так и не состоялась: началась Великая Отечественная Война. Осенью того же года художник отказался от эвакуации из блокадного Ленинграда: «Из осажденной крепости не бегут, ее защищают». Билибин умер от истощения 7 февраля 1942 года. Его похоронили в братской могиле профессоров Академии художеств на Смоленском кладбище.

]]>
Иван ШмелевБиография писателя: от рассказов для детей до эпопеи об ужасах Гражданской войны.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10062/ivan-shmelevTue, 22 Oct 2019 17:05:44 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Иван Шмелев

ЛитератураПерсоныПисатель

Известность к Ивану Шмелеву пришла еще до революции, но его главные работы - эпопеи «Солнце мертвых» и «Лето Господне» - вышли уже в эмиграции. «Среди зарубежных русских писателей Иван Сергеевич Шмелев – самый русский. Ни на минуту в своём душевном горении он не перестаёт думать о России и мучиться её несчастьями», - говорил Константин Бальмонт. Шмелева называли «православным литератором» - он много писал о духовности русского человека. Дважды номинант Нобелевской премии, Шмелев так и не стал обладателем награды. Но его произведениями восхищались лауреаты Томас Манн и Кнут Гамсун.


Детство и первые творческие опыты


Иван Шмелев. Фотография: proreligiu.club

Иван Шмелев родился в Москве в семье потомственных купцов. Его дед, бывший крестьянин с монастырских земель, открыл свое дело, но незадолго до своей смерти разорился на ремонте Коломенского дворца. Выплачивать долги пришлось уже отцу, Сергею Шмелеву. Он начал бизнес заново: приобрел несколько общественных бань, пункт проката лодок и организовал артель из плотников. Мать будущего писателя, Евлампия Гавриловна, получила в московском институте благородных девиц и прекрасно знала русскую литературу. У пары было шестеро детей.


В доме у Шмелевых было шумно: в кабинет к главе семейства часто приходили работники артели, на праздники для них накрывали столы во дворе. Писатель вспоминал в «Автобиографии»: «Здесь, во дворе, я увидел народ. Я здесь привык к нему и не боялся ни ругани, ни диких криков, ни лохматых голов, ни дюжих рук. Эти лохматые головы смотрели на меня очень любовно <...> Здесь я почувствовал любовь и уважение к этому народу, который все мог». Воспитателя сыну отец нашел среди своих же мастеровых - за будущим писателям смотрел пожилой Михаил Горкин. Глубоко верующий, он много говорил Шмелеву о боге, высшей справедливости и милосердии. Религиозной была и вся семья: по вечерам они вместе читала Евангелие, а по воскресеньям - ходили в церковь.


У отца были теплые отношения с сыном. Сергей Шмелев готовил из него преемника: брал с собой на подряды, объяснял работу, разрешал сидеть в кабинете и слушать разговоры с мастеровыми. Когда будущему писателю было семь лет, отца сбросила лошадь и вскоре он скончался.


«Мы сидим в темноте, прижимаясь друг к дружке, плачем молча, придавленно, в мохнатую обивку. Я стараюсь думать, что папашенька не совсем умрет, до какого-то срока только… будет там, где-то, поджидать нас… И теперь папашеньку провожают в дальнюю дорогу, будут читать отходную. И все мы уйдем туда, когда придет срок…»

Иван Шмелев «Лето господне»


После смерти мужа мать Шмелева взяла на себя все заботы о детях. Чтобы поддерживать достаток семьи, она сдавала верхний этаж дома постояльцам. Евлампия Шмелева была раздражительной и строгой в воспитании: даже за самую небольшую провинность будущего писателя пороли, и «веник превращался в мелкие кусочки». Мать дала сыну хорошее начальное образование: его зачислили в первую московскую гимназию – одно из самых престижных учебных заведений города. Конкурс был 40 человек на место. Но Ивану Шмелеву там не понравилось, он вспоминал: «Меня подавили холод и сушь. Это самая тяжелая пора моей жизни — первые годы в гимназии. Тяжело говорить. Холодные сухие люди. Слезы. Много слез ночью и днем, много страха». В классе Шмелев сразу стал отстающим. Спустя три месяца мать перевела его в Шестую московскую гимназию недалеко от Третьяковской галереи.


Учителем словесности у Шмелева был Федор Цветаев, дядя Марины Цветаевой. В отличие от других преподавателей на занятиях он давал ученикам творческую свободу: они могли сами выбирать тему и жанр письменных работ. Цветаев первым заметил литературный талант Шмелева: за лирическую зарисовку «Летний дождь в лесу» будущий писатель получил пятерку с тремя плюсами. Ученик пробовал писать и фантастику: его рассказ про путешествие учителей на воздушном шаре на Луну передавали в школе из рук в руки.


Весной 1891 года будущий писатель познакомился с Ольгой Охтерлони. Они встретились в доме Шмелевых: на каникулах девушка навещала родственников, которые снимали комнаты на верхнем этаже особняка. Охтерлони принадлежала к обедневшему дворянскому роду, заканчивала обучение в благотворительном учреждении – Санкт-Петербургском патриотическом институте. Вскоре она переехала в Москву. Влюбленный Шмелев каждый день ходил к ней в гости, пропуская занятия. Чтобы его не отчислили, он пошел на хитрость: отправлял от имени матери объяснительные записки в гимназию. Вскоре обман открылся, но наказания удалось избежать, за ученика вступился Федор Цветаев.


В 1894 году Иван Шмелев написал рассказ «У мельницы» о рыбаке, чью жену насильно увел барин. Писатель вспоминал: «Рассказ был жуткий, с житейской драмой, от «я». Я сделал себя свидетелем развязки, так ярко, казалось, сделал, что поверил собственной выдумке». Шмелёв отправил текст в журнал «Русское обозрение», его приняли, но с публикацией не торопились. «У мельницы» вышел на страницах издания только через год. Рассказ стал первым опубликованным произведением Ивана Шмелёва.


Знакомство с цензурой


Иван Шмелев с женой Ольгой Охтерлони и сыном Сергеем. Конец XIX века. Фотография: interesnyefakty.org

В 1894 году, после окончания гимназии, Шмелев поступил на юридический факультет Московского университета. В студенческие годы он увлекся научными теориями: прочел работы натуралиста Чарльза Дарвина, социолога Герберта Спенсера, а также антрополога Шарля Летурно, который описывал социальную эволюцию человека. Шмелев вспоминал: «Я питал ненасытную жажду «знать»… это знание уводило меня от самого важного знания – от источника Знания, от Церкви».


В 1895 году Шмелев женился на Ольге Охтерлони. По просьбе религиозной невесты свой медовый месяц новобрачные провели не на курортах Кавказа, как делали их современники, а на острове Валаам. По пути Шмелевы заехали в Троице-Сергиеву Лавру получить благословение от отца Варнавы, которого Иван знал еще с детства. «Подходим, - писал Шмелев в очерке «У старца Варнавы». - Бокль, Спенсер, Макс Штирнер - все забылось. Я как будто прежний, маленький, ступаю робко <…> Кладет мне на голову руку, раздумчиво так говорит: «Превознесешься своим талантом». Всё. Во мне проходит робкою мыслью: «Каким талантом… этим, писательским?» Страшно думать».


После поездки Шмелёв написал цикл очерков «На скалах Валаама». Он назвал иноков тружениками и говорил об их силе духа, но не скрывал того, что не видит смысла в отречении от мира. Рукопись Шмелев принёс в журнал «Русское обозрение», где опубликовали первый рассказ автора. Но там писателя попросили внести правки: редакция не согласилась с критикой аскетизма. Писатель отказался и в 1897 году опубликовал цикл за свои деньги. Однако до широкой аудитории книга не дошла – весь тираж задержали по распоряжению обер-прокурора Святейшего синода Константина Победоносцева. Шмелева вызывали в Цензурный комитет, где после двух встреч с князем Николаем Шаховским он согласился сократить произведение на 27 страниц. Из очерков убрали отрывки о пьянстве и лицемерии монахов. Отредактированную версию опубликовали, но книга не пользовалась спросом, и издания пришлось продать букинисту. После этого Шмелев долго ничего не писал.


В январе 1897 года у Шмелева и Охтерлони родился сын Сергей. Семья жила скромно, денег не хватало. Иван зарабатывал частными уроками в свободное от учёбы время. К ученикам он ходил пешком: экономил на извозчиках, даже если приходилось идти в другую часть города. В 1898 году Шмелев закончил университет, и его отправили отбывать воинскую повинность.


В 1901 году Шмелев стал чиновником по особым поручениям Владимирской казенной палаты. Из-за службы семья переехала во Владимир. Он вернулся к литературе и начал писать детские рассказы: «К солнцу», «Служители правды», «Мэри» и другие. Во Владимире Шмелев много общался с простыми людьми, которые столкнулись с несправедливостью. Под впечатлением от увиденного писатель начал писать произведения о «маленьком человеке»: «Вахмистр» – о военном, который перешел на сторону революционеров из-за сына, и «Гражданин Уклейкин» – о сапожнике-пьянице, жизнь которого налаживается после революции. Критики высоко оценили произведения, и Шмелёв решил сосредоточиться на писательском деле. В 1907 году он уволился со службы и переехал обратно в Москву.


Последние годы в России


Иван Шмелев (справа) с женой Ольгой Шмелевой и сыном Сергеем. 1917. Фотография: ruskline.ru

Рассказы принесли Ивану Шмелеву известность, и он вошел в писательскую среду. На заседании Общества Любителей Русской Словесности писатель познакомился с Иваном Буниным - членом творческого кружка «Среда». В 1909 году туда вступил и Шмелев. Участниками объединения были известные литераторы: Леонид Андреев, Максим Горький, Александр Куприн. Через три года Иван Шмелев также вступил в организованное Горьким товарищество «Знание», которое владело собственной типографией.


В 1911 году Шмелев опубликовал повесть «Человек из ресторана». История о пожилом официанте, жизнь которого рушится из-за ссоры с квартирантом, понравилась критикам и либеральной и консервативной печати. Текст сразу перевели на испанский, голландский, шведский, немецкий и французский языки. В статье «Русская литература» Корней Чуковский отмечал: «<...> Иван Шмелев написал, совершенно по-старинному, прекрасную, волнующую повесть <...> Он сумел так страстно, так взволнованно, так напряженно полюбить тех Бедных людей, о которых говорит повесть, - что любовь заменила ему вдохновение <...> Рассказ для меня безукоризнен, я бы в нем не изменил ни черты, даже самые его недостатки кажутся мне достоинствами».


После Февральской революции беспорядки в Москве усиливались, и Шмелев с женой решили уехать жить в Крым. В декабре 1917 года писатель опубликовал очерк «Про модные товары», где он критиковал большевиков за то, что «у них нет любви ни к народу, ни к Родине». Весь следующий год Шмелев писал повесть «Неупиваемая чаша» о набожном крепостном, который стал художником. Она вышла отдельной книгой в 1920 году за рубежом. Автор вспоминал: «Без огня – фитили из тряпок на постном масле, – в комнате было холодно +5-6 градусов. Руки немели. Ни одной книги под рукой, только Евангелие. Как-то неожиданно написалось. Тяжелое было время».


В 1920 году Красная Армия заняла Крым. Сына литератора – Сергея Шмелёва, который воевал на стороне «белого» генерала Деникина, расстреляли вместе с другими военнослужащими. Родители ничего не знали о его судьбе: до 1922 года Шмелёвы оставались в Алуште и надеялись найти его среди живых. Работы не было, и писателю часто приходилось голодать.


«Мы в страшной нужде. Нам перестали давать и хлеб. Мы лишены заработка: ни вольных изд[ательст]в, ни журналов <...> Если бы погибнуть, но у нас не нашлось духу погибнуть: мы еще жили и живем какой-то жалкой надеждой А м[ожет] б[ыть], мальчик еще придет! Нет, не придет. Ну, я, кажется, все сказал. Да, если не удастся уехать, не разрешат, умрем, как умир[ают] животные, в закутке, в затишье, не на глазах»

Иван Шмелев, письмо переводчику Викентию Вересаеву от 21 сентября 1921 года


Из Франции о России: «Солнце мёртвых»


Слева направо: Ольга Шмелева, писательница Вера Муромцева-Бунина, писатель Иван Бунин и Иван Шмелев. 1923. Грасс, Франция. Фотография: rewizor.ru

Благодаря хлопотам друзей в Москве 13 ноября 1922 года Шмелевы смогли получить разрешение на выезд из страны. Сначала они отправились в Берлин, затем, по приглашению Ивана Бунина, приехали во Францию и с июня до начала октября гостили в его доме в Грассе. Вера Бунина записала в своем дневнике 27 июля 1923 года: «На вечерней прогулке Ив. С. опять вспоминает сына, плачет. Он винит себя, винит и мать, что не настояли, чтоб он бежал один, без них. Но все дело, конечно, что у них всех трех не было физиологического отвращения к жизни с большевиками». Финансовое положение Шмелева немного улучшилось, когда литератору назначили ежемесячную стипендию от фондов помощи русским писателям в Чехословакии и Югославии.


В Грассе Шмелев написал эпопею «Солнце мертвых» о том, чему сам был свидетелем: о войне, репрессиях и голоде. Крым для автора - зловещий мир, начало пути изгнанника. События книги разворачивались с 20 августа 1921 по март 1922 года в Алуште, Шмелев опирался на реальные факты. Произведение перевели на несколько языков. После выхода эпопеи Шмелев стал известным автором в Европе. Его произведения публиковали эмигрантские издания «Возрождение» и «Россия и славянство». В России книгу признали «антисоветской и злобной».


«Я читал Солнце Мертвых – долго; растягивал – откладывал; не то боялся, что кончится; не то боялся дальше читать; не то боялся, что я упущу что-то мимо своего духовного черпала. Это один из самых страшных документов человеческих. Мне: то казалось, что человеку от стыда нельзя больше жить на свете; то казалось, что Бог ужасается, что создал человека»

Иван Ильин, философ


В 1924 году Иван Шмелев выступил с речью на вечере «Миссия русской эмиграции». Он говорил о русской душе, самое главное свойство которой, по мнению писателя, - страстность. Вскоре литератор переехал жить в Капбретон - тихий морской городок на юге Франции. С 1925 года там же жили поэт Константин Бальмонт, известный богослов Антон Карташев, а в 1926 году приехал генерал Антон Деникин. Русские эмигранты часто проводили вместе вечера: читали новости о советской России из газет, устраивали литературные чтения. В 1927 году писатель закончил рассказ «Четов балаган». В нем Шмелев описал два пути для интеллигенции после октябрьской революции: эмигрировать или оставаться в стране и ценой собственной жизни просвещать народ. Писатель все больше писал публицистические статьи. Тексты Шмелева печатались в газетах «Россия и славяне», «Русская газета», «Возрождение» и журнале «Русский колокол».


Слева направо: генерал Антон Деникин, внучатый племянник Ивана Шмелева – Ив Жантийом, дочь генерала – Марина Деникина, Иван Шмелев, Ольга Шмелева и жена генерала – Ксения Деникина. Фотография: litfund.ru

Ивана Шмелёва дважды номинировали на Нобелевскую премию по литературе. Первым в 1931 году его кандидатуру выдвинул ректор Лейденского университета Николас ван Вейк. Спустя год за него поручился немецкий писатель Томас Манн. В письме членам Шведской Академии Манн отмечал: «Его литературные заслуги, по моему убеждению, столь значительны, что он предстает достойным кандидатом на присуждение премии. Из его произведений, которые произвели сильнейшее впечатление на меня и, смею думать, на мировую читающую публику, назову роман «Человек из ресторана» и потрясающую поэму «Солнце мертвых», в которой Шмелев выразил свое восприятие революции». Однако и в 1931, и в 1932 годах премия досталась другим литераторам.


Несмотря на благополучную жизнь во Франции, Иван Шмелев часто вспоминал о России. В письме к своему другу, критику Владимиру Зеелеру от 10 февраля 1930 года он писал: «Воздуху мне нет, я чужой здесь, в этой страшной шумом Европе. Она меня еще больше дырявит, отбивает от моего. Хоть в пустыню беги - на Афон - ищи Бога, мира, покоя души». С 1933 года Шмелев работал над автобиографической книгой «Лето господне. Праздники - Радости - Скорби» с очерками о дореволюционной Москве и купеческой жизни. Произведение написано от лица мальчика Вани. Центральный эпизод его взросления - паломничество в Троице-Сергиеву лавру. Зинаида Гиппиус в марте 1935 года писала Шмелеву: «Непередаваемым благоуханием России исполнена эта книга. Ее могла создать только такая душа, как ваша, такая глубокая и проникновенная Любовь, как Ваша. Мало знать, помнить, понимать, со всем этим надо еще любить». В 1935 году Шмелев вернулся к теме Валаама, но уже с новым взглядом на аскетизм. В рассказе «Старый Валаам» он написал о глубокой вере монахов, которая придает духовный смысл каждому их действию. В январе 1936 года он написал очерк «У старца Варнавы: К 30-летию со дня его кончины».


В 1936 году умерла жена Ольга Шмелева. Писатель тяжело переживал потерю, и чтобы отвлечься от воспоминаний он отправился в поездку в Латвию. Писатель перечитывал Священное писание, знакомился с трудами православных богословов. В письме Ильину от 31 июля 1936 года Шмелев писал: «Полное опустошение, тупость, отчаяние. Вчера – выл, зверем выл в пустой квартире. Молитва облегчает, как-то отупляет. Вера – я силой ее тяну, – не поднимает душу. Все – рухнуло». В 1937 году Шмелев опубликовал «Свет вечный. Рассказ землемера». Главный герой произведения простой мужик-землерой оказался в тюрьме за то, что помешал изъять церковное имущество.


Вторую мировую войну Шмелев провел в оккупации в Париже. Сначала он воспринял ее как освободительную и надеялся: она остановит большевиков. Однако вскоре он понял, что ошибся. Из-за войны закрылись все издания, где публиковали тексты Шмелева - у редакций не было денег на печать. В 1943 году во время авиационной бомбардировки писатель чудом избежал гибели: снаряд упал рядом с его домом и частично разрушил квартиру.


Старость писателя прошла в нищете. 24 июня 1950 он поехал посмотреть Покровский монастырь недалеко от Парижа. Там у Шмелева случился сердечный приступ, и в этот же день он скончался. В мае 2000 года прах, по завещанию литератора, перезахоронили на кладбище Донского монастыря в Москве.


Интересные факты из жизни Ивана Шмелёва


Иван Шмелев. Фотография: immigrati-on.blogspot.com

1. В детстве Иван Шмелев встречался с Антоном Чеховым - они пересеклись в библиотеке. Чехов интересовался, какие книги читал Шмелев и проверил его знания приключенческой литературы. Знакомство с писателем легло в основу рассказа «Как я встречался с Чеховым. За карасями».


2. Мать писателя изначально была против его брака с Ольгой Охтерлони. Евлампия Шмелева, даже заявила на сына в полицию: он подделывал объяснительные записки в школу, а сам уходил в гости к невесте. Шмелёв вспоминал: «Ну, и сцена была! Я сумел, мальчишка, устыдить его [пристава]— «у полиции, надеюсь, более важные обязанности, чем мешаться в мои дела» <...> Раз мать заперла шубу. В мороз я ушел в курточке. В 12-ом часу ночи меня не впустили, заперли ворота дома. Через всю Москву я побежал к замужней сестре, 12 верст! — прибежал в 2 часа ночи. Переполошил всех».


3. Голодающему Шмелеву в 1918 году отдал хлеб поклонник его творчества. Писатель пришел в лавку в Ялте обменять продовольственные карточки на ломоть. Однако продавец отказал писателю: хлеб закончился еще несколько дней назад. Вдруг к Шмелеву подошел мужчина и попросил следовать за ним. Когда они вышли из лавки, он признался, что узнал литератора, и отдал свою краюшку со словами: «Это вы написали «Человек из ресторана»? Вам хлеб есть. Я тоже человек из ресторана».


4. Факты о репрессиях и расстрелах, описанные в эпопее «Солнце мертвых» Шмелева, использовали в суде. В 1923 году в Швейцарии бывший белогвардеец застрелил советского дипломата Вацлава Воровского. Защищать убийцу вызвался известный адвокат Теодор Обер. Он превратил процесс в суд над большевизмом и предоставил список преступлений большевиков. Присяжные оправдали убийцу. Дипломатические отношения между Швейцарией и СССР разорвали.


5. В 1930 году московское бюро пропаганды опубликовало пьесу Юрия Болотова «Российский анекдот». Подзаголовок гласил, что произведение было написано по мотивам повести «Гражданин Уклейкин» Шмелева. В это время писатель являлся ярым противником большевизма. Советская обработка внесла в сюжет новые детали: появились революционеры, с которыми дружит главный герой.


6. Последние годы писатель работал над романом «Пути небесные» о послушнице Страстного монастыря Дарье Королёвой и инженере-атеисте Викторе Вейденгаммере, который в старости отказался от своих убеждений и ушёл затворником в Оптину пустынь. Это произведение Шмелёв закончить не успел.

]]>
Клара ЛучкоБиография актрисы театра и кино, исполнительницы ролей в фильмах «Кубанские казаки», «Двенадцатая ночь» и «Цыган».http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2059/klara-luchkoFri, 18 Oct 2019 17:55:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Клара Лучко

КиноПерсоныАктер кино

Клара Лучко решила стать актрисой после того, как увидела в газете объявление о наборе во ВГИК. Она окончила мастерскую Тамары Макаровой и Сергея Герасимова. Актриса запомнилась многим как «тургеневская героиня», однако Клара Лучко проявила себя в разных амплуа: сыграла бойкую колхозницу Дашу Шелест в фильме «Кубанские казаки», брата и сестру в сказке «Двенадцатая ночь», а также самоотверженную Клавдию Пухлякову в киноленте «Цыган».


Студентка мастерской Тамары Макаровой и Сергея Герасимова



Клара Лучко родилась 1 июля 1925 года в украинской деревне Чутово. Ее родители были крестьянами: отец возглавлял совхоз в селе Яковцы, а мать работала в колхозе в соседнем районе. Воспитанием будущей актрисы занималась ее тетя Акулина Лучко по прозвищу баба Киля.


Вскоре семья переехала в Полтаву. Там Клара Лучко пошла в школу. В свободное от учебы время она ходила в кино, посещала концерты приезжавших в город артистов и занималась в драмкружке. Ее любимой актрисой была Тамара Макарова.


«Почему-то мне казалось, что я похожа на Тамару Макарову. Я все ее роли знала наизусть. «Комсомольск», «Семеро смелых», «Учитель». Какие у нее глаза! Синие-синие! Всматриваясь в зеркало, я с сожалением отмечала, что у меня обыкновенные карие глаза. И в моем лице нет ничего общего с ней. Но все равно я на нее похожа! Когда дома никого не было, я надевала мамины туфли на высоком каблуке, нагревала большой гвоздь на плите и пыталась сделать завивку как у Макаровой»

Клара Лучко, «Как сейчас помню» (из книги «Я – счастливый человек»)


Когда Клара Лучко закончила седьмой класс, началась Великая Отечественная война. Ее семью эвакуировали в город Джамбул Казахской ССР (сейчас – Тараз, республика Казахстан). Там Лучко закончила школу.


Однажды в местной газете она увидела объявление о наборе студентов в мастерскую Сергея Герасимова при ВГИКе. В то время институт находился в эвакуации в Алма-Ате. Лучко выучила необходимые для вступительных экзаменов тексты – отрывок из прозы и драмы, стихотворение, басню – и поехала подавать документы. Родственники долго не хотели ее отпускать. В семье мечтали, чтобы она стала экономистом или юристом. Лучко вспоминала: «Конечно, мама и баба Киля отговаривали, плакали: как это «дытына» [дитина – Прим. ред] поедет одна, притом первый раз в жизни!».


На вступительных испытаниях Клара Лучко растерялась. Экзаменатор театральный педагог Борис Бибиков предложил ей не читать наизусть отрывки, а разыграть сценку – представить, что ее лучшая подруга тонет в реке. Актриса убедительно изобразила панику, а в конце даже расплакалась. За экзамен Лучко поставили «отлично» и зачислили в мастерскую Сергея Герасимова и Тамары Макаровой. Одногруппниками Лучко были Сергей Бондарчук, Евгений Моргунов и Инна Макарова.


Осенью ВГИКу разрешили вернуться в Москву. Клара Лучко тоже поехала в столицу вместе с остальными студентами. На четвертом курсе она впервые снялась в кино – это была одна из главных ролей в картине «Три встречи». Ее дипломной работой стал спектакль «Молодая гвардия» по роману Александра Фадеева, где Лучко сыграла участницу подпольной организации Ульяну Громову. Вскоре режиссер Сергей Герасимов предложил ей исполнить эпизодическую роль тетушки Марины в экранизации этого произведения. «Молодая гвардия» Герасимова не прославила Лучко. Несколько месяцев ей не предлагали крупных ролей в кино. В конце 1940-х годов специально для выпускников ВГИКа, которые не участвовали в съемках, открыли Театр-студию киноактера. Пригласили и Клару Лучко.


«Тургеневская героиня» и певица из кабаре: роли в фильмах



В 1949 году Иван Пырьев решил снять музыкальную комедию о соревновании двух кубанских колхозов. На пробы приходили десятки претендентов. Клару Лучко режиссер позвал на пробы лично. Она вспоминала: «Я не надеялась на большую роль, потому что Герасимов считал меня «тургеневской героиней», что и записал в моей творческой характеристике по окончании курса. Но почему бы не попробовать?». Главная роль актрисе не досталась, но в фильме она сыграла работницу колхоза «Красный партизан» Дашу Шелест. Картина вышла в советский прокат в 1950 году под названием «Кубанские казаки» и стала очень популярной – в прокате ее посмотрело более 40 миллионов человек. В советской прессе писали положительные отзывы о фильме, а героиню Лучко называли «очаровательной, бойкой колхозницей». В 1951 году за роль Даши Шелест артистке вручили Сталинскую премию второй степени.


«С «Кубанских казаков» началась моя большая жизнь в кино. И этот фильм сопровождает меня всю жизнь, пройдя через смену эпох, через череду настроений разных вождей. Он стал не только частью моей личной биографии, но и маленькой частицей биографии моей страны. Нет, пожалуй, ни одного человека старшего, да и среднего поколения, который бы не видел фильма, не знал песен, звучащих до сих пор, хотя картина снята более полувека назад. <...> Когда картина вышла на экраны, я даже не предполагала, что произойдет со мной. По радио ежедневно передавали песни «Ой, цветет калина…» и «Каким ты был, таким остался…». <...> А потом хлынули письма. Мне писали тысячи зрителей, они смотрели фильм по многу раз и все песни знали наизусть»

Клара Лучко, «Кубанские казаки» (из книги «Я – счастливый человек»)


Актрису стали часто приглашать в кино: в начале 1950-х она снялась в картинах «Донецкие шахтёры», «Вихри враждебные». О своей роли в фильме «Возвращение Василия Бортникова» она писала: «Меня Пудовкин пригласил на роль главного инженера МТС. Из всех ролей в фильме это была, пожалуй, самая плохая. Невыразительная, схематичная, сугубо производственная <...> Было обидно, что именно у Пудовкина я должна была играть такую роль. Я не чувствовала никакого внутреннего удовлетворения, я страдала».


В 1955 году Лучко сыграла в ленте режиссера Яна Фрида «Двенадцатая ночь» по одноименной комедии Уильяма Шекспира. Актрисе достались сразу две главных роли – брата и сестры Виолы и Себастьяна. Фильм был одним из самых популярных в 1955 году.


Вскоре Лучко снялась в картине «Красные листья». Изначально режиссер Владимир Корш-Саблин приглашал актрису сыграть невесту революционера Метельского Стасю Яновскую. Однако Лучко отказалась и попросила взять ее на роль певицы из кабаре Ядвиги. Артистка писала: «Я Стасю не могу играть. Подобное я уже играла. Мне вряд ли удастся создать какой-то другой характер, и будет лишь повторение пройденного». Корш-Саблин не сразу утвердил Лучко на роль Ядвиги, он тоже считал ее «тургеневской героиней». Однако в качестве пробы решил снять с ней небольшую сцену в ресторане. Актриса убедительно сыграла артистку кабаре и ей дали эту роль. После выхода фильма зрители начали присылать Лучко письма с критикой: «Один из строгих зрителей, который откликался на каждый мой фильм, написал, что всегда считал меня серьезной и вдумчивой актрисой. «А как же вас теперь понимать?» – спрашивал он после картины «Красные листья».


В следующем 1959 году Клара Лучко исполнила одну из главных ролей в детском фильме Эльдара Шенгелая и Алексея Сахарова «Снежная сказка». Кроме артистки, в картине сыграли известные уже тогда актеры Евгений Леонов и Зинаида Нарышкина, а музыку для ленты написал лауреат Сталинской премии Юрий Левитин. Изначально «Снежную сказку» планировали выпустить не только в советский прокат, но и показать на крупных международных фестивалях, в том числе в Каннах. Однако руководство «Мосфильма» увидело в картине сатиру на генсека Никиту Хрущева. Фильм не только не выдвинули на премии, но и ограничили в прокате.


В 1960-х Лучко часто снималась, но в основном в эпизодах, картинах начинающих режиссеров, выступала гостем в телевизионных программах, в том числе на «Голубом огоньке». Работала Клара Лучко и в Театре-студии киноактера – в спектаклях «Беда от нежного сердца», «Варвары» и «Суровое поле».


«Я пропал!»: личная жизнь



Со своим первым мужем, актером Сергеем Лукьяновым, Клара Лучко познакомилась на съемках «Кубанских казаков». Друг семьи – режиссер Эльдар Рязанов вспоминал: «Лукьянов – дивный актер из Вахтанговского театра, потрясающий киногерой, любимец публики, ради Клары был готов на безумства…». Лукьянов долго ухаживал за Лучко, ревновал ее к коллегам по съемочной площадке – однажды даже бросил режиссера «Кубанских казаков» Ивана Пырьева в кусты.


«Мы ждали Ивана Александровича Пырьева – он должен был утвердить наш грим. Я сидела на стуле и ждала своей очереди. Открылась дверь, и на пороге появился Сергей Владимирович Лукьянов. Он исполнял в фильме главную роль – Гордея Ворона. Увидев меня, он сказал: «Я пропал!» – и, повернувшись, ушел. <...> Его фраза, сказанная тогда в гримерной, облетела всю Москву»

Клара Лучко о встрече с первым мужем, актером Сергеем Лукьяновым (из книги «Я – счастливый человек»)


Вскоре после выхода фильма Лучко и Лукьянов поженились. В 1951 году у них родилась дочь Оксана, которая стала журналисткой. Позже она писала о своих родителях: «Когда она ходила по комнате или что-то делала, он не сводил с неё глаз…». В 1964 году Клара Лучко вместе с мужем и дочерью снялась в фильме «Государственный преступник». Это картина стала последней для Лукьянова. Актер долго болел – у него были проблемы с сердцем. В 1965 году он умер, когда выступал на собрании в театре имени Вахтангова.


Через четыре года в гостях у друзей-артистов Клара Лучко познакомилась со своим вторым мужем – журналистом «Известий» и писателем Дмитрием Мамлеевым. Они много общались, актрисе сразу понравился внимательный мужчина. Мамлеев сделал ей предложение. Они прожили в браке больше 30 лет. Артистка вспоминала: «Мой второй муж Дмитрий Федорович Мамлеев очень пришелся по сердцу и моему отцу, и моей тете – бабе Киле».


«Люди до сих пор благодарят меня за эту роль»



В конце 1960-х Клару Лучко почти перестали приглашать в кино. Ее единственной ролью этого периода стало камео в новогоднем телевизионном фильме-концерте «Похищение» 1969 года.


В 1970-х Лучко снялась в картинах о Великой Отечественной войне и революции: «Мир хижинам, война дворцам», «Море в огне», комедиях «Дача» и «Опекун». Она писала: «Я не сыграла многого из того, что хотела бы сыграть. У меня не было <...> никакой протекции в кино. Но тем не менее у меня более 60 ролей».


Популярность вернулась к актрисе после выхода на экраны четырехсерийного фильма «Цыган» режиссера Александра Бланка по роману Анатолия Калинина. Именно он пригласил Лучко на главную роль – Клавдии Пухляковой. Писатель запомнил ее еще в Театре-студии Киноактера, где она играла в спектакле по его произведению «Суровое поле». Клара Лучко рассказывала: «Когда обсуждали с режиссером, кого пригласить на роль Клавдии, Анатолий Калинин твердо сказал, что он видит только Лучко». Актера на роль цыгана Будулая Романова артистка нашла лично. Когда режиссер долго не мог подобрать подходящего кандидата, Лучко позвала на пробы своего знакомого – молдавского актера Михая Волонтира, с которым в 1977 году снималась в картине «Корень жизни». «Цыган» вышел на экраны и стал популярным. Через несколько лет Александр Бланк снял продолжение ленты под названием «Возвращение Будулая».


«Кого бы я ни играла, где бы ни выступала, все равно вспоминают Клавдию из «Цыгана». Люди до сих пор благодарят меня за эту роль. За ту большую любовь, за чистоту чувств, за доброе материнство, за самопожертвование. То есть за такие прекрасные качества, которые должны быть присущи каждой женщине, каждой матери»

Клара Лучко, «Виновата ли я…» (из книги «Я – счастливый человек»)


Общественный деятель, телеведущая, мемуаристка



После успеха «Цыгана» Клару Лучко стали чаще снимать в кино: в 1980-х она сыграла в картинах «Карнавал», «Мы, нижеподписавшиеся». На съемках фильма «Бедная Маша» в одной сцене актрисе пришлось на протяжении пяти дублей выполнять сложный трюк.


«Я стою на голове, а [Николай – Прим. ред] Трофимов играет на виолончели. Он начинает сцену и… забывает текст. А я стою на голове. Начинаем сначала. И он опять забывает. Еще раз… А я всё стою на голове. И так – пять дублей. Чувствую, что сейчас упаду. Мне захотелось стукнуть Трофимова по его голове. Но я этого, конечно, не сделала. А на экране все выглядело легко и просто»

Клара Лучко о съемках «Бедной маши» (из книги – «Я счастливый человек»)


В 1985 году после выхода ленты «Возвращение Будулая» Лучко присвоили звание Народной артистки СССР за «Заслуги в развитии советского киноискусства». Театральный режиссер и подруга актрисы Наталья Сац писала по этому поводу: «Как я рада награде, которую Вы заслужили по праву подлинной народности, простоте и чистоте в общении со всеми, кому удается общаться с Вами».


В конце 1980-х Клара Лучко занималась общественной работой: состояла в Московском городском совете в секции по культуре, выступала с лекциями по кино перед студентами театральных институтов. Актриса писала: «Я всегда старалась помочь тем, кто оказывался в трудном положении. Сколько себя помню, всегда была ходатаем по житейским делам: кому-то нужно было выбить квартиру, кого-то уложить в больницу».


После распада СССР Клара Лучко стала работать на телевидении – туда артистку пригласили друзья мужа Дмитрия Мамлеева. На канале ОРТ она вела программу «Фильмы нашей памяти», а на АСТ – «Кумиры кино». В обеих передачах Лучко беседовала с актерами и режиссерами, авторами популярных советских картин.


«Как человек ответственный, я нервничала, и меня стали одолевать сомнения – смогу ли быть автором и ведущей новой телевизионной рубрики? Не интервьюером, а собеседником. <...> Вести телевизионную передачу трудно. Я не просто ведущая, которая берет интервью у актера. Я – актриса, как и те, кто приходит в студию. И потому нужно не интервью, а беседа для зрителей, чтобы они присоединились к нам. Я прихожу в их дом, и мы все сидим, говорим о том, что нас интересует, а я только направляю эту беседу. Это очень важный метод, и зритель принял его. Почта была колоссальная»

Клара Лучко, «Будет ли победитель?» (из книги «Я – счастливый человек»)


В фильмах 1990-х годов Лучко сыграла нетипичные для себя отрицательные роли: в картине «Виновата ли я?» – женщину, которая страдает алкоголизмом, а в «Игре в смерть» – мафиози. В эти же годы актриса начала писать мемуары о своей молодости, учебе во ВГИКе, съемках и спектаклях.


В своем последнем фильме – ленте Юлия Гусмана «Парк советского периода» Лучко сыграла незадолго до смерти. В картине она снялась в камео. Озвучить «Парк советского периода» актриса не успела: она умерла у себя дома в высотке на Котельнической набережной в Москве 26 марта 2005 года. Похоронили Клару Лучко на Новодевичьем кладбище.


Последняя работа артистки – фильм «Парк советского периода» – вышел на экраны в 2006 году.

]]>
Михаил БулгаковИз медицины в литературу: история жизни автора «Мастера и Маргариты».http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8263/mikhail-bulgakovThu, 17 Oct 2019 15:45:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Михаил Булгаков

ЛитератураПерсоныПисатель

О своем творчестве Михаил Булгаков говорил так: «Черные и мистические краски, в которых изображены бесчисленные уродства нашего быта, яд, которым пропитан мой язык <...>, а самое главное - изображение страшных черт моего народа». При жизни писателя его пьесы запрещали к постановке, а повести и романы напечатали только в 1960-х. Сейчас же произведениями «Собачье сердце», «Белая гвардия», «Мастер и Маргарита» зачитываются со школы.


«Насквозь интеллигентная семья»: детство Булгакова



Михаил Булгаков родился в Киеве. Его отец, Афанасий Булгаков, был профессором Киевской духовной академии. Он свободно знал греческий, немецкий, французский, английский языки, читал на старославянском. Мать, Варвара Булгакова, работала учительницей в гимназии, но после свадьбы посвятила себя детям. Будущий писатель был старшим ребенком: позже в семье Булгаковых родились дети Вера, Надежда, Варвара, Николай, Иван и Елена. Жалования в академии не хватало, и, чтобы прокормить семью, отец кроме основной работы преподавал историю в институте благородных девиц и служил в канцелярии киевского цензора. Константин Паустовский писал в «Книге скитаний»: «Семья Булгаковых была хорошо известна в Киеве — огромная, разветвленная, насквозь интеллигентная семья <...> За окнами их квартиры постоянно слышались звуки рояля, голоса молодежи, беготня, смех, споры и пение».


Булгаковы жили в живописном месте - на Андреевском спуске. В очерке «Киев-город» писатель позже вспоминал: «Весной зацветали белым цветом сады, одевался в зелень Царский сад, солнце ломилось во все окна, зажигало в них пожары. А Днепр! А закаты!». Чтобы дети проводили больше времени на природе, родители купили дачу. С 1900 года семья переезжала каждое лето в поселок Буча недалеко от Киева - там у них был одноэтажный пятикомнатный дом с двумя верандами.


У Булгаковых часто звучала музыка. По вечерам мать играла на рояле произведения Фридерика Шопена. Иногда скрипку в руки брал отец, и родители вместе пели романсы. Детей часто водили на летние концерты в Купеческом саду над Днепром, старались достать билеты в оперу. На популярного в то время «Фауста» с Федором Шаляпиным в главной роли семья ходила несколько раз. Булгаковы также ставили благотворительные спектакли, в которых играли домочадцы. Представления проходили либо в приютах для инвалидов, либо в квартирах друзей.


Образованием детей занималась мать - «светлая королева», как называл ее Михаил Булгаков. Она прививала им любовь к чтению: в доме была большая библиотека. Сестра писателя Елена Булгакова рассказывала: «Родители, между прочим, как-то умело нас воспитывали, нас не смущали: «Ах, что ты читаешь? Ах, что ты взял?». У нас были разные книги». Михаил Булгаков читал произведения Александра Пушкина и Льва Толстого, приключенческие романы Фенимора Купера и сказки Михаила Салтыкова-Щедрина. Его любимым писателем был Николай Гоголь. Булгаков рано начал писать и сам. Он сочинял короткие рассказы о городских жителях.


В 1901 году Михаила Булгакова зачислили в самую престижную школу города - Первую Киевскую мужскую гимназию. Учеба давалась ему легко: первый, второй, третий и шестой классы будущий писатель закончил с наградами. Воспитание в гимназии было прогрессивным: к ученикам обращались на «вы» и разрешали высказывать собственное мнение. Вместе с будущим писателем учился Константин Паустовский. Он вспоминал: «Никто не давал таких едких и «припечатывающих» прозвищ как Булгаков <...> «Ядовитый имеете глаз и вредный язык, - с сокрушением говорил ему инспектор Бодянский. - Прямо рветесь на скандал, хотя выросли в почтенном профессорском семействе!». Михаил Булгаков пел в гимназическом церковном хоре, играл в футбол и катался на коньках.


«Булгаков был переполнен шутками, выдумками, мистификациями. Все это шло свободно, легко, возникало по любому поводу. В этом была удивительная щедрость, сила воображения, талант импровизатора <...> Существовал мир, и в этом мире существовало как одно из его звеньев - его творческое юношеское воображение»

Константин Паустовский, писатель


«Хохотали под венцом ужасно»: женитьба и учеба на медицинском факультете



В 1907 году от болезни умер отец Михаила Булгакова. Мать осталась одна с шестью детьми. Киевская духовная академия выплачивала семье ежемесячную пенсию, однако ее не хватало. Тогда Варвара Булгакова стала преподавать на вечерних женских курсах. Как старший сын Михаил Булгаков начал искать работу, чтобы помочь матери: он занимался репетиторством, а летом служил кондуктором на железной дороге. Несмотря на денежные трудности, все дети продолжали учиться в престижных гимназиях Киева. Мать говорила: «Я не могу вам дать приданое или капитал. Но я могу вам дать единственный капитал, который у вас будет, — это образование».


В 1909 году Михаил Булгаков окончил гимназию и получил аттестат. В июле этого же года он поступил на медицинский факультет Киевского университета. Выпускник быстро определился с профессией: два его дяди со стороны матери работали врачами в Москве и Варшаве, и оба прилично зарабатывали. Этот фактор стал решающим.


В 1911 году Булгаков познакомился с Татьяной Лаппа, которая приехала из Саратова к родственникам на каникулы. Ее тетя дружила с матерью Булгакова, и будущего писателя попросили показать девушке город. Татьяна Лаппа вспоминала: «Целыми днями, не замечая усталости, мы бродили по киевским улицам и паркам, посещали музеи. Куда только он меня не водил. Часто бывали на Владимирской горке <...> А вечерами шли в Оперный театр». Они влюбились в друг друга, однако вскоре Татьяне Лаппа пришлось вернуться домой. Сестра Булгакова писала в дневнике: «Он все время стремится в Саратов, где она живет, забросил занятия в университете, не перешел на 3 курс».


В следующий раз влюбленные увиделись только в 1912 году, когда Татьяну Лаппа приняли на историко-филологическое отделение киевских Высших женских курсов. В 1913 году они обвенчались. Денег не было: пара не умела экономить и тратила то, что переводил отец Лаппа, в тот же день.


«Фаты у меня, конечно, никакой не было, подвенечного платья тоже — я куда-то дела все деньги, которые отец прислал. Мама приехала на венчанье — пришла в ужас. У меня была полотняная юбка в складку, мама купила блузку. Почему-то хохотали под венцом ужасно. Домой после церкви ехали в карете. На обеде гостей было немного. Помню, много было цветов, больше всего — нарциссов»

Татьяна Лаппа, первая жена Булгакова


Когда началась Первая мировая война, Михаил Булгаков учился на четвертом курсе. Раненых было много, и студентов-медиков отправляли дежурить в лазарет Красного Креста. В госпиталь сестрой милосердия устроилась и Татьяна Лаппа. В 1915 году во время призывной кампании в университете Булгаков записался добровольцем на фронт, однако из-за хронической болезни почек его признали «негодным к несению военной походной службы».


Земский доктор



В 1916 году Булгаков сдал выпускные экзамены и получил «степень лекаря с отличием». Будущий писатель даже не стал дожидаться торжественного вручения дипломов: он уехал на Юго-западный фронт добровольцем Красного Креста. Летом 1916 года там часто шли бои - генерал Брусилов начал знаменитую операцию «Брусиловский прорыв». Михаил Булгаков работал в фронтовом госпитале сначала в Каменце-Подольском, потом в освобожденном городе Черновцы. Однако в сентябре его отозвали. Все опытные врачи ушли на фронт, и в сельских больницах катастрофически не хватало людей. Тогда недавних выпускников медицинских факультетов стали вызывать со службы и распределять по отдаленным деревням. Михаил Булгаков получил назначение в Смоленскую губернию - он стал заведующим и единственным врачом Никольской земской больницы Сычевского уезда.


Работа была тяжелой, Булгаков делал все: принимал роды, ампутировал руки и ноги, лечил нарывы. В отчетности управы писали: «Он зарекомендовал себя энергичным и неутомимым работником на земском поприще». За год молодой врач принял 15361 больного. В этот период Булгаков начал писать рассказы о том, что происходило с ним во время работы: «Звездная сыпь», «Полотенце с петухом», «Стальное горло». Позже они вошли в цикл «Записки юного врача». В 1917 году он заразился дифтерией, когда лечил больного ребенка. Чтобы уменьшить боль, Булгаков вколол себе морфий. Вещество сразу вызвало зависимость.


В сентябре 1917 года Михаила Булгакова по его просьбе перевели в Вяземскую больницу. Он стал заведующим инфекционным и венерическим отделением.


«И вот я увидел их вновь наконец, обольстительные электрические лампочки! На перекрестке стоял живой милиционер <...> в будке торговали вчерашними московскими газетами, содержащими в себе потрясающие известия, невдалеке призывно пересвистывались московские поезда. Словом, это была цивилизация, Вавилон, Невский проспект»

Михаил Булгаков, рассказ «Морфий»


В декабре 1917 года Булгаков поехал в Москву за разрешением вернуться в Киев, но получил отказ. В городе были беспорядки - шла революция. Булгаков писал: «Недавно в поездке в Москву мне пришлось видеть воочию то, что больше я не хотел бы видеть. Я видел, как толпы бьют стекла в поездах, видел, как бьют людей. Видел разрушенные и обгоревшие дома в Москве. Видел голодные хвосты у лавок, затравленных и жалких офицеров».


От белого военврача до работника ревкома



Освобождение от службы Булгаков получил только в феврале 1918 года. Врач с женой сразу же вернулся в Киев. Их поезд был одним из последних - вскоре город захватили германские войска и началась оккупация. Михаил Булгаков решил специализироваться на венерологии и открыл частный прием. Поборол зависимость от морфия. Теперь по вечерам он писал. Булгаков задумал цикл «Записки юного врача», отрывки которого читал отрывки домашним.


Власть в Украине постоянно менялась. После немецкой оккупации страной управлял гетман Скоропадский, потом были Симон Петлюра и Украинская Народная республика, которых сместила Красная Армия. Булгаков писал: «В 1919 году, проживая в городе Киеве, последовательно призывался на службу в качестве врача всеми властями, занимавшими город». Ему приходилось скрываться или убегать. Татьяна Лаппа вспоминала, как муж избежал мобилизации в армию Петлюры: «Он потом рассказал, что как-то немножко поотстал, потом ещё немножко, за столб, за другой и бросился в переулок бежать. Так бежал, так сердце колотилось, думал инфаркт будет». Однако в сентябре 1919 года Булгакову сбежать не удалось - его направили военным врачом во Владикавказ. Жена решила ехать вместе с ним.


В феврале 1920 года белогвардейцы покинули Владикавказ - на город наступали красные. Уехать вместе с армией Булгаков не мог: незадолго до этого он заболел тифом. А когда выздоровел, в городе уже заседал революционный комитет. Нужно было решать, как зарабатывать на жизнь. Диплом врача грозил очередной мобилизацией и отправкой в места боевых действий, поэтому Михаил Булгаков решил сменить специальность и стать писателем.


Он устроился на работу во Владикавказский ревком, где заведовал литературной и театральной секцией. Булгаков отнесся к своим обязанностям ответственно: почти каждый день он организовывал литературные вечера, публичные чтения, лекции по истории культуры. Параллельно ставил на театральной сцене пьесы, которые писал сам. В 1920 году состоялись две премьеры: комедия о бандах времен Гражданской войны «Самооборона» и драма о крахе старых идеалов «Братья Турбины». Михаил Булгаков писал своему двоюродному брату Константину: «Турбины» четыре раза за месяц шли с треском успеха <...> Как бы я хотел, чтобы ты был здесь, когда «Турбины» шли в первый раз. Ты не можешь себе представить, какая печаль была у меня в душе, что пьеса идет в дыре захолустной, что я запоздал на четыре года с тем, что я должен был давно начать делать – писать».


Первые литературные произведения



В 1921 году Михаил Булгаков переехал в Москву. Сначала он работал хроникером в «Торгово-промышленном вестнике», после его закрытия перешел в газету «Рабочий», а потом устроился обработчиком писем в издание «Гудок». Денег катастрофически не хватало, и Булгаков брался за любую работу. В своем дневнике от 26 января 1922 года он писал: «Вошел в бродячий коллектив актеров: буду играть на окраинах. Плата 125 за спектакль. Убийственно мало. Конечно, из-за этих спектаклей писать будет некогда. Заколдованный круг <...> Питаемся с женой впроголодь». Фельетоны и очерки для «Гудка» тогда писали известные литераторы: Илья Ильф и Евгений Петров, Валентин Катаев, Юрий Олеша, Исаак Бабель. С апреля 1922 года к ним присоединился и Михаил Булгаков. Тексты писателя публиковали почти в каждом номере газеты - в этот период вышли юмористические рассказы «Похождения Чичикова», «Красная корона», «Чаша жизни». Булгаков высмеивал мещан, приспособленцев и лгунов. Часто он черпал идеи из записок, которые присылали в редакцию рабочие корреспонденты.


Параллельно бывший врач писал для эмигрантского просоветского издания «Накануне». В литературном приложении газеты опубликовали первые главы из повести «Записки на Манжетах» - частично автобиографического произведения о голодной жизни современного писателя. Спустя полгода вышла вторая часть текста, на этот раз в журнале «Россия».


Михаил Булгаков все больше времени уделял литературе. В 1923 году он начал работу над романом «Белая гвардия». Днем он писал фельетоны для «Гудка», вечерами трудился над произведением. Татьяна Лаппа вспоминала: «Писал ночами «Белую гвардию» и любил, чтоб я сидела около, шила. У него холодели руки, ноги, он говорил мне: «Скорей, скорей горячей воды»; я грела воду на керосинке, он опускал руки в таз с горячей водой». В романе описывались события Гражданской войны на Украине через жизнь большой интеллигентной семьи. У всех героев были прототипы - родственники или киевские друзья Михаила Булгакова. Писатель даже дал семье девичью фамилию своей бабушки - Турбины. В очерке «Мне приснился сон» он писал: «Помнится, мне очень хотелось передать, как хорошо, когда дома тепло, часы, бьющие башенным боем в столовой, сонную дрему в постели, книги и мороз». Булгаков сравнивал роман с «Войной и миром»: персонажи поневоле оказались в центре политических событий и должны были сделать выбор.


Летом 1923 года Булгаков написал «Дьяволиаду» - повесть о делопроизводителе Короткове, которого свела с ума советская бюрократия. Произведение опубликовали в 1924 году журнале «Недра». После выхода текста писатель Евгений Замятин отметил: «У автора, несомненно, есть верный инстинкт в выборе композиционной установки: фантастика, корнями врастающая в быт, быстрая, как в кино, смена картин <...> Абсолютная ценность этой вещи Булгакова - уж очень какой-то бездумной - невелика, но от автора, по-видимому, можно ждать хороших работ». Михаил Булгаков писал быстро. Уже осенью 1923 года он завершил рассказ «Ханский огонь». Вскоре Булгаков вступил во Всероссийский союз писателей.


МХАТ и Театр имени Вахтангова: Булгаков - драматург



Зимой 1924 года на вечере газеты «Накануне» Михаил Булгаков познакомился с Любовью Белозерской. Во время революции она вместе с мужем эмигрировала во Францию, потом развелась и вернулась в советскую Россию. Вскоре Булгаков расстался с Татьяной Лаппа и женился на Белозерской.


«Нельзя было не обратить внимания на необыкновенно свежий его язык, мастерский диалог и такой неназойливый юмор. Мне нравилось все, принадлежавшее его перу <...> Одет он был в глухую черную толстовку без пояса, «распашонкой». Я не привыкла к такому мужскому силуэту; он показался мне слегка комичным, так же как и лакированные ботинки с ярко-желтым верхом, которые я сразу окрестила «цыплячьими»

Любовь Белозерская, мемуары «О, мед воспоминаний»


В 1924 году Михаил Булгаков написал фантастическую повесть «Роковые яйца». Литератор перенес действие произведения в будущее, в 1928 год. Повесть принесла Булгакову известность: ее напечатали сразу в двух журналах - «Недра» и «Красная панорама», а в 1925 году она вошла в первый сборник писателя «Дьяволиада». Горький писал в письме Михаилу Слонимскому 8 мая 1925 года: «Булгаков очень понравился мне, очень <...>». В этом же году в журнале «Россия» были опубликованы две части романа «Белая гвардия». Произведение Булгаков посвятил своей новой жене. Однако целиком «Белая гвардия» не была опубликована: журнал разорился, и печать последней части произведения отменили.


В апреле 1925 года Михаил Булгаков получил письмо от режиссера Бориса Вершилова. Тот предложил писателю поставить роман «Белая гвардия» на сцене студии МХАТ. Для этого требовалось переработать его в пьесу. Через несколько дней с Булгаковым связались и из Театра имени Вахтангова - просьба была такой же. Писатель сделал выбор в пользу МХАТа. Все лето Булгаков адаптировал произведение для театра. Педагог и критик Павел Марков 6 июня поторапливал Булгакова: «Театр очень заинтересован в обещанной Вами пьесе <...>». В сентябре писатель уже читал черновую версию труппе. У драмы было новое название - «Дни Турбиных».


Взамен «Белой гвардии», которую Булгаков отдал во МХАТ, писатель пообещал Театру имени Вахтангова новую пьесу. В декабре 1925 года он закончил «Зойкину квартиру». По сюжету, главная героиня открыла в своей квартире дом свиданий под видом швейной мастерской. Булгаков говорил: «Это трагическая буффонада, в которой в форме масок показан ряд дельцов нэпманского пошиба в наши дни в Москве».


Осенью 1926 года прошли сразу две премьеры Булгаковских пьес. 5 октября в МХАТе сыграли «Дни Турбиных», а 28-го в Театре имени Вахтангова состоялась премьера «Зойкиной квартиры». «Дни Турбиных» за первый месяц показали 13 раз, и все время в зале был аншлаг. Так же популярна была и «Зойкина квартира». Однако критики пьесу не приняли: Булгакова ругали за сочувствие белому движению, «домашнюю контрреволюцию» и «идеологию стопроцентного обывателя».


«Ныне я уничтожен»: обыск, запреты и звонок Сталина



7 мая 1926 года в квартиру к писателю пришли с обыском. Политбюро начало кампанию против сменовеховцев - эмигрантов, которые выступали за примирение с Советской Россией. Несколькими днями ранее был арестован и выслан за границы Исайя Лежнев - редактор журнала «Россия», где печатался Михаил Булгаков.


«В один прекрасный вечер, - так начинаются все рассказы, - в один прекрасный вечер на голубятню постучали (звонка у нас не было) и на мой вопрос «кто там?» бодрый голос арендатора ответил: «Это я, гостей к вам привел!». На пороге стояли двое штатских: человек в пенсне и просто невысокого роста человек - следователь Славкин и его помощник с обыском»

Любовь Белозерская, вторая жена Булгакова


Во время обыска у Булгакова изъяли дневник и сатирическую повесть «Собачье сердце». Историю профессора Преображенского, который превратил бездомного пса в грубого, малограмотного, но успешного в советских реалиях Шарикова, писатель надеялся напечатать в альманахе «Недра». Однако в Госбезопасности произведение охарактеризовали так: «...такие вещи, прочитанные в самом блестящем московском литературном кружке, намного опаснее бесполезно-безвредных выступлений литераторов 101-го сорта на заседаниях «Всероссийского Союза Поэтов». Вернуть рукопись удалось только через три года: за писателя вступился Максим Горький. Повесть так и не была напечатана при жизни автора, но текст распространялся в самиздате.


После успешного дебюта Михаил Булгаков написал для МХАТа еще одну драму о гражданской войне - «Бег». События пьесы происходили в начале 1920-х годов: белое движение уже потерпело поражение, бывшие генералы, преподаватели, епископы лишились всего и вынуждены были эмигрировать. Потерянные и беззащитные герои пьесы рассуждали о жизни, долге и семье. Во время работы над этим произведением Булгаков во многом опирался на воспоминания своей жены, Любови Белозеровой, которая сама эмигрировала во время революции. В мае 1928 года Константин Станиславский писал: «Бег» был принят театром восторженно, но Главреперткомом не разрешен к постановке. «Бег» запрещен». Резолюцию главного комитета по контролю за репертуаром поддержал Иосиф Сталин: он лично прочел пьесу.


«Бег» есть проявление попытки вызвать жалость, если не симпатию, к некоторым слоям антисоветской эмигрантщины, – стало быть, попытка оправдать или полуоправдать белогвардейское дело. «Бег», в том виде, в каком он есть, представляет антисоветское явление»

Иосиф Сталин, «Ответ Билль-Белоцерковскому»


В 1929 году Главрепертком снял с репертуара все пьесы Булгакова. Писатель остался без дохода, бухгалтерия МХАТа требовала вернуть аванс за непоставленную пьесу «Бег». Булгаков писал брату Николаю в Париж: «Я сейчас уже терплю бедствие. 15-го марта наступит первый платеж фининспекции <...> Полагаю, что если какого-нибудь чуда не случится, в квартирке моей миленькой и сырой вдребезги <...> не останется ни одного предмета. Барахло меня трогает мало. Ну, стулья, чашки, черт с ними! Боюсь за книги!». В июне 1929 года Булгаков написал письмо Иосифу Сталину и Михаилу Калинину с просьбой разрешить выезд из СССР. Ему отказали. Тогда литератор подал заявление о выходе из Всероссийского Союза писателей.


Осенью 1929 года Михаил Булгаков написал новую пьесу - «Кабала Святош». Главным героем стал Мольер - неудобный для короля и духовенства писатель, которому постоянно пытались навредить другие герои. Произведение сначала разрешили к постановке, однако 18 марта 1930 года Главрепертком изменил свое решение: по мнению чиновников, Булгаков в пьесе проводил аналогию между бесправным положением писателя при тирании монарха и при диктатуре пролетариата. В этот же день, вернувшись домой, писатель сжег черновики романа «Театр» о закулисье и наброски «Романа о дьяволе». Вскоре Булгаков написал в Правительство СССР: в нем он повторил просьбу об эмиграции.


«Ныне я уничтожен. Уничтожение это было встречено советской общественностью с полной радостью и названо «достижением». Скажу коротко: под двумя строчками казенной бумаги погребены - работа в книгохранилищах, моя фантазия <...> Я прошу принять во внимание, что невозможность писать для меня равносильна погребению заживо»

Михаил Булгаков, письмо Правительству СССР


18 апреля 1930 года в квартире Булгакова раздался телефонный звонок. Говорил Сталин: «Вы где хотите работать? В Художественном театре?» — «Да, я хотел бы. Но я говорил об этом — мне отказали». «А вы подайте заявление туда. Мне кажется, что они согласятся». В мае 1930 года Булгакова зачислили на должность ассистента режиссера во МХАТ.


Последние годы писателя: работа в театре и роман «Мастер и Маргарита»



В театре Булгаков занимался инсценировкой - он собирался ставить «Мертвые души» и «Войну и мир». Писатель говорил своему другу Павлу Попову: «И вот к концу своей писательской работы я был вынужден сочинять инсценировки. Какой блистательный финал, не правда ли? Я смотрю на полки и ужасаюсь: кого, кого еще мне придется инсценировать завтра? Тургенева, Лескова, Островского? Последний, по счастью, сам себя инсценировал, очевидно предвидя то, что случится со мною в 1929 и 1931 году».


В 1932 году Михаил Булгаков развелся с Любовью Белозерской и женился на Елене Шиловской. С ней писатель познакомился на вечере у друзей. Шиловская была замужем за высокопоставленным чиновником. Когда ее отношения с Булгаковым открылись, супруг Шиловской отказался давать развод и запретил видеться с писателем. Однако спустя год он сдался и разрешил жене уехать. Шиловская помогала Булгакову во всем: печатала под диктовку произведения, вела все его дела.


В 1933 году Булгаков вернулся к «Роману о дьяволе». Литератор писал Вересаеву: «Задыхаясь в моих комнатёнках, я стал марать страницу за страницей наново тот свой уничтоженный три года назад роман. Зачем? Не знаю. Я тешу себя сам! Пусть упадёт в Лету!». Булгаков долго подбирал название: роман назывался то «Консультант с копытом», то «Копыто инженера», то «Гастроль (Воланда)». В первом, сожженном варианте Мастера и Маргариты не было вообще: герои появились уже во второй версии. Прототипом Маргариты стала третья жена Булгакова Елена Шиловская. Тогда же история Иешуа и Понтия Пилата из главной линии романа превратилась в сочинение Мастера.


Во время работы над «Мастером и Маргаритой» писатель делал выписки из богословских трудов, энциклопедических словарей и философских учений. Тетради были поделены на темы: «О дьяволе», «Иисус Христос», «О боге». Поэт Константин Симонов говорил: «Этот роман, по-моему, лучшая вещь Булгакова, а если говорить об истории Христа и Пилата, то это вообще одни из лучших страниц русской литературы 20-го века». К 1938 году роман был готов, однако править его Булгаков продолжал до своей смерти.


Параллельно Михаил Булгаков инсценировал произведения для театра: адаптировал «Дон Кихота», написал драму о Пушкине «Последние дни», сочинил либретто «Рашель» по мотивам рассказов Ги де Мопассана.


Осенью 1939 года писатель серьезно заболел. В феврале 1940-го он продиктовал последние правки к роману «Мастер и Маргарита». 10 марта того же года писатель скончался. Его тело кремировали, а прах захоронили на Новодевичьем кладбище.

]]>
Эдуард Хиль1http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10028/eduard-khilWed, 16 Oct 2019 11:35:07 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Эдуард Хиль

МузыкаПерсоныИсполнитель

В детстве Эдуард Хиль мечтал стать художником, однако в юности увлекся музыкой. Он окончил Ленинградскую консерваторию и уже на первом курсе стал солистом «Ленконцерта». Артист пел на «Голубом огоньке» и «Песне года», а на его зарубежные концерты приходили Мирей Матье и Шарль Азнавур.


Солист «Ленконцерта»


Эдуард Хиль. Фотография: edhill.narod.ru

Эдуард Хиль родился 4 сентября 1934 года в Смоленске. Отец певца Анатолий Хиль был механиком, а мать Елена Калугина работала бухгалтером. Вскоре после его рождения родители расстались, Эдуард Хиль остался жить с матерью.


В 1941 году началась Великая Отечественная война. Детский сад, в который ходил Эдуард Хиль, эвакуировали в Пензенскую область. Позже его воспитанников поместили в детский дом в посёлке Раевский под Уфой, и Хиль потерял связь с родителями. Мать нашла и забрала его только спустя два года.


После окончания войны Хиль вернулся в Смоленск и пошел в школу. Учился он хорошо, много рисовал и мечтал поступить в Мухинское училище (сейчас – Санкт-Петербургская художественно-промышленная академия имени А.Л. Штиглица). В 1949 году будущий певец закончил школу и поехал в Ленинград. Поступать в Мухинское училище Хиль не стал. Позднее он писал: «Я приехал, но оказалось, что учиться надо семь лет, а дяде, предоставившему мне жилплощадь, и без меня было очень трудно — своя семья большая. Так что не мог я на столько лет сесть ему на шею». Вместо этого Хиль подал документы в Ленинградский полиграфический техникум.


Еще во время учебы он увлекся музыкой: посещал концерты, покупал пластинки своего любимого певца Федора Шаляпина, ходил в Мариинский театр, а затем поступил в оперную студию Дворца культуры имени Кирова. После окончания техникума его приняли на подготовительное отделение Ленинградской консерватории, а в 1955 году без экзаменов зачислили в класс пения Евгения Ольховского и Зои Лодий.


Уже с первого курса Хиль начал выступать на сцене – его приняли солистом в «Ленконцерт». Он пел партии из «Евгения Онегина», «Пиковой дамы», «Свадьбы Фигаро» и вскоре стал лауреатом ленинградского фестиваля «Белые ночи» за исполнение роли графа Эльфора в опере «Черное домино» Даниэля Обера. Участвовал певец и в концертах народной и эстрадной музыки.


«Я полюбил эстрадную песню»



«Как хорошо быть генералом (Баллада о капрале)». Музыка Вадима Гамалея. Слова Михаила Танича. Исполняет Эдуард Хиль. Из фильма Ленинградского телевидения «Концертная программа №5» (1970)


В 1960 году Эдуард Хиль закончил Ленинградскую консерваторию. После выпуска он начал работать в ее оперной студии. Артист продолжил выступать с партиями из произведений Петра Чайковского, Модеста Мусоргского, Шарля Гуно и других композиторов. Как сотрудник «Ленконцерта», он исполнял эстрадные песни, ездил в гастроли по СССР. Хиль вспоминал: «Я полюбил эстрадную песню, понял, какие большие возможности заключены в ней». В 1962 году на выступлении в Центральном доме работников искусств в Москве начинающего певца зрителям представил Леонид Утёсов. В том же году Хиль стал лауреатом Всероссийского конкурса артистов эстрады. Он исполнил песни «История про бублики», «Путь к причалу», «Маритана».


В эти же годы карьера Хиля чуть не оборвалась. На концерте в Военно-воздушной инженерной академии он исполнил песню «Как хорошо быть генералом» на слова Михаила Танича. После этого выступления на Хиля подали жалобу в Главное политическое управление Советской армии. Кто-то из присутствовавших на концерте генералов, посчитал песню оскорбительной из-за ее припева:


«Как хорошо быть генералом,
Как хорошо быть генералом!
Лучшей работы
Я вам, сеньоры, не назову!
Стану я точно генералом,
Буду я точно генералом,
Если капрала, если капрала переживу»


Хиля вызвали в Политуправление. Почти год артист почти не давал концертов, а его песни не крутили по радио. Ему помогло вмешательство Юрия Гагарина, который по просьбе Хиля обратился в Политуправление и объяснил, что в песне речь идет об итальянских, а не советских генералах. Певец вернулся к выступлениям, а с Юрием Гагариным дружил и по его совету спел композицию Пахмутовой «Обнимая небо».



В следующие несколько лет Хиль участвовал в советских и международных музыкальных конкурсах: Фестивале советской песни 1965 года, фестивале эстрадной песни в Сопоте в Польше. В 1966 году он получил бразильскую музыкальную премию «Золотой петух» за исполнение композиции «А люди уходят в море». На советской эстраде Хиль выступал с песнями «Я шагаю по Москве», «Зима» («У леса на опушке…»), «Не плачь, девчонка», «Трус не играет в хоккей» и другими. Его приглашали на телевидение. Хиль пел на «Голубом огоньке» и «Песне года». Об исполнителе писали советские газеты и журналы.


«...В песне будто рассказывает о себе или об одном из тех парней, что слушают его. Он и рыбак, и шофер, и строитель, и альпинист – словом, парень, ладно скроенный и крепко сшитый, любитель острого словца, неугомонный путешественник и искатель, оптимист и удачник. Он нашел свой образ во множестве песен о современнике. И эта песня нашла в его лице, пожалуй лучшего своего интерпретатора»

«Оптимист Эдуард Хиль», журнал «Смена», 1966 год, №1


В 1967 году Эдуард Хиль получил Государственную премию СССР за исполнение песен композитора Андрея Петрова, а в следующем году – звание Заслуженного артиста РСФСР. Музыковед Валериан Богданов-Березовский писал о нем: «Эдуард Хиль подкупает слушателей непосредственностью исполнения, тонкой музыкальностью и всем своим обликом современного молодого интеллигентного человека».



В 1970-х Хиля стали приглашать в жюри музыкальных конкурсов. Песни для него писали Аркадий Островский, Александра Пахмутова, Оскар Фельцман и другие. В репертуар Хиля вошли патриотические, военные песни, романсы и шутливые композиции. В журнале «Советская эстрада и цирк» писали: «Хиль любит располагать песни в резко контрастном порядке. Нелегко переключаться от патетики к шутке, от лирики к гротеску, но зато такая смена настроений позволяет держать публику в напряжении. <...> На концерте Хиля никогда не знаешь, что тебя ждет впереди». Выступал артист и в дуэте. С ним пели Людмила Сенчина, Эдита Пьеха, Бен Бенцианов.


Исполнитель ездил с гастролями и за границу. Он пел на концертах в Швеции, Японии, странах Латинской Америки. В 1973 году в составе советской делегации Хиль отправился на X Всемирный фестиваль молодежи и студентов в Берлин, где стал лауреатом. Через год артист получил еще одно звание – Народного артиста РСФСР. Продолжал певец ездить и на гастроли по СССР, в том числе в небольшие провинциальные города.


«Во время дней культуры Ленинграда на Алтае мне со своим ансамблем «Камертон» довелось принимать участие в десяти концертах. И знаете, что в первую очередь чувствовал, когда выходил на концертную сцену? Сердечное тепло зрителей, хорошо знающих советские песни. Сейчас нельзя разделить зрителей на столичных и провинциальных. <...> Одинаково строгая требовательность, знание популярного эстрадного искусства»

Эдуард Хиль, из интервью «Алтайской правде», 1978 год


Песни Хиля становились саундтреком советских фильмов. Композиция «Как хорошо быть генералом» прозвучала в картине «Я водолаз 2» Владимира Хмельницкого, «Море не кончается нигде» в ленте Владимира Чеботарева «Кольцо из Амстердама», а «Планету оборудуем на совесть» в «Фактах минувшего дня» Владимира Басова.


В 1980-х Хиль преподавал вокал в Ленинградском государственном институте театра, музыки и кинематографии (сейчас – Российский государственный институт сценических искусств). Его учениками были музыканты Олег Погудин и Евгений Дятлов. В те же годы Хиль начал вести передачу «У камина» на Ленинградском телевидении, в которой он рассказывал о русских романсах и старинных песнях. В ней участвовали известные советские исполнители и композиторы, среди которых были Исаак Шварц и Таисия Калинченко.


Личная жизнь и увлечения


Эдуард Хиль со своей женой Зоей Правдиной. Фотография: kulturologia.ru

Со своей женой – балериной Зоей Правдиной – Эдуард Хиль познакомился во время учебы в консерватории. Правдина танцевала в кордебалете в опере «Черное домино», где пел Хиль. Они поженились в декабре 1958 года и прожили вместе больше 50 лет.


У Правдиной и Хиля был один ребенок – сын Дмитрий. Он закончил Хоровое училище имени М.И. Глинки. Дмитрий Хиль работал исполнителем и композитором, был музыкальным руководителем петербургского театра «Буфф». В 1997 году родился внук Хиля, его назвали в честь деда - Эдуардом. Он тоже учился в Хоровом училище имени М.И. Глинки. Вместе с сыном и внуком Эдуард Хиль выступал в телепрограмме «Папа, дедушка и я - музыкальная семья», а затем и в сценическом трио.


Хиль увлекался живописью, много рисовал и хорошо готовил – придумывал собственные рецепты. В последние годы жизни артист много времени проводил на даче, увлекался садоводством, скрещивал разные сорта плодовых деревьев.


Известность за границей: «Я очень рад, ведь я наконец возвращаюсь домой»



Вокализ «Я очень рад, ведь я наконец возвращаюсь домой». Музыка Аркадия Островского. Исполняет Эдуард Хиль


После распада Советского союза Эдуард Хиль стал чаще выезжать за границу. С гастролями он побывал в США, несколько лет выступал в парижском кабаре «Распутин». На его концерты приходили известные французские исполнители, в том числе Мирей Матье и Шарль Азнавур. Во Франции вышел и первый компакт-диск с песнями артиста под названием «Le Temps de L'Amour» («Пора любви»).


В конце 1990-х Хиль вместе с сыном Дмитрием выступал в составе группы «Хиль и сыновья». Артист пел и на концертах. В 2003 году, специально к трехсотлетию Санкт-Петербурга, он написал и исполнил песню «Петербург».


В 2010 году видео, на котором Хиль исполняет вокализ – небольшое музыкальное произведение без слов – «Я очень рад, ведь я наконец возвращаюсь домой» композитора Аркадия Островского, стало одним из самых популярных в интернете. За месяц видеозапись набрала около 5 миллионов просмотров - рекордное в то время количество. В США исполнителя стали называть «The Trololo Man» («Мистер Трололо»). Пародии на Хиля появились во многих американских шоу и мультфильме «Гриффины». Использовали композицию и в кинематографе – в фильме «Мобильник» по одноименному роману Стивена Кинга и боевике «Тихоокеанский рубеж 2».


В 2010-х Хиль лечился от проблем с сердцем, но продолжал давать концерты, в том числе за рубежом. В апреле 2012 артиста госпитализировали в одну из поликлиник Санкт-Петербурга. Через несколько месяцев, 4 июня 2012 года, Эдуард Хиль скончался. Певца похоронили на Смоленском кладбище Санкт-Петербурга.

]]>
Алексей БалабановОт «Брата» до «Груза 200» – история жизни культового режиссера современности.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10147/aleksei-balabanovTue, 08 Oct 2019 16:50:21 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Алексей Балабанов

КиноПерсоныРежиссер

После выхода на экраны криминального фильма «Брат» Алексея Балабанова называли «культовым режиссером современности». Затем были картины «Про уродов и людей», «Война», «Морфий», «Кочегар». Его обвиняли в жестокости и неполиткорректности, а на «Груз 200» билеты отказывались продавать даже кассиры. «Он вызывал раздражение, отторжение и даже «нерукопожатие», но, без сомнения, был гениальным режиссером своего времени», - говорил актер Виктор Сухоруков в программе «В гостях у Гордона».


Хулиган и картежник: детство режиссера


Алексей Балабанов в детстве. Фотография: uznayvse.ru

Алексей Балабанов родился в Свердловске (сегодня – Екатеринбург). Его родители на тот момент еще были студентами: отец учился на последнем курсе юридического факультета, мать заканчивала медицинский. После университета Октябрин Балабанов стал корреспондентом областной молодежной газеты «На смену». Редактором издания был будущий министр культуры РСФСР Юрий Мелентьев, с которым они стали не только коллегами, но и друзьями. Когда Мелентьев уехал в Москву, своим преемником он назначил Балабанова-старшего. Вскоре отец будущего режиссера перешел на работу в Свердловскую киностудию, где был редактором в отделе научно-популярных фильмов. По его сценариям сняли картины «Чугунное кружево», «Слово о севере», «Уральский опыт».


Мать, Инга Балабанова, после рождения сына решила продолжить свое обучение: она поступила в ординатуру и занялась научной работой. В 35 лет она защитила докторскую, а в 1972 году стала директором Свердловского института курортологии и физиотерапии. Работа предполагала частые командировки, в том числе и за границу.


Родители много работали, воспитанием сына они почти не занимались. Алексей Балабанов рассказывал о своем детстве: «Я рос хулиганом, много стрелял из рогатки. Делал «бомбы» и подкладывал в урны, раньше железные такие были, и ждал реакции прохожих. Играл в карты». Мама настояла на том, чтобы Алексей Балабанов учился в школе с углубленным изучением иностранного языка: английский он занимался со второго класса.


В старших классах Алексей Балабанов вместе со своим другом Евгением Горенбургом создали музыкальную группу «Кери». Будущий режиссер был гитаристом. Молодые люди играли популярные песни The Beatles, Deep Purple, Led Zeppelin. В 1976 году Балабанов закончил школу. На вручение аттестата он пришел без двух зубов: накануне выпускного вечера Балабанов подрался из-за девушки.


Эфиопия, Сирия, Ангола: Балабанов - военный переводчик



Сразу после окончания школы Алексей Балабанов поступил на переводческий факультет в Горьковский педагогический институт иностранных языков в Нижнем Новгороде. Позже он вспоминал: «[Родители] ткнули — мне все равно было, где учиться. Я в Политехнический собирался, потому что все туда шли из школы, хотя в физике вообще ничего не понимал. Ни в физике, ни в химии. Но все поступали в УПИ, Уральский политехнический, он самый большой, целый город. Но родители решили по-другому — я им благодарен». В 1980 году режиссер провел полгода на стажировке в Великобритании: сначала две недели жил в Лондоне, остальное время - в Манчестере. Из поездки Балабанов привез много пластинок зарубежной музыки. Когда вернулся в Россию, стал диджеем университетских дискотек. Будущий режиссер часто ходил в кино и завел себе дневник, куда записывал впечатления от просмотра фильмов.


«На третьем курсе лингвистического института я понял, что буду работать в кино. Неважно кем, мне было все равно. Любой ценой — но в кино»

Алексей Балабанов


В июне 1881 года Алексей Балабанов закончил институт. Следующие два года режиссер служил в армии. В военкомате предложили распределение на выбор: авиация с вылетами в страны ближнего востока или служба в Эфиопии. Балабанов выбрал первое. Для того, чтобы пройти отбор, он выучил таблицу для проверки зрения – к полетам допускали только тех, кто видел все строчки, а у режиссера была близорукость. Осенью 1881 года выпускника отравили в качестве военного переводчика в Йемен. «В данный момент чувствую себя прекрасно, хотя мне и не дали ни кровати, ни подушки <...> Дали 11 динар — израсходовал только 4, что делать с остальными не знаю. Жалко купил только один набор ручек, а надо было и папе и маме <...> Да, допуска мне, пожалуй, не дадут, но может быть завтра искупаюсь в океане, и это будет здорово. Завтра в Эфиопию и обратно сюда», - писал Балабанов в своем дневнике 24 декабря 1881 года.


Алексей Балабанов летал в Анголу, Эфиопию, Экваториальную Гвинею, Сирию. Чтобы чаще совершать вылеты, а не находиться в управлении, режиссер занимался английским с сыном майора, который отвечал за график полетов. О происходящем в тот момент в Афганистане он узнавал от сослуживцев.


«Я в первый раз понял, что такое война, когда в Эфиопии мы садились в машину и мне сказали — садись за водителем. Чтоб прикрыться. Понял, да? С одной стороны цинично, а с другой — рационально. Такое было первое ощущение войны — что здесь могут убить»

Алексей Балабанов (интервью мужскому журналу «Медведь»)


За несколько месяцев до окончания службы режиссера уволили из авиации: сначала опоздал на рейс в Венгрии, потому что покупал музыкальные пластики, а потом отправил другу анекдот про первого секретаря ЦК Леонида Брежнева. Балабанов вспоминал: «Анекдот такой: «Смотрит Брежнев в зеркало и говорит: «Ох уж мне этот Тарковский». Они его не поняли наверняка. Не поняли – но, так как про Брежнева...Это я написал в письме человеку, который поступал на операторский факультет». Его перевели в военно-морской флот и отправили переводчиком на верфь по ремонту подводных лодок в Риге.


Путешествия на край света, первые фильмы и свердловский рок



В 1983 году Алексей Балабанов демобилизовался из армии. Отец смог договориться о его поступлении во Всероссийский государственный институт кинематографии (ВГИКе) на сценарное отделение научно-популярных фильмов. Однако проучился Балабанов там недолго: на первом же экзамене преподаватель раскритиковал его рассказ «День рождения», и он забрал документы из института. В интервью для книги «Балабанов» режиссер рассказывал: «Он мне говорит: «Вот по твоему сценарию будут снимать кино. Как ты сделаешь, что вода обжигает ноги?» Я посмотрел и подумал: «Чего, дурак, что ли?». Уехал с сессии и больше не приезжал». Он вернулся в родной город и устроился на Свердловскую киностудию. Его взяли третьим помощником режиссера – на самую низкую должность. Работа предполагала частые командировки: фильмы снимали на Дальнем Востоке и крайнем Севера, в Сибири. Когда у Балабанова было свободное время, он ходил в Свердловский рок-клуб. Там он подружился с Вячеславом Бутусовым и Дмитрием Умецким - основателями музыкальной группы Nautilus Pompilius.


В 1987 году он успешно прошел вступительные испытания и поступил на Высшие режиссерские курсы в Москве. Алексей Балабанов попал на курс «Авторское кино» к известному режиссеру Борису Галантеру. В этом же году снял свой первый короткометражный художественный фильм «Раньше было другое время». Картина появилась случайно: знакомый студент-оператор попросил Балабанова помочь ему с курсовой работой. Съемки проходили в Свердловске. Режиссер за ночь написал сценарий и привлек в качестве актеров своих знакомых рок-музыкантов. Эта была история девушки, которую предал возлюбленный. Основное действие разворачивалось в ресторане, где играли Nautilus Pompilius. Музыканты «уральской волны» снялись и в двух следующих фильмах Балабанова: «У меня нет друга» о гитаристе Егоре Белкине и «Настя и Егор» о непростой любви между двумя рок исполнителями.


Во время обучения Алексей Балабанов жил в общежитии. Там он познакомился с Сергеем Сельяновым, который учился на отделении игрового кино. До режиссерских курсов Сельянов уже работал редактором на Леннаучфильме и подпольно снял картину «День ангела». Они быстро подружились. В интервью для фильма «Балабанов» режиссера Любови Аркус Сельянов рассказывал: «Познакомились и сразу заговорили о кино. И через несколько минут стало ясно, что мы как-то очень про него одинаково понимаем. Говорим по-разному, наверное, но чувствуем одинаково. Как в «Маугли»: мы с тобой одной крови, ты и я».


В Москве Балабанов встретил свою будущую жену Ирину. Они познакомились на вечеринке общих друзей, и он сразу же в шутку предложил пожениться. Вскоре свадьбу сыграли по-настоящему. У них родился сын Федор, и Ирина Балабанова переехала с ребенком в Свердловск, где с воспитанием помогали родители режиссера.


Театр абсурда: экранизация Беккета и Кафки



В 1990 году Алексей Балабанов успешно окончил курсы и переехал в Ленинград. Сергей Сельянов помог другу устроиться работать на Ленфильм в мастерскую к знаменитому режиссеру Алексею Герману. Через год Балабанов принялся за съемки фильма «Счастливые дни». Сценарий был создан по мотивам творчества ирландского писателя Сэмюэла Беккета. Главный герой картины - маленький человек без имени и прошлого скитается по городу и становится для прохожих каждый раз другим человеком. Мужскую роль исполнил актер Виктор Сухоруков.


«На «Счастливых днях» [Балабанов] заставил меня надеть ботинки на полразмера меньше, тесные. Мы снимали зимой на кладбище, я ноги себе отморозил. Говорю ему: «У меня ноги мерзнут…» А он: «Ничего-ничего, потерпи…» Потом оказалось, что это все специально. Ему нужно было, чтобы мои мучения через глаза передавались»

Виктор Сухоруков (программа «В гостях у Дмитрия Гордона»)


Кинолента вышла в прокат в 1991 году. На ее премьерный показ в «Дом кино» пришла Надежда Васильева - художник по костюмам «Ленфильма». В интервью Юрию Дудю Васильева вспоминала: «Сидела в зрительном зале и смотрела «Счастливые дни». Даже не обратила внимание, кто его представлял на сцене <...> И я поняла, что за этого человека я бы хотела выйти замуж. Потому что на экране был мир человека очень близкого мне по духу». Лично познакомились уже на киностудии: Балабанов занимался свой второй картиной - экранизацией романа Франца Кафки «Замок». Они полюбили друг друга. Балабанов развелся с первой женой, и сделал предложение Надежде Васильевой.


В 1992 году Сергей Сельянов, Василий Григорьев и Алексей Балабанов совместно со студией «Ленфильм» основали кинокомпанию СТВ. Все свои дальнейшие фильмы Балабанов снимал при ее участии. К 100-летию кинематографа в 1995 году режиссер выпустил короткометражку «Трофимъ», которая вошла в альманах «Прибытие поезда». Балабанов переснял знаменитый фильм братьев Люмьер, добавив туда главного героя. В центре внимания оказался один из пассажиров поезда - деревенский мужик, который из ревности убил родного брата топором и сбежал из села.


Сразу же после «Трофима» Алексей Балабанов хотел приступить к съемкам фильма «Про уродов и людей». Сценарий картины уже был готов. Однако идея снять киноленту про первых производителей порнографии не понравилась продюсерам, а своих денег у режиссера не было. Чтобы заработать, Балабанов решил снять массовое кино о бандитах и музыкантах.


«Брат» - культовое кино 1990-х



В 1996 году на российском кинофестивале «Кинотавр» Алексей Балабанов познакомился с Сергеем Бодровым-младшим. Актер снялся в фильме «Кавказский пленник» и получил приз за «Лучшую мужскую роль». Балабанов вспоминал: «Он мне очень понравился тогда. Я Сереже предложил: «Давай кино вместе сделаем. Только у меня денег нет». Он говорит: «Ну давай». Я ему рассказал идею «Брата». Бодров согласился. Они быстро нашли общий язык и стали близкими друзьями. Бюджет фильма был 100 тысяч долларов – маленький по меркам киноиндустрии. Экономили на всем: съемки проходили в квартирах и на дачах друзей режиссера, играли в своей одежде. Актеры Сергей Бодров, Виктор Сухоруков, Светлана Письмиченко снялись в фильме бесплатно.


«Иностранцы снимали «Анну Каренину». Они уехали, и мне говорит один знакомый: «Серега, тебе не нужна пленка?» Американцы оставили – коробки вскрыты, но замотаны. <...> Пленка оказалась хорошая, свежая – «Кодак», никаких проблем с ней не было. <...> Кто имел машину – возил на машине. По квартирам знакомых снимали. У меня была какая‑то своя световая аппаратура. Гримерши сосиски с картошкой варили на обед»

Сергей Астахов, оператор (Мария Кувшинова «Балабанов»)


Фильм закончили за 31 день, и уже в 1997 году он вышел на большой экран. Криминальная драма о Даниле Багрове, который переехал из провинции в Петербург и стал киллером, сразу стала культовой. Персонажа Сергея Бодрова называли «героем нового поколения». Балабанов говорил о фильме: «Это жизненный опыт, вот и все. Это рассказы людей. Я меня было пару таких знакомых, которые вернулись с войны и стали бандитами. Но тогда их было немерено просто в стране». Большое внимание режиссер уделял музыке: в картине участвовали группы Nautilus Pompilius, «Чиж», «Аквариум», «Колибри» и гитарист «ДДТ».


Восемь героев «Брата» говорят с экрана не своими голосами: Алексей Балабанов переозвучивал актеров. Роль Виктора Сухорукова, который играл старшего брата Данилы Багрова, дублировал Алексей Полуян. В интервью Юрию Дудю Надежда Васильева рассказывала: «Он считал, что звучание - это съемка фильма во второй раз. Главное для него [Балабанова] было совместить несовместимые вещи: роль одна, ее сыграл артист. А потом эту же роль сыграл другой артист. А он это взял и вместе склеил. Это же интересно. Появляется дополнительная энергия».


«Я вот, если откровенно, все время думаю об этом фильме, моем герое, и у меня перед глазами возникает такая картинка. Сидят люди первобытные у костра. Пещера. Кругом хаос первобытный. Звери ходят, ящеры всякие. И вдруг один человек встает и говорит: «Вот сейчас будет так - нужно защищать брата, нужно защищать женщину, нужно защищать слабого!» И это единственные слова, которые звучат в этом хаотичном первобытном мире»

Сергей Бодров, актер


В 1997 году фильм «Брат» показали в каннской программе «Особый взгляд». Картина получила гран-при «Кинотавра», «Золотую медаль» на фестивале в итальянском Триесте и премию «Ника» в номинации лучший фильм.


Любимый фильм Балабанова: «Про уродов и людей»



«Брат» имел коммерческий успех. Заработав деньги, Алексей Балабанов вернулся к сценарию фильма «Про уродов и людей». Снимал в своей коммунальной квартире в Петербурге: высокие потолки и голландская печь помогали воссоздать атмосферу начала XX века. По сюжету, господин Иоганн одержим порнографическими фото и хочет зарабатывать на их производстве. В качестве бизнес-партнера он зовет интеллигента Путилова. Главные роли сыграли Сергей Маковецкий и Виктор Сухоруков - актеры, которые уже работали с режиссером в его других картинах. В интервью Юрию Дудю Сергей Сельянов вспоминал: «Леша с актерами не то, что не разговаривал. Он не репетировал. Он видел человека и понимал, подходит он ему или нет <...> Главной его репликой была «перетопил». Значит переиграл. Он говорил артистам: «Не играй». Не играй и все». Несмотря на появление технологии цифровой съемки, Балабанов снимал на пленку.


«Пленка сделана из коров – из желатина. Это живая субстанция. Она сохраняет энергию, которую ты отдаешь. А цифра энергии не передает. «Кодак» специальных коров выращивает, особый сорт, из которого потом делают пленку. Вот я на ней и снимаю»

Алексей Балабанов (интервью журналу «Медведь»)


Алексей Балабанов считал фильм «Про уродов и людей» лучшим в своей режиссерской карьере. Премьера состоялась в 1998 году на Каннском кинофестивале. Картину высоко оценили критики: второй год подряд фильм Балабанова стал лучшим на премии «Ника».


«В чем сила, брат?»: Балабанов о бандитах, Якутии и войне



В 2000 году Алексей Балабанов взялся за вторую часть фильма «Брат». Режиссер задумал продолжить историю героев, но уже в жанре комедии. Некоторые эпизоды снимали в США. В интервью для книги «Балабанов» режиссер говорил: «Брат-2 — дорогое кино и попсовое. Оно как раз народу-то нравится, больше чем первый <...> Народ рыдал в зале, с народом когда смотришь второй фильм, они реагируют совсем по-другому, чем на первый <...> Это такой восторг». В картине было еще больше музыки, чем в первой части «Брата»: композиции исполнили «Сплин», «БИ-2», Земфира, Чичерина, «Агата Кристи», «Океан Ельзи».


Параллельно режиссер работал над сценарием фильма «Река» о жизни прокаженных якутов. Балабанов хотел экранизировать повесть «Предел скорби» польского этнографа Вацлава Серошевского. Съемки проходили в Мурманской области. Работу прервала трагедия: исполнительница главной роли Туайра Свинобоева погибла в автокатастрофе. Она была в одной машине с Балабановым и его семьей. На одном из поворотов автомобиль занесло, и он вылетел с трассы. Все кроме актрисы выжили, но получили серьезные травмы. Режиссер решил не продолжать работу над фильмом. Через несколько лет после аварии отснятый материал смонтировали как короткометражку: эпизоды соединили закадровым текстом.


В 2002 году Алексей Балабанов выпустил картину «Война» о второй чеченской войне. Съемки проходили в относительно спокойной Кабардино-Балкарии, жили в домах у местный жителей. Во время работы творческую группу охранял специальный отряд быстрого реагирования. До приезда на Кавказ режиссер тщательно готовился: смотрел хронику, встречался с командующими войск в Чечне, собирал истории пленных. Состав актеров был интернациональными. Главные роли исполнили Алексей Чадов, Ингеборге Дапкунайте и британский актер Иэн Келли. Они по несколько часов сидели в выкопанных ямах: Балабанов считал, что кино про войну нельзя снимать в павильонах с декорациями.


«Несчастный Йен по-русски вообще ни слова не говорил, а Дапкунайте живет в Англии. И он все время кидался к ней, жаловался, как его заставили сидеть в яме, как его заставили лезть в реку, как он там чуть не утонул, как Балабанов кому-то прямо при Йене сказал, что он плохой актер. И Инга терпеливо объясняла, что русские всегда так работают, что у русских такая практика, что русские всегда орут, а если начинают стрелять, то исключительно настоящими патронами. Поэтому у русских принято по-настоящему тонуть и по-настоящему спасаться»

Сергей Бодров в интервью журналисту Елене Кутловской


Для большей достоверности Балабанов пригласил непрофессиональных актеров: многих чеченцев играли местные жители, русских военных - реальные солдаты. Один из дней чуть не закончился этническим конфликтом: съемочный вертолет случайно сбросил снаряд на старое кладбище, и оно загорелось. Успокоить местных жителей смог только бывший чеченский капитан, охранявший съемочную группу.


«Неудобный» режиссер: триллер «Груз 200»



20 сентября 2002 года в Кармадонском ущелье погиб близкий друг Алексея Балабанова Сергей Бодров. Режиссер тяжело пережил потерю. В интервью для фильма «Балабанов» Любови Аркус Сельянов говорил: «Балабанов до Кармадона и после — это разные люди. То есть, конечно, это один и тот же человек… Алеша хотел быть там. Вот это его преследовало, что он не оказался вместе с Сережей, Мариной, Володей, с другими близкими нам, близкими ему людьми. И это чувство его не отпускало». Чтобы помочь другу выйти из кризиса, он предложил Балабанову снять два фильма по чужим сценариям. Сначала в прокат вышла черная комедия «Жмурки», потом - мелодрама «Мне не больно». В 2004 году режиссер занимался кинолентой «Американец», однако она так и осталась незавершенной: приглашенный актёр не смог продолжить съемки.


В 2007 году Алексей Балабанов приступил к работе над фильмом «Груз-200». Картина была готова быстро: месяц ушел на сценарий, полтора месяца на съемку. В основу легли реальные события: режиссер рассказал историю девушки, которую похитил милиционер. В фильме много жестокости и насилия. Прочитав сценарий, от главной роли отказались актеры Сергей Маковецкий и Евгений Миронов. В итоге утвердили Алексея Полуяна. Анжелику сыграла студентка Щукинского училища Агния Кузнецова.


«Это же очень спорная с точки зрения нравственности картина... Да, это все на самом деле было. А очень многие детали я почерпнул из личного опыта. 1984-й год для меня лично был временем расцвета. Я был молодым, только из армии пришел. Но именно тогда я и мое поколение в целом почувствовали, что все скоро рухнет. Вот этот момент я и хотел передать на экране - момент распада страны, духовного распада конкретных людей, таких вот, как главный герой, этот милиционер. Получилось жестко, но и время было таким»

Алексей Балабанов


Фильм вызвал неоднозначную реакцию. Когда картина вышла в прокат, кассиры отказывались продавать билеты на сеанс и отговаривали посетителей. На фестивале «Кинотавр» главный приз присудили Балабанову. Однако затем руководство премии решило поделить первое место между «Грузом 200» и картиной Алексея Попогребского «Простые вещи». В знак протеста некоторые критики отказались от судейства на фестивале и написали Открытое письмо в Правление Гильдии киноведов и кинокритиков: «Задача критиков в том, чтобы поощрять — а в некоторых случаях защищать — «неудобных» художников, не работающих в расчете на фестивальные призы и широкое одобрение».


Последние годы - «автобиография» в кино



В 2008 году Алексей Балабанов снял драму «Морфий». Сценарий был написан Сергеем Бодровым по мотивам одноименного рассказа Михаила Булгакова. Режиссер взялся за экранизацию в память о погибшем друге. В интервью Юрию Дудю Надежда Васильева рассказывала: «У него на площадке все по струнке ходили… Он снимал очень быстро, мы не разу не выходили из графика. Он брал первые дубль, второй и третий снимал на всякий случай».


Съемки картины «Кочегар» начались в день рождения режиссера - 25 февраля 2010 года. История якута, который отомстил за смерть своей дочери, снималась в Кронштадте. Главный персонаж картины, Михаил Скрябин, внешне был похож на самого Алексея Балабанова: тельняшка, панама «афганка». Критики отмечали, что небольшая кочегарка Скрябина - метафора внутреннего состояния режиссера, запертого, растерянного и окруженного смертью. В фильме есть отсылки на предыдущие работы режиссера. Еще более «автобиографичная» последняя кинолента Балабанова «Я тоже хочу» 2012 года. По сюжету, пять человек едут к мистической Колокольне счастья. В картине режиссер сыграл сам себя, и счастье по сюжету ему не положено. У него есть маленькая реплика: «Режиссер, член Европейской киноакадемии». Это был первый фильм Балабанова, снятый на цифровую камеру.


18 мая 2013 года Алексей Балабанов скончался. Причиной смерти стал сердечный приступ. Режиссер был в санатории «Дюны» в Сестрорецке - городе недалеко от Петербурга. Там он работал над новым сценарием. Балабанова похоронили на Смоленском кладбище Санкт-Петербурга.


Интересные факты



1. Возвращаясь из Великобритании, студент Алексей Балабанов привез с собой много пластинок с западными хитами. Свою коллекцию винила режиссер снял в эпизоде комедии «Жмурки».


2. Знаменитая песня «Я хочу быть с тобой» Вячеслава Бутусова родилась у музыканта в квартире Балабанова в Свердловске. Режиссер рассказывал: «Мы пили, пили, а потом он выходит с кухни и начинает петь. Все замерли. И всё! Все поняли, что это хит, суперхит. Он пел и играл на моей гитаре».


3. Любимая одежда режиссера - тельняшка. Балабанов ходил в ней постоянно: и дома, и на съемках. Белую рубашку и костюм для кинофестивалей он брал напрокат.


4. Алексей Балабанов еще со времен режиссерских курсов мечтал снять фильм по роману Владимира Набокова «Камера обскура». Однако купить права на экранизацию произведения не удалось: Балабанову не удалось договориться с сыном писателя.

]]>
Виктор ДрагунскийИстория актера, который описал проделки сына и стал классиком детской литературы.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10015/viktor-dragunskiiWed, 09 Oct 2019 14:00:43 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Виктор Драгунский

ЛитератураПерсоныПисатель

Сюжеты рассказов Виктора Драгунского многим российским читателям знакомы с детства: его герой, школьник Денис Кораблев, выкидывал из окна кашу, прятался под кроватью старушки и пел песню «папа решает, а Вася сдает». Однако большую часть жизни писатель был артистом - играл в Театре сатиры и даже выступал на цирковой арене.


«Артист из тебя точно получится, а писатель — нет»: детство и юность Драгунского


Виктор Драгунский с матерью Ритой Драгунской. Фотография: persons-info.com

Виктор Драгунский родился в Нью-Йорке. К тому моменту его родители жили в Америке уже год: они уехали из родного Гомеля сразу после свадьбы. Семья отца, Юзефа Перцовского, владела в Белоруссии магазином одежды. Мать будущего писателя, Рита Драгунская, была дочерью учителя русского языка и литературы.


В Нью-Йорке родители Драгунского прожили недолго: с рождением ребенка перестало хватать денег, и в 1914 году они вернулись в Гомель. Виктор Драгунский шутил: «Да, я родился в Нью-Йорке, но американский образ жизни произвел на меня такое отталкивающее впечатление, что уже через полгода я вернулся на родину».


Когда Драгунскому исполнилось 5 лет, умер его отец. Через несколько месяцев мать вышла замуж во второй раз. Ее супругом стал большевик Ипполит Войцехович - член белорусского революционного комитета. В 1920 году он погиб в бою с белогвардейцами. Спустя два года третьим мужем Риты Драгунской стал актер еврейского театра Менахем-Мендл Рубин. Мать и сын ездили с артистом на все гастроли. Рубин учил Виктора Драгунского громко и выразительно читать стихи, отбивать чечетку и пародировать. Иногда он давал приемному сыну эпизодическую роль в спектакле. Отчим был для Драгунского кумиром: с первого выхода на сцену мальчик мечтал стать актером, как он.


В 1925 году семья переехала в Москву. Там Рубин создал свою труппу и вскоре эмигрировал в США. Денег не хватало, и чтобы помочь матери, тринадцатилетний Драгунский начал работать. После уроков он катал на лодке туристов по Москве-реке и перевозил жителей столицы с одного берега на другой. А в 1929 году, когда закончил семь классов средней школы, стал учеником токаря на заводе «Самоточка».


В 1931 году, возвращаясь с работы, Виктор Драгунский увидел объявление о наборе учеников в литературно-театральную мастерскую режиссера Алексея Дикого. Будущий писатель прошел прослушивание и стал по вечерам ходить на занятия. Драгунский так описывал Дикого: «Он любил повторять слова Марка Твена о том, что «морщины должны быть следами улыбок», — но на адовых репетициях и на ночных прогонах мы понимали, что совсем не от веселой жизни лицо его иногда напоминало изрезанный трещинами серый камень на морском берегу». Большое внимание на курсах уделялось литературе: студенты изучали древнегреческие трагедии, средневековые романы, пьесы эпохи Просвещения. Тогда же Виктор Драгунский написал свои первые рассказы и прочитал их режиссеру. Прослушав несколько произведений, Алексей Дикий ответил: «Не писал бы ты ничего, дружок. Артист из тебя точно получится, а писатель — нет».


В 1935 году Виктор Драгунский закончил курсы и устроился на работу в Театр транспорта (сегодня - Московский драматический театр им. Николая Васильевича Гоголя). Там он познакомился со своей будущей женой, артисткой Еленой Корниловой. Вскоре у них родился сын Леонид. В 1937 году Драгунский перешел в Театр Сатиры: режиссер Николай Горчаков пригласил его после смотра молодых талантов. Первым спектаклем актера на новой сцене стала комедия «Таланты» по одноименной пьесе Константина Финна. Драгунский играл роль начинающего актера, которого никто не принимал всерьез. У него была еще одна эпизодическая роль - безумный ученый Евстигнейка в пьесе Максима Горького «Дети». Режиссер Борис Голубовский писал в книге «Шаг в профессию»: «От Драгунского ждали аттракциона, фортелей, в лучшем случае - иронию, и вдруг в спектакле, совершенно вразрез со всем строем, зазвучал трагический аккорд! Судьба загубленного таланта сразу изменила настроение зрительного зала. Ясно, что перпетум мобиле Евстигнейка не выдумает, ну а вдруг? Его вера заражала окружающих».


От цирка до собственного театра пародий: актерская карьера


Виктор Драгунский (слева) в роли радиодиктора в художественном фильме Михаила Ромма «Русский вопрос», 1947

В 1941 году началась Великая Отечественная война. Из-за хронической болезни Виктора Драгунского не взяли в армию. Тогда он записался в ополчение. Осенью 1941 года подразделение актера отправили в Можайск - строить укрепления для обороны Москвы. В автобиографической повести «Он упал на траву» Драгунский писал: «Через час огромный вал свежеотрытой коричневой земли протянулся по трехверстному фронту. Это было ослепительное начало. Мы смотрели и не верили, что это сделали мы. Мы гордились этой комковатой неприбранной землей, и, хотя самое трудное было впереди, мы уже видели, что сможем - можем, черт побери!». Однако немцы обошли укрепление, и отряд Драгунского попал в окружение. Спустя несколько недель в живых осталась только треть отряда. Актера наградили медалью «За оборону Москвы». С 1943 года и до конца войны Виктор Драгунский вместе с другими артистами ездил по разным фронтам и давал концерты для солдат.


В 1944 году Драгунский работал в цирке клоуном. На арену он всегда выходил в ярко-рыжем парике. Сценарии для выступлений прописывал сам. В повести «Сегодня и ежедневно» актер говорил: «Я терпеть не могу такие номера, где клоуна бьют молотком по голове или разбивают о его лоб сырые яйца. Люди должны не жалеть меня, а гордиться мною. Они должны любить меня так, как они любят солдата из народных сказок, смекалистого солдата, который сумел сварить суп из топорища». В этот же время Драгунский начал писать фельетоны.


После войны он устроился в Театр киноактера, основная труппа которого состояла из артистов «Мосфильма». Драгунский в кино не снимался. На работу его пригласил учитель, режиссер Алексей Дикий. В 1947 году актер впервые получил роль в фильме: он сыграл радиодиктора в картине Михаила Ромма «Русский вопрос». Виктора Драгунского редко задействовали в постановках: в это время в театре работало много знаменитых артистов - Инна Макарова, Нина Алисова, Борис Андреев. Тогда он решил создать собственный «театр в театре».


В 1948 году появилась «Синяя птичка» - объединение, в которое вошли артисты Театра киноактера. Они устраивали капустники. Сначала это были небольшие концерты пародий: Драгунский и поэтесса Людмила Давидович сочиняли юмористические стихи и песни. Некоторые из них позже стали популярными на эстраде: «Теплоход» исполнял Леонид Утесов, «Три вальса» - Клавдия Шульженко. Постепенно количество номеров увеличивалось. В театре играли Всеволод Санаев и Зиновий Гердт, Борис Сичкин и Евгений Весник, а чуть позже на сцену вышли молодые Ролан Быков и Юрий Яковлев. Людмила Давидович вспоминала: «Успех был ошеломляющий. Толпы осаждали Дом актера ВТО, где «Птичка» нашла пристанище. Все хотели видеть, над чем смеются и что изображают: ведь время такое, что не до смеха было». Актеры высмеивали современную театральную жизнь в условиях цензуры. В одной из сценок артист выходил на сцену с текстом пьесы и начинал ножницами обрезать у листа «острые углы» - сразу же появлялись новые, и, в конце концов, от произведения ничего не оставалось.


«Драгунский был превосходный выдумщик, и мне не раз приходилось быть свидетелем, как блистательно работала его фантазия. Беглый штрих человеческого поведения, шутка, смешной поворот, неловкость, что-то милое и трогательное – и вот уже заработало воображение художника. Он словно бы смакует эту малость, жонглирует ею, меняет её форму, наращивает из воздуха, будто фокусник»

Юрий Нагибин, писатель и журналист


В начале 1950-х годов Драгунский отнес свои фельетоны в редакцию сатирического журнала «Крокодил». Коллегия опубликовала тексты, и актеру сразу же предложили писать каждую неделю. Работа в издании иногда отвлекала его от театра. Карикатурист Марк Вайсборд вспоминал: «Драгунский много работал для «Крокодила», писал фельетоны, рассказы, часто бывал в редакции. Журнал явно перетягивал его на свою сторону. Я спрашивал: «Виктор, а как же «Синяя птичка»? Он отвечал: «С этим делом все! «Крокодил» проглотил «птичку».


В это же время Виктор Драгунский на вечеринке знакомых познакомился с Аллой Семичастновой, студенткой ВГИКа. У них начался роман. Актер развелся с Еленой Корниловой и женился во второй раз. У пары родилось двое детей: Денис и Ксения.


Театр «Синяя птичка» проработал десять лет. В 1958 году он распался: с наступлением хрущевской оттепели зрителей на спектакли приходило все меньше - шутить теперь можно было открыто. Тогда артист уволился из театра Киноактера и решил писать прозу. Поэт Леонид Зорин вспоминал: «Это было где-то в конце 50-х годов. Ему казалось, что жизнь надо кардинальным образом менять, должен был совершиться какой-то важный поворот».


Рассказы Виктора Драгунского. «Выросли из безмерной любви к сыну»


Виктор Драгунский с сыном Денисом. 1961. Фотография: Самарий Гурарий / etazhi-lit.ru

В декабре 1958 года на своей даче в Подмосковье Виктор Драгунский написал первые рассказы. Главным героем стал мальчик Денис Кораблёв, который постоянно попадал в забавные ситуации. Писатель сочинял истории про своего восьмилетнего сына Дениса. Юрий Нагибин писал: «Денискины рассказы» выросли из его безмерной любви к сыну, из жадного внимания к раскрывшемуся перед ним миру детства». У всех персонажей рассказов - пионервожатой Люси, классного руководителя Раисы Ивановны и учителя музыки Бориса Сергеевича - были реальные прототипы, которые окружали Дениса Драгунского. Его лучший друг Михаил Слоним стал прототипом Мишки Слонова. Короткие произведения писатель объединил в цикл «Денискины рассказы».


В 1960 году был опубликован сборник Виктора Драгунского «Железный характер», в который вошли все фельетоны, написанные для «Крокодила». Спустя год в издательстве «Детский мир» вышла книга «Он живой и светится», где впервые напечатали «Денискины рассказы». «Все тайное становится явным», «Шляпа гроссмейстера», «Смерть шпиона Гадюкина» - всего 16 коротких историй. На обложке был изображен мальчик со спичечным коробком. Художник Виталий Горяев срисовал его с фотографии Дениса Драгунского, которую писатель отдал в типографию. Тираж в 100 тысяч копий разошелся мгновенно. Тогда Виктор Драгунский отдал в редакцию все оставшиеся рассказы, и в 1961 году появился второй сборник «Расскажите мне про Сингапур». Его тираж составлял уже 250 тысяч экземпляров. Действие нескольких произведений происходило в цирке. В рассказе «Не хуже вас, цирковых!» Драгунский подробно описывал трюк, в котором иллюзионист «прокалывал» себя длинной иглой. В произведении «Девочка на шаре» главной героиней стала юная акробатка.


В 1961 году Виктор Драгунский написал автобиографическую повесть «Он упал на траву» о первых днях Великой Отечественной войны. А спустя три года опубликовал еще одно произведение для взрослых: повесть «Сегодня и ежедневно» о жизни цирковых артистов во время войны. Режиссер Сергей Юрский в книге «Кого люблю, того здесь нет» вспоминал: «В повести Драгунского о цирке < …> все лица реальные, а фамилии выдуманы. Там есть и худрук цирка, высокий, с бородкой и усами, похожий на Дон Кихота <...>».


В 1962 году в журнале «Огонек» вышел рассказ «И мы!». В нем два героя книги, Денис Кораблев и Мишка Слоним, называли друг друга кодовыми именами космонавтов Андрияна Николаева и Павла Поповича - «Сокол» и «Беркут». Летчики совершили первый групповой и многодневный полет в космос. Драгунский работал быстро: произведение напечатали всего спустя 11 дней после их успешного приземления. В этом же году на экраны вышел фильм Вениамина Дормана «Веселые истории» по мотивам рассказов писателя. Автором сценария был сам Драгунский: он адаптировал текст произведений для съемки.


В 1965 году в семье писателя родилась дочь. Момент, когда ее принесли из роддома, описан от лица Дениса в одном из рассказов «Сестра моя Ксения»: «И мы сели обедать. Я каждую минуту вскакивал и смотрел на Ксеньку. Она все время спала. Я удивлялся и трогал пальцем ее щеку. Щека была мягкая, как сметана. Теперь, когда я рассмотрел ее внимательно, я увидел, что у нее длинные темные ресницы».


Всего писатель сочинил примерно 70 юмористических историй. В 1966 году впервые вышел сборник под названием «Денискины рассказы». Драгунского звали читать отрывки на радио, приглашали на публичные чтения. Его рассказы сразу стали классикой детской литературы. По ним сняли 10 фильмов и сюжет для киножурнала «Ералаш».


В 1968 году Виктор Драгунский тяжело заболел и перестал писать. Спустя четыре года писателя не стало. Его похоронили в Москве на Ваганьковском кладбище.


Интересные факты


Виктор Драгунский. Фотография: chzdk.ru

1. В доме у Драгунского часто бывали гости. К нему приходили поэты Михаил Светлов, Белла Ахмадулина и Михаил Матусовский, журналист Юрий Нагибин. Фирменным угощением были драники и винегрет. Чтобы салата хватило всем, его готовили в специальном ведре.


2. Драгунский сочинял не только рассказы, но и песни. В 1990 году жена писателя Алла Драгунская посмертно издала его авторский сборник «Чудо-песенка».


3. Дочь писателя Ксения Драгунская тоже стала известным драматургом. Она написала около 30 пьес: «Тайна пропавшего снега», «Пробка», «Истребление» и другие.


4. Рассказы Драгунского были настолько известны, что их переводили на непопулярные языки: хинди, японский, норвежский, шведский, молдавский.

]]>
Зинаида РайхБиография театральной актрисы, жены режиссера Всеволода Мейерхольда.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8912/zinaida-raikhThu, 10 Oct 2019 09:40:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Зинаида Райх

ТеатрыПерсоныАктер театра

Зинаида Райх была дочерью революционера. В школе она состояла в подпольном кружке и мечтала заниматься общественной работой. Актриса впервые вышла на сцену в спектакле Всеволода Мейерхольда «Лес», когда ей было 30 лет. Зинаиде Райх посвящали стихи ее первый муж Сергей Есенин, поэты Алексей Ганин и Борис Пастернак. Иностранные критики называли ее «искренней и глубоко чувствующей».


«Девушка из рабочей семьи»



Зинаида Райх родилась 3 июля 1894 года в Ближних Мельницах, пригороде Одессы. Ее отец Август Райх был немцем, выходцем из Силезии. В России он сменил имя на Николай и устроился машинистом на железную дорогу. С 1897 года состоял в Российской социал-демократической рабочей партии. Мать будущей актрисы, Анна Викторова происходила из старинной дворянской семьи.


Когда Зинаиде Райх было 13 лет, ее семью выслали из Одессы из-за связи Николая Райха с революционерам. Райхи поселились в молдавском городе Бендеры. Там актриса поступила в женскую гимназию Веры Герасименко. Училась она хорошо, но с первых классов состояла в подпольном кружке, члены которого распространяли революционную литературу. Из-за этого Зинаиду Райх исключили из восьмого класса и признали «политически неблагонадежной». Тогда будущая актриса переехала в Киев, где поступила на Высшие женские курсы. Там же она стала членом Партии социалистов-революционеров, а вскоре в очередной раз сменила место жительства – перебралась в Петроград.


В столице Зинаида Райх продолжила образование: стала слушательницей Высших женских историко-литературных и юридических курсов Николая Раева, ходила на дополнительные занятия по иностранным языкам и посещала скульптурную мастерскую. Будущая актриса много читала, среди ее любимых писателей были Кнут Гамсун и Лев Толстой.


«Как девушка из рабочей семьи, она [Зинаида Райх – Прим. ред] была собрана, чужда богеме и стремилась прежде всего к самостоятельности. Дочь активного участника рабочего движения, она подумывала об общественной деятельности, среди ее подруг были побывавшие в тюрьме и ссылке. Но в ней было и что-то мятущееся, был дар потрясаться явлениями искусства и поэзии. Какое-то время она брала уроки скульптуры. Читала бездну. Одним из любимых ее писателей был тогда Гамсун, что-то было близкое ей в странном чередовании сдержанности и порывов, свойственном его героям. Она и всю жизнь потом, несмотря на занятость, много и жадно читала, а перечитывая «Войну и мир», кому-нибудь повторяла: «Ну как же это он умел превращать будни в сплошной праздник?»

Дочь Зинаиды Райх Татьяна Есенина, «Зинаида Николаевна Райх», 1971 год


«Разбойник с кудрявых полей»: Зинаида Райх и Сергей Есенин



После Февральской революции 1917 года Зинаида Райх устроилась секретарем-машинисткой в недавно созданную газету эсеров «Дело народа». У нее было много поклонников. Художница Софья Вишневецкая вспоминала: «...Прелестные, как вишни, глаза и веки, как два лепестка… необыкновенная матовая кожа и абсолютная женственность».


В редакции «Дела народа» Райх познакомилась с поэтами Сергеем Есениным и Алексеем Ганиным. В июле 1917 года Ганин пригласил ее и Есенина поехать к нему на родину, на Белое море. В дороге и на отдыхе Райх много общалась с Сергеем Есениным. Вместе они посетили Мурманск, Архангельск, Соловецкие острова. Во время этой поездки Ганин написал стихотворение «Русалка», которое посвятил Зинаиде Райх:


«Она далеко, – не услышит,
Услышит, – забудет скорей;
Ей сказками на сердце дышит
Разбойник с кудрявых полей.
Он чешет ей влажные косы —
И в море стихает гроза,
И негой из синего плеса,
Как солнце, заискрят глаза»


На обратном пути Есенин сделал Райх предложение. 30 июля 1917 года они обвенчались в Кирико-Улитовской церкви, в небольшой деревне недалеко от Вологды.


В начале сентября 1917 года Райх и Есенин вернулись в Петроград. Поначалу они жили раздельно: как писала Татьяна Есенина, поэт и актриса договорились «друг другу не мешать». Но вскоре супруги съехались. Есенин потребовал, чтобы его жена оставила работу и занялась домашним хозяйством. Райх согласилась – она мечтала о семье и детях. Литературовед Борис Грибанов писал: «Зинаида Николаевна оказалась вполне хозяйственной женой — она была деловита, аккуратна, хорошо готовила. Есенин <...>, тоскуя по нормальной семейной жизни, вспоминал, как вкусно готовила Райх». Однако супруги часто спорили. Однажды они даже выбросили свои обручальные кольца в окно, а затем искали их под окнами дома.


В конце 1917 года Райх вновь нашла работу – стала машинисткой в народном комиссариате продовольствия РСФСР. В начале следующего года, после того, как столицу перенесли из Петрограда в Москву, вместе с Сергеем Есениным она переехала в Москву. Поселили супругов в номерах бывшей гостиницы на Тверской улице. Подруга Райх Зинаида Гейман вспоминала: «Сергей Есенин с Зинаидой жили в плохоньком номере какой-то гостиницы. У них было неуютно, мрачно, по-богемному… На столе крошки, вода, разбросано».


Вскоре Райх уехала в Орел к родителям. Там она родила дочь Татьяну. Следующие полтора года актриса почти не бывала в Москве. В Орле она работала в Наркомпросе: была инспектором подотдела народных домов, музеев и клубов, а затем стала заведующей театрально-кинематографической секцией Орловского окружного военного комиссариата. Иногда Райх приезжала к Есенину, но они часто ссорились. Актриса Августа Миклашевская вспоминала: «Она хотела иметь мужа, как все, а не так, как было с Есениным — по году не виделись».


Осенью 1919 года Райх вернулась в Москву. Здесь она устроилась в Народный комиссариат просвещения РСФСР, в подотдел народных домов и клубов. В феврале 1920 года у нее и Есенина родился сын Константин. Отношения супругов к тому моменту не наладились. Поэт и переводчик Вадим Шершеневич писал: «Есенин был слишком занят собой <...> Любовь у него всегда была на третьем плане. Он даже к еде относился с большим вниманием, чем к «любимой». А семьянином был просто никудышным».


Вскоре после рождения ребенок тяжело заболел. Райх увезла сына в Кисловодск. Там в конце 1920 года она попала в больницу с нервной болезнью. Весной 1921-го актриса выздоровела и вместе с сыном вернулась в Орел, где начала преподавать на театральных курсах историю. С Есениным в это время Райх почти не общалась: еще в феврале 1921 года, до ее возвращения, поэт подал на развод. Официально супруги расстались в октябре 1921-го.


Актриса ГосТиМа и жена Всеволода Мейерхольда



Осенью 1921 года Зинаида Райх оставила детей в Орле с бабушкой и дедушкой, а сама поехала в Москву. Там она стала студенткой Государственных экспериментальных театральных мастерских. Вместе с Сергеем Эйзенштейном, Юрием Завадским и Сергеем Юткевичем Райх училась на режиссерском отделении, которым руководил Всеволод Мейерхольд.


«Зинаида Николаевна Райх, бывшая жена Сергея Есенина, пришла в мастерские Мейерхольда в кожаной куртке, стриженая — молодая женщина поры военного коммунизма... Эпоха формировала новый лик женщины, и Зинаида Райх, как истая женщина, примеряла его на себя. Она была красива, заметна, умна, деятельна, честолюбива и скоро заняла видное положение в штабе Мейерхольда и, главное, в его жизни <...> Может быть, нужна была и та поздняя и страстная любовь, чтобы Мейерхольд стал тем, кем он стал в эти послереволюционные годы: дерзким и молодым экспериментатором»

Театровед Майя Туровская (по книге Антонины Гольцовой «Сергей Есенин и Зинаида Райх: орловские страницы биографии поэта»)


С Мейерхольдом Зинаида Райх познакомилась еще в 1918 году, во время работы в Наркомпросе, но близко общаться стала только на курсах. Помощник режиссера Александр Гладков вспоминал: «В запутанных кривых переулках между Тверской и Большой Никитской можно было встретить тесно прижавшихся друг к другу и накрытых одной шинелью мужчину и женщину». Мейерхольд и Райх поженились в начале 1922 года и вскоре забрали в Москву детей актрисы. В Москве их стал навещать Сергей Есенин. В 1924 году поэт написал о себе в стихотворении «Письмо от матери»:


«Но ты детей
По свету растерял,
Свою жену
Легко отдал другому,
И без семьи, без дружбы,
Без причал
Ты с головой
Ушел в кабацкий омут»


В том же году Зинаида Райх впервые вышла на сцену. Она сыграла Аксюшу в спектакле Мейерхольда «Лес» по одноименной пьесе Александра Островского. Авангардная постановка, в которой режиссер перенес действие из XIX века в 1920-е годы, принесла Райх известность. Критики писали, что артистка хорошо усвоила приемы биомеханики Мейерхольда – специальные упражнения, которые развивали физическую подготовку актера, помогали ему точно выполнять нужные для той или иной сцены движения. Илья Эренбург вспоминал: «В сильном ансамбле, среди гротесковых пересечений особенно чисто, искренне зазвучала лирическая нота, ее с какой-то безошибочной внутренней убежденностью вела Аксюша — Зинаида Райх».


28 декабря 1925 года в Ленинграде в гостинице «Англетер» покончил с собой Сергей Есенин. Зинаида Райх была на похоронах поэта. Она тяжело переживала его смерть. Константин Есенин писал: «Мать лежала в спальне, почти утратив способность реального восприятия. Мейерхольд размеренным шагом ходил между спальней и ванной, носил воду в кувшинах, мокрые полотенца. Мать раза два выбегала к нам, порывисто обнимала и говорила, что мы теперь сироты».


В следующие несколько лет Райх часто играла главные роли в спектаклях Государственного театра имени Вс. Мейерхольда (ГосТиМа). Она сыграла жену городничего Анну Андреевну в «Ревизоре» по одноименному произведению Николая Гоголя, Софью в «Горе уму» по пьесе Александра Грибоедова «Горе от ума», дону Лауру в пушкинском «Каменном госте».


Кроме положительных рецензий, в советской прессе появлялись заметки, в которых Райх называли бездарной актрисой. Заступился за артистку поэт Владимир Маяковский: «Вот говорят: Зинаида Райх. Выдвинули ее на первое место. Почему? Жена. Нужно ставить вопрос не так, что потому-то выдвигают такую-то даму, что она его жена, а что женился на ней потому, что она хорошая артистка». Райх была одной из любимых актрис Бориса Пастернака. После выхода спектакля «Горе уму» он посвятил ей и Мейерхольду стихотворение «Мейерхольдам».


В конце 1920-х и начале 1930-х годов Зинаида Райх помогала арестованным писателям, в том числе сосланному в Енисейск драматургу Николаю Эрдману. В квартире Райх и Мейерхольда на Новинском бульваре проходили художественные вечера, на которых бывали актеры ГосТиМа, художники, писатели и политики, в том числе нарком внутренних дел Генрих Ягода и нарком просвещения Анатолий Луначарский. Туда же часто приглашали иностранцев, которые посещали СССР – корреспондентов иностранных газет, деятелей искусства.


«Райх была чрезвычайно интересной и обаятельной женщиной <...> Всегда была она окружена большим кругом поклонников <...> Райх любила веселую и блестящую жизнь: любила вечеринки с танцами и рестораны с цыганами, ночные балы в московских театрах и банкеты в наркоматах. Любила туалеты из Парижа, Вены и Варшавы, котиковые и каракулевые шубы, французские духи <...> и любила поклонников. Нет никаких оснований утверждать, что она была верной женой В. Э. [Мейерхольду – Прим. ред] – скорее есть данные думать совершенно противоположное <...> Райх была неизменно притягательным центром общества. И привлекательность и очарование хозяйки умело использовали лубянские начальники, сделав из мейерхольдовской резиденции модный московский салон с иностранцами»

Юрий Елагин, «Темный гений»


Письмо Сталину и убийство



В середине 1930-х отношение советской власти к театру Мейерхольда начало меняться. В прессе в его постановках находили «трагическое восприятие крушения индивидуалистической идеологии», а новаторские приемы режиссера называли «озорным ломанием». Новые спектакли критика встречала сдержанно. Без успеха прошла премьера «Бани» Владимира Маяковского, под запрет попали постановки пьесы Николая Эрдмана «Самоубийцы» и романа Николая Островского «Как закалялась сталь».


В 1934 году Мейерхольд поставил в ГосТиМе спектакль «Дама с камелиями» по одноименному роману Александра Дюма-сына. В нем Зинаида Райх исполнила главную роль – Маргариты Готье. Спектакль стал популярным в СССР. По его мотивам скульптор Наталья Данько на Ленинградском фарфоровом заводе создала статуэтку Зинаиды Райх. Постановку хвалили и иностранные критики. Драматург Пиньеро Вирхилио писал: «Актерское исполнение не нуждается ни в каких исправлениях, но выше всех, много выше всех товарищ, игравшая роль Маргерит. <...> Она играет просто, без искусственного трагизма, человечная и искренняя, глубоко чувствующая». Однако успех «Дамы с камелиями» не спас Театр Мейерхольда от закрытия.


В 1936 году в газете «Правда» появилась статья «Сумбур вместо музыки», в которой критиковали оперу Дмитрия Шостаковича «Леди Макбет Мценского уезда». В ней впервые появилось слово «мейерхольдовщина»: «Левацкое искусство вообще отрицает в театре простоту, реализм, понятность образа, естественное звучание слова. Это [опера Шостаковича – Прим. ред] — перенесение в оперу, в музыку наиболее отрицательных черт «мейерхольдовщины» в умноженном виде». После выхода статьи Зинаида Райх написала Иосифу Сталину письмо, в котором попросила его о встрече.


«Я с вами все время спорю в своей голове, все время доказываю вашу неправоту порой в искусстве. <...> Простите мою дерзость... Я дочь рабочего, – сейчас это для меня главное, – я верю в свой классовый инстинкт… <...> Вас так бесконечно, бесконечно обманывают, скрывают и врут, что вы правильно обратились к массам сейчас. Для вас я сейчас тоже голос массы, и вы должны выслушать от меня и плохое, и хорошее. Вы уж сами разберетесь, что верно, а что неверно. В вашу чуткость я верю. <...> Но вы поняли Маяковского, вы поняли Чаплина, вы поймете и Мейерхольда»

Из письма Зинаиды Райх Иосифу Сталину от 29 апреля 1937 года


На письмо Райх Сталин не ответил, а уже 7 января 1938 года постановлением «О ликвидации Театра им. Вс. Мейерхольда» ГосТиМ закрыли. В документе говорилось: «Театр им. Мейерхольда в течение всего своего существования не мог освободиться от чуждых советскому искусству, насквозь буржуазных, формалистических позиций». Закрытие ГосТиМа сказалось на здоровье Райх: она лечилась от депрессии. Несколько раз Мейерхольд пытался выехать с семьей за границу, однако не получил разрешения от советского правительства.


20 июня 1939 года Всеволода Мейерхольда арестовали по подозрению в шпионаже. Его квартиру в Москве опечатали, провели в ней обыск. Там же спустя несколько недель после ареста Мейерхольда, в ночь с 14 на 15 июля 1939 года, убили Зинаиду Райх. Похоронили актрису на Ваганьковском кладбище в Москве, недалеко от могилы Сергея Есенина.


Официальное следствие по делу посчитало, что убийство Райх совершили «с целью грабежа». Однако родственники и знакомые актрисы не согласились с ним. Они полагали, что преступление организовали сотрудники НКВД. Вскоре после смерти Райх в ее квартиру въехали подчиненные Лаврентия Берии.


В 1988 году Татьяна Есенина обратилась в ЦК КПСС с просьбой найти виновников убийства матери. Ей ответили, что это невозможно.

]]>
Аркадий Гайдар1http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/10148/arkadii-gaidarFri, 11 Oct 2019 13:05:11 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Аркадий Гайдар

ЛитератураПерсоныПисатель

Самуил Маршак называл Аркадия Гайдара «всесоюзным вожатым». «Школа», «Судьба барабанщика», «Чук и Гек» - книги писателя издавались миллионными тиражами и стали классикой детской литературы. А после выхода повести «Тимур и его команда» пионеры со всего СССР собирали отряды «тимуровцев» и помогали пожилым людям и семьям фронтовиков.


Юный большевик: семья и детство писателя



Аркадий Голиков (настоящая фамилия автора) родился в городе Льгов недалеко от Курска. Его отец, Петр Голиков, преподавал в начальном училище при сахарном заводе. Он первым из семьи получил образование: дед будущего писателя был крепостным крестьянином. Мать, Наталья Салькова, принадлежала к роду служилых дворян и была дальней родственницей поэта Михаила Лермонтова. Аркадий Голиков был старшим ребенком в семье. Позже родилось еще три дочери: Наталья, Ольга и Екатерина.


В 1908 году семья переехала из Льгова в Нижний Новгород. Родители будущего писателя опасались ареста: у них дома члены РСДРП хранили запрещенную литературу. Формально, в партию они не вступали, однако разделяли идеи марксизма и помогали большевикам. В новом городе Петр Голиков устроился на службу в акцизное управление. Жалование было небольшим, денег не хватало. Тогда Наталья Салькова поступила на акушерские курсы: образование помогло найти хорошо оплачиваемую работу. В 1912 году ей предложили место в больнице в городе Арзамас. Муж попросил перевод, и семья переехала снова.


У Аркадия Голикова были теплые отношения с родителями. Мать по вечерам читала детям книги, отец часто рассказывал истории о жизни крепостных крестьян. В семейной библиотеке Голиковых было шесть томов энциклопедии «Великая реформа» о крестьянской реформе в России. Будущий писатель рано научился читать сам. Его любимой книгой стал сборник Николая Гоголя «Вечера на хуторе близ Диканьки».


В августе 1914 года началась Первая Мировая война, и Петра Голикова отправили на фронт. Сын так скучал, что даже попытался сбежать вслед за ним на войну. Аркадия Голикова поймали недалеко от Нижнего Новгорода и отправили домой.


В сентябре он стал учеником Арзамасского реального училища. Легче всего Голикову давалась литература. Преподавателем словесности был Николай Соколов - позже он стал прототипом Галки из повести «Школа». Учитель подбирал для Аркадия Голикова книги по истории, отечественной и зарубежной литературе, а потом после уроков обсуждал с ним прочитанное.


Аркадий Голиков много писал отцу на фронт. В 1917 году, когда началась революция, он отправил письмо: «Милый, дорогой папочка! Пиши мне, пожалуйста, ответы на вопросы: 1.Что думают солдаты о войне? <...> 2. Не подорвана ли у вас дисциплина? 3. Какое у вас, у солдат, отношение к большевикам и Ленину? <...> Пиши мне на все ответы, как взрослому, а не как малютке». В тринадцать лет школьник впервые пришел в местный штаб большевиков. Он стал выполнять мелкие поручения: передавал записки, патрулировал улицы и узнавал, где проходят митинги. В августе 1918 года Голикова приняли в партию «с правом совещательного голоса»: он мог присутствовать на собраниях Совета депутатов, но не мог голосовать. Грамотных среди большевиков в Арзамасе было мало, поэтому в штабе Аркадию Голикову приходилось много работать. Школьник писал и редактировал статьи для местной газеты «Молот», вел протоколы заседаний.


Командир в 14 лет: Гайдар на Гражданской войне



В ноябре 1918 года в Арзамас приехало командование Восточного фронта. Военные начали обучать красноармейцев. Аркадий Голиков писал в своем дневнике: «Жизнь в Арзамасе очень оживилась, совсем не та атмосфера. Военное обучение понемногу налаживается. Прошли рассыпной строй - скоро к стрельбе». Училище будущий писатель забросил. В декабре 1918 года его назначили адъютантом в коммунистический батальон, а уже через несколько месяцев Голиков стал начальником команды связи.


В 1919 году пятнадцатилетнего бойца отправили в Киев на курсы красных командиров. Однако обучение часто прерывалось: студенты отбивали атаки украинских атаманов. В августе начал наступление Симон Петлюра. Аркадий Голиков вспоминал: «Прошел 300 верст в составе арьергарда, прикрывавшего <...> отступление наших войск, и вышел к Гомелю с ротой курсантов в семнадцать человек из ста восьмидесяти». Отец будущего писателя в это время воевал на Восточном фронте против Александра Колчака, мать - вступила в Арзамасе в партию большевиков. В 1920 году Аркадий Голиков стал командиром роты. Воевал на Кавказе, потом в Средней части России: Воронеже, Нижнем Новгороде, участвовал в подавлении крестьянского восстания в Тамбовской губернии. Был дважды ранен.


В 1922 году семнадцатилетнего красноармейца отправили в Сибирь. Он стал командиром части особого назначения в Енисейской губернии по борьбе с бандитизмом. Аркадий Голиков применял жестокие методы, и на него жаловались местные жители. В 1922 году командира обвинили в злоупотреблении служебным положением и завели уголовное дело. Спустя два года его исключили из партии, лишили должности и отправили в длительный отпуск по нервной болезни. Оставив армию, Голиков начал писать рассказы. Сочинял для себя - так он переосмысливал Гражданскую войну.


От журналиста до писателя: первые повести и рассказы



В 1925 году Аркадий Голиков приехал в Ленинград. Он принес в редакцию журнала «Ковш» рукопись своей первой повести «В дни поражений и побед» о борьбе красной армии на Украине. Редактор Константин Федин по воспоминаниям писателя сказал: «Писать вы не умеете, но писать вы можете и писать будете». Они вместе отредактировали произведение, и Федин объяснил начинающему автору все ошибки. В этом же году повесть вышла в печать, однако тираж не был раскуплен. Тогда Аркадий Голиков решил писать для детей. В своей второй повести «Р.В.С» он рассказывал о жизни ребенка в годы Гражданской войны. Произведение опубликовали в журнале «Звезда».


Чтобы научиться хорошо писать тексты, Аркадий Голиков решил поработать журналистом. В 1925 году он уехал в Пермь в редакцию местной газеты «Звезда». Там писатель каждую неделю публиковал фельетоны о жизни города: «Неуместная наивность», «Тихая обитель», «Остров вакханалии». Впервые Голиков подписался псевдонимом Гайдар, когда сдавал в печать рассказ «Угловой дом». Есть несколько версий о происхождении новой фамилии. Первая связана с хакасским словом «хайдар» - куда. Когда писатель воевал в Сибири, он часто спрашивал у местных жителей дорогу. Вторая, что Гайдар - это аббревиатура фразы «Голиков Аркадий из Арзамаса».


В Перми литератор познакомился с журналисткой Лией Соломянской. В 1926 году ее перевели на краевое радио в Архангельск, и Гайдар поехал на Север вместе с ней. Они поженились, и вскоре у супругов родился сын Тимур. Писатель много путешествовал: его часто отправляли в командировки, переводили из газеты в газету. В 1927 году Гайдар работал в свердловской газете «Уральский рабочий», через год вернулся в Архангельск и писал очерки для издания «Правда Севера» и «Волна». Журналист Александр Семаков вспоминал: «Нас было в отделе несколько восемнадцати-двадцатилетних юнцов, только-только понюхавших газетного пороху, но уже всей душой преданных журналистике. Никакого писательского величия не было в Гайдаре, когда он беседовал с нами, – товарищ и товарищ, только немного постарше по годам и, видимо, много опытнее в жизни».


В 1929 году Аркадий Гайдар написал автобиографическую повесть «Школа». Главный герой - ученик арзамасской школы Борис Гориков - стал большевиком и воевал за свои убеждения. Произведение было настолько популярно, что спустя год его переиздали в крупном издательстве ОГИЗ. Гайдар говорил: «Я пишу главным образом для юношества. Лучший мой читатель – 10-15 лет. Этого читателя я люблю, и мне кажется, что я понимаю его». Летом 1931 года писатель закончил повесть «Дальние страны» о жизни мальчиков на небольшой железнодорожной станции. Гайдар описывал их игры и мечты о путешествиях.


В 1932 году писатель стал работать корреспондентом в газете «Тихоокеанская звезда». Он много ездил по Дальнему Востоку и писал в основном о сельском хозяйстве: о посевных, проблемах колхоза, новых удобрениях. Параллельно работал над повестью «Военная тайна». По сюжету, комсомолка Натка Шегалова мечтала стать капитаном корабля, но ее отправили вожатой в пионерский лагерь «Артек». Сначала ей не понравилась работа, однако потом героиня осознала ее значимость. Прототипом Альки, одного из пионеров отряда, стал сын писателя Тимур. Внутрь повести Гайдар включил сказку о Мальчише-Кибальчише - юном герое, который сражается с «буржуинами». «Военную тайну» опубликовали в 1935 году. Спустя год в журнале «Пионер» вышел психологический рассказ «Голубая чашка» о взаимоотношениях внутри семьи, терпении и внимании друг к другу.


Осенью 1938 года Аркадий Гайдар перестал работать журналистом и переехал в город Клин. Писатель снимал дачу у семьи Чернышовых и познакомился с дочерью хозяина дома - Дорой. Она стала третьей женой Гайдара. В 1938 году литератор написал повесть «Судьба барабанщика». В письме своему другу Сергею Розанову он сообщал: «Заканчиваю последние страницы повести <…> Работал крепко, кажется, выходит хорошо». Главным героем произведения стал мальчик Сергей, отца которого арестовали за растрату. Пионер случайно познакомился с белогвардейским шпионом и выполнял его поручения, однако вскоре раскаялся и вернулся к честной жизни. События книги чередуются с воспоминаниями Сергея об отце. Повесть напечатали сразу два известных детских издания: журнал «Пионер» и газета «Пионерская правда». Главы также читали в эфире Всесоюзного радио. В феврале 1939 года Гайдара наградили орденом «Знак Почета» за «выдающиеся успехи и достижения в развитии советской художественной литературы».


В 1939 году в печать вышел рассказ «Чук и Гек» - новогодняя история о воссоединении семьи в Сибири. Спустя год Аркадий Гайдар написал сценарий для фильма Александра Разумного «Тимур и его команда» - о компании ребят, которые тайно помогали семьям фронтовиков. В книге воспоминаний «У истоков» Александр Разумный писал: «<…> всего дальнейшего развития тимуровского движения не предвидели. Все мы, кроме, пожалуй, Аркадия Гайдара. Когда в кратчайший срок мы окончательно смонтировали фильм и показали его писателю, он с мягкой, только ему свойственной детской улыбкой сказал: «Это только начало! Вот если ребята не заиграют в Тимура, если мы не увидим его последователей в наших дворах, считайте — всё пропало!». После выхода фильма на экраны, Аркадий Гайдар написал одноименную повесть. Главным героям, Тимуру и Жене, писатель дал имена своих детей. Произведение было настолько популярно, что до 1986 года переиздавалось 212 раз. Книгу перевели на 75 языков.


В 1941 году, когда началась Великая Отечественная война, Аркадий Гайдар отправился добровольцем на фронт. Он писал сводки для газеты «Комсомольская правда». 26 октября 1941 года Аркадий Гайдар погиб недалеко от села Лепляво.


Интересные факты


Аркадий Гайдар. Фотография: russian7.ru

1. Аркадия Гайдара редко можно было найти в редакции. Если журналиста не отправляли в командировку, то он находил ее сам. Однажды в Архангельске Гайдар шел по набережной и разговорился с лесорубами, которые отправлялись на сплавные работы. Писатель так увлекся их рассказами, что попросил взять его работником на несколько недель. Гайдар вместе со всеми связывал бревна, жил в палатках, готовил пищу на костре, а затем написал очерк в газету. Детский писатель Рувим Фраерман вспоминал: «Гайдар на минуту выходит из дому, чтобы купить к мясу солёных огурцов, и возвращается через три недели. Но зато он приносит домой совершенно блестящий очерк о весеннем сплаве леса».


2. Аркадий Гайдар был азартным человеком и часто делал что-то на спор. Однажды вместе с друзьями он приехал в Рязанскую область на рыбалку. Стояла засуха, земля растрескалась, и писатели не могли найти червей для рыбной ловли. Тогда Гайдар предложил пари: к следующему утру он достанет не меньше трех консервных банок червей. Константин Паустовский писал в воспоминаниях «Встречи с Гайдаром»: «Наутро Гайдар пришел к нам в сад, в баньку, где мы жили в то лето. Мы только что собирались пить чай. Гайдар молча, сжав губы, поставил на стол рядом с сахарницей четыре банки великолепных червей, но не выдержав, рассмеялся, схватил меня за руку и потащил через всю усадьбу к воротам на улицу. На воротах был прибит огромный плакат: «Скупка червей от населения».


3. Гайдар не писал свои повести за письменным столом. Он сначала проговаривал текст вслух: менял слова, исправлял. Потом снова произносил части произведения. И только затем записывал на бумагу. Константин Паустовский во «Встречах с Гайдаром» писал: «Если бы я мог вот так сидеть за столом, — сказал он мне однажды, — я бы уже написал целое собрание сочинений. Честное пионерское слово!».

4. Писатель помнил все свои произведения наизусть. Если Аркадий Гайдар устраивал публичные чтения, то рукописи при нем не было. Он закидывал руки за спину и рассказывал повесть страница за страницей.


5. Когда Гайдар отчитывался в бухгалтерии редакций после командировки, он включал в список расходы «на установление доверия». Это могли быть деньги, проигранные в карты или расходы на покупку алкоголя. Журналист Александр Семаков вспоминал: «На все претензии Гайдар сказал: «Это производственные расходы. Чтобы написать стоящий очерк, мне пришлось зачислиться в бригаду. Чтобы не быть белой вороной, пришлось играть в карты. Играю я плохо, и потому, естественно, проигрывал. Вопрос компенсации считаю принципиальным!».


6. Мальчики, которые жили во дворе Гайдара, стали прототипами пионеров из повести «Тимур и его команда». Они часто помогали журналисту. В 1938 году Гайдар зашел в гости к писателю Константину Паустовскому, у которого в это время болел сын. Нужно было редкое лекарство. Тогда Гайдар позвонил домой и попросил жену собрать всех мальчиков своего двора. Когда журналист вернулся, все были в сборе. Он раздал каждому бумажку с названием лекарства и отправил на поиски. Через 40 минут нужные таблетки нашли. Паустовский вспоминал: «Лекарство было привезено, и сыну стало лучше. «Ну что, - спросил Гайдар, собираясь уходить, - хорошо работает моя команда?».

]]>
Владимир РындзюнОт ростовского журналиста до голливудского продюсера. История жизни «Авантюриста Гражданской войны».http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9998/vladimir-ryndzyunMon, 14 Oct 2019 09:35:15 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Владимир Рындзюн

ЛитератураПерсоныПисатель

Писатель Владимир Рындзюн известен под псевдонимом А. Ветлугин. Он работал журналистом и прославился благодаря книгам «Авантюристы во время гражданской войны», «Третья Россия» и «Записки мерзавца». Еще во время гражданской войны дал себе клятву не служить ни в одной из армий. В 1922 году Ветлугин уехал в США как переводчик и секретарь Айседоры Дункан и Сергея Есенина, но возвращаться с ними отказался: за океаном он стал известным сценаристом и продюсером Голливуда.


Наследник водолечебницы


Московский университет (старое здание). 1884. Москва. Фотография: liveinmsk.ru

Будущий журналист родился в Ростове-на-Дону в зажиточной еврейской семье. Его отец, Илья Рындзюн, учился в Императорской медико-хирургической академии в Петербурге и после ее окончания работал врачом в разных городах России. В 1885 году он переехал в Ростов-на-Дону, где открыл родильный дом. Вскоре Рындзюн женился на Матильде Райвич.


Илья Рындзюн увлекался новыми методами лечения: оздоровительные ванны, каскадные души, гидромассаж. В 1895 году врач решил сменить специализацию и открыл первую на юге России частную водолечебницу. В своем учебнике «Водолечение» он писал: «В России, особенно в провинциальных городах, это лечение, к сожалению, не всякому известно и только в самое последнее время возникают то здесь, то там водолечебницы и санатории, где больные пользуются исключительно физическими способами лечения». Клиника пользовалась спросом у горожан. На гидропроцедуры несколько раз приходил писатель Антон Чехов, когда приезжал в Ростов к своему другу Льву Волкенштейну.


Водолечебница занимала трехэтажный особняк в центре города. На первом и втором этажах были процедурные кабинеты, на третьем - жила семья врача. У Ильи и Матильды Рындзюн родилось четверо детей: дочери Глафира, Людмила, Нина и сын Владимир.


Родители стремились дать детям качественное образование. В 1906 году Владимир Рындзюн поступил в ростовскую частную мужскую гимназию, которую несколькими месяцами ранее основал статский советник Николай Степанов. Учеба давалась ему легко: в 1914 году Рындзюн окончил гимназию с золотой медалью. В аттестате об образовании отмечали «отличные успехи в науках, в особенности же гуманитарных».


Отец видел в сыне преемника и хотел, чтобы Владимир Рындзюн учился на медицинском факультете Московского университета. Однако поступить в высшее учебное заведение было непросто: по закону евреи могли составлять только 3% от общего числа студентов. В это время ректором Московского университета был Матвей Любавский, который слыл консерватором и глубоко верующим человеком. Чтобы повысить шансы на поступление, Рындзюн-старший решил крестить сына. Таинство совершилось 20 июля 1914 года. Через месяц пришло письмо из университета: Владимира Рындзюна зачислили на первый курс.


Студенческие годы и первые журналистские статьи


«Жизнь: Газета политическая, литературная и общественная» № 4, 26 (13) апреля. Москва: «Жизнь» (Типография «Печатное Слово»)

Владимир Рындзюн подчинился воле отца, однако связывать свою жизнь с медициной не хотел. В университете он увлекся философией Фридриха Ницше, Мишеля де Монтеня, Блеза Паскаля и стал писать для студенческих журналов. В мае 1915 года, не отучившись и года, юноша написал заявление о переводе на историко-филологический факультет. В ответ отец сразу же перестал посылать сыну деньги. Теперь учебу и съемную квартиру на Малой Никитской улице недалеко от университета Владимир Рындзюн должен был оплачивать сам. Через несколько месяцев он изменил свое решение. В прошении к ректору студент просил восстановить его на медицинский факультет, так как «не обладая самостоятельными средствами, лишен в случае отказа возможности получать высшее образование».


В свободное время Владимир Рындзюн посещал литературные вечера. На втором курсе он впервые попробовал себя в роли критика и подготовил обзор «Русская поэзия в 1916 году» для ростовской газеты «Приазовский край». Рындзюн писал: «С именами Шершеневича, Конст. Большакова, Николая Асеева, Боброва, Пастернака <...> связана новейшая эпоха. <...> Мешочники для выборов короля поэтов придут в Политехнический музей в Москве, в Тенишевское училище в Петербурге. В Петербурге их встретит матерной бранью Маяковский, и они легко поймут друг друга, в Москве выбор будет труднее: все ‒ метры, все искушены, все ‒ подготовлены».


В 1917 году началась февральская революция. Занятия в университете прервались: студенты в аудиториях организовывали митинги, была создана «студенческая милиция», которая раздавала оружие и объявила себя независимой от Правления университета.


«В июне 1917 года уехал в Сочи, искать мудрости у моря. Осенью вернулся в Москву, шесть октябрьских дней просидел в подвале, думал-думал и занялся спекуляцией. Опять же жрать надо. Ездил в Гельсингфорс и Петербург. <…> В ноябре 1917 года в Гельсингфорсе, в «Сосайити-отеле» впервые курил опиум»

Владимир Рындзюн, автобиография «Писатели о себе»


Зимой 1917 года Владимир Рындзюн начал сотрудничать с газетой «Луч правды», в редакции которой познакомился с писателем Алексеем Толстым. Рындзюн готовил для издания антибольшевистские статьи. В колонке «Слишком ясно» он писал: «Пока мы уверяли самих себя, что с большевиками нужно мирком да ладком, а то революцию-де можно сгубить, тем временем Ленины и КО не зевали и уверенно шли к своей цели <...> Важно одно: монархия Ленина тем существенно отличается от монархии Романова, что опирается на вполне реальную силу пушек и штыков».


В марте 1918 года он бросил университет и перешел на работу в газету «Жизнь». Ее издателем был просветитель Иван Сытин, редакторами - теоретики анархизма Алексей Боровой и Яков Новомирский. Новому автору доверили освещение судебного процесса против эсеров, которые подняли вооруженное восстание против большевиков и убили германского посла Вильгельма фон Мирбаха. Редактор Алексей Боровой описывал нового сотрудника: «Исключительно талантливый, умный, можно даже сказать, блестящий человек <...> Все понимает, много знает и за внешней робостью и сдержанностью таит большую внутреннюю разнузданность и то, что принято называть греческим огнем». Летом 1918 года газету «Жизнь», как и все некоммунистические издания, закрыли.


«Господи, избави меня от мобилизации»: годы Гражданской войны


В. Загороднюк. «Дружно за общее дело!». Издательство Харьковского отдела пропаганды при правительстве Вооруженных сил Юга Росии, 1919. Музей современной истории России, Москва

Лишившись работы, Владимир Рындзюн уехал из голодной Москвы сначала в Харьков, потом в Крым. В августе 1918 года белый генерал Петр Краснов объявил мобилизацию в Великое Войско Донское. Рындзюн спешно отправился в Екатеринослав (сегодня - город Днепр), после чего хотел эмигрировать в Германию. Попытка закончилась неудачей: когда он добрался до границы, в Германской империи началась своя революция. В швейцарской визе Владимиру Рындзюну отказали. Он возвратился в Киев, но пробыл там недолго. Рындзюн в своей автобиографии «Писатели о себе» вспоминал: «Гетман Скоропадский объявил всеобщую мобилизацию. Бежал в Харьков, где и был мобилизован атаманом Балбачаном. Бежал обратно на Дон, в Ростов. До февраля 1919 бил баклуши, ходил в кофейню и писал стихи. В феврале Деникин объявил мобилизацию; спасаясь, поступил в белую газету».


Рындзюн стал работать в Отделе пропаганды при правительстве Вооруженных сил Юга России (ОСВАГ). Сначала он только писал материалы, но в апреле 1919 года его назначили редактором добровольческой газеты «Жизнь». Ее название совпадало с изданием московских анархистов. Чтобы избежать политических обвинений в свой адрес, Владимир Рындзюн взял сразу несколько псевдонимов: А. Ветлугин, Д. Денисов, Дельта. В мае 1919 года он придумал «пятичленную молитву»: «Господи, избави меня от эвакуации, мобилизации, ареста, доноса и реквизиции, а со спекуляцией я справлюсь сам». Тогда же молодой человек дал «Аннибалову клятву» никогда не служить ни в какой армии.


В начале 1920 года Ростов заняли красные. Владимир Рындзюн через Армавир и Туапсе бежал в грузинский город Батум (сейчас - Батуми). Здесь он открыл банкирскую контору и вскоре заработал немного денег. Однако уже в июле 1920 года Рындзюн был вынужден уехать в Крым: чрезвычайные комиссии начали активно отлавливать в Грузии «деникинских черных генералов». Журналист писал своему другу Дону-Аминадо: «Пустынная Феодосия, судорожно напряженный Севастополь, притаившаяся Ялта и над всем Крымом опаляющее дыхание борьбы со смертью, последнего поединка с мировым драконом. С Перекопа дул соленый <...> насыщенный трупами ветер: ни дышать, ни жить здесь было нельзя». Через несколько месяцев Ветлугин эмигрировал в Константинополь.


Эмигрант с «ледяными глазами»: главные книги Ветлугина


А. Ветлугин. Слева направо: «Авантюристы гражданской войны» (Париж, Франция: Издательство «Север», 1921) и «Герои и воображаемые портреты» (Берлин, Германия: Издательство «Русское творчество», 1922).

В Константинополе Владимир Рындзюн устроился контролером на прогулочные суда по Средиземному морю. Зарабатывал он мало, часто приходилось голодать. В сентябре 1920 года журналист решил написать письмо своему другу Дону-Аминадо, который к тому моменту уже жил в Париже: «Не возможно ли мне присылать изредка статьи и корреспонденции <...> Не приходится говорить, как я мечтал ехать в Париж и как для этого не оказалось ни визы<...> ни денег». Дон-Аминадо обратился за помощью к русской диаспоре в Париже. С помощью писателя Александра Куприна Рындзюн получил визу и в октября 1920 года переехал в Париж.


В Париже Владимир Рындзюн печатался в газете «Свободные мысли». Ее издатель, Илья Василевский, привлекал к сотрудничеству известных журналистов и писателей: Александра Куприна, Аркадия Аверченко, Тэффи. В феврале 1921 года журналист перешел на работу в антибольшевистское «Общее дело». Там Рындзюн окончательно отказался от настоящей фамилии и подписывал все тексты псевдонимом А. Ветлугин. В статье «О Париже» Алексей Толстой писал: «Он был циничен, талантлив и неглуп. Ему было наплевать на все, – с почтительной иронией он говорил только о деньгах <...> От скуки и омерзения он устроил «театр для себя», – т. е., сидя в редакции «Общего дела», сочинял головокружительную, невероятную информацию – телеграммы с мест, из России. Он стирал с лица земли целые губернии, поднимал восстания, сжигал города, писал некрологи».


В 1921 году в издательстве «Север» вышла первая книга А. Ветлугина «Авантюристы Гражданской войны». В нее вошли очерки и воспоминания автора 1917-1920 годов. Ветлугин упоминал известных личностей эпохи: военачальников Антона Деникина и Лавра Корнилова, революционеров Феликса Дзержинского и Льва Троцкого. В рецензии на книгу поэт Иван Бунин писал, что писателю не хватает милосердия и он «говорит с ледяными глазами». Вскоре А. Ветлугина приняли в члены Союза русских писателей и журналистов в Париже.


«Ужасную молодость дал Бог тем, что росли, мужали и остались живы за последние годы! И Ветлугин яркий пример среди них <...> Сколь много (чересчур много) они видели, и сколько грязи, крови! И как ожесточились!»

Иван Бунин, рецензия на книгу очерков «Авантюристы Гражданской войны»


Следующая книга «Третья Россия» вышла в начале 1922 года. Ветлугин снова обратился к теме гражданской войны. Он писал о существовании особого, третьего пути для страны. Ни устройство дореволюционной России, ни большевистской строй Рындзюн не считал правильным. Исследователь творчества Ирина Белобровцева писала: «Ветлугин считал, что это должен быть путь капитализма, путь собственности, путь людей, которые могут что-то в своей жизни создать такого материального, чтобы другим тоже от этого было хорошо». Одним из главных героев книги стал генерал-лейтенант Слащев - командир добровольческой армии, которая пыталась удержать Крым.


Зимой 1922 года у газеты «Общее дело» возникли финансовые трудности: сотрудникам перестали платить зарплату, у издателя не было денег на печать. Алексей Толстой предложил А. Ветлугину посотрудничать с берлинским изданием «Накануне», где писатель заведовал литературным приложением. Журналист согласился. В марте 1922 года он переехал в Германию.


Газету «Накануне» издавал кружок «сменовеховцев» - группа эмигрантов, которые пытались примерить эмигрантов с советской властью в России. В редакции Ветлугин познакомился с молодыми советскими литераторами: Борисом Пильняком и Александром Кусиковым. Для издания также регулярно писали Михаил Булгаков, Валентин Катаев, Сергей Есенин.


Работу журналиста в просоветской газете неоднозначно восприняли в среде парижской эмиграции. В апреле 1922 года А. Ветлугин получил письмо от председателя Союза русских писателей Павла Милюкова с вопросом «считаете ли Вы Ваше участие в этой газете [«Накануне»] совместимым с духом Союза и с Вашим дальнейшим пребыванием в составе его членов?». Ответ журналиста последовал сразу: возмущенный проверкой политических взглядов, он попросил исключить его из организации.


Весной 1922 года А. Ветлугин практически одновременно опубликовал две книги: очерки «Герои и воображаемые портреты» и «Последыши». Произведения восприняли противоречиво. Пока политический деятель Евгения Ратнер писала: «Ветлугин, по-моему, глуп и, при всем своем цинизме, неопытен, как щенок», поэт Дон-Аминадо говорил: «Все, что он писал, бойко, безответственно и талантливо».


Переводчик для Есенина: переезд в США


Танцовщица Айседора Дункан и поэт Сергей Есенин на пароходе. 1922. Фотография: istihi.ru

В сентябре 1922 года в Германию приехал поэт Сергей Есенин вместе с танцовщицей Айседорой Дункан. Он сопровождал жену на гастролях в Западной Европе, и хотел наладить в Берлине издательство книг русских поэтов. Пара познакомилась с А. Ветлугиным. Литераторы быстро подружились, и спустя несколько месяцев журналист посвятил Есенину свою новую книгу «Записки мерзавца: моменты жизни Юрия Быстрицкого». А. Ветлугин написал роман о жизни молодого человека в России до революции и после эмиграции. Исследователь творчества Ветлугина Ирина Белобровцева писала: «Это был роман нашумевший, его ругали все - его ругали в советской России, его ругали за границей русские критики». Негодование вызывал главный герой, Юрий Быстрицкий: повествование велось от первого лица и персонаж открыто высмеивал людей, воюющих за идею, а не за собственную жизнь.


Сергей Есенин и Айседора Дункан собирались в США. Паре требовался переводчик: поэт не говорил по-английски, а его жена - по-русски. А. Ветлугин предложил свои услуги и пообещал стать секретарем танцовщицы. Осенью 1922 года на пароходе «Париж» они отправились в Америку.


Однако после окончания турне в 1923 году обратно в Европу журналист возвращаться не захотел. Ветлугин устроился на работу в просоветскую газету «Русский голос» и стал автором политической колонки. Сергей Есенин писал поэту Александру Кусикову 7 февраля 1923 года: «Пишу тебе с парохода, на котором возвращаюсь в Париж. Едем вдвоем с Изадорой. Ветлугин остался в Америке. Хочет пытать судьбу по своим «Запискам», подражая человеку с коронковыми зубами».


На страницах «Русского голоса» Ветлугин критиковал эмигрантскую печать и агитировал писателей и художников возвратиться в Советский Союз. «Каждый раз, читая белые газеты, я ловлю себя на мысли: ведь это то же самое, что людоедство <…> За семь лет выветрились воспоминания о былых речах, поучениях, обещаниях. / Осталась слепая звериная злость. Осталось желание: мстить, мстить», - писал Ветлугин в рубрике «День за днем». Вскоре он стал редактором газеты.


Американская мечта: редактор, сценарист, продюсер


Кадр из художественного фильма Мервина ЛеРоя «Ист-сайд, вест-сайд», 1949

В декабре 1926 года А. Ветлугин «уехал в Сан-Франциско и женился на богатой американке-еврейке <...> Одевается этот автор «Записок мерзавца», как денди, с беднотой вообще дела иметь не желает. Он обрел свое счастье, попав опять к буржуям, и несказанно счастлив», - писал беллетрист Александр Яблоновский.


В 1927 году писатель увлекся рекламой и открыл свой бизнес. Это помогло ему пережить времена Великой депрессии. Для повышения продаж А. Ветлугин придумал размещать фотографию девушки на обложку, выбирать «лицо» номера. Однако в начале 1930-х он вернулся в журналистику уже под новым псевдонимом - Frederick Van Ryne. Ветлугин печатался в общественно-политическом журнале Liberty, авторами которого были писатели Бернард Шоу, Агата Кристи, Фрэнсис Скотт Фицджеральд. В это же время он публиковал статьи в новом мужском журнале Esquire.


А. Ветлугин стал популярным автором в американской печати, и в 1933 году его пригласили на пост редактора популярного женского журнала The Red Book. Он согласился. В августе 1939 года журналист взял интервью у Маргарет Митчелл, автора знаменитого романа «Унесенные ветром». Журналист проработал в издании 10 лет.


В 1943 году А. Ветлугин стал личным ассистентом Луиса Би Майера - основателя киностудии Metro-Goldwyn-Mayer. Вскоре он возглавил сценарный отдел компании. В 1944 году Ветлугин работал вместе со знаменитым американским поэтом Карлом Сэндбергом, которому поручили написать исторический роман для кинокомпании. Осенью 1948 года стал продюсером. В газете The Publishers Weekly писали: «Вольдемар Ветлугин получил повышение, будучи переведен из редакторского отдела в статус продюсера, и роман Марши Дэвенпорт «Ист-сайд, вест-сайд», изданный «Харпером» для боевого крещения».


В 1949 году в прокат вышла криминальная мелодрама «Ист-сайд, вест-сайд». Продюсером картины был А. Ветлугин. Главные роли в фильме сыграли популярные актеры Барбара Стэнвик, Авой Гарднер и Джеймс Мейсон. Кинолента стала дебютом для двадцатилетней Беверли Майклз, в которую Ветлугин влюбился с первого дня на площадке. Они поженились в этом же году, еще до премьеры. Второй в списке продюсера А. Ветлуги стала картина Джорджа Кьюкора «Ее собственная жизнь». Первый показ состоялся в 1950 году. По сюжету, успешная модель, которая добилась всего сама, влюбилась в женатого мужчину.


Брак Ветлугина с актрисой Беверли Майкл был недолгим: в 1952 году, незадолго до смерти журналиста, она подала документы на развод в суде Лос-Анджелеса.


А. Ветлугин скончался 15 мая 1953 года в Нью-Йорке.


Интересные факты


Нина Нисс-Гольдман. Слева направо: портрет поэта Валерия Брюсова (1924) и писателя Александра Солженицына (1970). Фотография: magisteria.ru / vologda-gallery.ru

1. Старшая сестра Владимира Рындзюна тоже стала знаменитой. Нина Нисс-Гольдман была известным советским скульптором и создавала портреты своих современников: поэта Валерия Брюсова, писателей Константина Паустовского и Александра Солженицына.


2. А. Ветлугин стал прототипом журналиста Владимира Лисовского из романа Алексея Толстого «Черное зеркало». Его описывали как «фантастического нахала и ловкача». Толстой писал в романе: «В конце концов ему было наплевать на белых и на красных, на политику, журналистику, на Россию и всю Европу. Все это он равнодушно презирал как обнищавшие задворки единственного хозяина мира — Америки».


3. Весной 1924 году редакция газеты «Русский голос» собрала и перевела деньги Надежде Крупской на установку памятника Владимиру Ленину. А. Ветлугин в письме к наркому просвещения Анатолию Луначарскому: «В продолжение двух лет я состою редактором нью-йоркской газеты «Русский голос», стоящей на советской платформе. О характере «Русского голоса» Вы можете судить по тому факту, что весной прошлого года нами было собрано и переслано Н. К. Лениной 2 000 долларов в фонд Живого памятника Ленину…».


4. Писатель Михаил Булгаков позаимствовал образ генерала Хлудова из пьесы «Бег» у А. Ветлугина. Военачальник Яков Слащев, прототип булгаковского героя, один из главных действующих лиц книги «Третья Россия» Владимира Рындзюна. Генерал-лейтенант добровольческой армии Слащев руководил обороной Крыма.


5. В своей автобиографической книге «С уважением, Энди Руни» известный американский журналист Энди Руни вспоминал, как он впервые пришел на встречу с А. Ветлугиным - продюсером кинокомпании Metro-Goldwyn-Mayer. В разгар беседы в кабинет зашел секретарь и передал сценаристу официальное письмо от Американской ассоциации юристов. Ее сотрудники провели исследование об образе юристов в кинематографе. Выяснилось, что в последних фильмах кинокомпании MGM их показывали нечестными на руку и выставляли в невыгодном свете. Ассоциация требовала письменного объяснения. Рунир вспоминал: «Ветлугин немного помолчал, потом быстро взглянул на секретаря и сказал: «Из 69-ти фильмов только в 73? Напиши им, что мы дали их адвокатам передышку!»

]]>
Валентина ТолкуноваИстория жизни известной певицы советской эстрады, голос которой знаком с детства по песням «Кабы не было зимы» и «Спят усталые игрушки».http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9980/valentina-tolkunovaTue, 08 Oct 2019 15:10:04 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Валентина Толкунова

МузыкаПерсоныИсполнитель

Валентину Толкунову называли «певицей русской души». «Поговори со мною, мама», «Стою на полустаночке», «Я не могу иначе» - без ее песен с 1973 по 2005 год не обходился ни один конкурс «Песня года». Композиции для нее написали 190 композиторов и 230 поэтов. «Толкунова - единственная певица, чей репертуар от первой до последней песни преисполнен смысла и проникновенности», - говорил Лев Лещенко. Ее голос знаком с детства: Валентина Толкунова пела песню мамы из мультфильма «Зима в Простоквашино» и исполнила «Спят усталые игрушки».


Ансамбль песни и танца: детство юной исполнительницы


Валентина Толкунова. 1970-е. Фотография: Юрий Садовников / Мультимедиа арт музей, Москва

Валентина Толкунова родилась в городе Армавир, в Краснодарском крае. Ее отец, Василий Толкунов, был кадровым военным и прошел сначала советско-финскую, а потом и в Великую Отечественную войну. Ее мать, Евгения Смирнова, работала на железнодорожной станции. Она была дочерью репрессированного и до свадьбы жила в Забайкальском крае.


Когда Толкуновой исполнился год, семья переехала в Москву: Василия Толкунова демобилизовали, и его родственники позвали в столицу. В 1949 году родился еще один ребенок - сын Сергей. Семья жила очень скромно. Мама певицы Евгения Толкунова говорила: «После войны, это же не сейчас, когда пошел в магазин и купил книги, игрушки. У меня был с собой один резиновый пупс. Это, пожалуй, была единственная игрушка моих детей <...> Когда появились деньги, то первое, что я купила - проигрыватель и пластинки».


В доме всегда звучала музыка. Младший брат Сергей Толкунов вспоминал: «У нас в доме было много грампластинок, которые мы часто слушали <...> мамочка каким-то чудным образом выкраивала денежку на покупку пластинок. Помню, у сестры была тетрадка, куда она аккуратно переписывала слова песен, которые были популярными тогда». В семье часто пели все вместе: бабушка, дети и мама, которая аккомпанировала на гитаре.


В 1954 году Валентина Толкунова пошла в первый класс. Когда будущей певице было 10 лет, ее приняли в Народный ансамбль песни и танца Центрального дома детей железнодорожников. На прослушивание посоветовала прийти учительница: она заметила, что Толкунова поет на переменах. Из школы отобрали семь человек. Руководителем ансамбля, в котором стала заниматься Валентина Толкунова, был знаменитый дирижер Семен Дунаевский, уроки вокала вела педагог Татьяна Овчинникова.


В ансамбле Толкунова занималась 10 лет, до окончания школы. Когда она получила аттестат о среднем образовании, то точно знала, кем хочет быть: певицей. В 1964 году Валентина Толкунова поступила на дирижерско-хоровое отделение Московского государственного института культуры и искусств.


Джазовая певица


Валентина Толкунова и ее первый муж — Юрий Саульский. Фотография: biografiya-zvezd.ru

В 1966 году автор песни «Черный кот», композитор Юрий Саульский создал вокально-инструментальный оркестр «ВИО-66». Музыканты исполняли джазовую музыку. Впервые в СССР помимо биг бенда - большого джаз-оркестра - в состав коллектива входила и вокальная группа. Солистов Саульский решил найти среди студентов Московского института культуры. Валентина Толкунова была одной из тех, кто пришел на прослушивания: ее интересовало модное в те времена направление. Певица вспоминала: «Я думаю, что это был период обучения, потому что музыкант должен в каждом направлении чувствовать себя уверенным <…>. Я как дирижер-хоровик понимала, что когда ты поешь в ансамбле, то это очень большая школа научиться находить гармонию и в оркестре. Это важно». На прослушиваниях она технично спела сложный вокализ, и ее взяли в состав «ВИО-66». Певице приходилось много репетировать и быстро учить новые приемы: она никогда до этого не исполняла джазовую музыку. Вскоре Толкунова стала главной солисткой. В 1966 году певица вышла замуж за Юрия Саульского.


«Вероятно, Ю. Саульский посту­пил очень правильно, составив певче­скую группу из дирижеров-хоровиков (в данное время еще студентов). «На­стоящие» сопрано и альт, тенор и бас вряд ли смогли бы так органически слиться с инструментальной частью оркестра и стать той особой его оркест­ровой краской, без которой сама идея «ВИО» терпит крах. Кроме того дирижеры-хоровики <...> в любом составе они умеют петь, «как один»

Марек Тероганян, журналист. Статья в журнале «Советский цирк» за 1966 год


«ВИО-66» часто давали концерты в городах СССР, выступления оркестра транслировали в программе «Голубой огонек». Из-за плотного графика гастролей и репетиций Валентине Толкуновой стало сложно совмещать работу в ансамбле и учебу в институте. Тогда Саульский посоветовал ей перевестись на заочное отделение Музыкального училища имени Гнесиных, которое певица закончила с красным дипломом в 1971 году. В это же время ансамбль распался: Юрий Саульский покинул коллектив - из-за репетиций у композитора не хватало времени на собственную музыку. В это же время они расстались и с Толкуновой.


Сольная карьера: знаменитые песни Валентины Толкуновой



«Стою на полустаночке». Музыка Ильи Катаева. Слова Михаила Анчарова. Исполняет Валентина Толкунова


В 1971 году певице предложили озвучить композиции для первого советского телесериала «День за днем». Музыку для них написал Илья Катаев, слова - поэт Михаил Анчаров. Певица исполнила «Я ночью шла по улице», «Песня о России», «Звук шагов». Вскоре после выхода картина стала знаменитой, и композиции записали на отдельную пластинку и выпустили в продажу. В фильме впервые прозвучала песня «Стою на полустаночке», но ее спела актриса Нина Сазонова.


Через год певица впервые исполнила сольную песню. Поэт Лев Ошанин услышал голос Толкуновой в телесериале и предложил ей выступить на своем юбилейном концерте. На возражения Толкуновой о том, что у нее нет своей песни, Ошанин ответил: «Я тебе дам песни, ты споешь, так что будешь участвовать». На творческом вечере поэта певица исполнила авторскую композицию «Ах, Наташа». Перед выступлением Валентина Толкунова вплела себе в волосы жемчужную нить: так она хотела дополнить платье, расшитое бусинами. С тех пор певица не выходила на сцену без жемчуга в волосах. Толкунова говорила: «Мое единственное украшение – жемчуг. Либо нитка в волосах, либо жемчужные сережки. Я не очень люблю украшения в том виде, в котором все привыкли видеть». Песня «Ах, Наташа» так понравилась зрителям, что певицу дважды вызывали на бис. В тот вечер на сцену выходили знаменитые музыканты: Муслим Магомаев, Людмила Зыкина, Клавдия Шульженко, Георг Отс. Концерт транслировали по телевидению, и Валентина Толкунова сразу стала знаменитой.



В 1972 году композитор Павел Аедоницкий написал песню «Серебряные свадьбы». Она была создана специально для грузинского ансамбля «Орера», который должен был исполнить композицию на юбилейном вечере автора. Однако коллектив в последний момент приехать не смог, и Аедоницкий обратился к Валентине Толкуновой. После выступления написать песни для нее захотели композиторы Марк Минков, Микаэл Таривердиев, Эдуард Колмановский. «Серебряные свадьбы» прозвучали в исполнении Толкуновой в финале телевизионного конкурса «Песня-73». В этом же году по предложению автора Ильи Катаева она перепела «Стою на полустаночке».



Однако это были лишь разовые концерты. Официальной работы у Валентины Толкуновой не было. В интервью для книги «Я не могу иначе. Жизнь, рассказанная ею самой» Иосиф Кобзон говорил: «После расставания с Саульским, Валентина оказалась в одиночестве как в личном, так и в творческом смысле. Мы с ней встретились, и я спросил: «Чем ты занимаешься?». Она ответила: «К сожалению, ничем». Я предложил Валюше прийти к нам, в Москонцерт. В то время существовал художественный совет, и она пришла на прослушивание».


В 1973 году Валентина Толкунова стала солисткой Государственного объединения музыкальных, эстрадных и цирковых коллективов «Москонцерт». Через несколько месяцев она познакомилась с композитором Владимиром Мигулей. Он написал песню «Поговори со мною, мама» и хотел, чтобы ее исполнила Толкунова. Изначально композицию планировали отдать известной исполнительнице народной музыки Людмиле Зыкиной, но певица уехала на длительные гастроли.


«Раздался звонок. Я открываю дверь. Входит человек, такой беленький, с длинными волосами, очень скромный молодой человек… Сел за инструмент и сыграл мне эту песню. И когда я стала репетировать, первая женщина, которая услышала песню, — это была моя мама. Она заплакала и сказала: «Эта песня будет нравиться всем мамам»

Валентина Толкунова


8 марта 1973 года песня прозвучала в эфире Всесоюзного радио. Композиция сразу стала популярной и попала в финал конкурса «Песня-74».



Личная жизнь певицы


Валентина Толкунова и ее второй муж — Юрий Папоров. Фотография: семейный архив / kp.by

Валентина Толкунова была замужем дважды. С Юрием Саульским они познакомились в 1966 году на прослушиваниях, когда певица пришла пробоваться в ансамбль. Валентина Толкунова вспоминала: «Влюбилась впервые, по-настоящему! Мне было всего девятнадцать. Юра был старше меня на восемнадцать лет. Но нас это не смутило. Уже через год мы поженились. Я была с ним очень счастлива!». Они вместе репетировали, ездили на гастроли, разрабатывали новый репертуар. Брак продлился пять лет.


В 1974 году она выступала на приеме в мексиканском посольстве. Одним из гостей был журналист-международник Юрий Папоров. После выступления Папоров подошел к певице, и они проговорили весь вечер.


«Увидев Юрия впервые, я была поражена его стилем и изысканной манерой одеваться! Он был изумительно элегантен, потрясающе выглядел в деловых костюмах и никогда не носил дешевых вещей - только из качественного материала, пошитые высококлассными портными <…> Узнав Папорова ближе, я не могла не восхититься его интеллектом, серьезностью, обстоятельностью»

Валентина Толкунова, певица


Вскоре они поженились. В 1977 году у пары родился сын Николай. Когда ребенку исполнилось четыре года, Юрий Папоров уехал в длительную командировку в Мексику на пять лет. Там журналист писал биографическую книгу «Хемингуэй на Кубе». Он звал Толкунову с собой, но певица отказалась: в СССР у нее была работа. Когда Папоров вернулся, они обвенчались. Валентина Толкунова вспоминала: «Чаще всего, долгое время живя с человеком, мы начинаем думать, что всё про него знаем. Я же бесконечно открываю в Юре новые грани и качества. Я всё время нахожусь в состоянии поиска и понимания характера мужа. Как же при таком положении вещей он может стать мне неинтересен?». Они прожили вместе 36 лет.


«Мудрость в каждой музыкальной фразе»



«Мы на лодочке катались» (русская народная песня). Исполняет Валентина Толкунова. Фрагмент телеверсии сольной программы Валентины Толкуновой «Монолог женщины» (1986)


С 1975 года Валентина Толкунова работала с известным пианистом и композитором Давидом Ашкенази. Репертуар певицы пополнился романсом Александра Вертинского «Сероглазый король», песнями «Мы на лодочке катались», «Где ты раньше был», «Старые слова». Параллельно она озвучивала мультфильмы: голосом Толкуновой пели герои картины «В порту», «Почтовая рыбка», «Старый дом». В книге «Апология памяти» Лев Лещенко писал: «Она сумела передать сокровенные чувства, мысли и переживания, свойственные любой женщине. Ее песне требуются простор, воздух, дальний горизонт, ей нужен запах полевых цветов. Вот почему многие ее песни стали, по существу, народными, вошли в его плоть и кровь».





В 1977 году на рождение сына композитор Борис Емельянов подарил Валентине Толкуновой песню «Носики-курносики». Композиция прозвучала со сцены и сразу же стала популярной. В 1979 году Толкунова дала свой первый сольный концерт. Тогда же певица получила звание заслуженной артистки России. На «Песне-79» она исполнила хит «Не зря мне люди говорили».


«Слушая Валентину Толкунову, я думаю о её понимании, о мудрости, которая сквозит в каждой её музыкальной фразе. Только мудрость эта особенная, женская и терпеливая, только понимание это наделено прозорливостью ребёнка, только ритм её плавных движений одухотворён душой приветливой и доброжелательной женщины, окрашивающей нам мир ровным светом нежности и постоянства»

Микаэл Таривердиев, композитор



«Если б не было войны». Музыка Марка Минкова. Слова Игоря Шаферана. Исполняет Валентина Толкунова


Одной из самых знаменитых песен Толкуновой стала «Если б не было войны». Ее написала композитор Марк Минков и поэт Игорь Шаферан. Совместная работа над композицией шла тяжело. Толкунова вспоминала: «Нужно было сделать не просто песню, а песню спектакль». С исполнительницей работал режиссер. Он помогал певице прочувствовать состояние лирической героини и поставил сценические движения. По просьбе Толкуновой в композиции добавили вставки с военным маршем. Певица рассказывала: «Я понимала, что я не дотягиваю, нет того музыкального образа, который бы соответствовал этой замечательной песне одинокого сердца женщины, которая осталась вдовой, не успев даже побыть женой. Полгода шла работа, пока внутри этой песни появились марши уходящих на войну солдат <...> Я чувствовала, что зал замирает, будучи охваченным этой темой».


В 1982 году в эфире передачи «Голубой огонек» впервые прозвучала песня Толкуновой «Я не могу иначе». Композитор Александра Пахмутова сама связалась с певицей, чтобы показать мелодию: она считала, что песня подходила исполнительнице по характеру. Слова написал поэт Николай Добронравов. Песня стала хитом.


Спустя несколько месяцев Валентина Толкунова исполнила композицию «Спят усталые игрушки» для заставки программы «Спокойной ночи, малыши!». Ее голосом пела «Кабы не было зимы» мама дяди Федора в мультфильме «Зима в Простоквашино» 1984 года.



Собственный песенный театр и музыкальные спектакли



Художественный фильм Виталия Фетисова «Верю в радугу» (1986)


В 1986 году композитор Илья Катаев написал специально для Валентины Толкуновой оперу «Русские женщины» по мотивам произведений Николая Некрасова и Александра Пушкина. Княгиня, Невеста, Сваха и Солдатка - певица перевоплощалась на сцене четыре раза. В премьерных спектаклях губернатора сибирского города играл актер Иннокентий Смоктуновский. В этом же году режиссер Александр Фетисов снял фильм-концерт «Верю в радугу» с Валентиной Толкуновой в главной роли.


Через год Толкуновой присвоили звание народной артистки России. Певица создала Московский театр музыкальной драмы и песни (в 1989 году переименован в театр музыкальной драмы и песни творческого объединения «АРТ»). Она же стала его художественным руководителем. Все музыкальные спектакли проходили на сцене концертного зала «Россия». В 1989 году состоялась премьера спектакля с балетными вставками «Ожидание». Постановка «Брызги шампанского» состояла из 16 романсов XIX века. «Я очень несовременная, как будто из другого века. Если бы меня спросили: «В какое время ты хотела бы родиться?» – ответила бы: «В XIX веке и никаком другом! Все-таки я дочь той эпохи», – объясняла выбор программы Толкунова. Она поставила спектакли «Я росинка твоя, россиянка», «Новая весна Валентины Толкуновой», «Как быть счастливой».


Певица выступала с сольными концертами по всему миру: Финляндия, Япония, Индия, Германия, США, Канада. На гастроли она иногда брала с собой маму, чтобы показать ей другие страны.


В начале 2000-х годов Валентина Толкунова исполняла песни, посвященные религии: «Ангел мой», «Спаси и сохрани», «Молитва». Певица часто давала благотворительные концерты. Собранные средства шли на помощь многодетным семьям, на восстановление храмов. В 2005 году она последний раз приняла участие в телевизионном фестивале «Песня года» с композицией «Русская деревня».


Зимой 2010 года во время концерта в Могилеве Валентине Толкуновой стало плохо, и ее госпитализировали. Через месяц она скончалась. Певицу похоронили на Троекуровском кладбище в Москве.

]]>
Петр ЧайковскийРодители хотели, чтобы Петр Чайковский стал юристом, однако он с детства увлекался музыкой.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8307/petr-chaikovskiiMon, 07 Oct 2019 15:45:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Петр Чайковский

МузыкаПерсоныКомпозитор

Родители хотели, чтобы Петр Чайковский стал юристом, однако он с детства увлекался музыкой. В двадцать три года он бросил службу в Министерстве юстиций и сосредоточился на творчестве. Еще при жизни композитора в газетах писали о его «внушительной силе мастерства». В историю мировой классической музыки Петр Чайковский вошел как автор десяти опер, трех балетов и семи симфоний.


«Стеклянный ребенок» и воспитанник училища правоведения



Петр Чайковский родился 7 мая 1840 года в дворянской семье в Воткинске Вятской губернии. Отец будущего композитора, горный инженер Илья Чайковский, был директором местного завода, а мать Александра Ассиер — пианисткой. Кроме Петра в семье Чайковских было еще четверо детей. Для их воспитания родители выписали из Петербурга гувернантку — француженку Фанни Дюрбах. Учился Петр Чайковский хорошо, его любимыми предметами были история и литература.


«В классе нельзя было быть старательнее и понятливее; во время рекреаций же никто не выдумывал более веселых забав; во время общих чтений для развлечения никто не слушал внимательнее, а в сумерках под праздник, когда я собирала своих птенцов вокруг себя и по очереди заставляла рассказывать что-нибудь, никто не фантазировал прелестнее... Его любили все, потому что чувствовали, как он любил всех. Впечатлительности его не было пределов, поэтому обходиться с ним надо было очень осторожно. Обидеть, задеть его мог каждый пустяк. Это был стеклянный ребенок».

Фанни Дюрбах, по книге Модеста Чайковского «Жизнь Петра Ильича Чайковского»


Еще в детстве Петр Чайковский начал сочинять стихи, а затем увлекся музыкой. Чтобы развить способности будущего композитора, родители наняли ему учительницу — бывшую крепостную Марию Пальчикову. Вскоре Чайковский начал на слух подбирать пьесы и романсы, которые играли у него дома. Его брат Модест Чайковский вспоминал: «Когда ему запрещали быть у инструмента, продолжал на чем попало перебирать пальцами. Однажды, увлекшись этим немым бренчанием на стекле оконной рамы, он так разошелся, что разбил его и очень сильно ранил себе руку» .


В 1848 году отец композитора Илья Чайковский вышел в отставку и вместе с семьей переехал в Москву, а затем в Петербург. Там Петра Чайковского отдали в Императорское училище правоведения — родители хотели, чтобы он получил юридическое образование. Однако в то же время будущий композитор продолжил заниматься музыкой. Вместе с матерью Чайковский часто бывал на балетах и операх в петербургском Большом театре и Мариинке.


В училище Чайковский познакомился и подружился с поэтом Алексеем Апухтиным. Вместе они издавали журнал «Училищный вестник», где публиковали свои стихи и статьи. Будущий композитор много читал — выписывал журнал «Современник», покупал книги Александра Пушкина, Александра Грибоедова и Михаила Лермонтова. Кроме того, в училище он занимался в хоре. Когда преподававший там Гавриил Ломакин болел, его заменял Чайковский и проводил для своих одноклассников уроки музыки. В то же время отец нанял будущему композитору нового педагога — профессионального пианиста Рудольфа Кюндингера. Чайковский вспоминал: «Каждое воскресенье я проводил с ним час и делал быстрый прогресс в игре на фортепиано» . С Кюндингером он занимался около трех лет.


«Он уже не был чиновником, он был музыкантом»



В 1859 году Чайковский закончил Императорское училище правоведения. В его аттестате почти по всем предметам были отличные оценки, и будущего композитора приняли на работу в Министерство юстиции. Он продолжил общаться с сокурсниками по училищу, среди которых было много представителей высшего общества. Чайковский посещал их салоны и музыкальные вечера.


В 1861 году друг Ильи Чайковского Василий Писарев пригласил будущего композитора съездить с ним в Европу в качестве секретаря и переводчика. Это путешествие стало первым у Чайковского, но позднее он писал сестре: «Если я в жизни сделал какую-нибудь колоссальную глупость, то это именно моя поездка. Ты помнишь Писарева? <...> Я до сих пор и не подозревал, что бывают на свете такие баснословно подлые личности; теперь тебе нетрудно понять, каково мне было провести три месяца неразлучно с таким приятным сотоварищем». В путешествии композитор посетил Германию, Францию и Великобританию.


На родине Чайковский вернулся к работе в Министерстве юстиции. На службе его не повышали, хотя брат композитора Модест Чайковский вспоминал: «Он не только усердствовал на Малой Садовой, но приносил работу на дом и писал доклады по ночам». По совету отца Чайковский совмещал работу и занятия музыкой. С сентября 1861 года он посещал занятия Антона Рубинштейна при Русском музыкальном обществе (РМО), а в 1862 году стал одним из первых студентов только что открывшейся Санкт-Петербургской консерватории. Успехов на службе у Чайковского в это время не было. Должность чиновника особых поручений, на которую рассчитывал композитор, досталась другому служащему министерства, и в 1863 году он уволился и сосредоточился на творчестве.


«Теперь он уже не был чиновником, он был музыкантом: отчисление от штатного места в министерстве юстиции произошло незаметно — он просто перестал ходить в департамент. К началу второго года у него было на пятьдесят рублей в месяц уроков. Денежные дела отца шли все хуже, Чайковский не мог надеяться на его помощь. Приходилось порой пешком бегать из Коломны на Охту, щегольские сюртуки его истрепались; кое-кто из прежних знакомых на Невском перестал узнавать его, может быть, — умышленно, а, впрочем, вероятно, — искренне: он отрастил волосы, носил широкополую шляпу».

Нина Берберова, «Чайковский»


Петр Чайковский, увертюра «Гроза»


Многие родственники не приняли решения Чайковского. Композитору с отцом и младшими братьями пришлось переехать в более дешевую квартиру, экономить на одежде. Сестре Чайковский писал: «Не подумай, что я воображаю сделаться великим артистом, — я просто хочу делать то, к чему меня влечет призвание; буду ли я знаменитый композитор или бедный учитель, — но совесть моя будет спокойна» . В консерватории он был одним из лучших учеников: в четыре руки вместе с другим студентом учреждения Германом Ларошем играл оперу Михаила Глинки «Жизнь за царя», сочинял свои первые произведения — увертюру «Гроза» по пьесе Александра Островского, кантату на оду Фридриха Шиллера «К радости», пьесу «Характерный танец».


Ларош писал Чайковскому: «Вы самый большой музыкальный талант современной России. Я вижу в вас самую великую или лучше сказать — единственную надежду нашей музыкальной будущности» . Консерваторию композитор закончил в 1865 году с высшей наградой — большой серебряной медалью и званием «свободного художника».


Преподаватель и музыкальный критик



В начале 1866 года по приглашению Николая Рубинштейна, брата композитора Антона Рубинштейна, Чайковский переехал из Петербурга в Москву — преподавать на недавно созданных музыкальных курсах, которые вскоре были преобразованы в Московскую консерваторию. Ежегодно у него было около девяноста студентов.


Чайковский был требовательным преподавателем и давал им много заданий. Профессор Московской консерватории Николай Кашкин вспоминал: «Безукоризненная добросовестность, ум и знание дела поневоле заставляли его быть хорошим преподавателем, в особенности для учеников более талантливых <…> Талантливых учеников он всеми средствами старался поощрить к усердной, настойчивой работе».


Петр Чайковский, Первая симфония («Зимние грезы»), часть I «Грезы зимнею дорогой»


Петр Чайковский, Первая симфония («Зимние грезы»), часть II «Угрюмый край, туманный край»


Петр Чайковский, Первая симфония («Зимние грезы»), часть III


Петр Чайковский, Первая симфония («Зимние грезы»), часть IV, финал


В это же время Чайковский занимался творчеством: сочинил первую симфонию «Зимние грезы». Он сыграл ее в Петербурге на концерте Русского музыкального общества в Москве в начале 1868 года. Публика встретила симфонию с одобрением, хотя преподаватель композитора Антон Рубинштейн раскритиковал ее.


Вскоре в Аристократическом клубе Чайковский познакомился и подружился с драматургом Александром Островским. Еще во время учебы в консерватории композитор написал по его пьесе «Гроза» увертюру. Теперь он хотел создать по тому же произведению оперу, и ему нужно было либретто. Островский отказал: над оперой по «Грозе» уже работал Владимир Кашперов.


Однако драматург предложил Чайковскому написать музыку по другому произведению — комедии «Воевода, или Сон на Волге». Для этой оперы Островский сам написал либретто. Премьера «Воеводы» состоялась в Большом театре в 1869 году. Публика встретила оперу хорошо, а критики писали о том, что музыка мало сочетается и либретто. Композитор уничтожил почти всю партитуру оперы.


Петр Чайковский, увертюра «Ромео и Джульетта»


В эти же годы Чайковский познакомился с критиком Владимиром Стасовым и членами объединения «Могучая кучка». По совету Милия Балакирева он стал писать программную музыку — инструментальные произведения без слов. Для новой увертюры композитор взял сюжет трагедии Уильяма Шекспира «Ромео и Джульетта». Чайковский закончил ее быстро — за два месяца. Впервые композитор исполнил «Ромео и Джульетту» в 1870 году на очередном концерте Русского музыкального общества.


«Нет сомнения, что музыка создавалась с необыкновенным вдохновением и энтузиазмом. В увертюре впервые зазвучали главные темы будущего творчества Чайковского: психологическая драма несбывшейся любви и неутоленность юношеской страсти в соприкосновении с поглощающей темой смерти».

Александр Познанский, «Чайковский» (книга из серии «Жизнь замечательных людей»)


Петр Чайковский, пьеса «Юмореска»


Петр Чайковский, пьеса «Ноктюрн»


В 1871 году Чайковский вновь побывал за границей. В путешествие композитора пригласил его ученик из Московской консерватории Владимир Шиловский. Они посетили Германию и Италию, где Чайковский написал две пьесы — «Юмореска» и «Ноктюрн». Композитор посвятил их Шиловскому.


В это время Чайковский испытывал проблемы с финансами. Чтобы заработать денег, он стал писать для газет «Русские ведомости» и «Современная летопись». Статьи композитора о музыкальных произведениях были популярными и вызывали споры. В газетах композитор работал до 1875 года.


«Прелестная музыка Чайковского»



Петр Чайковский, опера «Опричник», интродукция


Петр Чайковский, Вторая симфония, «Малороссийская»


В начале 1870-х Чайковский работал над новой оперой «Опричник» по одноименной трагедии Ивана Лажечникова. Произведение композитор закончил уже к 1872 году, однако еще несколько лет не мог добиться его премьеры в Мариинке. В итоге, ему пришлось приехать в Петербург. Там же он встретился с членами «Могучей кучки» и на одном из их собраний исполнил «Вторую симфонию». Владимир Стасов одобрил произведение и предложил Чайковскому сочинить еще одну симфоническую фантазию, а сюжет ее взять из литературы — произведений Шекспира. Композитор написал произведение по пьесе «Буря». Премьера симфонической фантазии на новом концерте Русского музыкального общества прошла с большим успехом. За произведение Чайковскому вручили лавровый венок и серебряный кубок.


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Январь. У камелька»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Февраль. Масленица»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Март. Песнь жаворонка»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Апрель. Подснежник»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Май. Белые ночи»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Июнь. Баркарола»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Июль. Песня косаря»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Август. Жатва»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Сентябрь. Охота»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Октябрь. Осенняя песнь»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Ноябрь. На тройке»


Петр Чайковский, цикл «Времена года», «Декабрь. Святки»


В апреле 1874 года в Мариинском театре впервые поставили «Опричника». Однако критики в очередной раз нашли в произведении Чайковского недостатки. Цезарь Кюи считал, что опера «бедна идеями» и написана «без единого счастливого вдохновения». Тем не менее уже в том же году «Опричника» поставили в Одессе, а затем в Киеве. На премьеру в этот город приехал и сам Чайковский. Позднее он вспоминал: «Опера имела успех, по крайней мере шумели ужасно и овации были самые лестные, каких я никогда и не ожидал. Огромная толпа студентов провожала меня от театра до гостиницы. Я был вполне счастлив». В 1875 году «Опричника» поставили в Москве в Большом театре, а вскоре оперу запретило правительство — цензоры нашли в ней революционные мысли. В том же году по заказу издателя журнала «Нувеллист» Н. М. Бернарда Петр Чайковский написал фортепианный цикл «Времена года».


Петр Чайковский, опера «Евгений Онегин», интродукция


Следующим крупным произведением Чайковского стала опера «Евгений Онегин», работу над которой он начал в 1877 году. Идею композитору подсказала певица Елизавета Лавровская, а либретто написал Константин Шиловский. Над оперой Чайковский работал в его имении Глебово недалеко от Москвы.


«Пусть моя опера будет несценична, пусть в ней мало действия,но я влюблен в образ Татьяны, я очарован стихами Пушкина и пишу на них музыку потому, потому что меня к этому тянет. Я совершенно погрузился в сочинение оперы. Правда и то, что нельзя себе представить обстановки более благоприятной для сочинения, как та, которою я пользуюсь здесь. В моем распоряжении целый отдельный, превосходно меблированный дом; никто, ни одна душа человеческая <...> не появляется ко мне, когда я занят, а главное, у меня фортепиано, звуки которого, когда я играю, не доходят опять-таки ни до кого».

Петр Чайковский, из письма брату Модесту Чайковскому


В 1877 году композитор познакомился с меценатом, вдовой железнодорожного промышленника Надеждой фон Мекк. Она стала финансировала путешествия Чайковского в Европу и ежегодно выплачивала ему шесть тысяч рублей. Эта сумма была в два раза больше зарплаты в Московской консерватории, и вскоре он оставил работу и сосредоточился на творчестве. Последнее занятие композитор провел в октябре 1878 года, а на место профессора рекомендовал своего ученика Сергея Танеева.


Петр Чайковский, Четвертая симфония, часть I


Чайковский вновь уехал за границу и поселился в Швейцарии. Там он закончил оперу «Евгений Онегин» и начал писать Четвертую симфонию. В письме фон Мекк композитор сообщал: «Никогда, ни на одну секунду, работая, я не позабуду, что Вы даете мне возможность продолжать мое артистическое призвание». Свое произведение Чайковский создал под влиянием Пятой симфонии Людвига ван Бетховена. Как и Бетховен, композитор размышлял над столкновением человека и судьбы. В 1878 году в Москве на концерте Русского музыкального общества симфонию исполнил Николай Рубинштейн, а вскоре с успехом прошла премьера «Евгения Онегина». В газете «Московские ведомости» написали, что «прелестная музыка Чайковского достойна прелестных стихов Пушкина».


Петр Чайковский, балет «Лебединое озеро», «Танец маленьких лебедей»


Петр Чайковский, балет «Лебединое озеро», «Летят лебеди»


Петр Чайковский, опера «Орлеанская дева», интродукция


Петр Чайковский, фантазия«Итальянское каприччио»


Петр Чайковский, увертюра «1812»


С конца 1870-х произведения Чайковского играли не только в России, но и за рубежом — во Франции и США. Композитор стал давать концерты в Европе. В то же время он работал над новыми произведениями — балетом «Лебединое озеро», оперой «Орлеанская дева», фантазией «Итальянское каприччио». В 1880 году Чайковский сочинил торжественную увертюру «1812 год» в память о победе над Наполеоном, за которую от российского правительства получил орден Святого Владимира IV степени.


В 1880-х Чайковский путешествовал по Европе, бывал на концертах Эдварда Грига, Ганса фон Бюлова, Артура Никиша и других композиторов, с которыми начал переписываться. Его слава в России в это время росла. В 1885 году Чайковский стал членом совета директоров Русского музыкального общества и возглавил его московское отделение. Там композитор мог помогать начинающим музыкантам, выбирать произведения для концертов РМО.


Петр Чайковский, опера «Черевички», интродукция


Петр Чайковский, опера «Чародейка», интродукция


Петр Чайковский, симфония «Манфред»


В том же году Чайковский купил имение Майданово недалеко от подмосковного города Клин. В дневнике композитор писал: «Чем ближе подвигаешься к старости, тем живее чувствуешь наслаждения от близости к природе». В Майданово композитор написал оперы «Черевички» и «Чародейка», симфонию «Манфред». Жил Чайковский уединенно, не принимал у себя просителей. В гости к композитору приезжали только близкие друзья — Надежда фон Мекк и музыкальный издатель Петр Юргенсон.


Личная жизнь: «Жить без Вас я не могу»



В 1868 году Петр Чайковский познакомился с французской оперной певицей Дезире Арто, которая в том году приехала на гастроли в Россию. Для нее композитор сочинил несколько романсов и пьесу для фортепиано. Брату Модесту он писал: «Ах! Модинька <...> если б ты знал, какая певица и актриса Арто! Еще никогда я не бывал под столь сильным обаянием артиста, как в сей раз. <...> Как бы ты восхищался ее жестами и грацией ее движений и поз!» Чайковский хотел жениться на Арто, однако против свадьбы выступили ее родители. Композитор и певица расстались и больше не общались.


Единственной женой Чайковского стала студентка Московской консерватории Антонина Милюкова. Они познакомились в 1872 году на одном из музыкальных вечеров. Милюкова присылала Чайковскому письма с признаниями в любви.


«Неужели Вы прекратите со мной переписку и не повидавшись даже ни разу? Нет, я уверена, что Вы не будете так жестоки!.. Я готова буду броситься к Вам на шею, расцеловать Вас, но какое же я имею на то право? Вы можете принять это за нахальство с моей стороны… Жить без Вас я не могу, а потому скоро, может, покончу с собой. Так дайте же мне посмотреть на Вас и поцеловать Вас так, чтобы и на том свете помнить этот поцелуй. До свидания. Ваша вечно А. М».

Антонина Милюкова, из писем к Петру Чайковскому


Чайковский и Милюкова поженились в 1877 году. Известие о свадьбе обрадовало отца композитора: «Я перекрестился и подпрыгнул даже от радости. Слава Богу! Господь да благословит тебя!!!» Однако вскоре композитор и певица расстались. Развод они так и не оформили, но вместе жить перестали.


«Это был триумф победителей во главе с Петром Ильичем»: последние годы жизни



Петр Чайковский, Пятая симфония, часть I


В 1887 году Чайковский переехал из Майданова в усадьбу Фроловское. Он писал: «Я не буду видеть ненавистных дачников, гуляющих под моими окнами, как это было в Майданове». В том же году он отправился в свой первый гастрольный тур по Европе, побывал в городах Германии, Франции и Великобритании. Там Чайковский играл балет «Лебединое озеро», увертюру «Руслан и Людмила», Первый концерт для фортепиано с оркестром и другие произведения. После возвращения в Россию композитор приступил к работе над Пятой симфонией, в которой хотел выразить «чисто личное чувство уходящей жизни и страх смерти». Премьера симфонии прошла в ноябре 1888 года в Петербурге и была встречена критикой неоднозначно.


«Сыграв мою новую симфонию два раза в Петербурге и раз в Праге, я пришел к убеждению, что симфония эта неудачна. Есть в ней что-то такое отталкивающее, какой-то излишек пестроты и неискренности, деланности. И публика инстинктивно сознает это. Мне было очень ясно, что овации, коих я был предметом, относились к моей предыдущей деятельности, а сама симфония неспособна увлекать или, по крайней мере, нравиться. Сознание всего этого причиняет мне острое, мучительное чувство недовольства самим собою. Неужели я уже, как говорится, исписался, и теперь могу только повторяться и подделываться под свою прежнюю манеру?»

Петр Чайковский, из письма к Надежде фон Мекк


Петр Чайковский, опера «Пиковая дама», интродукция


В 1889 Чайковский отправился во второй гастрольный тур, после которого решил ненадолго остаться в Европе. Он поселился в Италии — жил во Флоренции и Риме. Там по просьбе директора Императорских театров Ивана Всеволожского написал свою новую оперу — «Пиковую даму» по одноименной повести Александра Пушкина. Чайковский создал это произведение всего за полгода: «Я иначе не могу работать, как скоро. Но скорость вовсе не обозначает, что я кое-как написал оперу. Все дело в том, чтобы писать с любовью». Для оперы Чайковский сам написал слова к некоторым фрагментам, в том числе арию Германа.


Петр Чайковский, балет «Спящая красавица», «Вальс»


Премьера «Пиковой дамы» прошла в 1890 году в Петербурге. Брат композитора Модест Чайковский вспоминал: «Ни одна опера Петра Ильича на первом представлении не была исполнена так прекрасно». Почти сразу оперу начали ставить за рубежом — в Праге и Вене. В том же году с успехом прошла еще одна премьера — балет Чайковского «Спящая красавица» по одноименной сказке Шарля Перро.


Племянник композитора Юрий Давыдов писал: «Трудно передать состояние зрителей <…> возбужденные лица, слезы на глазах, усталые от аплодисментов руки и охрипшие голоса молодежи. Это действительно был триумф победителей во главе с Петром Ильичем, которого выводила за руку прима-балерина [Карлотта] Брианца».


В 1891 году Чайковский отправился на гастроли в США, где выступил с концертом на открытии Карнеги-холла в Нью-Йорке. Публика приняла композитора тепло, а американские газеты писали о нем: «Чайковский дирижирует с внушительной силой мастерства, и оркестр повинуется ему как один человек».


Петр Чайковский, опера «Иоланта», интродукция


Петр Чайковский, балет «Щелкунчик», «Танец феи Драже»


Петр Чайковский, балет «Щелкунчик», «Вальс цветов»


Петр Чайковский, балет «Щелкунчик», «Па-де-де»


В том же году Чайковский в очередной раз переехал. Он оставил имение Фроловское и поселился в Клину. Там он работал над оперой «Иоланта» по пьесе Генрика Герца «Дочь короля Рене» и балетом «Щелкунчик». Их премьера состоялась 6 декабря 1892 года в Мариинском театре.


Петр Чайковский, Шестая симфония («Патетическая»), часть I


Сразу после Чайковский приступил к созданию нового произведения — Шестой симфонии. Он написал ее меньше чем за полгода — партитура была завершена к августу 1893 года. Симфония не пользовалась популярностью публики, однако сам композитор считал ее своим главным произведением: «С этой симфонией происходит что-то странное! Она не то чтобы не понравилась, но произвела некоторое недоумение. Что касается меня самого, то я ею горжусь более, чем каким-либо другим моим сочинением». Шестую симфонию Чайковский посвятил своему племяннику Владимиру Давыдову.



К 1893 году Петр Чайковский был всемирно известен. В Великобритании ему присвоили степень почетного доктора Кембриджского университета, в Германии и Франции с успехом шли его оперы. На 1894 год композитор запланировал новый гастрольный тур. У Чайковского не было проблем со здоровьем, хотя в своем дневнике он писал о «стариковской расхлябанности».


В конце октября 1893 года в Петербурге началась эпидемия холеры. Заразился ей и Чайковский. Врач Лев Бертенсон, которого родственники композитора вызвали 2 ноября, обнаружил у Чайковского «холеру в самой злой форме». В газете «Русская жизнь» писали: «Как велика симпатия и любовь к Чайковскому, видно из того, что — едва стало известно о его болезни — к квартире его стали подъезжать и подходить сотни знакомых и незнакомых, чтобы справиться о его положении».


Композитор умер 6 ноября 1893 года. По личному распоряжению императора Александра III Петра Чайковского похоронили в Александро-Невской лавре в Некрополе мастеров искусств за счет казны.

]]>
Алексей Степанов!http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9981/aleksei-stepanovMon, 07 Oct 2019 14:10:01 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Алексей Степанов

МузеиПерсоныХудожник

Анималист, мастер пейзажа, член Товарищества передвижных художественных выставок и Союза русских художников, Алексей Степанов уже через несколько лет после окончания Училища живописи, ваяния и зодчества стал его преподавателем. Он рисовал иллюстрации к произведениям Антона Чехова и Дмитрия Мамина-Сибиряка, был художественным корреспондентом журнала «Природа и Охота». Еще при жизни Степанова его картины выставляли в Третьяковской галерее, Институте Карнеги в Нью-Йорке, на Всемирной выставке в Париже.


Студент Московского Училища живописи и ученик передвижника



Алексей Степанов родился 6 мая 1858 года в Симферополе в дворянской семье. Его отец Степан Степанов был офицером и участвовал в Крымской войне – оборонял Севастополь. Мальчику не исполнилось и года, когда умерла его мать. Спустя пять лет не стало и отца. Его опекуном назначили одного из сослуживцев Степана Степанова, и тот решил забрать мальчика с собой в Москву и устроить в Александринское сиротское малолетнее отделение.


Уже в приюте Алексей Степанов начал рисовать. Вскоре опекун забрал его из дома сирот и отправил на учебу в Первую Московскую Гимназию, а затем и в Константиновский межевой институт – в этих учебных заведениях преподавали черчение и рисование.


В 1879 году Алексей Степанов получил диплом землемера. Устраиваться на работу по профессии он не спешил - хотел продолжить обучение и стать художником. Директор межевого института Александр Апухтин познакомил Степанова с Львом Жемчужниковым, который в то время был секретарем Московского Училища живописи, ваяния и зодчества. Жемчужников предложил молодому человеку поступить туда. Степанов смог сам оплатить учебу – опекун сохранил для будущего художника небольшое наследство, которое ему завещал отец.


С 1880 по 1884 год Степанов был студентом Училища. Его наставником стал один из основателей Товарищества передвижных художественных выставок Илларион Прянишников, который научил Степанова работать с композицией и цветом. Первыми работами художника стали небольшие бытовые сценки – с их помощью преподаватели объясняли, как более точно отображать на картинах действительность.


В Училище Степанов подружился с Михаилом Нестеровым, Исааком Левитаном, братьями Коровиными. Через студента Николая Чехова он познакомился и начал переписываться с писателем Антоном Чеховым.


«Алексея Степановича Степанова, нашего «Степочку», мы все любили. Да и как было его не любить! Я совершенно уверен, что на всем белом свете не нашлось бы такого свирепого человеконенавистника, который ни с того ни с сего, «здорово живешь», не взлюбил бы Алексея Степановича. Его любили равно за его чудесный нрав, как и за его прекрасное искусство, любили так, как он любил нас, как любил он своих мишек, лошадок, лосей, всех малых и больших зверушек и зверей, коих изображал. Он любил и родной наш пейзаж, любил крестьянский быт и охотничий люд. Все и всё платили ему ласковым вниманием, добрым чувством»

Михаил Нестеров, «Давние дни: воспоминания, очерки, письма»



Алексей Степанов участвовал в студенческих выставках, а его полотна выставляли в Школе живописи. Примерно в то же время он начал сотрудничать с журналом русского зоолога Леонида Сабанеева «Природа и Охота», где опубликовал более ста иллюстраций. Он с точностью изображал птиц и зверей, рисовал для издания сценки - «Охота на глухаря», «С гончими на волков», «Казацкая охота на дроф» и другие. Михаил Нестеров вспоминал: «Степанов был лучшим анималистом после Серова».


В 1882 году в Училище живописи, ваяния и зодчества пришел работать Василий Поленов. Степанов с товарищами посещал его занятия. Поленов преподавал начинающим художникам основы света и тени, объяснял им, как использовать чистые цвета и подбирать для картин сюжеты. Один из воспитанников – живописец Яков Минченков – так писал о нем: «Все свежее, красивое и сильное у молодых художников было главным образом наследием от Поленова. Он был их учителем, отзывчивым на все новое и свежее, что выносила талантливая молодежь».


В 1883 году Степанов начал писать картину «Отец и сын, или Военная беседа», которую посвятил событиям Крымской войны. Работать над полотном ему помогал Илларион Прянишников. В 1884 за эту картину живописец получил большую серебряную медаль Академии Художеств, а вскоре меценат Павел Третьяков купил «Отца и сына» для своей галереи. До нашего времени сохранилась только черно-белая фотография полотна – картина утрачена.


«Картина истинно прелестная»: известные работы Алексея Степанова



В 1888 году Алексей Степанов впервые принял участие в выставке передвижников - с картиной «Гоп! Гоп!». После выставки художник стал получать много заказов. Писатель Антон Чехов пригласил его проиллюстрировать рассказ «Каштанка».


«Обложка у меня будет белая, и на ней пятном сядет собака. Будет просто, но хорошо. Рисовал художник Степанов, ярый охотник, изучивший собак до тонкостей. Изобразить помесь таксы и дворняжки задача нелегкая, но Степанов, как видите, решил ее блестяще. Поглядите на ноги и на грудь. Придать лисьей морде добродушно-собачье выражение тоже нелегко, но и это сделано»

Антон Чехов, письмо к Алексею Суворину, 1888 год


В том же году Степанова и Левитана пригласили преподавать в Училище изящных искусств Анатолия Гунста – первое в Москве частное учебное художественное заведение. С 1889 года художник начал вести класс анималистики в Московском Училище живописи, ваяния и зодчества. В этом же году Степанов вновь участвовал в Передвижной выставке, на этот раз с картиной «Лоси едят сено зимой». Василий Поленов написал о ней: «Интересная, поэтическая и очень оригинальная вещь».


В 1891 году на XIX Передвижной выставке Степанов представил картину «Журавли летят». Художественный критик Владимир Стасов отозвался о ней как об «истинно прелестной» работе. Спустя несколько месяцев Исаак Левитан и Алексей Степанов стали действительными членами Товарищества передвижников. Раньше они могли лишь выставлять свои полотна, а теперь получили право голосовать и решать, какие картины будут представлены на следующих экспозициях.


В начале 1890-х Степанов рисовал в основном охотничьи сценки, сюжеты мирной сельской жизни, делал иллюстрации. Специально для для книги Дмитрия Мамина-Сибиряка «Аленушкины сказки» художник создал серию акварельных рисунков.



В 1894 вместе с семьей купца и коллекционера Николая Медынцева Алексей Степанов отправился в Европу. Он побывал в Италии, Германии и Франции, где познакомился с работами импрессионистов – Клода Моне, Камиля Писсарро и других. Это поездка помогла Степанову развить свой собственный стиль. В нем художник сочетал реалистические методы с импрессионистскими приемами – короткими мазками, обилием светлых тонов.


«Начинавший с реалистического пленэра, Степанов развил его до импрессионизма. Он создал особый тип картины - небольшие по размерам полотна с мотивами деревенской жизни, где свежо и непосредственно представлены домики, лошадки, фигуры людей и лошадки»

Вячеслав Филиппов, искусствовед


В 1895 году Алексей Степанов женился на сестре Медынцева – Людмиле. Вместе супруги часто выезжали в Тверскую губернию, к озеру Удомля: художника вдохновляли живописные пейзажи окрестных сел и деревень.


В 1897 году на на XXV выставке передвижников Степанов представил картину «Утренний привет», на которой изобразил небольшую усадьбу и ее владельца – старика-помещика. Этого персонажа художник нарисовал со своего тестя Николая Медынцева. Публицист Владислав Артемов писал: «Картина написана со свойственной Степанову мягкостью и теплотой, в ней есть та задушевная интонация, по которой можно отличить Степанова от всякого другого художника. <...> Точность в изображении деталей и мелочей здесь тоже почти фотографическая, как и во всех произведениях Степанова». Академия художеств выкупила полотно и отправила в 1900-м году на Всемирную выставку в Париж. Спустя несколько лет, в 1905 году, за «Утренний привет» Степанов получил звание академика.


«Союз русских художников» и работа в Училище



В 1901 году Алексей Степанов вступил в объединение «36 художников». Его члены выступали за свободное участие в выставках всех художников – без голосования, как это было в Товариществе передвижных выставок. Спустя два года другие выпускники Училища живописи, ваяния и зодчества создали Союз русских художников. Алексей Степанов стал одним из учредителей организации. Вместе с Аполлинарием Васнецовым, Абрамом Архиповым и другими живописцами он подписал коллективное обращение к создателям Товарищества передвижников: Степанов просил исключить его из объединения. В письме жене художник рассказывал, что «товарищество разбивается на несколько кружков», все избегают откровенных бесед, много спорят.


В 1900-х он преподавал в Училище живописи, ваяния и зодчества. Воспитанники любили его за чуткость, мягкость и интересные занятия. Художник показывал студентам, как при помощи простых приемов создавать сложные образы. Его ученик А. П. Панфилов вспоминал: «Мне написал однажды гуся, я этого гуся храню и любуюсь, особенно тем, как тонко брал он тон. У гуся шейка взята совсем почти одним цветом с фоном, все тем же белым, а какая разница».


Степанов брал воспитанников на этюды, учил их работать быстро и аккуратно, прорабатывать детали и композицию набросков. Во время прогулок по городу художник просил учеников запоминать все, что они видят и воссоздавать в студии.


«Все мы знали его, все любили. Ходили мы к нему в мастерскую, класс животных она называлась. Сергей Васильевич Герасимов, Иогансон, Борис Яковлев... И я ходил. И так у него уютно было, так хорошо было»

Художник Павел Корин об Алексее Степанове (по книге Владислава Артемова «Алексей Степанов»)


В 1910-х Алексей Степанов подолгу жил в имении Гарусово в Тверской губернии, писал сцены деревенской жизни, портреты друзей и дочери. Среди его произведений этого периода много набросков и зарисовок, легкой пейзажной живописи, в том числе картины «Зимний пейзаж», «На водопой», «Ранняя весна». В гости к Степановым приходили другие художники, которые жили неподалеку, – Станислав Жуковский и Николай Богданов-Бельский.


В последние годы жизни художник тяжело болел. Он рисовал меньше, но начал изучать работы импрессиониста Эдгара Дега. В 1920 году он создал картину «Grand Opera». По манере она напоминала работы Эдгара Дега и его учеников. Художник использовал похожую технику – крупные мазки, темные цвета.


В 1923 году Алексей Степанов написал свою последнюю картину – «Качели». Ее вместе с другими полотнами популярных в те годы художников советское правительство отправило на Всемирную выставку в Нью-Йорке. Там «Качели» приобрел Институт Карнеги.


Умер Алексей Степанов 5 октября 1923 года. Похоронили художника на Ваганьковском кладбище Москвы.


Интересные факты:



1. На занятиях анималистов Степанов учил рисовать животных с натуры. Для этого художник специально приносил в класс зверей и птиц. Один из его воспитанников В. А. Филиппов вспоминал: «Натуру, пернатую или четвероногую модель, доставал обычно сам Степанов, отправляясь за ней иногда куда-то далеко за город, «на кулички».


2. Степанов много охотился. Свою мастерскую он украшал ружьями и кинжалами. Художник писал: «Иногда утку убить, чтобы изжарить ее в печке русской, я не прочь, даже хорошо, но так охотиться, чтобы непременно десяток уток вокруг пояса нанизать <...> мне кажется лишнее, ненужное занятие. Походить да посмотреть, как тетерева токуют или как солнце поднимается и в лес проникает, увидеть, как лось бежит, волк сытый, взглянув на тебя, лениво свернет в кусты…».


3. Степанов вместе с Исааком Левитаном и Софьей Кувшинниковой стали прототипами героев рассказа Антона Чехова «Попрыгунья» – доктора Коростелева, художника Рябовского и самой Попрыгуньи. После публикации рассказа живописец поссорился с писателем.

]]>
Савва Морозов!http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9979/savva-morozovFri, 04 Oct 2019 11:55:01 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Савва Морозов

ЛекцииПерсоныИстория и обществоОбщественный деятель

Савва Морозов был одним из самых богатых людей Российской империи. Потомственный предприниматель и меценат всё свое время посвящал семейному делу - его предприятие считалось одной из самых прибыльных компаний страны. Морозов был меценатом, которого знала вся Россия: он строил для рабочих больницы и дома, ввел на своих фабриках декретный отпуск, финансировал большевиков и добивался сокращения рабочего дня для тех, кто трудится на производствах. Савва Морозов финансировал строительство и развитие Московского художественного театра: помощь имя мецената и его портрет даже выгравировали на значке к 10-летию МХТ вместе с изображениями основателей театра Константина Станиславского и Владимира Немировича-Данченко.


Детство в купеческой семье


Савва Морозов (во втором ряду в центре) с семьей. 1890–1905. Фотография: Мультимедиа арт музей, Москва

Династия Морозовых происходила из старообрядческого рода купцов и предпринимателей. Дед будущего мецената в 1821 году выкупился из крепостной зависимости и создал собственную ткацкую фабрику. Его преемником стал младший сын Тимофей. Он руководил Московской биржей, а позже открыл Никольскую хлопчатобумажную мануфактуру. В 1846 году Тимофей Морозов женился на наследнице купеческого рода Солдатёнковых - Марие Симоновой. Имея равную долю в предприятиях мужа, она много помогала бедным: финансировала строительство церквей, больниц и приютов.


У Тимофея и Марии Морозовых было десять детей, четверо из которых не дожили и до трех лет. Зимой 1862 года в городе Зуево (сегодня Орехово-Зуево) родился сын Савва. Несмотря на достаток, всех детей воспитывали в строгости, не разрешали выходить за пределы усадьбы. Отец часто был занят делами, а мать больше всего времени проводила с самым младшим сыном, Сергеем.


С детства у Саввы Морозова был упрямый характер, за что его иногда называли Бизоном. Подруга детства Мария Крестовникова вспоминала: «Савва, годом меня старше, был невысок ростом, но коренасто сложенный. Прекрасные волнистые русые волосы и необыкновенно приятный рот с полными губами и белыми ровными зубами, а главное, необыкновенно прямая, добрая и милая улыбка по временам делала его очень красивым. Он… всегда всё первый знал и предугадывал и прекрасно, как мы это называли, вел политику с родителями».


Благодаря своему упорству он быстро схватывал учебный материал, который давали домашние учителя. Особенно преподаватели отмечали его способности к точным наукам. В 14 лет он пошел в Московскую мужскую гимназию №4. Морозов был круглым отличником по математике и физике. После занятий любил играть в карты. Позже он вспоминал: «В гимназии я научился курить и не веровать в бога».


«От мануфактуры к фабрике»: начинающий предприниматель


XVI Всероссийская промышленно-художественная выставка в Нижнем Новгороде. Товарищество Никольской мануфактуры «Саввы Морозова сын и Ко» (лист из альбома, изданного полиграфической фирмой «Шерер, Набгольц и Ко»). 9 июня 1896–13 октября 1896. Нижний Новгород. Фотография: Максим Дмитриев / Мультимедиа арт музей, Москва

После окончания гимназии в 1881 году, Савва Морозов поступил на физико-математический факультет Императорского Московского университета. На естественном отделении он изучал химию, на занятиях разрабатывал красители. В свободное время ходил на лекции по философии, истории и политэкономии.


Изучать химию Морозов продолжил в английском Кембридже, где собирал материалы для своего исследования. После университета посещал фабрику в Манчестере, чтобы познакомиться с местной текстильной промышленностью - после учебы ему предстояло возглавить семейное дело. Его отец жестко руководил рабочими Никольской мануфактуры, штрафовал даже за малейшую ошибку или отставание от нормы. Из-за суровых условий в 1885 году здесь устроили первую в России рабочую стачку, известную как «морозовская». Младший же Морозов собирался стать демократичным руководителем и уделять больше внимания социальным вопросам.


В 1887 году Савва Морозов вернулся из Англии, защитил диссертацию и сразу же приступил к делам отца. В 25 лет он стал управляющим Товариществом Никольской мануфактуры «Саввы Морозова сын и Ко» и Трехгорным пивоваренным товариществом. На фабрике начались радикальные преобразования. Прежде всего, Морозов отменил штрафы, построил для работников дома и больницу, заказал из Англии новейшее оборудование. Работницы начали получать декретный отпуск, а способные сотрудники - учиться техническим специальностям. Никольская мануфактура быстро стала самым прибыльным текстильным предприятием в стране, ее продукция занимала призовые места на выставках и ярмарках.


Личная жизнь Саввы Морозова


Савва Морозов с детьми. 1900–1903. Фотография: Мультимедиа арт музей, Москва

Летом 1895 года Савва Морозов приехал в гости к двоюродному племяннику Сергею - они были почти одного возраста. Там Морозов влюбился в жену племянника, Зинаиду Зимину, дочь купца второй гильдии. Она ответила взаимностью.


«Когда началась моя любовь к Савве Тимофеевичу, мы с Сергеем Викуловичем были в Крыму. Мне было 18 лет, и я, не будучи плаксивой, целые дни плакала и не знала: решаться ли мне на развод»

Из воспоминаний Зинаиды Морозовой-Рейнбот


Через год Зимина развелась с мужем и обручилась с Саввой Морозовым. Семья была против, в старообрядческой среде расторгать брак и жениться на разведенных было большим грехом. Но Морозов пошел против воли родителей. Для своей молодой жены он купил особняк на Большой Никитской улице, а через пять лет по проекту Федора Шехтеля перестроил дом на Спиридоновке. У Саввы Морозова и Зинаиды Зиминой родилось четверо детей.


В 1898 году купец познакомился с актрисой МХТ Марией Андреевой. Сначала он ходил на ее спектакли, а позже влюбился. Несмотря на то, что артистка была замужем за статским советником Андреем Желябужским, она ответила взаимностью на ухаживания Морозова. Промышленник готов был выполнить любое ее желание, и Андреева убедила его финансировать социал-демократическую партию, в которой состояла. В итоге Савва Морозов жертвовал миллионы рублей на все съезды партии и развитие пролетарской газеты «Искра». Через четыре года актриса ушла к Горькому, а Морозов вернулся к своей семье.


На строительстве МХТ


Савва Морозов на строительстве здания Московского Художественного театра. 1901. Москва. Фотография: Музей Московского художественного академического театра (МХАТ), Москва

Как и все члены семьи, Савва Морозов занимался меценатством. На интересные, по его мнению, предприятия Морозов не жалел никаких денег. Мать говорила о нем: «Горяч Саввушка!.. Увлечется каким-либо новшеством, с ненадежными людьми свяжется, не дай Бог».


В 1898 году новым детищем Морозова стал Московский художественный театр. Труппе требовалось новое помещение и режиссеры Константин Станиславский и Владимир Немирович-Данченко приглашали к участию богатых купцов. Морозов сразу согласился помочь.


«Морозов финансировал театр и взял на себя всю хозяйственную часть. Он вникал во все подробности дела и отдавал ему все свое свободное время. Будучи в душе артистом, он, естественно, чувствовал потребность принять активное участие в художественной стороне. С этой целью он просил доверить ему заведование электрическим освещением сцены»

Константин Станиславский, «Моя жизнь в искусстве»


Савва Морозов даже переехал на всё лето на стройку в Камергерском переулке и жил в небольшой комнатушке возле конторы. Когда домашние уехали за город, он превратил собственную ванную в лабораторию, где создавал краску для электрических ламп, которые давали бы подходящий свет для сцены. Также купец сам продумывал внутреннее оформление театра. Он советовался с Немировичем-Данченко: «Белое с серебром изящнее, чем с золотом, не правда ли? Золото кричит… В театре должны быть спокойные краски, чтоб ничто не отвлекало зрителей от сцены».


Строительство закончили в рекордные сроки, всего за несколько месяцев. Константин Станиславский вспоминал: «Савва Тимофеевич Морозов не отставал от нас. Мы любовались, глядя, как он, солидный, немолодой человек, лазил по лестнице, вешая драпировки, картины, или носил мебель, вещи и расстилал ковры. С трогательным увлечением он отдавался этой работе...». После открытия театра Морозов продолжал его финансировать. Он хотел, чтобы МХТ был общедоступным, а цены на билеты оставались низкими. За помощь театру имя мецената Саввы Морозова и его портрет выгравировали на значке к 10-летию МХТ вместе с изображениями Станиславского и Немировича-Данченко.


Либеральные идеи «даровитого русского дельца»


Савва Морозов. Фотография: biographe.ru

К концу 90-х XIX века имя Саввы Морозова было хорошо известно в России. Он возглавлял Нижегородскую ярмарку, входил в Совет торговли и мануфактур и Общества по содействию развитию легкой промышленности. Имя промышленника чаще стало появляться в московской прессе.


«С. Т. Морозов — тип московского крупного дельца. Небольшой, коренастый, плотно скроенный, подвижный, без суетливости, с быстро бегающими и постоянно точно смеющимися глазами, то «рубаха–парень», способный даже на шалость, то осторожный, деловитый коммерсант–политик «себе на уме», который линию свою твердо знает и из нормы не выйдет — ни боже мой!.. Образованный, энергичный, решительный, с большим запасом той чисто русской смекалки, которой щеголяют почти все даровитые русские дельцы»

Из публикации московского журналиста Николая Ракшанина


В это же время Савва Морозов особенно много помогал социал-демократам: финансировал газеты, нелегально провозил типографские шрифты через границу, в своем доме скрывал от властей революционера Николая Баумана.


«Савва внимательно следил за работой Ленина, читал его статьи и однажды забавно сказал о нем:
— Все его писания можно озаглавить: «Курс политического мордобоя» или «Философия и техника драки». Не знаешь — в шахматы играет он?
— Не знаю.
— Мыслит, как шахматист. В путанице социальных отношений разбирается так легко, как будто сам и создал ее»

Из книги «Савва Морозов» Максима Горького


Некоторые современники считали, что это общение подпитывало и то, что всю жизнь Морозов провел в старообрядческой среде со строгими распорядками, устоявшимися укладами, аскетичным образом жизни. Прозаик Марк Алданов писал: «Ему чрезвычайно опротивели люди вообще, а люди его круга в особенности». Однако Савва Морозов не стал революционером сам, а вскоре и вовсе перестал поддерживать тайное оппозиционное течение.


Борьба за права рабочих


Жена Саввы Морозова Зинаида после похорон мужа. 1905. Фотография: moiarussia.ru

22 января 1905 года в Петербурге разогнали митингующих, которые требовали у императора подписать Петицию о рабочих нуждах. Этот день вошел в историю как Кровавое воскресенье. После него Савва Морозов написал докладную записку «О причинах забастовочного движения. Требования введения демократических свобод», в которой высказал свое мнение по поводу стачек в стране. Он отстаивал права рабочих на свободу слова, печати, образования и неприкосновенности личности и считал, что не нужно привлекать полицию на любые мирные забастовки.


«Лишь при других условиях государственной жизни, при гарантиях личности, при уважении власти к законам, при свободе союзов различных групп населения, связанных общим интересом, законное желание рабочих улучшить свое положение может вылиться в спокойные законные формы борьбы, которые могут только содействовать расцвету промышленности, как это наблюдается в Европе и Америке...»

Из доклада Саввы Морозова «О причинах забастовочного движения...»


В феврале на Никольской мануфактуре началась забастовка. Рабочие требовали восьмичасового рабочего дня и повышения зарплаты. Сам Морозов не мог принимать решения, потому что по документам предприятие принадлежало матери. Она договариваться с рабочими не хотела. Инициативу Саввы Морозова, изложенную в докладе, не поддержало и правление мануфактуры. В середине марта 1905 года на рабочем совещании письмо купца уничтожили.


В это же время от предпринимателя ушла Мария Андреева. Морозов стал замкнутым, почти нигде не появлялся, не хотел никого видеть. Мать и жена обратились к врачам, которые заключили, что у него: «тяжелое общее нервное расстройство, выражавшееся то в чрезмерном возбуждении, беспокойстве, бессоннице, то в подавленном состоянии, приступах тоски и прочее».


Весной 1905 года вместе с женой Морозов уехал на лечение во Францию. Супруги остановились в «Ройял-отеле» в Каннах. Днем 26 мая он остался один в номере. Позже рядом с его телом обнаружили пистолет и записку: «В смерти моей прошу никого не винить». Савве Морозову было 43 года.


«Человеческая природа не выносит двух равносильных противоположных страстей. Купец не смеет увлекаться. Он должен быть верен своей стихии, стихии выдержки и расчета. Измена неминуемо поведет к трагическому конфликту… А Савва Морозов мог страстно увлекаться. До влюбленности. Не женщиной — это у него роли не играло, а личностью, идеей, общественностью… На революционное движение он… давал значительные суммы. Когда же в 1905 году разразилась первая революция и потом резкая реакция, — что-то произошло в его психике, и он застрелился»

Владимир Немирович-Данченко


Тело Морозова перевезли в Москву и похоронили на старообрядческом Рогожском кладбище. В городе еще долго ходили слухи, что гроб был пустым, а сам Савва Морозов живет в российской глубинке.


Интересные факты о жизни Саввы Морозова


Ефим Копелян (слева) в роли Саввы Морозова в художественном фильме Семена Туманова «Николай Бауман» (1967)

1. Савва Морозов и Константин Станиславский познакомились еще в детстве. Купеческий сын Константин Алексеев (прим. ред. : настоящая фамилия режиссера) поступил в Московскую мужскую гимназию №4 на год раньше, чем братья Морозовы. Вместе с Алексеевым они дружили с детьми семьи Перевозчиковых - Дмитрием и Марией (прим. ред.: актриса МХТ Мария Лилина). В 1899 году Константин Алексеев и Мария Перевозчикова поженились. Учебное заведение славилось суровыми порядками, которые описал в своих воспоминаниях Станиславский: «Из-за самых пустых причин, без всякого разбора дела детей сажали в карцер. А в карцере были крысы. Ходили даже сплетни, будто их там нарочно разводили, - вероятно, с педагогической целью, чтобы наказание было действительнее».


2. Во время работы на Никольской мануфактуре Морозов контролировал все производственные этапы. Чтобы не зависеть от поставок из-за границы, он покупал в Средней Азии земли и выращивал на них собственный хлопок.


3. Савва Морозов развивал в России химическое производство. На фабриках в селе Всеволодо-Вильва Пермской губернии и на реке Иваке он выпускал разные реагенты: уксусную кислоту, древесный и метиловый спирт, ацетон, денатурат.


4. В усадьбе Покровское-Рубцово Морозов содержал конный двор. Ему принадлежали лучшие в России лошади: вороной рысак Ташкент и гнедая Наяда. Они участвовали в московских скачках и выигрывали призовые места.


5. Общие положения, которые Савва Морозов описал в докладной записке «О причинах забастовочного движения...», в 1905 году отразил председатель Комитета министров Сергей Витте в государственных документах. Среди них - царский Манифест «Об усовершенствовании государственного порядка» и первый закон о профсоюзах «Временные правила о профессиональных обществах, учреждаемых для лиц, занятых в торговых и промышленных предприятиях, или для владельцев этих предприятий». Эти законодательные акты объявляли свободу слова, собраний, союзов.


6. Через два года после смерти Морозова, жена продала особняк на Спиридоновке предпринимателю Михаилу Рябушинскому. Архитектурные детали здания в неоготическом стиле совпадают с описанием дома Маргариты из романа Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита». Часть исследователей считает, что именно здесь автор «поселил» героиню.


7. Морозов стал прототипом персонажей во многих произведениях Горького, среди которых - «Егор Булычов и другие», «Дело Артамоновых». Их герои тоже занимались меценатством и помогали революционерам.


8. Родственники Морозова по линии Абрамовичей в конце ХIХ века собирали произведения европейских импрессионистов. В коллекции Ивана и Михаила Морозовых были работы Клода Моне, Пьера Огюста Ренуара, Пабло Пикассо и многих других художников.


9. О жизни Саввы Морозова снимали фильмы российские режиссеры. В ленте 1967 года «Николай Бауман» купца сыграл Ефим Копелян, а в исторической драме «Красный дипломат. Страницы жизни Леонида Красина» – литовский актер Донатас Банионис. В 2007 году на экраны вышел сериал «Савва Морозов», а через четыре года режиссер Владимир Фатьянов снял документальный фильм «Роковая любовь Саввы Морозова». В него вошли документы и фотографии из архива семьи.

]]>
Федор Тютчев!http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8283/fedor-tyutchevFri, 04 Oct 2019 10:55:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Федор Тютчев

ЛитератураПерсоныПоэт

Много лет Федор Тютчев был дипломатом и работал за границей, а стихи писал в свободное от службы время. Его произведения почти не печатали в России. Слава пришла к поэту после публикаций в журнале «Современник», где Николай Некрасов назвал его «русским первостепенным поэтическим талантом».


Детство и университет: «учился он необыкновенно успешно»



Федор Тютчев родился 5 декабря 1803 года в фамильной усадьбе Овстуг Орловской губернии (ныне – Брянская область). Он происходил из старинного русского дворянского рода, который был известен с XIV века. Отец поэта Иван Тютчев служил в Кремле, в последние годы жизни руководил «Экспедицией Кремлевского строения» – государственной организацией, которая следила за состоянием исторических памятников. Мать Федора Тютчева Екатерину Толстую публицист Иван Аксаков описал как «женщину замечательного ума».


Тютчевы жили очень дружно. Друг их семьи историк Михаил Погодин писал: «Смотря на Тютчевых, думал о семейственном счастии. Если бы все жили так просто, как они». Родители старались дать детям хорошее домашнее образование: учили русскому и французскому языкам, музыке. Детство будущего поэта, его брата и сестры прошло в родовой усадьбе Овстуг.


«Когда ты говоришь об Овстуге, прелестном, благоуханном, цветущем, безмятежном и лучезарном, — ах, какие приступы тоски по родине овладевают мною»

Федор Тютчев, из письма жене Эрнестине Пфеффель


Зимой Тютчевы часто уезжали в Москву – там у семьи был особняк. Литературовед Вадим Кожинов писал: «Сохранились свидетельства о том, что Тютчевы жили в Москве по присущим ей бытовым канонам — жили открыто, широко, хлебосольно. Семья целиком предавалась ритуалам праздников, крестин, свадеб, именин». В 1812 году из-за Отечественной войны им пришлось поменять привычный уклад жизни и на время переехать в Ярославль. После окончания боевых действий Тютчевы вернулись: их дом был одним из немногих уцелевших после пожара.


В том же 1812 году Федору Тютчеву наняли домашнего учителя – Семена Раича. Он был знатоком древнегреческого, латыни, итальянского языка. С его помощью будущий поэт изучил античную литературу и «по тринадцатому году переводил уже оды Горация с замечательным успехом». Именно Раичу Федор Тютчев посвятил одни из своих первых стихотворений, среди которых послание «На камень жизни роковой» («С. Е. Раичу»):


Ум скор и сметлив, верен глаз,
Воображенье — быстро…
А спорил в жизни только раз —
На диспуте магистра.


Будущий поэт не только много читал, он интересовался искусством и историей. Среди его любимых книг были сборники Гавриила Державина, Василия Жуковского и Михаила Ломоносова, «История государства Российского» Николая Карамзина. С 1816 года он был вольнослушателем Московского университета и ходил на лекции.


«Ребенок был чрезвычайно добросердечен, кроткого, ласкового нрава, чужд всяких грубых наклонностей; все свойства и проявления его детской природы были скрашены какой-то особенно тонкой, изящной духовностью. Благодаря своим удивительным способностям, учился он необыкновенно успешно. Но уже и тогда нельзя было не заметить, что учение не было для него трудом, а как бы удовлетворением естественной потребности знания»

Иван Аксаков, «Федор Иванович Тютчев. Биографический очерк»


Одни из первых произведений Тютчева Семен Раич отдал своему наставнику – профессору Московского университета Алексею Мерзлякову. Оду «На новый 1816 год» Мерзляков решил прочитать на собрании Общества любителей российской словесности в феврале 1818 года. Вскоре Тютчева – ему тогда было 14 лет – приняли в организацию. Первые стихи поэта стали появляться в журнале «Труды Общества любителей российской словесности».


В 1819 году Тютчев отлично сдал экзамены по истории, географии, и иностранным языкам, среди которых были латынь, французский и немецкий, и стал студентом факультета словесных наук Московского университета. В университете он близко общался с историком Михаилом Погодиным, поэтом Дмитрием Веневитиновым, писателями Владимиром Одоевским и Андреем Муравьевым. В 1821 году своим товарищам Тютчев посвятил стихотворение «Весеннее приветствие стихотворцам».


Федор Тютчев в Германии



Федор Тютчев окончил Московский университет в конце 1821 года – на год раньше положенного срока. Для этого он получил специальное разрешение министра народного просвещения князя Александра Голицына. Спустя год Тютчев переехал в Петербург. Там поэт стал служащим Государственной коллегии иностранных дел. В столице он жил в доме своего родственника графа Остермана-Толстого – героя Отечественной войны, генерала. Именно он рекомендовал отправить Тютчева в дипломатическую миссию в Мюнхен. Позже поэт писал родителям: «Странная вещь — судьба человеческая. Надобно же было моей судьбе вооружиться уцелевшею Остермановою рукою, чтобы закинуть меня так далеко от вас!».


В королевстве Бавария Тютчев прожил больше двадцати лет – окончательно он возвратился в Россию только в 1844 году. В Германии он познакомился с философом Фридрихом Шеллингом, поэтами Иоганном Гёте и Генрихом Гейне. Поэт переводил труды немецких философов и писателей, в том числе «Песнь радости» Фридриха Шиллера, посещал литературные вечера, переписывался с иностранными учеными, писал публицистические статьи на французском языке.


«Связи Тютчева с культурой Запада иногда изображаются односторонне – их сводят к немецким только связям. На деле же для Тютчева имели немалое значение и другие европейские авторы: он усвоил поэзию Байрона, не однажды обращался к Шекспиру, отлично знал французский романтизм, французский реалистический роман, французскую историческую науку. Мюнхен и Бавария, а потом на время Турин и Италия поучительны были для Тютчева не только сами по себе – они «вдвинули» его в Европу, из этих городов ему хорошо видна была политическая и культурная жизнь других европейских столиц»

Наум Берковский, «О русской литературе»


Не оставил Федор Тютчев и литературного творчества. Во второй половине 1820-х он написал около семидесяти стихотворений, среди которых «Весенняя гроза», «Как океан объемлет шар земной…», «Silentium!» и другие. В эти годы поэт создавал философскую, пейзажную и любовную лирику. Позднее Валерий Брюсов писал о его творчестве в это время: «У своих русских предшественников Тютчев почти ничему не учился. В ранних его стихах есть влияние Жуковского и, отчасти, Державина; позднее Тютчев кое-что воспринял у Пушкина. Но в целом его стих крайне самостоятелен, своеобычен».


Уже в 1823 году, спустя несколько месяцев после переезда в Мюнхен, Тютчев сочинил для Амалии фон Лерхенфельд, в которую был влюблен, стихотворение «Твой милый взор, невинной страсти полный…». Спустя два года поэт чуть не стал из-за нее участником дуэли. Чтобы избежать скандала, ему пришлось на полгода вернуться в Россию. Позднее Тютчев посвятил возлюбленной стихотворения «Я помню время золотое» и «Я встретил вас, и всё былое». Сразу после возвращения Тютчев женился на Элеоноре Петерсон – вдове русского дипломата Александра Петерсона, от которого у нее осталось четверо детей. Поэт писал родителям: «Я хочу, чтобы вы, любящие меня, знали, что никогда ни один человек не любил другого так, как она меня… не было ни одного дня в ее жизни, когда ради моего благополучия она не согласилась бы, не колеблясь ни мгновенья, умереть за меня». Позже у них родились три дочери.


В 1829 году в Москве педагог Тютчева Семен Раич начал издавать журнал «Галатея». Он предложил поэту публиковаться. Тютчев согласился, и его стихотворения печатали почти в каждом номере. После закрытия «Галатеи» в 1830 году Тютчева пригласили сотрудничать с альманахом Михаила Максимовича «Денница». В этом издании вышли произведения «Успокоение», «Весенние воды», «Последний катаклизм».


«Тютчев, как уже говорилось, не торопился стать поэтом; став поэтом, он опять-таки не спешил печатать стихи. Известно, что он передавал стихи в московские журналы и альманахи только благодаря настойчивым просьбам Раича, братьев Киреевских, Погодина. В весьма редких случаях — и то лишь в последние годы жизни — стихи поэта попадали в печать по его личной инициативе»

Вадим Кожинов, «Тютчев» (из серии «Жизнь замечательных людей»)


«Стихотворения, присланные из Германии»: Федор Тютчев и журнал «Современник»



Тютчев очень требовательно относился к своему творчеству – много раз переписывал и переделывал уже готовые произведения, часть из них уничтожал. Он вспоминал: «Ах, писание страшное зло, оно как бы второе грехопадение бедного разума…». Его стихотворения, даже опубликованные, в начале 1830-х были малоизвестны. И карьера Тютчева не была успешной – он получал небольшое жалование и жил небогато.


В 1835 году друг поэта Иван Гагарин вернулся из дипломатической миссии в Петербург и узнал, что в России Тютчева почти не знают. Гагарин уговорил поэта прислать ему в тетрадь с последними стихотворениями и забрал несколько неопубликованных произведений у Раича. А затем показал все собранные рукописи Петру Вяземскому и Василию Жуковскому.


«...Намедни я передаю Вяземскому некоторые стихотворения, старательно разобранные и переписанные мною; через несколько дней невзначай захожу к нему около полуночи и застаю его вдвоем с Жуковским за чтением ваших стихов и вполне увлеченных поэтическим чувством, коим дышат ваши стихи. Я был в восхищении, в восторге, и каждое слово, каждое замечание, в особенности Жуковского, все более убеждало меня, что он верно понял все оттенки и всю прелесть этой простой и глубокой мысли»

Дипломат Иван Гагарин, из переписки с Федором Тютчевым


Вяземский с Жуковским передали произведения Александру Пушкину. Он прочитал их и в 1836 году напечатал в «Современнике» под заголовком «Стихотворения, присланные из Германии». Пушкин тщательно отнесся к публикации – цензор Крылов хотел убрать из стихотворения «Не то, что мните вы, природа…» несколько строф. Но поэт добился публикации с точками на месте пропущенных строф. Так читатели журнала могли понять: в журнале стихотворение неполное и сокращено по решению цензуры.


«Мне рассказывали очевидцы, в какой восторг пришел Пушкин, когда он в первый раз увидал собрание рукописное его [Тютчева] стихов… Он носился с ними целую неделю»

Юрий Самарин, публицист, философ


Стихотворения Тютчева публиковали в трех книжках «Современника», в том числе и в 1837 году – уже после смерти Пушкина. Несмотря на это, критики почти не отреагировали на них. В то же время Иван Гагарин, который хотел издать книгу произведений Тютчева, вернулся на службу в Германию. Литературовед Наум Берковский писал: «Тютчев все же не вошел тогда подлинным образом в литературу».


В мае 1837 года поэт вновь приехал в Россию на несколько месяцев. Здесь он сочинил стихотворение «29-ое января 1837» о гибели Пушкина:


Мир, мир тебе, о тень поэта,
Мир светлый праху твоему!..
Назло людскому суесловью
Велик и свят был жребий твой!..
Ты был богов орган живой,
Но с кровью в жилах... знойной кровью.


«Я твердо решился оставить дипломатическое поприще»: последние годы в Европе



В 1838 году Федора Тютчева отправили в дипломатическую миссию в Турин. Элеонора Петерсон с детьми поплыли к нему на пароходе. Когда они были недалеко от немецкого города Любек, судно загорелось. Жена Тютчева и его дети не пострадали, но, конечно, сильно испугались. У Элеоноры Петерсон после катастрофы сильно ухудшилось здоровье. В августе 1838 года после тяжелой болезни она умерла. Однако уже спустя несколько месяцев Тютчев женился вновь. Его супругой стала Эрнестина Дёрнберг. С ней поэт познакомился еще в 1833 году и с тех пор поддерживал отношения, написал несколько любовных стихотворений, среди которых «Люблю глаза твои, мой друг…» и «Воспоминание о 20 марта 1836 года!!!». В браке у Тютчева и Дёрнберг родилось пять детей.


В 1839 году Федор Тютчев подал прошение, чтобы оставить службу. В Европе он оставался до 1844 года. В 1843 году познакомился с Александром Бенкендорфом, начальником Третьего отделения Собственной Его Императорского Величества канцелярии. Бенкендорф заведовал сыском и был шефом жандармов. Тютчев показал ему свои философские труды – размышления о судьбе России и Запада, а Бенкендорф передал их императору Николаю I. Родителям Тютчев написал: «Он [Бенкендорф] уверил меня, что мои мысли были приняты довольно благосклонно, и есть повод надеяться, что им будет дан ход». Николай I прочитал сочинения поэта и поддержал его идеи. Тютчев хотел изменить отношение европейцев к России и собирался публиковать в известных немецких и французских журналах статьи о политике. Император пообещал оказывать поэту поддержку и пригласил его в Петербург на аудиенцию. 20 сентября 1844 года Тютчев возвратился в Россию. Однако через три дня после этого умер Бенкендорф, который покровительствовал поэту. Как писал Иван Кожинов: «Смерть Бенкендорфа, очевидно, оборвала и осуществление всего тютчевского «проекта».


Возвращение в Россию: «чарующий рассказчик» и публицист



В 1845 году, спустя несколько месяцев после возвращения в Петербург, Федор Тютчев вновь стал сотрудником Министерства иностранных дел. На несколько лет – до 1849 года – он перестал писать стихи. В эти годы поэт посещал светские салоны, балы. Петербургской знати он запомнился как хороший рассказчик, который разбирался в политике и философии.


«Много мне случалось на моем веку разговаривать и слушать знаменитых рассказчиков, но ни один из них не производил на меня такого чарующего впечатления, как Тютчев. Остроумные, нежные, колкие, добрые слова, точно жемчужины, небрежно скатывались с его уст <...> Когда он начинал говорить, рассказывать, все мгновенно умолкали, и во всей комнате только и слышался голос Тютчева <...> Главной прелестью Тютчева <...> было то, что <...> не было ничего приготовленного, выученного, придуманного»

Писатель Владимир Сологуб, «Воспоминания»


В 1848 году Тютчева назначили старшим цензором при министерстве иностранных дел. Эта должность не приносила поэту больших денег, а работа казалась ему скучной и однообразной. Каждый день Тютчеву приходилось искать в прессе статьи на тему внешней политики. Родителям он писал: «Если бы я не был так нищ, с каким наслаждением я швырнул бы им в лицо содержание, которое они мне выплачивают, и открыто порвал бы с этим скопищем кретинов… Что за отродье, великий Боже!..». В эти годы он писал и печатал статьи на французском языке, среди которых «Россия и революция», «Россия и Германия», «Папство и римский вопрос». Поэт задумал масштабный исторический трактат «Россия и Запад», в котором планировал изложить свои мысли о внешней политике. Труд остался незавершенным, хотя Тютчев работал над ним несколько лет.


«К концу 40-х годов Тютчев стал проповедовать политическое и духовное обособление России от Европы. Согласно его трактатам, Россия – великая патриархальная империя, опора порядка, исповедница христианского безличия и смирения. Христианская идея отлично уживалась у Тютчева с завоевательным пафосом, с призывами к расширению территорий, к захвату Константинополя, который должен был, по его теории, оказаться центром государства, объединяющего славянские народы под властью русского царя»

Наум Берковский, «О русской литературе»


Любовная лирика и славянофильство



В 1850 году поэт Николай Некрасов в своей статье назвал Тютчева «русским первостепенным поэтическим талантом». Вскоре после этого в журналах стали появляться его старые произведения, а сам Тютчев снова начал писать стихи и публиковать их. В начале 1850-х вышли «Как дымный столп светлеет в вышине!», «Слезы людские, о слезы людские», «О, как убийственно мы любим» и другие произведения. В это же время Иван Тургенев и Николай Некрасов подготовили к печати его первый сборник, который вышел в 1854 году. Большой для того времени тираж – три тысячи экземпляров – раскупили за короткий срок.


В это время поэт писал философские и любовные лирические стихи, которые объединились в так называемый «денисьевский» цикл: большую часть он посвятил своей возлюбленной Елене Денисьевой. Поэт познакомился с ней еще в конце 1840-х в Смольном институте, куда приходил навещать своих дочерей Дарью и Екатерину. Денисьева училась вместе с ними. На протяжении почти пятнадцати лет – до смерти Денисьевой в 1864 году – Тютчев поддерживал отношения и с законной женой, и с ней. Денисьева писала: «Мне нечего скрываться и нет необходимости ни от кого прятаться: я более всего ему жена, чем бывшие его жены, и никто в мире никогда его так не любил и не ценил, как я его люблю и ценю». Она родила Тютчеву троих детей.


Кроме любовной лирики в эти годы Федор Тютчев много писал на политические темы. На службе он получил повышение: в 1857 году его назначили главой Комитета иностранной цензуры. Это учреждение отвечало за всю печатную продукцию, которую ввозили на территорию Российской империи. За время руководства Тютчева количеств книг и журналов увеличилось, а цензура смягчилась.


Поэт регулярно печатал в журналах свои философские размышления. В 1857 он написал статью под названием «О цензуре в России», в которой размышлял о политике государства по отношению к издателям: «...До тех пор, покуда правительство не изменит совершенно <...> своего взгляда на отношения к нему печати <...> до тех пор ничто поистине действительное не может быть предпринято с некоторыми основаниями успеха; и надежда приобрести влияние на умы с помощью печати <..> оставалась бы постоянным заблуждением».


В 1862 году министерство иностранных дел возглавил товарищ Пушкина по Царскосельскому лицею князь Александр Горчаков. С ним у Тютчева сложились приятельские отношения, они много переписывались. С Горчаковым поэт делился своими взглядами на внешнюю политику. Тютчев была близка концепция славянофилов: он полагал, что Россия идет по своему собственному самобытному пути и ее история кардинально отличается от истории европейских стран. Эти идеи поэта проявились в его политической лирике, среди которой стихотворения «Молчит сомнительно Восток», «Умом Россию не понять...» и «Славянам».


«Политика и поэзия в самом широком значении этих двух понятий были сущностью его жизни, — политика мирной всецелой жизни человечества и политика как совокупность вопросов, живо и горячо затрагивающих интересы России и устраивающих ее будущность. Наряду же с политикой стояла и поэзия, являвшаяся чем-то родственным политике в духовном существе его...»

Владимир Мещерский, «Воспоминания»


Последние годы жизни



С 1860-х Федор Тютчев часто болел. Елена Денисьева писала сестре: «Федор Иванович опять заболел и сильно: он в постели, и не менее как на неделю…». В 1864 году у них родился третий ребенок – сын Николай. Вскоре после этого Денисьева тяжело заболела и умерла. Тютчев писал об этом: «Пустота, страшная пустота… Даже вспомнить о ней — вызвать ее, живую, в памяти, как она была, глядела, двигалась, говорила, и этого не могу. Страшно, невыносимо…». В следующем 1865 году заболели и умерли два младших ребенка Тютчева и Денисьевой – Елена и Николай. Старшего сына Федора забрала к себе дочь поэта Анна Тютчева. В это время почти все стихи посвящал Тютчев погибшей возлюбленной, много размышлял о старости и близкой смерти.


«Жизнь, как подстреленная птица,
Подняться хочет – и не может.
Нет ни полёта, ни размаху –
Висят поломанные крылья,
И вся она, прижавшись к праху,
Дрожит от боли и бессилья…»

Отрывок из стихотворения «О, этот Юг, о, эта Ницца!», 1864 год


В 1870-х ухудшилось и здоровье самого поэта. Вскоре после смерти Денисьевой у него умерла мать. Наум Берковский писал: «Тютчев был тяжело болен, но болезни своей признавать не хотел и порывался к деятельной жизни». Тютчев не уходил со службы и не слушал советов врачей, которые рекомендовали ему уехать в имение и пожить в спокойствии. В последние годы жизни поэт испытывал проблемы со зрением и речью, не мог писать, но продолжал диктовать стихи и статьи. Тютчев внимательно следил за франко-прусской войной и выписывал газеты, со всеми посетителями обсуждал свежие новости. В 1872 году он писал дочери: «По своему неисправимому легкомыслию я по-прежнему не могу не интересоваться всем, что происходит в мире, словно мне не предстоит вскоре его покинуть…». Вскоре умерла любимая дочь поэта Мария. Незадолго до смерти Тютчев сочинил свои последние стихотворения «Бессонница» («Ночной порой в пустыне городской…») и «Все отнял у меня казнящий Бог…».


Федор Тютчев умер 27 июля 1873 года в Царском селе. Поэта похоронили на Новодевичьем кладбище в Петербурге.


Интересные факты


Неизвестный художник. Портрет Федора Тютчева. Изображение: sochinyshka.ru

1. Через свою мать Екатерину Толстую Федор Тютчев приходился родственником с другим классиком русской литературы – Львом Толстым. Они были шестиюродными братьями.


2. Одним из первых наставников Федора Тютчева был крепостной крестьянин его родителей Николай Хлопов, который обучал его грамоте. Незадолго до своей смерти, в 1826 году, Хлопов подарил поэту икону, которую тот хранил до конца жизни. На ней крестьянин подписал: «В память моей искренней любви и усердия к моему другу Федору Ивановичу Тютчеву. Сей образ по смерти моей принадлежит ему. Подписано 1826 Марта 5-го Николай Хлопов».


3. Тютчев никогда не бывал в имении Мураново, где в 1920-м году создали его музей. Эта усадьба принадлежала сыну поэта Ивану и его семье. После революции супруга Ивана Ольга Путята и внук Тютчева Николай придумали устроить в своем доме музей. Николай Тютчев до конца жизни был хранителем музейной коллекции и научным сотрудником Муранова.


4. Во время работы цензором Тютчев запретил печать и распространение главной книги коммунистов – «Манифеста коммунистической партии» Фридриха Энгельса и Карла Маркса.


5. В 1870 году, во время поездки в Германию, Тютчев вновь встретился со своей первой любовью Амалией фон Лерхенфельд. После этого он написал стихотворение «Я встретил вас – и все былое…». В 1881 году композитор Леонид Малашкин положил его слова на музыку и создал романс. Ноты издали небольшим тиражом в 300 экземпляров, автора музыки забыли. Популярным стихотворение и песня стали после того, как «Я встретил вас – и все былое…» исполнил оперный певец Иван Козловский.

]]>
Леонид Гайдай!http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2202/leonid-gaidaiThu, 03 Oct 2019 16:35:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Леонид Гайдай

КиноПерсоныРежиссер

В детстве Леонид Гайдай мечтал стать актером и какое-то время действительно играл в театре. Однако славу ему принесли режиссерские работы: комедии «Операция «Ы», «Кавказская пленница» и «Бриллиантовая рука». Фильмы Гайдая были одними из самых популярных в СССР: в совокупности за время проката их посмотрело больше 200 миллионов человек.


«Я был на хорошем счету»: детство и война



Леонид Гайдай родился 30 января 1923 года в городе Свободный Амурской губернии РСФСР (сейчас Амурская область России) в семье Иова Гайдая и Марии Любимовой. Еще в 1900-х его отец был сослан на Дальний Восток за участие в революционной организации. После окончания срока Иов Гайдай остался в Амурской губернии и работал на железной дороге. Спустя несколько лет к нему в Свободный приехала невеста Мария Любимова. Леонид Гайдай был третьим и самым младшим ребенком в их семье. У будущего режиссера был старший брат Александр и сестра Августа. Вскоре после рождения Леонида Гайдая семья переехала в Читу, а затем в Иркутск. Там будущий режиссер пошел в школу.


Леонид Гайдай хорошо учился, много читал, но часто получал замечания от учителей за нарушение дисциплины: он дрался с одноклассниками, задирал девочек. Будущий режиссер посещал занятия кружка художественной самодеятельности при Доме культуры, вместе с ним ездил по Восточно-Сибирской области, играл на балалайке. Любимыми писателями Гайдая были Михаил Зощенко и Владимир Маяковский, с отрывками из их произведений он несколько раз выступал на конкурсах чтецов, а в 1940 году даже выиграл один из них.


В июне 1941 года Гайдай закончил школу, а через несколько дней после его выпускного вечера началась Великая Отечественная война. Позднее режиссер вспоминал: «Почему-то в это время нам <...> было очень весело, каждый хотел быстрее попасть в армию, отправиться на фронт воевать с фашистами». Сразу после школы Гайдай устроился на работу в Иркутский областной драматический театр (сейчас Иркутский академический драматический театр имени Н. П. Охлопкова) разнорабочим. Там он ставил декорации, убирал сцену и выполнял поручения актеров. Как сотрудник театра, Гайдай мог бесплатно посещать спектакли. Почти все спектакли он выучил наизусть.


В феврале 1942 года Леонида Гайдая призвали на фронт и направили в Монголию. Там он следил за лошадьми, которых поставляли для нужд армии, объезжал их. После окончания полкового училища будущего режиссера перевели под Москву, на Калининский фронт. Уже в декабре 1942 года Гайдай получил медаль «За боевые заслуги», а вскоре стал командиром отделения. Он вспоминал: «Я был на хорошем счету. Начальству нравилось, как я «поставленным голосом» подавал команды».


Актер Иркутского драмтеатра и студент ВГИКа



В начале 1943 года, во время Великолукской наступательной операции, Леонид Гайдай получил тяжелое ранение – подорвался на мине. Больше полугода он лечился: какое-то время будущий режиссер не мог передвигаться без костылей. Его признали инвалидом и в январе 1944 года Гайдай вернулся в Иркутск.


В феврале он поступил в театральную студию при Иркутском драмтеатре. Там Гайдай учился на актера, а после окончания студии стал работать в местном театре. Сначала будущему режиссеру давали небольшие роли в комедиях, но вскоре его пригласили в спектакль по роману Александра Фадеева «Молодая гвардия». В постановке Гайдай сыграл одного из главных героев Ивана Земнухова. О спектакле писали в местной прессе, а начинающему актеру стали давать новые роли.


После двух лет работы в Иркутском драмтеатре, в 1949 году, Леонид Гайдай решил поехать в Москву – поступать в театральный институт. В том же году брат режиссера писал: «Из института кинематографии ему прислали программу, и он сейчас усиленно готовится. Ехать думает в двадцатых числах июля». Вступительные испытания Гайдай пошел сдавать во ВГИК и в ГИТИС. Во второй институт его не взяли, зато на экзаменах во ВГИКе будущий режиссер получил отличные оценки.


«В Иркутском драматическом был мой первый режиссерский опыт. В «Госпоже министерше» я ставил сцену драки. Понравилось. Решил учиться этому делу, поехал в Москву поступать в ГИТИС. О кино я тогда почти не думал. Но случилось так, что ГИТИС для меня оказался недоступен из-за уже наработанной актерской школы. А я уже из театра уволился… Ну, думаю, была не была — пойду в кино. Сдал экзамены во ВГИК. И не пожалел. Кино, я уверен, интереснее театра — впрочем, этого мнения я никому не навязываю»

Леонид Гайдай (по книге Марии Пупшевой, Валерия Иванова, Владимира Цукермана «Гайдай Советского союза»)


Уже после первой сессии его отчислили за плохое поведение, Гайдай часто подшучивал над студентами и преподавателями. Но в том же году он восстановился и попал в мастерскую Григория Александрова.


Личная жизнь: «Не могу сказать, что сразу в него влюбилась…»



Со своей женой, актрисой Ниной Гребешковой, Леонид Гайдай познакомился еще в 1949 году во ВГИКе. Они были однокурсниками, вместе посещали занятия и часто виделись. Поженились Гайдай и Гребешкова в 1953 году.


«Мы учились во ВГИКе на одном курсе. Он пришел после фронта – раненый, длинный, худой. Не могу сказать, что сразу в него влюбилась... Вот репетируем. Сижу спиной к двери. Ребята заходят <...> один, второй... Вроде ничего не происходит. А входит Гайдай – я чувствую его просто кожей. Вообще я его стеснялась. Боялась сказать глупость. Он ведь старше на восемь лет, прошел фронт. А мне было 17 лет… Свадьба была скромная, дома, у нас в коммунальной квартире. Пришли родственники, знакомые, студенты. <...> Леня очень обиделся, когда я отказалась взять его фамилию»

Актриса Нина Гребешкова (по книге книге Марии Пупшевой, Валерия Иванова, Владимира Цукермана «Гайдай Советского союза»)


В 1957 году у супругов родилась дочь Оксана. Нина Гребешкова вспоминала: «Он много занимался с дочкой, воспитывал ее своеобразно — не ругал и не опекал по мелочам». Позднее Оксана стала экономистом.


В браке Гайдай и Гребешкова прожили сорок лет. Несколько раз режиссер снимал жену в своих фильмах, в том числе в картинах «Бриллиантовая рука», «Не может быть!» и «Спортлото-82».


«За комедию больше не возьмусь»: первые работы в кино



Еще во время учебы Гайдай стал работать в кино: подрабатывал на съемочных площадках, был ассистентом, выполнял мелкие поручения. А в 1955 году он сыграл одну из главных ролей в картине Бориса Барнета «Ляна».


Вскоре после окончания института Гайдая по рекомендации Ивана Пырьева пригласили на студию «Мосфильм». Там он снял свой первый фильм – ленту «Долгий путь» по рассказам писателя Владимира Короленко. Картину посмотрел Михаил Ромм. В это время на «Мосфильме» ему разрешили создать собственную мастерскую, куда Ромм и пригласил Гайдая. Он предложил начинающему кинорежиссеру снять комедию. Гайдай согласился и к 1958 году закончил фильм «Жених с того света». Главные роли в картине исполнили уже известные к тому моменту актеры Ростислав Плятт и Георгий Вицин. В своем фильме Гайдай высмеивал советских бюрократов, из-за чего ленту подвергли цензуре и вырезали большинство сцен: фильм сократили с полутора часов до 47 минут. Однокурсник режиссера и киновед Иван Фролов вспоминал: «Я тогда встретил Леню совершенно измотанного и больного. <...> Надо было лечиться. И Гайдай решил поехать на минеральные воды. На прощание заявил: «За комедию больше не возьмусь».


По совету Ивана Пырьева Гайдай решил снять патриотический фильм – экранизацию повести Александра Галича «Пароход зовут «Орлёнок». Лента под названием «Трижды воскресший» была закончена к 1960 году. В прокате фильм провалился. Киновед Лиана Полухина писала: «Картина была подвергнута резкой критике и ему [Гайдаю] грозило отлучение от профессии».


«Хохот стоял неописуемый»: комедии Леонида Гайдая



После провала «Трижды воскресшего» Леонид Гайдай на несколько месяцев оставил кино и уехал к родителям в Иркутск. Здесь в одном из старых номеров газеты «Правда» он прочитал фельетон Степана Олейника «Пес Барбос» и решил его экранизировать. Для картины Гайдай самостоятельно написал сценарий, придумал главным героям имена – Трус, Балбес и Бывалый. Сыграли их Георгий Вицин, Юрий Никулин и Евгений Моргунов. Лента под названием «Пес Барбос и необыкновенный кросс» получилась короткой – всего десять минут.


«Работа над фильмом «Пес Барбос и необыкновенный кросс» шла легко, доставляла удовлетворение. Было снято огромное количество полезного материала. И Гайдай проявил великое мужество, вырезая из картины огромные куски. Он ведь вырезал их с кровью, ибо в каждом из кусков было много смешного. <...> Юмор не может быть растянутым. Если длинно, то все идет насмарку. <...> До сих пор помню съемки. Мы убегали от собаки, врезались в стадо, и я оказывался на козле, Вицин на быке, а Моргунов сшибал стадо овец. Хохот стоял в студийном кинозале при просмотре неописуемый. Но... пришлось все это вырезать. Требования формы и жанра картины диктовали особый ритм, свои размеры. Лента получилась короткой, и уверен, что если бы ее растянули на две части, она стала бы хуже»

Юрий Никулин (по книге Владимира Шахиджаняна «Мне интересны все люди»)


Премьера короткометражки состоялась на закрытии Московского кинофестиваля в 1961 году. Картина принесла режиссеру известность, ее номинировали на «Золотую пальмовую ветвь» на Каннском фестивале, перевели на несколько языков.


В том же году Гайдай снял второй фильм с участием тех же героев, снова короткометражный. Для «Самогонщики» Гайдай вновь написал сценарий самостоятельно. Фильм вошел в состав «Сборника комедийных фильмов», который выпустили на студии «Мосфильм».


Вскоре режиссер взялся за новый проект – экранизацию рассказов О. Генри «Деловые люди». Основой сюжета стали три не связанных между собой новеллы писателя: «Вождь краснокожих», «Родственные души» и «Дорогие, которые мы выбираем». Фильм стал одним из самых популярных в 1962 году: его посмотрело больше 20 миллионов человек.



После успеха «Деловых людей» Гайдай решил снять современный фильм – комедию о советских людях. Режиссер нашел готовый сценарий авторов Якова Костюковского и Мориса Слободского под названием «Несерьезные истории» и вместе с ними передал его. Гайдай дописал третью новеллу, в которой столкнул интеллигентного студента Владика Арькова с героями своих короткометражек Трусом, Балбесом и Бывалым. Ленту сняли за девять месяцев. Во время съемок сценарий несколько раз изменяли: сменили имя главного героя картины с Владика на Шурика, переделали несколько сцен. Гайдай разрешал актерам импровизировать, придумывать шутки, не требовал строгого заучивания ролей. Картина вышла в прокат в августе 1965 года под названием «Операция «Ы» и другие приключения Шурика». За год ее посмотрело около 70 миллионов человек, а на международном кинофестивале в Кракове фильм получил главный приз – «Серебряного дракона Вавеля».


Следующий фильм Гайдая стал продолжением приключений Шурика. В картине под названием «Кавказская пленница, или Новые приключения Шурика» в последний раз появились Трус, Балбес и Бывалый. Как и в «Операции «Ы», многие сцены Гайдай редактировал в процессе съемок. Несколько раз он специально заставлял актеров по-разному отыгрывать одни и те же моменты. В «Кавказской пленнице» режиссер сделал упор на зрелищность, трюки и динамику. Позднее Гайдай писал: «В кинокомедии должно быть как можно меньше слов, а те, которые есть, обязаны быть лаконичными, отточенными, бьющими точно в цель». Тщательно подбирал режиссер и музыкальное сопровождение. Специально для картины поэт Леонид Дербенев и композитор Арно Бабаджанян создали несколько песен, в том числе «Песенку о медведях».


К ноябрю 1966 года «Кавказская пленница» была готов, однако в прокат фильм вышел не сразу. Художественный совет студии «Мосфильм» назвал картину «небрежной и невыразительной», указал на плохую работу оператора и монтажера и на «нежелательные акценты». Пришлось переделывать. В январе 1967 года состоялась премьера «Кавказской пленницы». В том году фильм стал самым кассовым и популярным среди советских зрителей. Позднее Юрий Никулин вспоминал: «Я был горд, узнав от Героя Советского Союза лётчика-космонавта В. Волкова такой факт: когда космонавтов спросили перед полётом, какой кинофильм хотели бы посмотреть, они дружно ответили: «Кавказскую пленницу».


Сценарий новой картины – «Бриллиантовая рука» – Леонид Гайдай вновь писал вместе с Костюковским и Слободским. В его основу легла заметка из газеты «За рубежом», в которой рассказывалось о контрабандистах, перевозивших украденные драгоценности в гипсе. На главную роль Гайдай пригласил Юрия Никулина, а кроме него в фильме сыграли Андрей Миронов, жена режиссера Нина Гребешкова, Нонна Мордюкова. Премьера картины состоялась в апреле 1969 года. В прокате «Бриллиантовая рука» заняла первое место. Через год после выхода картины Гайдай и исполнитель главной роли Юрий Никулин «за участие в создании кинокомедий последних лет» получили Государственную премию РСФСР.


Экранизации 1970-х годов: от «Двенадцати стульев» до «Инкогнито из Петербурга»



После успеха комедий Леонид Гайдай решил снять фильм по пьесе Михаила Булгакова «Бег», но не получил разрешения от Государственного Комитета по кинематографии. Тогда режиссер экранизировал другое литературное произведение – роман Ильи Ильфа и Евгения Петрова «Двенадцать стульев».


«Я долго добивался экранизации «Двенадцати стульев», несколько раз проходил по всем инстанциям. А потом вдруг узнал, что этот роман собирается ставить Гия Данелия. Там уже все на мази. Я, конечно, расстроился. Но ничего не поделаешь - пришлось распрощаться со своей мечтой. И вот однажды подходит ко мне Данелия и спрашивает: «Леня, хочешь ставить «Двенадцать стульев»?». Я отвечаю: «Это мечта моей жизни». - «Бери и начинай», - говорит Гия. «А ты?» - спрашиваю. «Пока готовился, у меня все перегорело», - говорит Гия. - «Я уже не знаю, как этот роман ставить». Ну, я сразу за дело…»

Леонид Гайдай (по книге Ивана Фролова, «В лучах эксцентрики»)


Трудности у Гайдая возникли и с подбором актеров: на роль Остапа Бендера претендовало 22 человека, в том числе Владимир Высоцкий, Никита Михалков и Евгений Евстигнеев. Режиссер остановился на малоизвестном грузинском актере Арчиле Гомиашвили. Съемки закончили к концу 1970 года, а премьера фильма состоялась весной 1971 года. Лента была не так популярна, как предыдущие работы Гайдая, но все равно попала в лидеры проката. На Фестивале советских фильмов в Сорренто и Всесоюзном кинофестивале в Тбилиси картина удостоилась специальных наград.


После «Двенадцати стульев» Гайдай вновь попытался экранизировать произведение Михаила Булгакова и выбрал пьесу «Иван Васильевич» о советском инженере, который создал машину-времени. Гайдай долго подбирал актеров – многие отказывались от участия в фильме, так как полагали, что цензура запретит его из-за шуток над Иваном Грозным. Во время согласования картины худсовет «Мосфильма» действительно потребовал убрать несколько сцен, в том числе ту, в которой царь жарил котлеты. Часть вырезанных эпизодов попали в короткометражную версию ленты под названием «Черные перчатки». Вскоре после выхода этого фильма режиссеру присвоили звание народного артиста РСФСР. Гайдай узнал об этом на съемках новой картины – экранизации произведений Михаила Зощенко. Фильм под названием «Не может быть!» вышел на экраны в 1975 году.


Экранизации Гайдая были не так популярны, как комедии «золотого десятилетия» – периода между 1965 и 1975 годами. Последний из фильмов режиссера 1970-х – «Инкогнито из Петербурга» по пьесе Гоголя «Ревизор» провалился в прокате. Гайдай объяснял это цензурой: «Все сцены, которые я не механически переносил из пьесы, а творчески обогащал, осовременивал, полетели в корзину». Киноведы критиковали сценарии новых фильмов режиссера – после «Бриллиантовой руки» он перестал работать в соавторстве с Костюковским и Слободским и все сценарии писал сам.


«Между «кино» и «комедией» он [Гайдай – Прим. ред], если приходилось, выбирал первое, предпочитая ритмическую чистоту высказывания лишней шутке (известна его жалоба на монтаже Бриллиантовой руки: «Плачу, но режу»). Понятно также, какая коллизия изменила курс Л. Г. в конце шестидесятых. Послушавшись худсоветовских доброхотов, он оставил оригинальную комедию и обратился к экранизации – роду деятельности, ему очевидно чуждому, но приличествующему статусу «главного сатирика страны». В фильмах «12 стульев» и «Иван Васильевич меняет профессию» – фильмах переходных – фантазия режиссера боролась с литературностью»

Михаил Брашинский (по книге «Новейшая история отечественного кино. 1986-2000. Кино и контекст»)


«Он всегда болезненно следил, идут его картины или не идут»: последние фильмы



В 1980-х годах Леонид Гайдай продолжил снимать фильмы. В 1980 году экранизировал повесть Майю Лассила «За спичками», а в 1982 году снял полнометражную рекламу лотереи «Спортлото» – комедию «Спортлото-82». Эти фильмы стали последними успешными проектами режиссера. Картины следующих лет – «Опасно для жизни!» и «Частный детектив, или операция «Кооперация» остались без внимания критики. Нина Гребешкова писала о реакции Гайдая на провалы фильмов: «Он всегда болезненно следил, идут его картины или не идут, часто подходил к стендам, смотрел репертуар кинотеатров».


В 1989 году «за большие заслуги в развитии советского киноискусства и плодотворную общественную деятельность» Гайдаю присвоили звание народного артиста СССР.


В 1990-х здоровье режиссера ухудшилось, а финансирование «Мосфильма» сократили. Гайдай почти не снимал фильмов, а создавать собственное производственное объединение или киностудию не хотел. Его последней режиссерской работой стала картина «На Дерибасовской хорошая погода, или На Брайтон-Бич опять идут дожди». Ее съемки начались еще в 1991 году, до распада СССР, и проходили в РСФСР и США. Премьера фильма состоялась в начале 1993 года, а через несколько месяцев Гайдай попал в больницу из-за проблем с сердцем. Он умер 19 ноября 1993 года в Москве. Похоронили режиссера на Кунцевском кладбище.


Интересные факты:



1. В детстве любимым актером и режиссером Леонида Гайдая был Чарли Чаплин. Его фильмы показывали в иркутском кинотеатре. Чтобы посмотреть картины несколько раз, Гайдай прятался в зале: залезал под кресла и ждал начала следующего сеанса.

2. Гайдай хорошо катался на коньках. В детстве на них он часто добирался до школы: его дом (сейчас Иркутск, улица Касьянова, дом 25) стоял недалеко от слияния рек Ангары и Иркуты.


3. Гайдай мечтал стать актером с детства, но плохо выговаривал звуки «л» и «р» – из-за этого будущего режиссера поначалу не хотели брать в драмкружок. Чтобы исправить дефект, Гайдай долго тренировался, но и спустя много лет иногда оговаривался в сложных словах, особенно когда уставал.


4. «Кавказская пленница» была одним из любимых фильмов генсека Леонида Брежнева. Однажды он лично позвонил Гайдаю и поблагодарил за комедию. После этого в следующий фильм – «Бриллиантовая рука» – режиссер добавил документальные кадры, на которых была запечатлена хроника с места ядерного взрыва. Так Гайдай хотел привлечь внимание Брежнева и выразить свое недовольство Холодной войной. Однако на контрольном просмотре фильма в Госкино у режиссера потребовали вырезать этот момент.

]]>
Майя Кристалинская1http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9975/maiya-kristalinskayaThu, 03 Oct 2019 10:05:45 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Майя Кристалинская

МузыкаПерсоныИсполнитель

Выпускница авиационного института, Майя Кристалинская не получила профессионального музыкального образования. Но и без него она стала известной певицей. Ее песни, среди которых «Нежность», «Аист» и «Два берега», звучали на советском телевидение и кино, а она сама была частым гостем «Голубого огонька» и «Песни года».


Студентка авиационного института


Майя Кристалинская. Фотография: Давид Шоломович / ru.sputniknews.kz

Майя Кристалинская родилась 24 февраля 1932 года в Москве в еврейской семье. Ее отец Владимир Кристалинский работал во Всероссийском обществе слепых, где придумывал головоломки и игры для детей, а мать будущей певицы Валентина Пыткина была домохозяйкой.


С детства Майя Кристалинская участвовала в школьной самодеятельности, посещала детский хоровой коллектив Народного ансамбля песни и танца Центрального дома детей железнодорожников. Выступала будущая певица и на школьных концертах, к которым почти никогда не готовилась специально. Она легко запоминала тексты и без долгих репетиций могла правильно спеть композицию.


В 1950 году Майя Кристалинская закончила школу. Долго не могла решить, на какой факультет подать документы – она получала хорошие оценки по всем предметам. В «Справочнике для поступающих в вузы Москвы» будущая певица нашла МАИ – Московский авиационный институт. Кристалинская решила, что название этого учебного заведения созвучно ее имени, поэтому выбрала его для поступления. Она отлично сдала вступительные экзамены и стала студенткой программы «экономика самолетостроения». В институте Кристалинская вновь присоединилась к кружку художественной самодеятельности, пела на творческих вечерах. После окончания МАИ в 1956 году она попыталась работать по специальности – поехала по распределению в Новосибирск на местный авиационный завод. Там Кристалинскую не устроили на положенную должность, поэтому вскоре она вернулась в Москву.


В Москве на Кристалинскую завели дело как на «самовольно оставившую место работы». Однако до суда оно не дошло – за будущую певицу вступился Артем Тер-Маркарян, преподаватель МАИ и начальник главного управления министерства авиационной промышленности. Он рецензировал дипломный проект Кристалинской в институте и поставил ей высшую оценку на защите. Тер-Маркарян устроил будущую певицу в конструкторское бюро Александра Яковлева, где она проработала три года.


Лауреат Всемирного фестиваля молодежи и студентов


Майя Кристалинская. Фотография: jewish.ru

Еще во время учебы в институте Майя Кристалинская стала посещать эстрадную студию при Центральном Доме работников искусств СССР (ЦДРИ), она пела в ансамбле «Первый шаг». В 1957 году участников этого коллектива пригласили выступить на мероприятиях VI Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве. Одному из руководителей «Первого шага» композитору Юрию Саульскому поручили создать джазовый оркестр. Биограф певицы Анисим Гиммерверт писал: «Саульский должен был совершить почти невероятное. Страна, где джаз был загнан в угол, а потом спасался в подполье, обязана была показать миру, что джазовая музыка в СССР чуть ли не всенародно любимая, а джазмены — самые уважаемые музыканты». Вокалисткой в новый коллектив Саульский позвал Майю Кристалинскую – она умела почти без акцента петь песни на испанском и итальянском языках, спокойно реагировала на критику и быстро училась. На концертах певица исполнила «Колыбельную» и «Прощальную песню».


На одном из таких выступлений Кристалинская познакомилась со своим будущим мужем – писателем Аркадием Аркановым. Он вспоминал: «Расписываться нам назначили на первое июня. Можете себе представить, тридцатого апреля познакомились, на первое июня уже назначили запись». Их брак продлился меньше года – они развелись в марте 1958 года.


В составе джазового коллектива Саульского Майя Кристалинская стала лауреатом Всемирного фестиваля молодежи и получила серебряную медаль.


«Не всем членам жюри мы понравились — французский композитор Франсис Демарк сказал, что мы играем не совсем настоящий джаз, что это больше похоже на музыку варьете. В чем-то Лемарк был, возможно, прав, знал бы он только, что еще года три назад такое звучание было в СССР крамольным»

Юрий Саульский о Всемирном фестивале молодежи и студентов в Москве (по книге Анисима Гиммерверта «Майя Кристалинская. И все сбылось и не сбылось»)


К концу фестиваля, 8 августа 1957 года, в издании «Советская культура» опубликовали статью «Музыкальные стиляги». В ней писали: «Пагубный в искусстве пример утери самостоятельности творческого облика, творческой индивидуальности являет собой, в частности, молодежный эстрадный оркестр Центрального Дома работников искусств (руководитель Ю. Саульский)». Автор материала раскритиковал и музыкантов ансамбля, в том числе Майю Кристалинскую. Он писал о «слабых творческих возможностях» солистки и ее «вихляющих «стиляжных» ужимках». Вскоре после этой разгромной статьи коллектив стал реже собираться в ЦДРИ. Саульский вспоминал: «Нас выкинули, правда не напрямую, приказом по дому, но создав такие условия, что работать стало невозможно».


«Мы с тобой два берега»: песни для кино и телевидения



«Мы с тобой два берега», из художественного фильма Евгения Ташкова «Жажда» (1959). Музыка Григория Поженяна. Слова Андрея Эшпая. Исполняет Майя Кристалинская


После роспуска коллектива Майя Кристалинская продолжила заниматься музыкой и выступать с различными оркестрами. Певице пришлось менять репертуар – после выхода статьи «Музыкальные стиляги» иностранные композиции почти не исполнялись. В это время Кристалинская познакомилась с композитором Эдуардом Колмановским, пела его «Тишину» и «В нашем городе дождь». Она часто выступала на концертах, на встречах с иностранными делегациями.


С оркестром Лундстрема в 1958 году Кристалинская поехала в свои первые гастроли – на Украину. После возвращения из них она уволилась из конструкторского бюро Яковлева и решила сосредоточиться на работе в музыкальных коллективах. Вскоре ей предложили записать песню для кинофильма «Жажда» режиссера Евгения Ташкова. Стихи для композиции «Мы с тобой два берега» написал поэт Андрей Эшпай, а музыку – композитор Григорий Поженян.


«Познакомившись с песней, всегда сдержанная Майя охнула и со свойственной ей непосредственностью сразу же предложила ее записать. Но в кино так не делается, надо знать, о чем фильм, знать характер героини, за которую она поет. Песню записали с трех дублей. Записав один, Майя его прослушивала, находила недостатки и предлагала новый дубль. Согласилась «утвердить» только третий. Певица вдруг обнаружила упрямство, которое помогло преодолеть неопытность, дав прекрасный результат. Фильм она увидела в первый же день его выхода на экран — в кинотеатре. Ей звонили, поздравляли, хотя в титрах ее фамилия не значилась. Узнавали по голосу»

Анисим Гиммерверт, «Майя Кристалинская. И все сбылось и не сбылось»


Песня принесла Кристалинской всесоюзную славу, композицию выпустили на пластинках тиражом в семь миллионов экземпляров. Несмотря на это, певице пришлось уйти из коллектива Лундстрема: ее вместе со многими другими музыкантами сократили по распоряжению Всероссийского гастрольно-концертного объединения.

В следующем 1960 году Кристалинская присоединилась к оркестру джазового артиста Эдди Рознера, с которым до того несколько раз сотрудничала – пела под его аккомпанемент на концертах. Рознер вспоминал: «Как-то к нам пришла девушка, инженер-авиаконструктор. Она спела свою «Светлану» так по-особенному проникновенно, что захотелось помочь ей стать настоящей певицей».


В декабре 1960 года Кристалинскую пригласили выступить на передаче «С добрым утром!», где она исполнила две песни – «Новогоднюю» и «Я иду». Она продолжала ездить на гастроли с разными музыкальными коллективами. В 1962 году, во время одной из поездок с джазовым ансамблем Рознера, Кристалинская простудилась. Уже после возвращение в Москву Рознер посоветовал ей обратиться к врачу – ему показалось, что певица не вылечилась до конца. В больнице у Кристалинской нашли раковую опухоль. На некоторое время ей пришлось оставить выступления и лечиться, но почти сразу после выписки она вернулась в коллектив Рознера. На концертах исполнительница повязывала вокруг шеи платок, которым скрывала следы медицинских процедур, которые теперь должна была проходить регулярно. О болезни Кристалинской – уже известной певицы – писали в газетах.


«У Кристалинской сегодня концерт в Театре эстрады. Лечу в театр. Смотрю, там толпа. Думал, на похороны, а это за билетами!.. Прорвался в театр, сажусь в зале, вижу: выходит на сцену Кристалинская. Живая!!! У меня отлегло от сердца…»

Григорий Горин, «А правда ли?» (журнал «Юность)


«Когда Майечка начинала петь, хотелось бесконечно слушать ее…»



«Нежность». Музыка Александры Пахмутовой. Слова Сергея Гребенникова и Николая Добронравова. Исполняет Майя Кристалинская


В первой половине 1960-х, несмотря на болезнь, Майя Кристалинская записывала много песен, среди которых «Падает снег», «В нашем городе дождь», «Добрый день», «Аист», «Топ, топ, топает малыш» и другие. Их крутили по радио, выпускали на пластинках. Певицу стали приглашать не только на передачу «С добрым утром!», но и на другие программы, в том числе на «Голубой огонек» и «Песню году». Критики и коллеги писали об обаянии и искренности Кристалинской. Иосиф Кобзон вспоминал: «Стоило Майюшке, как я ее называл, улыбнуться – появлялись ямочки на ее щеках, глазки такие прищуренные, и такая искренность, и сразу становится тепло, а когда Майечка начинала петь, хотелось бесконечно слушать ее…».


В 1965 году Майя Кристалинская исполнила песню Александры Пахмутовой и Николая Добронравова «Нежность». Премьера состоялась на концерте в колонном зале Дома союзов. В следующем году песня стала знаменитой – ее начали крутить по радио, а режиссер Татьяна Лиознова включила композицию в фильм «Три тополя на Плющихе».


«Если вы спросите меня, какую идеальную песню мне хотелось бы спеть, я отвечу: такую, как «Нежность». Эта песня — своеобразный перелом в творчестве Александры Пахмутовой. Я бы сказала — качественный перелом. Глубина, затаенность и сдержанность. Великолепная оркестровка, которая сама по себе произведение искусства, даже звучащая без вокальной картины, она будет всегда волновать»

Майя Кристалинская о песне «Нежность» (Газета «Московский комсомолец», 29 ноября 1967 года)


Вскоре Кристалинская вышла замуж второй раз. Ее супругом стал скульптор Эдуард Барклай. Анисим Гиммерверт писал «Эдуард Максимович, человек необычайно отзывчивый, проявлявший и здесь широту, готовый всегда прийти на помощь человеку даже малознакомому, о Майе заботился особо». Они прожили в браке до смерти Барклая в 1984 году.


«Сплошные дальние выезды»: последние годы жизни



«Ненаглядный мой». Музыка Александры Пахмутовой. Слова Риммы Казаковой. Исполняет Майя Кристалинская. Авторский вечер Александры Пахмутовой. 1975. Колонный зал Дома Союзов, Москва


В апреле 1970 года председателем Государственного комитета по радио и телевещанию стал Сергей Лапин, который решил, что «евреев на праздничном экране быть не должно». Майю Кристалинскую почти перестали приглашать на телевидение, а в 1972 году ее выступление с песней «Кто отзовется?» вырезали из передачи «Песня года».


«Последняя моя встреча с Майей Кристалинской была грустной. Она пришла в редакцию спросить меня, почему мы перестали ее приглашать. Что я могла ответить? Мы включали ее иногда в дневные передачи по 2-й и 4-й программам, но взять ее в ведущие передачи было невозможно. А ведь исполнителям хотелось именно этого. Участие в них, особенно в «Голубом огоньке» или «Песне года», было как марка, как знак качества…»

Глава редакции музыкальных программ Центрального телевидения Нина Григорянц (по книге Федора Раззакова «Свет погасших звезд»)


Кристалинская продолжила выступать с концертами, которые теперь проходили на небольших площадках – фестивалях в парках, кинотеатрах. Иногда певица выезжала на гастроли по России. Она бывала в Туле, Рязани, Смоленске, ездила даже в небольшие города и деревни. Подруга Кристалинской, которая вместе с ней ездила в гастроли, Татьяна Райнова писала: «Сплошные дальние выезды, я считаю, что это унизительно для Кристалинской. <...> Везде одна пьянь, холодно, грязно, возвращаться ночью — лишний раз подвергать себя опасности попасть в аварию». Несколько раз ее отправляли за границу, Кристалинская выступала перед солдатами в гарнизонах в Венгрии и ГДР.


В 1974 году Майя Кристалинская стала заслуженной артисткой РСФСР. Однако ее так и не приглашали на телевидение и крупные концерты. Последние десять лет певица продолжала ездить с гастролями по регионам РСФСР.


В 1980-х у Кристалинской стали ухудшаться речь и координация. В 1984 году у певицы умер муж – Эдуард Барклай. После этого она попала в больницу. Иосиф Кобзон вспоминал: «Жутко, конечно, было смотреть на нее. Она очень хотела надписать мне свою новую пластинку, которая только вышла, но ей это было трудно. Я сказал: «Майюшка, ну чего ты мучаешься, вот поправишься, встанешь и надпишешь. Я в тебя верю, вся страна тебя ждет». Она заплакала и только сказала: «Нет, Иосиф». Весной 1985 года Кристалинскую выписали из больницы, однако лучшей ей не стало – певица потеряла речь. 19 июня 1985 года Майя Кристалинская умерла. Ее похоронили на Донском кладбище Москвы, а на могиле написали: «Ты не ушла, ты просто вышла, вернёшься — и опять споёшь».


Интересные факты


Майя Кристалинская. Фотография: kulturologia.ru

1. Майя Кристалинская была первой исполнительницей песни «Пусть всегда будет солнце» композитора Аркадия Островского на слова Льва Ошанина. Она спела ее в одном из выпусков передачи «С добрым утром!» в 1962 году. Спустя несколько недель эту песню исполнила Тамара Миансарова на VIII Всемирном фестивале молодёжи и студентов в Хельсинки, где получила за нее золотую медаль.

2. В 1980-х Майя Кристалинская занималась переводом с немецкого мемуаров ее любимой актрисы Марлен Дитрих. Книга под названием «Размышления» вышла уже после смерти певицы.

]]>
Сергей БондарчукКак Сергей Бондарчук снимал «Судьбу человека» и «Войну и мир», получил «Оскар» и «Золотой глобус».http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/292/sergei-bondarchukWed, 02 Oct 2019 15:40:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Сергей Бондарчук

КиноПерсоныРежиссер

Сергей Бондарчук с детства мечтал сниматься в кино, но прославился в первую очередь своими режиссерскими работами – экранизациями «Войны и мира», «Судьбы человека» и «Они сражались за Родину». В работе над каждым фильмом он стремился к достоверности и точности, поэтому консультировался с историками и учеными, брал реквизит из музеев. За свои картины Бондарчук получил премии «Оскар» и «Золотой глобус».


Студент театрального училища и начинающий актер


Сергей Бондарчук на съемках своего художественного фильма «Война и мир». 1965. Фотография: cont.ws

Сергей Бондарчук родился 25 сентября 1920 года в украинской деревне Белозерка. Его мать Татьяна Бондарчук работала в колхозе, а отец Федор Бондарчук был рабочим. Спустя несколько лет после рождения сына семья переехали в Таганрог, а затем в Ейск. Еще в школе будущий режиссер мечтал стать актером и играть в театре. Он посещал драматический кружок и участвовал в ученических спектаклях, первым из которых была постановка «Джек и золотая табакерка» по одноименной английской сказке.


В 1938 году Сергей Бондарчук закончил школу. Отец хотел, чтобы он стал инженером, однако Бондарчук решил поступить в театральный институт. Он отправился в Москву и подал документы в Московское театральное училище при Театре Революции (сейчас Московский академический театр имени Вл. Маяковского). Он не смог поступить, но домой возвращаться не стал, а поехал в Ростов-на-Дону. В местном театральном училище уже закончились вступительные экзамены, но для Бондарчука сделали исключение. Он получил высшую оценку от преподавателя актерского мастерства Алексея Максимова и стал студентом Ростовского театрального училища. Там будущий режиссер отлично учился и параллельно играл в местном театре. Актриса Нонна Мордюкова, которая дружила с сестрой Бондарчука, писала: «Мы еще учились в школе, а он уже был студентом театрального училища в Ростове и присылал оттуда фотографии в ролях. В каких – забыла, но всегда на карточках он выглядел красавцем прямо-таки сногсшибательным».


Сергей Бондарчук – ученик Сергея Герасимова



Закончить театральное училище Сергей Бондарчук не успел – в 1941 году началась Великая Отечественная война, и его призвали на фронт. Он участвовал в боях на Северном Кавказе, получил медали и боевые ордена, в том числе «За оборону Кавказа». После войны Бондарчук продолжил карьеру в армии, служил под Москвой, но вскоре решил вернуться к актерской работе. В 1947 году во ВГИКе объявили дополнительный набор в мастерскую Сергея Герасимова и Тамары Макаровой. Будущий режиссер пришел на прослушивание и прочитал отрывок из поэмы Николая Гоголя «Мертвые души». За выступление он получил отличные оценки от приемной комиссии и был зачислен на третий курс института.


«Он прочитал нам гоголевскую «Птицу-тройку» и заворожил своим голосом: с переливами, с оттенками. <...> Богатство, красота интонаций и глубина глаз притягивали к нему мгновенно, ему, казалось, и делать, играть ничего не надо – просто сказать фразу, посмотреть, и сразу веришь ему, попадаешь в плен его личностного обаяния»

Актриса Клара Лучко, «Кому повем печаль мою?..» (по книге «Сергей Бондарчук. Его война и мир»)


На курсе Сергей Бондарчук был одним из лучших студентов. Часто его приглашали играть в студенческих спектаклях и выступать на отчетных концертах. Сценарист Василий Соловьев, который в то же время учился во ВГИКе, писал: «Впечатление было поразительным – он не походил на студента. Это был мощный человек, хотя было ему всего, или уже – двадцать семь лет». В это же время режиссер Сергей Герасимов решил экранизировать роман Александра Фадеева «Молодая гвардия». На роль одного из членов одноименной организации Бондарчук не подходил по возрасту. Однако Герасимов разрешил своему студенту самому выбрать любую другую роль в картине.


После «Молодой гвардии» Сергея Бондарчука стали звать в кино. Поначалу он снимался только в эпизодах, но в 1950 и 1951 годах он исполнил главные роли в картинах «Кавалер Золотой Звезды» и «Тарас Шевченко». За второй фильм в 1952 году году он получил Сталинскую премию первой степени и звание народного артиста СССР. Василий Лановой писал: «Раскрытием на экране образа Тараса Григорьевича Шевченко Бондарчук заявил себя как победитель и сразу вошёл в золотой фонд нашего киноискусства».


В следующие несколько лет Бондарчуку стали часто давать главные роли. В 1955 году он сыграл доктора Дымова в «Попрыгунье» Самсона Самсонова, кораблестроителя в фильме Фридриха Эрмлера «Неоконченная повесть» и Отелло в одноименной картине Сергея Юткевича по пьесе Уильяма Шекспира. Последняя лента принесла артисту славу за рубежом. «Отелло» участвовал в основной конкурсной программе Каннского кинофестиваля и получил приз за лучшую режиссуру.


Режиссерский дебют – картина «Судьба человека»



В 1956 году Михаил Шолохов опубликовал в газете «Правда» рассказ «Судьба человека». Вскоре Сергея Бондарчука пригласили озвучить его для программы Всесоюзного радио. Исполнение артиста услышал сам Шолохов и прислал Бондарчуку телеграмму, в которой написал: «Теперь я не представляю другого артиста, который мог бы так прочесть: вы прочитали лучше, чем я написал». В это время Бондарчук как раз решил попробовать себя в режиссуре. Он искал подходящий сценарий и в конечном итоге решил остановиться на «Судьбе человека».


«Прочитал [«Судьбу человека»] — и потом, что бы ни делал, о чем бы ни думал, я видел лишь Андрея Соколова, его мальчонку, его жену, разлив Дона, войну, фашистский концлагерь. Снять этот фильм стало для меня больше чем «творческим планом». Больше чем мечтой. Это стало целью моей жизни»

Сергей Бондарчук о рассказе Михаила Шолохова «Судьба человека» (по журналу «Советский экран», 1987 год)


Бондарчук долго не мог получить разрешение на съемки. В Союзе кинематографистов его считали хорошим актером, но не думали, что он сможет сам снять достойный фильм. Однако вскоре режиссер получил разрешение и в июле 1958 года приступил к съемкам. Отсняли картину быстро – всего за семьдесят четыре дня. Главную роль в «Судьбе человека» исполнил сам Бондарчук. Фильм вышел на экраны в следующем 1959 году и стал очень популярным. Его посмотрело около 40 миллионов человек. На советских и международных кинофестивалях «Судьба человека» удостоилась наград, среди которых призы на конкурсах в Москве, Мельбурне и Сиднее. В 1960 году за эту ленту Сергей Бондарчук получил Ленинскую премию.


«Первый фильм Бондарчука-режиссёра получил Ленинскую премию. Более того, «Судьба человека» ошеломила весь мир. <...> Бондарчук в своём фильме ответил на вопросы: почему и как мы победили. Но для меня, прошедшего фронт и провалявшегося потом два года по госпиталям, «Судьба человека» дорога тем, что в ней ясно показано: Отечественная война была народной войной, которую выиграли и фронт, и тыл. <...> Здесь вроде бы судьба одного человека, но содержание жизни этого человека, этого народного характера – всеобъемлюще»

Сценарист Василий Соловьев, «Война и мир» и мы» (по книге «Сергей Бондарчук. Его война и мир»)


Оскароносный режиссер – киноэпопея «Война и мир»



Вскоре после успеха «Судьбы человека» министр культуры СССР Екатерина Фурцева предложила Сергею Бондарчуку и Ивану Пырьеву экранизировать роман-эпопею Льва Толстого «Война и мир». Иван Пырьев снимать картину отказался. А Бондарчук ради этого фильма отложил работу над экранизацией чеховской повести «Степь».


Сценарий для эпопеи Бондарчук написал совместно с Василием Соловьевым. Режиссер говорил: «Надо, чтоб все поняли – не себя при помощи Толстого мы хотим показать, а при помощи средств кино хотим выразить то неповторимое, что Толстой открыл в литературе».


Режиссер долго подбирал актеров для фильма, отказывал знаменитым артистам и устраивал длительные пробы. Чтобы найти исполнительницу роли Наташи Ростовой, он даже опубликовал в газетах объявление. Однако подходящую кандидатуру заметил сценарист Василий Соловьев в Ленинградском балетном училище, и на роль утвердили Людмилу Савельеву. Сам Сергей Бондарчук сыграл в «Войне и мире» Пьера Безухова. Василий Соловьев вспоминал: «Сергей был убеждён, что Пьер – это и есть картина. Он – её звучание. Всё понимание Толстым и жизни, и Бога идет через Пьера. <...> В итоге ему пришлось самому и Пьера играть, и «от автора» толстовский текст читать».


Над экранизацией Бондарчук работал очень тщательно: несколько раз ездил в Ясную поляну, изучил рукописи Толстого, консультировался с научными работниками, чтобы в точности воспроизвести наряды, обмундирование войск, обстановку имений. В экранизации использовали как подлинные предметы начала XIX века, так и копии, которые изготовили специально для картины.



Съемки эпопеи продолжались около шести лет. Специально для фильма был создан отдельный кинематографический кавалерийский полк. В сценах Шенграбенского, Аустерлицкого и Бородинского сражений участвовало около ста тысячи солдат, среди которых было полторы тысячи конных всадников. Для эпизодов изготовили свыше пятисот тысяч холостых патронов.


«В создании всех этих исторических костюмов, военной техники, снаряжения и реквизита участвовали заводы, фабрики и мастерские всего Советского Союза. На киноэпопею «Война и мир» с мастерством и вдохновением работала вся наша, тогда огромная, нерушимая страна»

Директор картины «Война и мир» Николай Иванов (по книге «Сергей Бондарчук. Его война и мир»)


Сергей Бондарчук долго искал и композитора для фильма. На это место претендовали Арам Хачатурян, Дмитрий Шостакович и Георгий Свиридов, но режиссер выбрал студента консерватории Вячеслава Овчинникова. Василий Соловьев писал: «Композитор, как правило, появляется на фильме, когда отснята значительная часть, смотрит материал, и, согласуясь с увиденным, пишет музыку. У нас – наоборот – некоторые эпизоды Бондарчук снимал уже под сочиненную Овчинниковым музыку».


Съемки дались Бондарчуку тяжело, от стресса он даже пережил клиническую смерть. Руководство «Мосфильма» потребовало в срочном порядке готовить первую серию, чтобы показать ее на Московском международном кинофестивале 1965 года. Съемочной группе пришлось остановить работу над фильмом и заняться монтажом и озвучкой. В процессе у Бондарчука остановилось сердце – его с трудом спасли врачи.


Первая серия эпопеи вышла на экраны в 1966 году и стала лидером проката. Следующие три части «Войны и мира» показали в 1967 году. Фильм был очень популярен. Четыре серии эпопеи в совокупности посмотрело свыше 135 миллионов зрителей. Картина завоевала признание и за рубежом. «Война и мир» получила несколько престижных наград, среди которых «Оскар», «Золотой глобус» и премия Национального совета кинокритиков США за лучший фильм на иностранном языке.


«Добрый творческий товарищ»: фильмы 1970-х и 1980-х годов



В 1969 году итальянский продюсер Дино Де Лаурентиса предложил Сергею Бондарчуку вместе снять исторический фильм о Наполеоне. Его темой стала битва при Ватерлоо в 1815 году. Бондарчук согласился и в том же году написал сценарий для картины. Вместе с Лаурентисом ему удалось привлечь к работе над фильмом знаменитых актеров из США, Канады, Италии и СССР, среди которых были Род Стайгер, Кристофер Пламмер, Андреа Чекки и Евгений Самойлов.


«В работе с актёрами режиссёр Сергей Бондарчук – добрый творческий товарищ. Сам блестящий артист, он никогда не делил актёров на основных и второстепенных, был одинаково внимателен к каждому: не важно – главный ты герой, или играешь эпизодик с одной репличкой. <...> Отрадно было наблюдать, с каким неподдельным интересом и уважением слушали его замечания снимавшиеся в картине «Ватерлоо» такие крупные мастера мирового кинематографа, как Род Стайгер, Орсон Уэллс, Кристофер Пламмер».

Евгений Самойлов, «Нутряк» (по книге «Сергей Бондарчук. Его война и мир»)


Несмотря на усилия Бондарчука, фильм провалился в прокате. Но режиссер не оставил творчества. В следующие пять лет он много снимался – играл главные роли в картинах «Такие высокие горы» и «Выбор цели». В эти же годы Бондарчук стал профессором ВГИКа и секретарем правления Союза кинематографистов СССР.


В 1975 году Сергей Бондарчук вернулся к режиссуре и экранизировал роман Михаила Шолохова «Они сражались за Родину». Главные роли в фильме исполнили Василий Шукшин и Вячеслав Тихонов. Актриса Зинаида Кириенко писала: «По-моему, пропустил он этот шолоховский роман через сердце, через свое мироощущение и прекрасных собрал актеров, настоящие все ребята, очень достоверные». Прямо во время съемок умер Василий Шукшин и в оставшихся сценах с участием его героя пришлось задействовать другого актера – Юрия Соловьева, а затем и переозвучивать все его реплики. Музыку к фильму по приглашению Бондарчука вновь сочинил композитор Вячеслав Овчинников. Фильм стал одним из самых популярных в 1976 году, картина была удостоена Государственной премии РСФСР.



В следующем 1977 году Бондарчук вернулся к экранизации повести Чехова «Степь», в которой исполнил главную роль – певчего Емельяна. На несколько лет он сделал перерыв в режиссуре и сосредоточился на актерской работе – снялся в картинах «Бархатный сезон» и «Овод». В 1981 на экраны вышла первая часть новой эпопеи режиссера – картины «Красные колокола» под названием «Мексика в огне», а в 1982 году – ее продолжение «Я видел рождение нового мира». Бондарчук решил экранизировать сборники репортажей американского писателя Джона Рида «Восставшая Мексика» и «Десять дней, которые потрясли мир». Они были посвящены двум революциям – мексиканской и российской. За «Красные колокола» Бондарчук получил Государственную премию СССР.


В 1986 году режиссер экранизировал трагедию Александра Пушкина «Борис Годунов», в которой исполнил главную роль. Художник Александр Шилов писал: «Я считаю, что трагедию царя Бориса он сыграл прежде всего глазами своими. Глубина в его глазах бездонная». Образ Бориса Годунова был одним из самых любимых у Бондарчука. Он мечтал сыграть этого героя много лет и много готовился к роли.


«Рассказывали, что к монологу царя Бориса на «Годунове» он готовился целый день. И тот, кто пытался подойти, спросить про реквизит, или уточнить график завтрашнего съемочного дня, получал такой отпор, что весь день боялся ему на глаза показаться. Хотя ответить на производственные вопросы было его обязанностью как режиссёра. Но он был в образе! Он жёстко требовал понимания. И это – не актерский эгоизм и не проявление его крутого характера. К актерскому труду Сергей Фёдорович относился с благоговейной требовательностью»

Актер Андрей Ростоцкий, «Свеча» (по книге «Сергей Бондарчук. Его война и мир»)


Картина «Борис Годунов» стала последней режиссерской работой Бондарчука, которая вышла при его жизни.


Личная жизнь



Сергей Бондарчук был женат трижды. Первой его супругой стала Евгения Белоусова, с которой режиссер познакомился во время учебы в Ростовском театральном училище. Они расстались после войны, когда Бондарчук поехал поступать в театральный институт в Москву. В браке родился сын Алексей.


Второй женой Сергея Бондарчука была однокурсница по мастерской Герасимова во ВГИКе Инна Макарова. Они поженились во время съемок «Молодой гвардии» в 1947 году. Актриса вспоминала: «При нем я чувствовала себя несмышленой девчонкой - все-таки, когда мы поженились, Сергей был уже взрослым дядечкой, прошедшим фронт, бывшим однажды женатым». В 1950 году у Сергея Бондарчука и Инны Макаровой родилась дочь Наталья. Режиссер и актриса расстались в 1958 году во время съемок картины «Дорогой мой человек» в 1958 году.


Уже через год Бондарчук женился в третий раз. Его супругой стала актриса Ирина Скобцева. Они встретились на съемках картины «Отелло». В фильме Бондарчук играл Отелло, а Скобцева – Дездемону. Вместе они прожили больше тридцати лет. Бондарчук часто снимал жену в своих фильмах, в том числе в «Войне и мире». Актриса Клара Лучко писала: «Она была его вдохновением, его музой. И это не красивые слова. Мы, близкие друзья, всегда отмечали, как они едины, как дышат одним воздухом». В их семье было двое детей – дочь Алена и сын Федор. Алена Бондарчук была артисткой театра и кино, а Федор, кроме актерских работ, занимался режиссурой.


Последние годы: «Тихий Дон»


Кадр из художественного фильма Сергея Бондарчука «Тихий Дон» (2006)

В 1986 году переизбрали руководство Союза кинематографистов. Сергей Бондарчук не вошел в обновленный состав. Его работы начали критиковать в советской прессе, а на новые проекты не выделяли денег. С середины 1980-х Бондарчук работал над экранизацией романа Михаила Шолохова «Тихий Дон». Он хотел начать съемки эпопеи в 1986 году, но не получил средств от Госкино.


«Не было в начальные перестроечные времена ни одной статьи в прессе о кино, в которой не поносили бы Бондарчука. Его даже делегатом на съезд кинематографистов СССР не выбрали. <...> Перестроечный «ветер перемен» захлопнул ему картину «Тихий Дон», которую он должен был делать для телевидения. <...> Он написал сценарий на 20 серий, сказали, надо 18 – переписал, потом попросили оставить 16 – опять всё начисто переписал. Когда дошло до 13 серий, ему сказали: отпущенные на «Тихий Дон» деньги лучше направить на сельское хозяйство»

Режиссер Георгий Данелия, «Мой Бондарчук» (по книге «Сергей Бондарчук. Его война и мир»)


В 1990 году Бондарчук подписал контракт с итальянской компанией International Cinema Company и начал съемки «Тихого Дона». На роль Григория Мелехова режиссер пригласил английского актера Руперта Эверетта, а Наталью Мелехову, его жену, сыграла дочь Бондарчука Алена. «Тихий Дон» сняли за одиннадцать месяцев – уже к августу 1992 он был готов. Начались монтаж и озвучивание фильма, однако в это же время итальянская компания объявила себя банкротом, а все материалы картины были изъяты банком-кредитором. Работа над «Тихим Доном» остановилась, а у Бондарчука начались серьезные проблемы со здоровьем. Режиссер так и не увидел «Тихий Дон» в прокате. Он умер 20 октября 1994 года в Москве. Причиной смерти стала тяжелая болезнь. Сергея Бондарчука похоронили на Новодевичьем кладбище.


«Тихий Дон» спустя двенадцать лет после смерти отца закончил Федор Бондарчук. Семисерийный телевизионный фильм вышел на экраны в 2006 году.

]]>
Владимир Басов!http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/654/vladimir-basovWed, 02 Oct 2019 11:05:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Владимир Басов

КиноПерсоныАктер кино

В историю советского кино Владимир Басов вошел как талантливый режиссер, актер и сценарист. Представитель поколения фронтовиков, он не только снимал картины о войне, среди которых «Щит и меч», но и с большой точностью подходил к экранизациям произведений Александра Пушкина, Михаила Булгакова и Александра Куприна. Как актер Басов запомнился советскому зрителю в эпизодах известных фильмов – небольших, но характерных ролях в «Я шагаю по Москве» и «Приключениях Буратино».


«Бравый офицер» и студент ВГИКа



Владимир Басов родился 23 июля 1923 года в поселке Уразово Курской области. Его отец – Павел Басултайнен – был революционером-коммунистом, членом партии и «красным комиссаром». Он принимал активное участие в боевых действиях Гражданской войны, много ездил по стране. Партийным прозвищем Басултайнена было «Басов», позже он сделал его своей фамилией. Женился отец будущего режиссера на дочери православного священника, учительнице русского языка Александре. В начале 1920-х она стала книгоношей. Так в те времена называли агитаторов-комсомольцев, которые ездили по деревням и селам и обучали малограмотных крестьян языку и счету. Детство Владимира Басова прошло в постоянных разъездах: с матерью он побывал в Липецке, Железнодорожном, Воронеже, Курске и многих других городах. Отца мальчик видел редко. Его отправили служить на пограничную заставу. В 1931 году, когда будущему режиссеру было 8 лет, Павел Басов погиб в сражении с басмачами в Средней Азии.


«Меня мама родила, можно сказать, проездом - в городе Уразове. Потом вот так, с мальчонкой под мышкой, путешествовала по всей стране. Побывали мы на Турксибе и на Волге, жили в Липецке, Воронеже, Курске... Отец мой, красный комиссар, философ по образованию, боролся с басмачами в Средней Азии. <...> В семь лет я пошел в школу, но мне там показалось неинтересно - все, чему учили первоклассников, я давно уже знал из маминых сельских уроков. В тридцать первом году, после трагической смерти отца, мы переехали к дяде, в город Железнодорожный по Нижегородской дороге, и я стал ходить сразу в третий класс, миновав первый и второй»

Владимир Басов о своем детстве


Школу Владимир Басов закончил в Москве. Он хорошо учился, много читал и посещал художественную школу. Мать часто брала его с собой на агитационные спектакли, и Басов мечтал о карьере актера. В 1941 году он планировал поступать во ВГИК и готовился к вступительным экзаменам, посещал театральную студию при Московском университете – там преподавали знаменитые актеры Московского Художественного театра, среди которых были Борис Ливанов и Ольга Андровская. Выпускной вечер Басова прошел 22 июня 1941 года. Поступление в институт пришлось отложить – началась Великая Отечественная война. Уже в июле 1941 года Басов записался добровольцем и отправился на фронт. Он прошел всю войну, получил медаль «За боевые заслуги» и орден Красной Звезды. Победу Басов встретил в Прибалтике в чине капитана. Ему пророчили блестящую офицерскую карьеру, но Басов мечтал о театральном институте.


Осенью 1946 года Владимир Басов демобилизовался и вернулся в Москву. На следующий год он осуществил свою мечту и стал студентом ВГИКа. Басов долго не мог решить, на какой факультет поступать – актерский или режиссерский. Ему повезло: в том году набирали объединенную актерско-режиссерскую мастерскую под руководством Сергея Юткевича и Михаила Ромма. На этот же курс поступили будущие звезды советского кинематографа – Григорий Чухрай и Тенгиз Абуладзе.


«Все студенты, несмотря на небольшую разницу в возрасте, очень четко делились на две группы – «солдат», тех, кто вернулся с фронта, и нас, недавних школьников, которых называли «штатскими рябчиками». «Солдаты» все ходили в военных гимнастерках и сапогах, а Басов был среди них одним из самых ярких. Офицер, бравый, подтянутый. Всегда ходил, как струнка»

Режиссер Владимир Наумов о студентах ВГИКа и Владимире Басове


И Юткевича, и Ромма Басов уважал – наставники оказали влияние на его режиссерское творчество. От Юткевича Басов взял умение точно передавать человеческие эмоции, а от Ромма – грамотно строить композицию. Педагоги стали помогать Басову еще на первом курсе и поддерживали его конца жизни: продвигали идеи его картин в художественном совете «Мосфильма», давали советы. Именно Юткевич порекомендовал Басову заниматься не только режиссурой, но и совершенствовать актерское мастерство.


Фильмы Владимира Басова: актерские и режиссерские работы



В 1952 году Басов закончил ВГИК. Он был одним из лучших выпускников года, и руководитель мастерской Сергей Юткевич пригласил его поработать ассистентом на съемках своей картины «Пржевальский». Позже Басов и сам попробовал себя в режиссуре: экранизировал спектакль Театра-студии киноактера «Нахлебник», снял ленту «Школа мужества» по повести Аркадия Гайдара «Школа». Этот фильм принес Владимиру Басову успех. «Школа мужества» заняла десятое место в рейтинге советских фильмов по кассовым сборам за 1954 год и получила приз кинофестиваля в Карловых Варах.


В следующие несколько лет он много снимал на «Мосфильме», вышли его картины «Крушение эмирата» и «Первые радости». Критики относились к творчеству начинающего режиссера сдержанно, а его картины называли проходными. В 1960 году Басова пригласили доснять картину «Битва в пути» по одноименному роману Галины Николаевой. Режиссер ленты Захар Аграненко внезапно скончался, а фильм необходимо было закончить. Басов подошел к работе над картиной ответственно – он внимательно изучил сценарий «Битвы в пути» и решил изменить его слабые места. В этому ему помогла Галина Николаева. Съемочная группа отметила требовательность режиссера: некоторые моменты своих картин Басов переснимал по несколько раз, советовал актерам больше репетировать, оттачивать движения и мимику.


«Работать с Басовым <…> было очень ответственно и не просто. Это был художник огромного профессионального мастерства, требовательности, враг приблизительных разговоров и решений, которыми, к несчастью, полна наша работа на съемочной площадке; это был мастер точного видения, он умел находить и фиксировать из тысячи выражений глаз одно – нужное ему»

Режиссер Михаил Швейцер о требовательности Владимира Басова


Усилия Владимира Басова не пропали даром. Экранизация «Битвы в пути» Галины Николаевой вышла в кинопрокат в 1961 году и прославила режиссера. В СССР ее посмотрело больше 40 миллионов человек. В дальнейшем Басов часто брался за экранизации: в 1960-х годах он снял «Тишину» по одноименному роману Юрия Бондаря, «Гранатовый браслет» по повести Александра Куприна и «Метель» по «Повестям Белкина» Александра Пушкина.



Вершиной режиссерской карьеры Владимира Басова критики назвали четырехсерийную картину «Щит и меч» о советском разведчике Александре Белове. Идея ленты появилась на «Мосфильме» еще в начале 1960-х годов. Руководители студии решили, что в советском кинематографе мало примеров фильмов о шпионах.


Басов подошел к работе над картиной с присущей ему серьезностью. Он добился встречи с настоящими разведчиками, которые участвовали в Великой Отечественной войне. Режиссер много спорил с руководством «Мосфильма». Чиновники хотели видеть главного героя могучим русским богатырем, а Басов полагал, что разведчик должен быть неприметным и сдержанным. Он настаивал на кандидатуре актера Станислава Любшина, он легко мог сыграть такого персонажа. Мнение режиссера поддержали настоящие разведчики, и Любшин сыграл в картине «Щит и меч» Александра Белова. Роль Генриха Шварцкопфа сыграл Олег Янковский. Басов тоже выбрал актера самостоятельно. С Янковским режиссер впервые встретился во Львове в Доме актера. Он выглядел как типичный интеллигентный молодой человек, именно такой типаж требовался для «Щита и меча».


Съемки картины проходили в СССР и в ГДР – Басов настаивал на исторической правдоподобности. На советские экраны «Щит и меч» вышел в 1968 году и произвел фурор. В том году все четыре серии картины заняли первые места по количеству зрителей и кассовым сборам в СССР, а съемочная группа фильма стала известной – ее членов регулярно звали на творческие вечера, устраивались встречи с поклонниками.


В 1970-х годах Басов продолжил активно работать в кинематографе и как режиссер, и как актер. Он появился в эпизодах в картинах «Бег», «Большая перемена», «Приключения Буратино», «По семейным обстоятельствам», «Москва слезам не верит», «Приключения Электроника» и многих других, снял четыре фильма – «Возвращение к жизни», «Опасный поворот», «Нейлон 100%», и «Дни Турбиных». Последней работой – экранизацией одноименного произведения Михаила Булгакова – Владимир Басов особенно гордился. Снимать фильм по пьесе Булгакова в СССР не разрешали, но Басов сумел договориться с руководством студии и картина, которую критики назвали «абсолютно булгаковской», вышла на экраны в 1976 году.


«Снимать фильм о белой гвардии да еще в период развитого социализма было нельзя, категорически невозможно! Конечно, в свое время пьеса шла во МХАТе, но с разрешения Сталина – то ли ему пьеса понравилась, то ли вождю было интересно наблюдать в зале, как спектакль смотрят зрители… Но что такое зал МХАТа – семьсот человек и в основном интеллигенция, другое дело – когда вся страна увидит, как прекрасны эти люди»

Валентина Титова о фильме Басова «Дни Турбиных»


Трехсерийный телевизионный фильм «Дни Турбиных» аудитория встретила с восторгом. Критики высоко оценили вклад Басова в успех картины: в «Днях Турбиных» Басов не только был режиссером и сценаристом, но и исполнил одну из самых запоминающихся своих ролей – он сыграл штабс-капитана Мышлаевского.


Во второй половине 1970-х годов Басов был вынужден сделать небольшой перерыв в режиссерском творчестве. Его подвели слабое здоровье – в 1974 году у Басова случился инфаркт – и проблемы в семье. В 1978 году он развелся со своей женой Валентиной Титовой.


Личная жизнь



Владимир Басов был женат трижды. С первой своей супругой – Розой Макагоновой режиссер познакомился и сблизился еще во время учебы во ВГИКе. Басов снял ее почти во всех своих фильмах 1950-х годов: «Школе мужества», «Необыкновенном лете» и «Крушении эмирата». Расстались они в 1958 году, и последний раз встретились на съемках фильма «Приключения Электроника» в 1979 году.


Со второй женой – Натальей Фатеевой – Владимир Басов тоже познакомился во ВГИКе. Среди студенток он искал актрису на роль в своем фильме «Случай на шахте № 8». Фатеева поразила режиссера красотой. Басов влюбился и начал ухаживать за актрисой прямо на съемочной площадке, и вскоре они поженились.


«Может, он и не красавец, но он – красивый человек. Когда мы познакомились, мне исполнился 21 год, а ему 33. Мужчина в самом расцвете, блистательная, яркая личность, Басов обладал талантами на десятерых, и мне он казался самым красивым, потому что был интересен, как человек. Люди с приятной внешностью иногда воспринимаются уродами, потому что негармоничны, пусты и бездарны. А те, что с Богом в душе, как правило, всегда красивы»

Наталья Фатеева о Владимире Басове


С Натальей Фатеевой Басов прожил три года. В 1959 году у них родился сын – Владимир Басов-младший, который, как и отец, решил связать свою жизнь с кино. Спустя год брак распался.

Третья жена Владимира Басова – Валентина Титова – тоже была актрисой. С ней режиссер познакомился в 1964 году, когда искал исполнительницу роли Марьи Гавриловны в «Метели». На тот момент Валентина Титова училась в студии при Большом драматическом театре в Ленинграде у театрального педагога Георгия Товстоногова. Девушка не планировала играть в кино, но Басов уговорил Титову сняться в «Метели».


«Когда молоденькая, никому не известная актриса появляется на студии, все обычно бегут посмотреть, какая она. Так случилось и в тот раз. Сбежалась половина «Мосфильма», и Басову сказали, что на студии появилась красавица-студентка. Он попросил, чтобы меня к нему привели. Я лишь мельком заглянула к нему в комнату, сказав, что не могу сниматься, и ушла. Владимир Павлович, когда за мной закрылась дверь, объявил всем, сидевшим в комнате: «Я женюсь»

Валентина Титова о знакомстве с Владимиром Басовым


В браке Басов и Титова прожили 14 лет. Дети – сын Александр и дочь Елизавета – после развода родителей остались с отцом. Отец поощрял их любовь к искусству. Впоследствии Александр Басов стал режиссером, а его сестра Елизавета – танцовщицей.


Последние годы и смерть



В 1980-х годах слабое здоровье Басова не позволило ему снимать фильмы так же плодотворно, как раньше. В 1981 году он вернулся в режиссуру после пятилетнего перерыва с экранизацией романа Юрия Скопа «Техника безопасности» под названием «Факты минувшего дня». В картине поднимались важные экономические проблемы: организация труда на предприятии, рост производства. За этот фильм Басов был удостоен Государственной премии РСФСР и получил звание народного артиста СССР.


В 1983 году у Владимира Басова случился инсульт, из-за которого полгода он был парализован. Несмотря на тяжелую болезнь, спустя год режиссер снял фильм «Время и семья Конвей» по одноименной пьесе английского драматурга Джона Пристли, а в 1986 году – свою последнюю картину «Семь криков в океане». Над этими фильмами режиссер работал совместно со своим сыном Владимиром Басовым-младшим.


Умер Владимир Басов 17 сентября 1987 года в Москве. Причиной его смерти стал второй инсульт. Похоронили знаменитого режиссера на Кунцевском кладбище.


Интересные факты



1. Даже во время войны Владимир Басов не забывал о своем увлечении кино – он организовывал показы видео для сослуживцев, руководил деятельностью ансамбля художественной самодеятельности. «Несколько раз в расположение нашего подразделения приезжала машина-фургон. Ее тут же ставили в укрытие поближе к передовой. Разведчики или пехотинцы в сумерках разворачивали экран почти на нейтральной полосе. Из фургона запускали фильмы. Сначала, для «затравки», какой-нибудь видовой: березы, Волга, поля… Потом еще подобный ролик. Смотрели и с нашей и с той стороны. В вечернем воздухе звуки музыки, речь разносились далеко и отчетливо. Когда аппарат перезаряжали – наступала тишина…», – вспоминал режиссер в журнале «Искусство кино».


2. Владимир Басов снялся в небольшом эпизоде в картине Георгия Данелии «Я шагаю по Москве» 1962 года. С появлением его персонажа – ворчливого полотера – связана интересная история. Кто-то из руководства «Мосфильма» сказал Данелии, что его фильм слишком оптимистичный. В это время основные эпизоды картины уже были сняты, шел ее монтаж. Тогда Данелия на скорую руку решил создать небольшой эпизод с полотером. Однако актер, которого он подобрал на эту роль, заболел. В коридорах «Мосфильма» Данелия заметил Владимира Басов и уговорил его сняться в фильме.


3. Владимир Басов был автолюбителем. За свою жизнь он сменил несколько машин: от «Москвича» и «Волги» до заграничного «форда». Таким же автолюбителем, как и Басов, был Сергей Бондарчук. Режиссеры собирались, чтобы поговорить о машинах.


4. Владимир Басов любил красивые и изящные вещи, на которые тратил почти все свои гонорары. Как рассказывали его друзья, однажды на съемках в Прибалтике режиссер увидел в частном доме антиквартный фарфоровый унитаз немецкой фирмы «Meisen» и потратил весь гонорар на его покупку. Басов хотел поставить его в своей квартире в Москве. Во время ремонта рабочие повредили унитаз – пользоваться им по прямому назначению уже было нельзя. Режиссер не растерялся, поставил антикварное устройство на балкон и использовал в качестве стула.

]]>
Дмитрий МарьяновИзвестные роли любимого артиста и подробности его биографии.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/7903/dmitrii-maryanovTue, 01 Oct 2019 14:50:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Дмитрий Марьянов

ТеатрыПерсоныАктер театра

Дмитрий Марьянов в детстве хотел стать археологом, но однажды попал в студию сценического мастерства и с тех пор мечтал только о сцене. Он 10 лет играл в театре «Ленком», снимался в фильмах и сериалах, сам писал сценарии и участвовал в известных ток-шоу. Актер любил экстремальные виды спорта и большинство трюков в своих фильмах исполнял сам.


Первая роль - массовка в «Томе Сойере»


Дмитрий Марьянов (слева) в роли Паши в художественном фильме Эльдара Рязанова «Дорогая Елена Сергеевна» (1988)

Дмитрий Марьянов родился в Москве. Его отец занимался гаражным оборудованием, а мать работала бухгалтером. Марьянов был у них вторым ребенком, на три года раньше родился сын Михаил. С детства Марьянов занимался плаванием, боксом, футболом и спортивной гимнастикой. Однако стать он хотел археологом: часто представлял, как будет путешествовать и участвовать в исторических раскопках. При этом учился Дмитрий Марьянов в школе с творческим уклоном при молодежном театре на Красной Пресне (сегодня Московский театр «Около дома Станиславского»). Артистичного ребенка педагоги записали в студию сценического мастерства. С тех пор Марьянов оставил мечты об археологии - он не представлял своей жизни без выступлений.


«Первый мой выход на сцену был в массовке «Тома Сойера». Много спектаклей играл»

Из интервью Каналу «Культура»


В 15 лет Дмитрий Марьянов впервые снялся в фильме. Это была роль второго плана в картине о трудном подростке «Была не была». На съемочной площадке молодой актер познакомился с тогда уже популярными актерами Дмитрием Харатьяном, Сергеем Никоненко и Алексеем Жарковым.

Через два года Марьянову предложили уже главную роль — Алика Радуги в мюзикле Георгия Юнгвальд-Хилькевича «Выше радуги». В 1988 году юный артист снова сыграл в школьной драме — киноленте Эльдара Рязанова «Дорогая Елена Сергеевна». После этого фильма режиссер пообещал никогда не снимать детей.

После школы Марьянов поступил в Театральное училище имени Щукина. Целый год он учился в мастерской профессора Юрия Авшарова, а затем студенту прислали повестку в военкомат. Он служил в войсках Военно-воздушных сил в Тверской области по специальности «дешифровщик черных ящиков». Даже в армии Марьянов занимался творчеством — организовывал КВН, устраивал праздники, даже поставил пару спектаклей.


10 лет в «Ленкоме»


Дмитрий Марьянов (слева) в роли Никиты в спектакле Юрия Махаева «Жестокие игры». Театр «Ленком», Москва. Фотография: lenkom.ru

В начале 1990-х молодого артиста пригласил в свою труппу художественный руководитель театра «Ленком» Марк Захаров. Марьянов сразу же начал играть почти во всех постановках: Трубадура в «Бременских музыкантах», Первого сочинителя в «Юноне и Авось», Лорда Перси в «Королевских играх». За роль Беляева в «Двух женщинах» актеру присудили премию имени Евгения Леонова.


Одновременно с работой в театре Марьянов продолжал сниматься в кино. На экраны каждый год выходили фильмы с его участием. Среди них «Лихая парочка», «Дела смешные – дела семейные», «Змеиный источник», «Графиня де Монсоро». Также Дмитрий Марьянов появился в клипе «Прогулки по воде» группы «Наутилус Помпилиус».

Руководство театра не приветствовало участие актеров в киносъемках. И в 2003 году Дмитрий Марьянов ушел из «Ленкома». В одном из интервью он назвал театр «настоящим университетом для актера», отметив при этом, что не хочет быть «вечным студентом».


На съемках сериалов и телешоу


Дмитрий Марьянов в роли диджея Димы в художественном фильме Дмитрия Дьяченко «День радио» (2008)

После ухода из «Ленкома» Дмитрий Марьянов начал играть в независимом театральном проекте «l'Atelier». Там актер участвовал в постановках «Рикошет» Анатолия Спивака, «Ladies'Night» Виктора Шамирова, а также спектаклях «Квартета И» и группы «Несчастный случай».


В еще одном спектакле Шамирова, «Игра в правду», Марьянов поработал и в роли сценариста. В основе картины лежала пьеса французского драматурга Филиппа Лелуша. Создателям постановки понравилась идея произведения, но текст пришлось переработать, чтобы сделать сюжет понятным для российского зрителя.


«<...> Мы вчетвером — режиссер Виктор Шамиров, Гоша Куценко, Костя Юшкевич и я — сели и переписали всю пьесу от начала и до конца. Начали вспоминать истории, которые происходили с каждым из нас. И постепенно-постепенно, примерно за девять месяцев, новый текст был готов»

Дмитрий Марьянов в интервью журналу «ОК»


Но чаще всего Марьянова можно было увидеть на съемках в популярных сериалах - «Дневнике убийцы» и «Кавалерах морской звезды». Также актер работал ведущим: он вел программу «Очевидец» на РЕН-ТВ и «Катастрофы недели» на ТВ-6.

Настоящую славу ему принесла роль морского пехотинца Максима Паладина по кличке Немой в сериале «Боец». Большинство трюков в фильме Марьянов исполнил сам. Он, как и его экранные герои, обожал экстремальные виды спорта – дайвинг, прыжки с парашютом, мотоциклы. В одном из интервью он говорил: «Мотоциклы – это же кайф, ощущение свободы, похожее на то, которое испытываешь при верховой езде». Его считали профессиональным мотоциклистом, но актер называл себя просто «человеком на мотоцикле».


Последние роли Марьянова


Дмитрий Марьянов и Любовь Толкалина в спектакле Алексея Кирющенко «Нереальное шоу». Современный театр антрепризы, Москва. Фотография: superhotel.kiev.ua

В 2012 году Дмитрий Марьянов приступил к главной роли в сериале «Личная жизнь следователя Савельева». Вместе с ним играли Нонна Гришаева, Юрий Беляев, Любовь Толкалина, Ада Роговцева и Михаил Жигалов.


Позднее у Марьянова была еще одна главная роль в комедии «Муж по вызову», а также съемки в фильме «Норвег», после которых он получил награду за лучшую мужскую роль второго плана на XVIII Всероссийском Шукшинском кинофестивале.


В 2016 году продолжилось сотрудничество с Толкалиной. Вместе они сыграли в экспериментальной постановке «Нереальное шоу» по пьесе французского писателя Бернара Вербера «Наши друзья человеки». В спектакле участвовали только они вдвоем, а всё действие происходило в ограниченном пространстве в виде небольшого куба, без реквизита и сложных декораций.


В 2017 году Дмитрий Марьянов часто болел, жаловался на сильные боли. В октябре во время очередного приступа ему вызвали скорую помощь, но доехать до больницы так и не успели: актер скончался в дороге. Марьянова похоронили на Химкинском кладбище.


Незадолго до смерти Дмитрий Марьянов сыграл главные роли в криминальных драмах «Взлом» и «Вышибала» – последний фильм, вышедший при жизни артиста. В производстве находились две последние картины с его участием: мелодрама «Дорога из желтого кирпича» и шпионский фильм «Операция Мухаббат». Они вышли весной 2018 года.

]]>
Михаил ЗощенкоБиография мастера «оптимистической» сатиры, автора рассказов для детей, фельетонов и киносценариев.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9974/mikhail-zoshenkoTue, 01 Oct 2019 15:05:55 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Михаил Зощенко

ЛитератураПерсоныПисатель

Дворянин по происхождению, Михаил Зощенко, после революции поддержал советскую власть. В 20-30-е годы его рассказы и фельетоны публиковались в популярных журналах, а книги выходили большими тиражами. В своем творчестве он высмеивал мещан и обывателей и всегда был убежден, что сатирик должен быть морально чистым человеком. В последние годы Зощенко попал в опалу – его перестали печатать и исключили из Союза писателей СССР.


Гимназист, студент, кондуктор



Михаил Зощенко родился 9 августа 1894 года в Петербурге в дворянской семье. Его отец, Михаил Зощенко, был художником, рисовал иллюстрации для журнала «Нива», делал мозаичные панно. Мать, Елена Сурина, до замужества играла в театре, а после стала писать рассказы и печатать их в местной газете «Копейка». Михаил Зощенко рос в большой и дружной семье: всего у него было семь братьев и сестер. В 1908 году из-за болезни сердца умер отец, матери пришлось одной растить детей.


С детства будущий писатель любил читать, интересовался историей, сочинял стихи и небольшие рассказы. Примером для мальчика служили произведения матери – в своих детских работах он подражал ее публикациям в «Копейке». Несмотря на любознательность и широкий кругозор, в гимназии Зощенко учился плохо и часто спорил с учителями – однажды его даже чуть не исключили. Помогло письмо-прошение, которое мать подала влиятельным чиновникам.


В 1913 году Михаил Зощенко окончил гимназию и поступил на юридический факультет Петербургского университета, однако не смог закончить даже первый курс. В апреле 1914 года его отчислили – не смог оплатить учебу. Тогда будущий писатель решил заработать денег и все лето трудился кондуктором на Кавказской железной дороге. В конце августа Михаил Зощенко вернулся в Петербург и попробовал восстановиться в университете, но ему отказали.


Первая мировая война: «Я навсегда потерял чувство ориентира»



Россия вступила в Первую мировую войну, в сентябре 1914 года Михаил Зощенко стал курсантом Павловского военного училища, где прослушал ускоренные курсы подготовки. В феврале 1915 года он выпустился в звании прапорщика и через месяц попал в действующую армию. Зощенко получил орден Святого Станислава и Святой Анны за отвагу, которую проявил в боях. «В девятнадцать лет я был уже поручиком. В двадцать лет — имел пять орденов и был представлен в капитаны. Но это не означало, что я был герой. Это означало, что два года подряд я был на позициях», – вспоминал он позднее. На войне Михаил Зощенко продолжил писать рассказы, вел полевой дневник и сочинял эпиграммы на офицеров. В июле 1916 года писатель оказался в госпитале, затем его перевели в запас. Однако вскоре Зощенко добровольно вернулся на фронт, где воевал до 1917 года, командовал ротой. В феврале писатель оставил службу и вернулся в Петроград. Он признавался, что Первая мировая война навсегда изменила его жизнь.


«Первая мировая война парализовала мое нутро. Я навсегда потерял чувство ориентира. Иногда наступало затишье, а потом опять начинал преследовать какой-то необъяснимый зловещий рок. Я нигде не мог найти успокоения, словно Агасфер менял города, деревни, села, хутора»

Михаил Зощенко о Первой мировой войне (по очерку Леонарда Гендлина «Трагедия магистра смеха»)


Личная жизнь: «А была ли это любовь?»



После возвращения в Петроград с фронтов Первой мировой войны, Михаил Зощенко познакомился со своей будущей женой – Выпускницей Петровской женской гимназии Верой Кербиц. «Я уже верил в любовь и искренно думал, что любимая женщина - святыня, «и лучшая, и особенная», – писал он. В 1920 году, спустя несколько месяцев после смерти матери Зощенко, они поженились.


В 1921 году у супругов родился единственный сын – Валерий. Зощенко любил ребенка и баловал его. Валерий пошел по стопам отца и в 1950-х публиковался в журналах, был сотрудником издательств «Детгиз» и «Театральный Ленинград».


Михаил Зощенко прожил с женой больше 40 лет. Их отношения были сложными – писатель подолгу отсутствовал дома, не понимал взглядов Кербиц на жизнь и часто заводил романы. «И прожили мы с ним целую жизнь, 41 год. А была ли это любовь? Не знаю», – вспоминала его жена позднее.


«Писателем быть очень даже трудновато»: рассказы, пьесы и фельетоны Зощенко



После февральской революции Зощенко работал комендантом почтовой и телеграфной службы Петрограда. «Я на полчаса являлся в Главный Почтамт, небрежно подписывал бумажки и лихо уезжал в своих дрожках», – говорил писатель о своей работе. Летом 1917 года его направили в Архангельск. В это время Зощенко мог эмигрировать: влюбленная в писателя француженка достала поддельный паспорт на его имя и предложила вместе уехать в Париж. Михаил Зощенко долго раздумывал, но отказался – он не хотел покидать Россию и оставлять семью. В марте 1918 года писатель вернулся в столицу. Через год, в 1919-м, он добровольно отправился на войну и присоединился к Красной армии. Однако уже через несколько месяцев Зощенко оставил службу из-за серьезных проблем с сердцем. В последующие годы он работал милиционером, сапожником, столяром, конторщиком и помощником бухгалтера, разводил кур и кроликов, пока окончательно не решил стать писателем. Михаил Зощенко посещал творческую студию, которую организовал Корней Чуковский при издательстве «Всемирная литература». Во время учебы он создал там несколько рассказов, среди которых «Любовь» и «Старуха Врангель», очерки о творчестве популярных деятелей искусства.


На занятиях в студии он познакомился с писателями Валентином Кавериным, Михаилом Слонимским, Всеволодом Ивановым и другими. В 1921 году они создали литературную группу «Серапионовы братья». Ее члены мечтали о разделении литературы и политики. Зощенко писал в статье «Современные писатели «Серапионовы братья» о себе»: «Вообще писателем быть очень даже трудновато. <...> Какая, скажите, может быть у меня идеология, если ни одна партия в целом меня не привлекает… нету у меня ни к кому ненависти — вот моя точная идеология…». В том же году в издательстве «Эрато» вышла первая книга рассказов Михаила Зощенко. Рецензии на некоторые произведения начинающего писателя оставил Максим Горький.


«Отличный язык выработали вы, М<ихаил> М<ихайлович>, и замечательно легко владеете им. И юмор у вас очень «свой». Я высоко ценю вашу работу, поверьте: это — не комплимент. Ценю и уверен, что вы напишете весьма крупные вещи. Данные сатирика у вас — налицо, чувство иронии очень острое и лирика сопровождает его крайне оригинально. Такого соотношения иронии и лирики я не знаю в литературе ни у кого»

Из переписки Максима Горького и Михаила Зощенко


В 1922 году в свет вышел сборник Зощенко – «Рассказы Назара Ильича, господина Синебрюхова». В следующие несколько лет писатель выпустил книги «Разнотык», «Аристократка», «Веселая жизнь». Зощенко стал известен. Его герои – мещане и обыватели – попадали в комичные ситуации и страдали от собственной глупости. Произведения писателя были так популярны, что сцены из них часто разыгрывали, а отрывки читали на литературных вечерах. Максим Горький писал Зощенко: «Некоторые здешние люди находят, что я неплохо читаю ваши бытовые миниатюры». Помимо юмористических рассказов он сочинял произведения для детей, публиковал фельетоны в советских журналах «Огонек», «Бегемот», «Бузотер».


Но не всегда Зощенко получал положительные отзывы. На вышедшие в 1927 году «Сентиментальные повести» критик «Известий» Макс Ольшевец оставил отрицательную рецензию. В том же году жена Зощенко, Вера Кербиц, написала в дневнике: «Михаил прибавил, что вообще его литературное положение начинает колебаться, что на него начинают коситься большевики, что почти подряд запретили три его статьи и что вообще все тревожно и шатко». Несмотря на это, в 1929 году он выпустил книгу «Письма к писателю», в которую включил больше 50 посланий своих читателей.



В начале 1930 года Зощенко завершил свою первую пьесу «Уважаемый товарищ». Комедия о недобросовестном чиновнике Барбарисове понравилась режиссеру Всеволоду Мейерхольду, и тот задумал поставить по ней спектакль в своем театре. Режиссер писал: «Нельзя рассматривать пьесу Зощенко как анекдот. Ее необходимо трактовать с той же серьезностью, с какой театр подал «Мандат» и «Ревизора». Труппа Мейерхольда уже начала репетиции «Уважаемого товарища», когда пьесу ставить запретил.


К 1933 году заканчивалось строительство Беломорско-Балтийского канала. Государству были нужны оптимистичные и утверждающие отзывы представителей интеллигенции о стройке. Для этого на ББК, вместе с другими писателями отправили Зощенко. Под впечатлением от нее он написал повесть «История одной перековки».


«Общее впечатление от Беломорского канала необычайное. Прежде всего, это очень красиво и грандиозно. Канал чрезвычайно декоративен. <…> Я на самом деле увидел подлинную перестройку, подлинную гордость строителей и подлинное изменение психики у многих (сейчас можно назвать так) товарищей»

Михаил Зощенко, «Возвращенная молодость»


В середине 1930-х Зощенко заболел. Он лечился от тяжелой депрессии, его одолевали приступы хандры, панические атаки. Чтобы справиться с этим состоянием, писатель начал работать над повестью «Возвращенная молодость». Для этого он изучал книги по психоанализу и медицине. Произведение Зощенко обсуждали ученые. Лауреат Нобелевской премии, физиолог Иван Павлов даже пригласил его на «научные среды» – встречи, на которых обсуждали актуальные проблемы психологии и медицины. Писатель не оставил литературное творчество. Однако его рассказы и повести 1930-х, среди которых «История болезни» и «Черный принц», отличаются от раннего творчества. «Литературный корабль Зощенко, набирая скорость, успешно плыл в прямо противоположном — относительно прославивших его 20-х годов — направлении», – полагал прозаик Бернгард Рубен. В этот период творчества писатель стремился показать, как он сам говорил, «историю культуры и человеческих отношений» и жизнь СССР. Воплощением новых идей Зощенко стал, вышедший в 1935 году, сборник «Голубая книга».


«Нынче, когда открывается новая страница истории, той удивительной истории, которая будет происходить на новых основаниях, быть может — без бешеной погони за деньгами и без всяких злодеяний в этой области, нынче особенно любопытно и всем полезно посмотреть, как жили раньше. И в силу этого мы решили, прежде чем приступить к новеллам из нашей жизни, рассказать вам кое-что из прежнего»

Михаил Зощенко, «Голубая книга»


В конце 1930-х годов, Зощенко решил сосредоточиться на рассказах для детей. Писатель публиковался в журналах «Еж» и «Чиж» и вскоре выпустил сборник «Леля и Минька», в который вошли произведения «Великие путешественники», «Золотые слова», «Бабушкин подарок» и другие.


Великая Отечественная война и «итог размышлений о роли человеческого разума в истории»



В начале 1940-х Михаил Зощенко много работал над рукописью «Ключи счастья», которую называл итогом прошлых десятилетий творчества. Для того, чтобы написать книгу он обратился к трудам Зигмунда Фрейда и Карла Юнга. Писатель задумал сложное исследование человеческой психики.


«Эта книга по-новому раскрывает круг вопросов, поставленных в «Возвращенной молодости» и «Голубой книге». Все эти три книги составляют трилогию, и «Ключи счастья» — итог этой трилогии, итог моих размышлений о роли человеческого разума в истории. Мне удалось теперь показать, что сознание должно восторжествовать во всем мире <...> и разрешить трагические противоречия темы первых двух частей трилогии именно в «Ключах счастья»

Михаил Вольпе (по книге критика Цезаря Вольпе «Искусство непохожести»)


Плодотворной работе помешала Великая Отечественная война. Зощенко записался добровольцем и хотел уехать на фронт, но не получил разрешения медицинской комиссии. Тогда вместе с сыном он вступил в противопожарную дружину и по ночам дежурил на крышах Ленинграда. Тогда же писатель публиковался в газетах и журналах – сочинял агитки и антифашистские фельетоны. В сентябре 1941 года Зощенко отправили в эвакуацию в Алма-Ату – с собой ему разрешили взять только самое необходимое. Большую часть багажа писателя заняли черновики «Ключей счастья». В 1943 году он переехал в Москву, где работал на «Мосфильме» – писал сценарии к военным фильмам. В том же году писатель закончил «Ключи счастья» и поменял название повести на «Перед восходом солнца». Произведение по главам выходило в журнале «Октябрь» с августа 1943 года, однако вскоре было запрещено решением партии. Зощенко начали критиковать в прессе и обвинять в презрении к читателем и искажении советской действительности.


«Вся повесть «Перед восходом солнца» проникнута презрением автора к людям. Судя по повести, Зощенко не встретил в жизни ни одного порядочного человека. Весь мир кажется ему пошлым. Почти все, о ком пишет Зощенко, — это пьяницы, жулики и развратники. Это грязный плевок в лицо нашему читателю. <...> Это хамски-пренебрежительное отношение к людям он пропагандирует в своей повести, клевеща на наш народ, извращая его быт, смакуя сцены, вызывающие глубокое омерзение»

Из статьи «Об одной вредной повести» В. Горшкова, Г. Ваулина, Л. Рутковской, П. Большакова для журнала «Большевик»


Последние годы: гонения, постановление о журналах «Звезда» и «Ленинград»



После окончания войны Михаил Зощенко получил медаль «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941—1945 гг.», однако отношение партийного руководства к нему было отрицательным. Особенно часто критиковал Зощенко член партбюро Андрей Жданов. 14 августа 1946 года вышло Постановление ЦК ВКП(б) о журналах «Звезда» и «Ленинград», в котором писателя назвали «пошляком и подонком литературы».


«Грубой ошибкой «Звезды» является предоставление литературной трибуны писателю Зощенко, произведения которого чужды советской литературе. Редакции «Звезды» известно, что Зощенко давно специализировался на писании пустых, бессодержательных и пошлых вещей, на проповеди гнилой безыдейности, пошлости и аполитичности, рассчитанных на то, чтобы дезориентировать нашу молодёжь и отравить её сознание»

Из Постановления Оргбюро ЦК ВКП(б) о журналах «Звезда» и «Ленинград»


В советской прессе началась травля Михаила Зощенко и Анны Ахматовой, которые были ключевыми фигурами литературы начала 1940-х годов. Зощенко исключили из Союза писателей СССР. Он остался без средств к существованию и продуктовых карточек. Следующие несколько лет Зощенко писал в стол, а деньги зарабатывал переводами, ему даже пришлось подрабатывать сапожником.


В 1953 году после смерти Иосифа Сталина Александр Твардовский и Константин Симонов предложили вновь принять Зощенко в Союз писателей. Его записали как нового члена организации и не учитывали произведения, которые были написаны до 1953 года. В журналах «Крокодил» и «Огонек» вышло несколько новых рассказов Зощенко, но в публикации комедии «Здесь вам будет весело» ему отказали.


В мае 1954 года советское правительство устроило встречу Михаила Зощенко и Анны Ахматовой с английскими студентами, которые приехали в страну. Они спросили у писателей, как они относятся к постановлению о журналах «Звезда» и «Ленинград». Зощенко заявил, что не согласен с обвинениями и гордится своим творчеством. В прессе появились обвинительные статьи, а писателя вызвали на литературное собрание с представителями московской интеллигенции. На нем Зощенко выступил с речью.


«Я могу сказать — моя литературная жизнь и судьба при такой ситуации закончены. У меня нет выхода. Сатирик должен быть морально чистым человеком, а я унижен, как последний сукин сын… У меня нет ничего в дальнейшем. Ничего. Я не собираюсь ничего просить. Не надо мне вашего снисхождения <...>. Я больше чем устал. Я приму любую иную судьбу, чем ту, которую имею»

Из стенограммы выступления Михаила Зощенко (по книге Б. Сарнова и Е. Чуковской «Случай Зощенко»)


Это выступление перечеркнуло дальнейшую писательскую карьеру Михаила Зощенко – больше его не публиковали. В последние годы жизни он страдал от болезни сердца и жил в бедности. Правительство назначило ему положенную пенсию не в 1955 году, по достижении 60 лет, а лишь за несколько дней до смерти, в июле 1958 года.


Умер писатель 22 июля 1958 года на своей даче в Сестрорецке. Друзья и родственники Зощенко хотели похоронить его на «Литераторских мостках» Волковского кладбища Ленинграда, но не получили разрешения властей. Могила писателя находится на городском кладбище Сестрорецка.


Интересные факты



1. Отец Михаила Зощенко иногда брал его с собой на работу. В 1900-х он создавал мозаичное панно для музея полководца Александра Суворова. Одну из деталей картины – небольшую еловую веточку – сделал сын художника. «В левом углу картины имеется зелёная ёлочка. Нижнюю ветку этой ёлочки сделал я. Она получилась кривая, но папа был доволен моей работой», – вспоминал писатель.

2. Еще в гимназии Михаил Зощенко хотел покончить с собой. На выпускных экзаменах за сочинение Михаил Зощенко получил кол. Учителю словесности не понравились его рассуждения о тургеневских героинях. Позднее он вспоминал: «Скорей от бешенства, чем от отчаяния, я пытался покончить со своей жизнью». Попытка самоубийства не удалась, но Зощенко разрешили переписать сочинение.


3. В 1920-х и начале 1930-х Михаил Зощенко был очень популярен – его окружали поклонницы, которые писали сатирику многочисленные письма с признаниями в любви, просили выслать фотографию. Об этом написал даже Владимир Маяковский в стихотворении «Фабриканты оптимистов (провинциальное)»:


«И кажется
этой плоской фанере,
что она Венера по крайней мере.
И рисуется ее глазам уж,
что она
за Зощенку
выходит замуж»


4. Михаил Зощенко дружил с Юрием Олешей, а однажды даже починил тому штаны. В тот момент – в 1950 году – оба писателя жили бедно. Олеша вспоминал об этом в своей «Книге прощания»: «У меня порвались штаны, и он великолепно исправил повреждение. По этому поводу, помню, я сказал приехавшему тогда в Ленинград и высокомерно появившемуся в моем и Зощенки обществе Фадееву: «Ты думаешь, что важное событие в текущем моменте нашей литературы — это то, что ты приехал в Ленинград? Ошибаешься, важнее — это то, что писатель Зощенко починил штаны писателю Олеше».


5. О творчестве Зощенко положительно отзывался Владимир Набоков, который редко хвалил других писателей. «Было несколько писателей, обнаруживших, что если они станут придерживаться определенных сюжетов и персонажей, то сумеют вывернуться — в политическом смысле… В итоге Ильф с Петровым, Зощенко и Олеша ухитрились опубликовать несколько безупречных по качеству литературных произведений…», – писал он.


6. Стенограмма выступления Михаила Зощенко на заседании Союза писателей СССР по поводу постановления о журналах «Звезда» и «Ленинград» долгое время считалась утраченной – она пропала из всех архивов, где числилась по картотекам. Документ нашел Даниил Гранин, который присутствовал на собрании. Он обратился к знакомой стенографистке. Она разыскала коллегу, которая работала на заседании, и та отдала Гранину свою копию документа. Стенограмма сопровождалась запиской: «Извините, что запись эта местами приблизительна, я тогда сильно волновалась, и слезы мешали».

]]>
Алексей СмирновБиография исполнителя ярких комедийных ролей советского кинематографа.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1132/aleksei-smirnovMon, 30 Sep 2019 11:15:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Алексей Смирнов

КиноПерсоныАктер кино

Алексей Смирнов известен, как исполнитель комедийных ролей в советском кино. Актеру доставались амплуа добродушных и неуклюжих здоровяков. Роль тунеядца Феди из гайдаевской комедии «Операция «Ы» и другие приключения Шурика» сделала Смирнова по-настоящему популярным. А благодаря фильму «В бой идут одни «старики» его признали и как талантливого драматического актера.


Ленинградское детство и служба на фронте



Будущий актер родился 28 февраля 1920 года в городке Данилов Ярославской области. Кроме него в семье был еще младший брат Аркадий. Когда Смирнову было шесть, семья переехала в Санкт-Петербург. Отец Макар Степанович рано ушел из жизни, поэтому о мальчиках заботилась мать Анна Ивановна. Они скромно жили втроем в одной из комнат коммунальной квартиры по улице Петра Лаврова (сегодня Фурштатская улица).


С самого детства Алексей Смирнов увлекался искусством. В школе он посещал драматический кружок. На школьных спектаклях играл Фамусова, Мефистофеля, а также участвовал в постановках «Маскарада» Лермонтова, «Ревизора» Гоголя. В 1937 году, после выпуска из школы, он пошел учиться в актерскую студию при Ленинградском театре музыкальной комедии. В 1940 году, окончив учебу, Смирнов остался служить в этом же театре. Но на его сцене он успел выступить лишь один раз – в роли Чёрного Орла в оперетте «Роз-Мари». Почти сразу юношу призвали на срочную службу в Армию – начиналась Великая Отечественная война.


В 1941-м году 21-летний Смирнов отправился на фронт. Сначала он служил химинструктором, а позднее командиром огневого взвода артиллерийской батареи. Сражался на Брянском, 1-м Украинском и 2-м Белорусском фронтах, ходил в разведку и много раз бывал в тылу врага. Старший сержант Алексей Смирнов участвовал в ликвидации подразделений противника и освобождении украинского города Староконстантинова. Вместе с минометным полком он дошел до Одера, но в одном из боев его сильно контузило взрывом снаряда. После лечения в госпитале Смирнова комиссовали, за свои подвиги он получил медаль «За отвагу», орден Красной звезды, два ордена Славы II и III степеней, а также медаль «За боевые заслуги». Великую Победу актер встретил в звании гвардии старшины в запасе.


«Алеша Смирнов - фронтовик. Вырос на юмористических агитках, солдатских концертах, где потешались над гитлеровскими дурачками и всякими прочими «гадами», высмеивали пьянство, всякие бытовые недостатки. Лешенька был Королем мужской аудитории. Хохочущей, курящей, дымной. Но мало кто знал, что Леша Смирнов служил в разведке и со временем стал полным кавалером ордена Славы, а три этих солдатских ордена фронтовики ставили выше одной звезды Героя Советского Союза»

Из книги Сергея Капкова «Эти разные, разные лица»


И на фронте Смирнов не забывал об искусстве. Он устраивал концерты для красноармейцев, участвовал в смотрах творческих коллективов. В 1943-м и 1944-м годах художественная самодеятельность полка, в котором служил артист, заняла первое место среди частей дивизии.


Первые фильмы



После войны Алексей Смирнов вернулся в театр Музыкальной комедии, где он играл второстепенных героев. Денег было недостаточно, а ему нужно было обеспечивать себя и мать, которая осталась на его попечении после гибели младшего сына на фронте. Вскоре он ушел из театра.


С 1952 года артист стал выступать в Ленгосэстраде (сегодня «Петербург-концерт»). Со временем ему начали давать роли добродушных и неуклюжих здоровяков, которые сразу же полюбились зрителю. Многие специально приходили в Ленгосэстраду, чтобы посмотреть, как играет Смирнов. Самому актеру не очень нравилось это комическое амплуа. Лишь однажды он исполнил серьезного персонажа – царя Петра I в постановке «Табачный капитан».


«К тому времени, как вышел первый фильм с его участием, Смирнов уже покинул Театр музкомедии и работал на ленинградской эстраде. Тем, что на него обратили внимание, он обязан случаю, причем из прошлой, военной жизни. Однажды высшие офицерские чины устроили рейд, в котором участвовали пехота и танки. Один из приятелей Смирнова, танкист, пожаловался ему на плохую видимость из своей машины. Тогда будущий артист нашел выход из положения. Он влез на танк и устроил нечто вроде вожжей. Когда он откидывал их вправо - это означало поворот направо. И наоборот. Танкист видел эти перемещения и ориентировался на них. Так Алексей Смирнов и подъехал к месту назначения на танке, как на коне»

Из книги Сергея Капкова «Эти разные, разные лица»


В кино 36-летний Смирнов пришел уже известным театральным актером. Дебютом стала военная драма 1957 года «Балтийская слава». Через два года он сыграл эпизодическую роль в исторической картине «Кочубей», где также снимались Николай Рыбников и Людмила Хитяева. Это был единственный комедийный персонаж в фильме. После этой ленты комические роли стали основными в кинокарьере Смирнова.


Профессиональный успех и признание актера пришли в начале 1960-х после выхода фильмов «Полосатый рейс» Владимира Фетина, «Вечерах на хуторе близ Диканьки» Александра Роу и «Деловые люди» Леонида Гайдая. В последнем Смирнов появился в новелле «Вождь краснокожих» в роли добряка Билла Дрисколла. Через три года он снова снялся в гайдаевской комедии «Операция «Ы» и другие приключения Шурика». Роль тунеядца Феди по-настоящему сделала его популярным, а фразы стали символом эпохи.


«А ты давай, бухти мне, как космические корабли бороздят большой театр…».
«Сейчас к людям надо помягше. А на вопросы смотреть ширше».
«Работа стоит, а срок идет. Ты не забывай: у тебя учет в рублях, у меня — в сутках».

Фразы Феди из фильма «Операция «Ы» и другие приключения Шурика» из новеллы «Напарник»


Позднее в коллекцию ярких ролей Смирнова вошли пират из «Айболита-66» Ролана Быкова, Сметана в «Свадьбе в Малиновке» Андрея Тутышкина, Масленников в мюзикле «Семь стариков и одна девушка» Евгения Карелова. На одной съемочной площадке он работал с уже популярными тогда артистами: Натальей Варлей, Александром Демьяненко, Михаилом Пуговкиным, Георгием Вициным, Юрием Никулиным и другими.


«Алексей Макарович был хороший человек, общительный, справедливый, честный, обаятельный. Этакий крепкий, мускулистый мужик. Терпел любые издевательства режиссера, ни на какие трудности не обращал внимания. Сказалось, наверное, военное прошлое. В то же время, Алеша был горячий. Если чувствовал несправедливость - открыто возмущался, возражал. Может, такая его открытость и честность кому-то на студии не нравилась»

Георгий Вицин, актер


«Свой» режиссер



Несмотря на популярность у зрителей Смирнова-комика, он хотел быть драматическим актером. В 1964 году на съемках фильма «Зайчик» он познакомился с актером и режиссером Леонидом Быковым. Через четыре года они снова вместе снялись в фильме «Разведчики». Совместная работа очень быстро переросла в крепкую дружбу.

В 1973 году Быков пригласил Смирнова исполнить роль механика Макарыча в собственной картине «В бой идут одни «старики». Этот персонаж стал любимым и у зрителей, и у самого актера, а Леонида Быкова он считал «своим» режиссером. Финальный эпизод у могилы погибших летчиц признали одним из самых драматических в советском кинематографе. В конце 1976 года Смирнов получил звание Заслуженного артиста РСФСР.


«Часто уединялся с Быковым — мы с завистью наблюдали издалека: режиссер слушал, заливисто хохотал, актер то и дело подскакивал, размахивал руками. Их объединяла не только дружба — переживания неудач в личной жизни, чувство нереализованности. Встретив родственную душу, Быков подарил Смирнову шанс вырваться за рамки комедийного амплуа, прикоснуться к мечте. Хорошо знавший и понимавший людей, он разглядел в эксцентрике Гамлета»

Из интервью Владимира Талашко, организатора Фонда Леонида Быкова газете «Культура»


«...женщины были к нему несправедливы»: личная жизнь



Алексей Смирнов никогда не был женат. Еще во время работы в Ленинградском театре музыкальной комедии он познакомился с Лидией Масловой. Узаконить отношения молодым помешала война. После тяжелой контузии Смирнов не мог быть отцом, поэтому, вернувшись с фронта, он расстался с девушкой. Актер очень любил детей. Он часто навещал воспитанников детского дома, дарил им подарки. Смирнов даже хотел усыновить одного ребенка-инвалида, но из-за актерской профессии, которая занимала много времени, этого так и не случилось. До конца жизни артист жил в ленинградской коммуналке с болезненной матерью.


«Семьи Лешенька так и не создал - женщины были к нему несправедливы. Мечты об отцовстве так и не реализовал, а детей любил безумно. В перерывах между съемками его можно было найти только в окружении ребятишек, которые липли к нему, как к Деду Морозу, а он с огромной радостью, самозабвенно вырезал для них деревянные фигурки...»

Ролан Быков, актер и режиссер


«Будем жить, Макарыч!»



В последние годы жизни приглашений сниматься в кино Алексею Смирнову почти не поступало. Он вёл замкнутый образ жизни, часто болел. Осенью 1978 года из-за сердечного приступа он на полгода попал в больницу. В марте артиста приехал навестить Леонид Быков и подбодрил словами своего героя из фильма «В бой идут одни «старики»: «Будем жить, Макарыч!». В этот день друзья-актеры встретились в последний раз: 11 апреля Быков погиб в автоаварии.


Смерть друга потрясла Смирнова, и он начал злоупотреблять спиртным. Алкоголь дал осложнения на сердце, и в 1979 году актер снова оказался в больнице. 7 мая Алексея Смирнова не стало – причиной смерти назвали разрыв сердца.


В 2011 году в Харькове актеру и герою Великой Отечественной войны установили памятник. Его открыли на территории университета Воздушных сил имени И. Кожедуба в честь 70-летия факультета авиационных инженеров. Смирнова изобразили в образе механика Макарыча из его любимого фильма о «поющей эскадрилье» – «В бой идут одни «старики».


Интересные факты из биографии Алексея Смирнова:



1. Алексей Смирнов был лично знаком с маршалом Советского Союза Георгием Жуковым. В 1954 году во время гастролей в городе Капустин Яр Астраханской области актеры театра отдыхали в поле. Рядом располагались военные вместе с самим главнокомандующим. Смирнов строевым шагом направился к ним и сказал: «Товарищ маршал, разрешите доложить: лейтенант Алексей Смирнов!». Жуков знал о военных заслугах артиста. Этим же вечером он пришел на его спектакль в местный Дом Культуры, а затем пригласил актера на банкет. Только тогда коллеги узнали о подвигах Смирнова, о которых он не любил распространяться и всегда отвечал: «Ну, служил, ну, есть какие-то награды - так ведь в войну все отличились. А я ничего особенного не сделал».


2. У актера было несколько разных коллекций. Он собирал насекомых: сначала сушил их, а потом вклеивал в альбом. В еще одном альбоме Смирнов хранил вырезки из газет с публикациями о себе. Также у него была огромная библиотека, которая состояла в основном из редких книг и изданий мировой литературы. Они занимали почти целую комнату в коммунальной квартире.


3. Еще одним из любимых увлечений Смирнова было чтение. «Однажды, на съемках «Айболита-66», он поразил меня своим уникальным знанием японской поэзии. Мы сидели ночью на берегу моря, у костерка, и Леша читал и читал стихи», - рассказывал актер Илья Рутберг.


4. В Смирнове все видели только комедийного актера. Задумав снять его в роли фронтовика в фильме «В бой идут одни «старики» Леонид Быков получил отпор у местных чиновников, которые твердили: «Не бывать этому! У него же тупое лицо!». Быков настоял на своем, в противном случае, готов был отказаться снимать фильм. Режиссер доказал состоятельность актера-фронтовика, который по-настоящему прошел не одно сражение и вернулся с фронта полным кавалером орденов Славы. Специально для Смирнова Быков сохранил его отчество и для героя — Макарыч.


5. В 2016 году в родном городе Смирнова, Данилове, в доме культуры открыли кинотеатр и назвали его «Макарыч». На территории местного аэродрома актеру установили памятник, скульптора Елены Пасхиной.

]]>
Иван БогомоловБиография архитектора, одного из основоположников неорусского стиля.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9854/ivan-bogomolovMon, 30 Sep 2019 09:25:41 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Иван Богомолов

АрхитектураПерсоныАрхитектор

Иван Богомолов вместе с Иваном Ропетом считается одним из основоположников русского стиля в архитектуре. Известность архитектору принесли проекты доходных домов в Москве и Петербурге и совместная со скульптором Александром Опекушиным работа над памятником Александра Пушкина в Москве.


Сын купца и начинающий художник


Дом Марии Римской-Корсаковой, в котором Строгановское училище находилось с 1860 по 1892. Москва. Российская государственная библиотека, Москва

Иван Богомолов родился 8 сентября 1841 года в Москве в купеческой семье. Его отец Семен Богомолов происходил из крестьян Ярославской губернии и за несколько лет до рождения сына получил от своей помещицы вольную. Затем он перебрался в Москву, где начал торговать свечами и маслом.


Богомоловы жили небогато, но стремились дать хорошее образование детям, научить их грамоте. Когда Ивану исполнилось шесть лет, отец нанял ему учителя – пономаря храма Николая Чудотворца на Берсеневке, который располагался недалеко от их дома. Церковный служитель научил мальчика читать, писать и считать. После этого Иван Богомолов смог поступить в уездное училище. Он хорошо учился и был лучшим на уроках рисования и черчения.


В 1854 году Иван Богомолов закончил училище. Он решил получить художественное образование, но отец не дал денег на учебу – Семену Богомолову нужен был помощник в его лавку. Тогда будущий архитектор стал учеником бесплатной воскресной школы, где преподавали рисование. В то же время он начал подрабатывать – давать уроки и продавать свои эскизы мануфактурам и ремесленникам, в том числе мастерской ювелира Игнатия Сазикова, поставщика императорского двора. По рисункам Богомолова изготавливали предметы утвари и украшения.


В 1861 году Богомолов поступил в Строгановское училище технического рисования. В положении этого учебного заведения было написано: «Цель Строгановского Училища Технического рисования состоит в образовании рисовальщиков и орнаментовщиков для мануфактурных производств и мастерств и вообще в содействии к развитию художественных способностей в промышленных классах». Будущий архитектор учился здесь бесплатно, получал отличные оценки и в 1863 году – раньше на два года – закончил училище. После этого ему присвоили звание ученого рисовальщика. В том же году Богомолов решил поступить в Императорскую Академию художеств и переехать в Петербург. Он готовился к вступительным испытаниям: посещал московские музеи, изучал теорию искусства. Однако отец вновь не дал ему разрешение и денег на продолжение учебы. Тогда будущий архитектор собрал все накопления – около 300 рублей – и поехал в столицу самостоятельно.


Вольнослушатель Академии Художеств



В 1863 году Иван Богомолов поступил в Академию Художеств вольнослушателем – в студенты его не приняли. В прошении о приеме он написал: «Сын купца III гильдии Иван Богомолов желает поступить в Императорскую Академию художеств для изучения архитектуры». Богомолов посещал все лекции, получал отличные оценки, и вскоре, как одному из лучших учеников, ему назначили стипендию – 200 рублей в год. Однокурсниками и друзьями архитектора были Александр Вальберг и Иван Ропет. Вместе с ними Богомолов увлекся историей, изучал древнее зодчество и стал создавать первые проекты в неорусском стиле. Искусствовед Людмила Михайлова писала об этом направлении архитектуры: «Неорусский стиль, созданный художниками мамонтовского кружка, можно характеризовать как лирико-эпическую и живописно-сказочную интерпретацию наследия Древней Руси».


За свои рисунки и эскизы Богомолов несколько раз получал от Академии художеств награды. В 1869 году за проект вокзала ему вручили малую золотую медаль, а в следующем 1870 году разрешили участвовать в конкурсе на большую. Она давала звание классного художника 1-й степени, а ее обладатели, как правило, получали от Академии деньги на зарубежные поездки, обучение у иностранных мастеров. Богомолов не смог участвовать в конкурсе – за несколько недель до его начала он заболел. Однако архитектор все же получил большую золотую медаль за проект церкви, но уже в следующем году.


Еще во время учебы в Академии Художеств Иван Богомолов сотрудничал с петербургскими фабриками – по его эскизам изготавливали предметы мебели, посуду. В 1871 году Общество поощрения художников присудило архитектору премию за проект сервиза необычной формы: его предметы напоминали курицу и цыплят. Вскоре Богомолов получил заказ от сына императора Николая I – великого князя Николая Николаевича. Архитектор совместно с Федором Харламовым построил в имении в селе Знаменка домашний храм. После этого он стал получать много заказов: в 1875-1877 годах построил для Надежды Зайцевой доходный дом на Фурштатской улице в Петербурге в русском стиле (сейчас Фурштатская улица, 20), возвел деревянную церковь святого Николая Чудотворца в селе Райвола, многочисленные дачи и летние дома для знати. Богомолов стал известным архитектором – о его проектах писали в журналах.


«Это один из первых, если не единственный каменный дом, фасад коего скомпонован в русском вкусе; почему мы и опишем его, как первую попытку в таком роде. Вообще фасад можно назвать удачным, несмотря на некоторые формы и детали, которые сам автор, вероятно, теперь разработал бы несколько иначе. <...> Главный карниз тяжёл, но производит прекрасное, чтоб не сказать величественное впечатление. Весьма изящны и типичны орнаменты на фронтонах и углах балконов, а также и под ними. То же самое можно сказать и о перилах парадной лестницы, хотя здесь своеобразность преобладает несколько над красотою линий. Проект плана и частности его обыкновенные, более или менее обусловленные нашими строительными постановлениями, потребностями нашей жизни, и нашими худыми или хорошими привычками»

Описание дома Надежды Зайцевой, журнал «Зодчий. Воскресное приложение», 1878 год, № 24


«Народный памятник» Александру Пушкину



С 1860 года выпускники Царскосельского лицея собирали деньги на памятник Александру Пушкину – разрешение на его постройку получили еще в 1855 году, но средств на создание монумента чиновники не выделили. Собранных денег не хватило, идею отложили.


В 1870 выпускник лицея и член Академии наук Яков Грот возобновил сбор средств. По его инициативе в газетах печатали обращения, в которых товарищи Пушкина по учебе просили пожертвовать на строительство памятника. Гроту удалось собрать больше ста тысяч рублей. Вскоре организовали специальную комиссию, которая должна была следить за расходованием средств. Ее возглавил принц Петр Ольденбургский, глава IV отделения Собственной канцелярии – оно отвечало за благотворительность. В 1875 году комиссия объявила открытый конкурс на установку монумента, в котором участвовало больше десяти претендентов. Памятник решили поставить в Москве – родном городе поэта. Победителем конкурса стал скульптор Александр Опекушин. Он предложил изобразить Пушкина на прогулке. Для создания пьедестала памятника Опекушин пригласил Ивана Богомолова.


Пьедестал памятника Богомолов решил выполнить из темно-красного и темно-серого сердобольского гранита, который привезли из Выборгской губернии. Это традиционный для Санкт-Петербурга камень. Такой материал часто использовали в строительстве из-за его красивого цвета и текстуры. Из Сердобольского гранита сделали атлантов Эрмитажа, колонны Казанского собора, Невские ворота Петропавловской крепости.


Богомолов придумал украсить монумент двадцатью небольшими тумбами с бронзовыми венками и четырьмя чугунными фонарями. На пьедестале по задумке Опекушина и Богомолова выбили строки из стихотворения Пушкина «Памятник»:


Слух обо мне пройдет по всей Руси великой,
И назовет меня всяк сущий в ней язык


Работа над памятником заняла у архитектора несколько лет. В это же время в Москве по просьбе отца он возвел два дома для своей семьи на Якиманке, писал работу на соискание звания Академика


«Санкт-Петербургская Императорская Академия художеств за искусство и отличные познания в архитектуре признает и почитает классного художника Ивана Семеновича Богомолова своим Академиком, с правами и преимуществами в установленных Актами подписанными. Дан в Санкт-Петербурге за подписанием Президента и с приложением печати 1879 года Ноября 4 дня»

Из приказа о присвоении Ивану Богомолову звания Академика


Памятник должны были открыть 19 октября 1879 года (31 октября по новому стилю) – в годовщину создания Царскосельского лицея. Однако при транспортировке монумента на Страстную площадь часть пьедестала повредили. Восстановительные работы заняли полгода, открытие откладывали из-за смерти императрицы Марии Александровны – в столице был траур. Наконец, 18 июня 1880 года состоялась торжественная церемония, на которой присутствовали родственники Пушкина, его друзья, поэты и писатели, в том числе Иван Тургенев и Федор Достоевский.


Последние архитектурные работы: доходные дома и памятники



В 1881 году, после убийства Александра II, Иван Богомолов участвовал в очередном конкурсе проектов. Новый император Александр III хотел возвести на месте убийства отца храм. Проект архитектора не победил в конкурсе, но после этого польская помещица заказала ему нескольких дач в русском стиле.


В 1883 году по заказу купца Карзинкина в Столешниковом переулке в Москве Богомолов возвел четырехэтажный доходный дом в русском стиле (ныне Столешников переулок, 11). Кроме того, архитектор работал над проектом Сиротского института в Гатчине и памятником Модесту Мусоргскому на кладбище Александро-Невской лавры в Петербурге.


За несколько месяцев до смерти Богомолов закончил ограду для памятника композитора Михаила Глинки в Смоленске. Критик Владимир Стасов так писал о работе архитектора: «Решетка к памятнику Глинки совершенно необычная и, смело скажу, совершенно беспримерная. Подобной решетки нигде до сих пор не бывало в Европе. Она вся составлена из нот, точно из золотого музыкального кружева».


Во время одной из поездок в Гатчину, где Богомолов контролировал строительство Сиротского института, он простудился. Через несколько дней, 6 декабря 1886 года, архитектор скончался в Петербурге. Родственники архитектора похоронили его на Калитниковском кладбище в Москве рядом с родителями.

]]>
Роберт РождественскийБиография советского поэта-шестидесятника, автора песен из фильмов «Неуловимые мстители», «Семнадцать мгновений весны» и гимна Олимпийских игр 1980 года.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9852/robert-rozhdestvenskiiWed, 25 Sep 2019 17:20:43 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Роберт Рождественский

ЛитератураПерсоныПоэт

Первое стихотворение Роберта Рождественского появилось в газете, когда ему было 9 лет. Будущий поэт два раза поступал в Литературный институт, а когда стал студентом, сразу познакомился с будущими шестидесятниками. Его стихи легко ложились на музыку и часто становились песнями, которые звучали на эстраде и в кинофильмах. Рождественский занимался переводами и публицистикой, а в последние годы жизни издал первый поэтический сборник Владимира Высоцкого и ранее запрещенные стихи Осипа Мандельштама и Марины Цветаевой.


Первое стихотворение в «Омской правде»



Роберт Петкевич родился 20 июня 1932 года в деревне Косиха Западно-Сибирского края (сейчас – Алтайский край). Его отец Станислав Петкевич работал в НКВД, а мать Вера Федорова учила детей в сельской школе, а затем стала ее директором.


В 1934 году Петкевичи переехали в Омск, здесь Федорова поступила в Омский медицинский институт. В 1937 году родители будущего поэта развелись, а в 1941 году ушли на войну: отец был командиром саперного батальона, а мать – военным врачом. Роберт Петкевич остался с бабушкой Надеждой Федоровой. В 9 лет, в 1941 году, он написал свое первое произведение «С винтовкой мой папа уходит в поход…». Стихотворение опубликовали в газете «Омская правда».


«Я написал тогда стихи, в которых, – помню, – последними словами ругал фашистов и давал самую торжественную клятву поскорее вырасти. Стихи были неожиданно напечатаны в областной газете (их туда отвез наш воспитатель). Свой первый гонорар (что-то около тринадцати рублей) я торжественно принес первого сентября в школу и отдал в фонд Обороны. (Наверное, это тоже повлияло на благоприятный исход войны). Клятву насчет вырасти было выполнить довольно сложно. Вырасталось медленно»

Роберт Рождественский, отрывок из автобиографии «Неправда, что время уходит»


С детства Петкевич любил литературу и музыку, много читал. В 1943 году умерла его бабушка, в феврале 1945 года в боях в Латвийской ССР погиб отец. Роберт Петкевич все это время жил в детском доме. Через несколько месяцев после окончания войны Вера Федорова вышла замуж повторно - за однополчанина, офицера Ивана Рождественского. Петкевича забрали из детского дома, а вскоре отчим усыновил его, дал свою фамилию. Семья часто переезжала, они жили в Кенигсберге, Каунасе, Таганроге, Петрозаводске и Ленинграде. Роберт Рождественский учился в разных школах, а в свободное время писал стихи и ходил на литературные вечера.


Студент Литературного института



Еще в школе Рождественский решил, что хочет стать поэтом и поступить в Литературный институт имени А.М. Горького в Москве. В конце 1940-х в петрозаводском журнале «На рубеже» стали выходить его первые взрослые стихотворения, посвященные природе. Нина Сипкина, которая изучала творчество Рождественского, писала: «Пейзажная лирика <...> становится для поэта формированием идеалов и жизненных ценностей, основой утверждения природы как своего миропонимания и мирознания, основой творческой мысли».


В 1950 году юный поэт закончил школу и поехал в Москву – поступать в Литературный институт. С собой он взял несколько стихотворений, которые и показал на вступительных испытаниях приемной комиссии. Произведения получили невысокие оценки, и в Литинститут Рождественский не поступил.


«Отказали. Причина: «творческая несостоятельность». Между прочим, правильно сделали. Недавно я смог посмотреть эти стихи в архивах Литинститута. Ужас! Тихий ужас!»

Роберт Рождественский, отрывок из автобиографии «Неправда, что время уходит»


Этот год молодой поэт проучился в Петрозаводске на историко-филологическом факультете местного университета, занимался спортом – получил первый разряд по волейболу и баскетболу, часто ездил на соревнования. В следующем 1951 году Рождественский вновь сдавал экзамены в Литинститут и в этот раз стал студентом. В то же время здесь учились Евгений Евтушенко, Булат Окуджава, Андрей Вознесенский, Белла Ахмадулина. Рождественский подружился с ними. Сокурсники часто собирались вместе, обсуждали современную поэзию и творчество друг друга. Их часто отправляли в путешествия по СССР, на практику в разные части страны. Однажды Рождественский даже побывал на Северном полюсе, на советской дрейфующей станции, которая была расположена прямо на льдинах. Эта поездка произвела на поэта огромное впечатление – несколько лет спустя он выпустил книгу стихов «Дрейфующий проспект».


«Станция состояла из девяти домиков. Стояли они на льдине, образуя улицу – четыре с одной стороны, пять – с другой. Я помню общее собрание полярников, – очень бурное и длинное: на нём самой северной улице в мире давалось имя. <...> Какой-то остряк-лётчик привез из Москвы номера, которые вешаются на домах в столице. <...> Номера были торжественно прибиты к домикам и на каждом из них мы написали название улицы: «Дрейфующий проспект»

Роберт Рождественский, отрывок из автобиографии «Неправда, что время уходит»


«Хочу написать настоящие стихи»



В 1952 году стихотворения Роберта Рождественского начали печатать в центральных газетах Москвы – сначала в «Смене», а затем и в других изданиях. В это время он много писал. В 1955 году поэт издал первую книгу под названием «Флаги весны». Она вышла в издательстве «Карелия» в Петрозаводске. В том же году Рождественский познакомился со студентом консерватории Александром Флярковским. Они встретились на Алтае, где проходили учебную практику. Флярковский написал музыку на стихи Рождественского – так появилась первая песня поэта «Твоё окно».


В следующем 1956 году Рождественский закончил Литературный институт. Он много публиковался: в Карелии вышла поэма «Моя любовь», а в Москве – второй сборник «Испытание». Поэт стремился к изображению реальной жизни, советской повседневности, не приукрашивая ее. В своей автобиографии он писал: «А ещё очень хочу написать настоящие стихи. Главные. Те, о которых думаю всё время. Я постараюсь их написать. Если не смогу, – будет очень обидно».


В 1962 году вышла следующая книга поэта – «Необитаемые острова». В этом же году он закончил поэму «Реквием». Литературный критик Анатолий Бочаров писал: «Реквием» Рождественского, потрясает каждого, кто прочитал его. Есть в «Реквиеме» то общечеловеческое горе, которое не может не захлестнуть, едва вы начнете читать эти строки о героях». Поэт посвятил произведение всем участникам войны. В посвящении он написал: «Памяти наших отцов и старших братьев, памяти вечно молодых солдат и офицеров Советской Армии, павших на фронтах Великой Отечественной войны». В поэме он призывает никогда не забывать о войне и ее героях, в том числе простых солдатах:


Помните!
Через века,
через года,—
помните!
О тех,
кто уже не придет
никогда,—
помните!


Произведения Рождественского с незамысловатыми, близкими людям темами были популярны у советских читателей. За простоту языка и четкость образов его поэзию называли «ясной». Литературный критик Лев Аннинский писал: «Звенящий, светлый, кристально-ясный мир Роберта Рождественского – естественное проявление его личности, его души, его судьбы. <...> В этом мире все можно взять в руки, ощупать».


В 1963 году Роберта Рождественского пригласили на встречу Никиты Хрущева с представителями творческой интеллигенции. На ней поэт прочитал стихотворение «Да, мальчики» – ответ на произведение Николая Грибачева «Нет, мальчики!». В нем Грибачев писал:


Порой мальчишки бродят на Руси,
Расхристанные,— господи, спаси!—
С одной наивной страстью — жаждой славы,
Скандальной, мимолетной — хоть какой.


Рождественский посчитал произведение выпадом в сторону своего поколения. В поэтическом ответе он оправдывает своих сверстников, которые развивают науку, поднимают большие стройки и осваивают космос.


Да, мальчики,
выходим в путь негладкий!
Боритесь
с ложью!
Стойте на своем!
Ведь вы не ошибетесь
в самом главном.
В том флаге, под которым мы живем!

Роберт Рождественский, отрывок из стихотворения «Да, мальчики»


Хрущев посчитал это противостоянием коммунистической партии. В стенограмме встречи было указано: «В выступлении товарища Рождественского сквозила мысль о том, что будто бы только группа молодых литераторов выражает настроения всей нашей молодежи, что они являются наставниками молодежи. Это совсем не так. Наша советская молодежь воспитана партией, она идет за партией, видит в ней своего воспитателя и вождя».


Рождественского перестали приглашать на творческие встречи, его стихотворения не публиковали полтора года – до того момента, как Хрущева сместили с поста генерального секретаря партии. Все это время поэт провел в Киргизии - переводил произведения местных писателей на русский язык.


В конце 1964 года Рождественский вернулся в Москву. Его произведения вновь начали печатать в советских журналах и газетах. Спустя год вышла его книга «Радиус действия», в которую вошла поэма «Письмо в XXX век». О ней литературный критик Лев Аннинский писал: «Мысль о венце развития, о конечном счастье, о великой цели, которая оправдает все наши труды и жертвы – вот главная идея поэмы Рождественского». Поэт вновь стал популярен, а в 1966 году он даже стал первым лауреатом международного конкурса «Золотой венец», который проходил в Македонии.


Поэт-песенник



В 1966 году вышел фильм Эдмонда Кеосаяна «Неуловимые мстители», для которого Роберт Рождественский совместно с композитором Борисом Мокроусовым создал композиции «Бьют свинцовые ливни», «Выглянул месяц…» и другие. Фильм посмотрело 54 миллиона человек, а песни на стихи Рождественского «ушли в народ». После успеха «Неуловимых мстителей» поэт написал стихи для песен из продолжения трилогии – картин «Новые приключения неуловимых» и «Корона Российской империи, или Снова неуловимые».


В конце 1960-х Рождественский познакомился и подружился с Муслимом Магомаевым, который не только пел песни на стихи поэта, но и писал для них музыку. В 1979 году певец исполнил «Балладу о маленьком человеке». Стихотворение о судьбе «маленьких» людей на войне Рождественский написал еще в 1969 году:


...А когда он упал –
некрасиво, неправильно,
в атакующем крике вывернув рот,
то на всей земле
не хватило мрамора,
чтобы вырубить парня
в полный рост!


В 1973 году это стихотворение прочитал Валентин Карманов в фильме «Возврата нет», а спустя шесть лет музыку для «Баллады о маленьком человеке» и написал Муслим Магомаев. Всего он исполнил более двадцати песен на стихи поэта. Среди них – «Торжественная песня», «Ноктюрн», «Загадай желание». Кроме Магомаева, с песнями Рождественского выступали Иосиф Кобзон, Лев Лещенко, Эдита Пьеха, Валентина Толкунова и другие советские звезды.


«Мне кажется, я взял чужой билет»



В 1970-х Рождественский был одним из самых популярных советских поэтов. В это время он начал вести телепрограмму «Документальный экран». Екатерина Рождественская, дочь поэта, вспоминала: «Рассказывал о документальных фильмах, их тогда было очень много, читал стихи. Передача была интересная, необычная, хотя бы тем, что ведущий не читал по бумажке, а говорил своими словами». Поэта стали узнавать на улицах, ему домой приходили письма от поклонников.


«Он считал, что не заслужил такой популярности, такого успеха. Он думал, что эта популярность – ошибка. Неуверенность в себе была огромной. «Мне кажется, я взял чужой билет», – писал он. Многие хотели, чтобы им досталось как можно больше славы, а Роберт… Он не понимал, что творится вокруг него, и как-то этого даже побаивался. Когда он оказывался в толпе, он прикрывал свое узнаваемое лицо рукой, как бы пытаясь спрятаться от любопытных взглядов»

Жена Роберта Рождественского Алла Киреева, отрывок из книги «Долгая любовь моя»


Рождественский много путешествовал по СССР, устраивал творческие вечера и встречи и несколько раз выезжал за границу. В 1979 году его пригласили в жюри Каннского кинофестиваля. Спустя год поэт вместе с композитором Давидом Тухмановым создал официальный «Олимпийский гимн», который звучал на церемонии открытия летних Олимпийских игр в Москве. Поэт перевел оригинальную греческую песню на русский язык.


Нужно сделать всё, чтоб вовек олимпийский огонь не погас,
Солнце стартует в небе, как в первый раз.
Этот яркий день мы надолго, надолго запомним с тобой
Будет Земля счастливой и молодой!

Отрывок из «Олимпийского гимна»


Вместе с композицией «До свидания, Москва», которая прозвучала на церемонии закрытия, песня стала символом игр 1980 года. В 2014 году на зимней олимпиаде в Сочи ее исполнила Анна Нетребко.


Личная жизнь: «Я не знаю никого, кто был так счастлив в браке»



Многие стихотворения Роберт Рождественский посвящал своей жене – литературному критику Алле Киреевой. Они познакомился в Литературном институте в 1953 году, где вместе тогда учились. В браке Рождественский и Киреева прожили больше сорока лет. Жена поэта вспоминала: «Вот, мы учились на одном курсе, а потом, в один прекрасный день, что-то случилось. Сразу и на всю жизнь».


В 1982 году Роберт Рождественский написал поэму о судьбе современной женщины, которую назвал «Ожидание» («Монолог женщине») и посвятил Киреевой:


Современная женщина, современная женщина,
Суетою замотана, но, как прежде божественна.
Не похвалится силою, но на ней, тем не менее,
И заботы служебные и заботы семейные.
Все на свете познавшая, все невзгоды прошедшая,
Остается загадкою современная женщина.


В браке у поэта родилось двое детей: дочери Ксения и Екатерина Рождественские. Одна из них стала журналисткой, а вторая - поэтом.


«Я не знаю никого, кто был так счастлив в браке, в любви, в понимании друг друга, как мы с Робертом. И когда рассказывают миф о двух половинках, я подозреваю, что это о нас. И когда говорят, что браки совершаются на небесах, я верю в это»

Алла Киреева, «Долгая любовь моя»


«Борьба за наследие» известных отечественных поэтов



В 1980-х Роберт Рождественский не оставил литературу и издал 13 книг стихов, среди которых «Мои года» и «За того парня». В то же время он занялся публицистикой, печатался в журналах и газетах, а в 1980 году составил и издал первый сборник стихотворений Владимира Высоцкого.


«Началась активная переписка с Мариной Влади, все время приходили какие-то письма, документы, папки. В кабинете на полу и на кровати лежали стопочками стихи Высоцкого – в такой последовательности они должны будут идти в сборнике, и папа тасовал их, как карты, читая стихи и прислушиваясь, как все-таки лучше их расположить. Иногда застопоривался, не шло. «Вот поются они, да, а не читаются, под музыку да, гениально, без мелодии – не читаются у меня!» Долго не мог придумать название. «Нерв», – сказала мама. Переживал, волновался, чувствовал, что в ответе. Тем не менее «Нерв» вышел, и Высоцкий там впервые поэт, а не бард»

Екатерина Рождественская, «Жили-были, ели-пили. Семейные истории»


После перестройки Рождественский готовил к публикации ранее неизданные произведения отечественных писателей. Сначала он был председателем Комиссии по литературному наследию Осипа Мандельштама и добился реабилитации поэта, а затем возглавил Комиссию по литературному наследию Марины Цветаевой. Поэт Лев Озеров писал о ее работе: «Наши с Робертом Ивановичем цели, задачи, планы были просты и ясны: добиться издания однотомника, потом двухтомника, потом массового издания. Мы совместно разрабатывали стратегию и тактику борьбы (неточное, но привычное слово) за цветаевское наследие». В Москве Рождественский помог открыть дом-музей Цветаевой.


В 1990 году поэт тяжело заболел. В стихотворении «Неотправленное письмо хирургу» он так написал о своей хвори:


Уважаемый доктор!
Вы еще не знаете,
что будете делать мне операцию.
А мне уже сообщили,
что в мозгу у меня находится опухоль
размером с куриное яйцо, —
(интересно,
кто ж это вывел курицу,
несущую такие яйца?!..)

Роберт Рождественский, «Неотправленное письмо хирургу»


В 1990-х поэт почти все время проводил в своем доме в Переделкине – работал над последней книгой стихов. Он умер 19 августа 1994 года. Рождественского похоронили на Переделкинском кладбище. Сборник под названием «Последние стихи» вышел в 1994 году уже после его смерти.

]]>
Михаил ТаничБиография поэта-песенникаhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9851/mikhail-tanichWed, 25 Sep 2019 09:30:37 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Михаил Танич

ЛитератураПерсоныПоэт

Песни на стихи Михаила Танича звучали на радио, в фильмах — «Большой перемене», «По секрету всему свету», «Берегите женщин». С ними на ежегодных фестивалях «Песня года» выступали знаменитые эстрадные исполнители — Эдита Пьеха, Клавдия Шульженко, Эдуард Хиль. Произведения о неволе, которые Танич написал в сталинских лагерях, легли в основу песен его музыкальной группы «Лесоповал».


Детские годы Михаила Танича



Михаил Танхилевич, ставший известным под псевдонимом Танич, родился 15 сентября 1923 года в Таганроге. Его отец — Исаак Танхилевич — построил успешную карьеру: работал сначала заместителем начальника мариупольской Чрезвычайной комиссии, затем — начальником управления коммунального хозяйства Таганрога. Мать будущего поэта — Марина Траскунова — закончила гимназию и выучилась на инженера. Танич с детства любил читать, увлекался рисованием, играл в футбол. Еще в школе будущий поэт написал свои первые литературные произведения — небольшие стихотворения и рассказы, которые публиковали в школьном рукописном журнале. В прозе образцом для начинающего писателя был Антон Чехов, в поэзии — Александр Пушкин.


«Вообще все в Таганроге тех лет еще помнило Антона Павловича Чехова. И так естественно первые мои литературные опыты были сочинениями в духе Антоши Чехонте, в которых я, надо признать, не преуспел. Они публиковались в школьном рукописном журнале, но другим авторам Чехонте удавался лучше. И я понял Чехова из меня не получится, не потяну. А я никогда не позволял себе быть не первым!».

Михаил Танич «Играла музыка в саду»


Когда Таничу было 14 лет, его отца обвинили в расхищении государственной собственности и расстреляли, а через несколько месяцев арестовали мать. Михаил Танич оказался на попечении дедушки — Бориса Траскунова — и переехал из Таганрога в Ростов-на-Дону. Здесь же в 1941 году он закончил среднюю школу. Аттестат Танич получил 22 июня 1941 года, в день начала Великой Отечественной войны.


Ордена и лагеря



На фронт будущего поэта призвали в 1942 году. Танич участвовал в боях на Белорусском и Прибалтийском фронтах, несколько раз был ранен, получил Орден Славы III степени и Орден Красной Звезды. «Никуда не отвертеться мне от войны, — признавался Танич, — эти три года потом аукали и аукали в моих стихах».


В 1945 году Михаил Танич демобилизовался, вернулся в Ростов-на-Дону. Он поступил в Ростовский инженерно-строительный институт на архитектурный факультет, но закончить его не смог. В 1947 году кто-то из друзей донёс руководству, что в кругу друзей Танич хвалил автомобили и качество дорог в Германии. В документе были стенограммы и других разговоров поэта с друзьями: обсуждение войны, быта немцев. Его обвинили в контрреволюционной деятельности и осудили на шесть лет лагерей. Танича сослали на Урал, под Соликамск.


«Тюрьмы, пересылка, этапы, вологодский конвой, лагеря. А в лагерях все перепробовал: лес валил, грузчиком два года на северном завозе был? Был. Рельсы из ледяной воды под сто граммов спирта тягал? Еще как. Доходил от голода и фурункулеза. Работал, не умея на счетах считать, бухгалтером. А потом принял связку ключей в крови — убили восемнадцатью ударами заточкой прежнего завстоловой. Смелости хватило! Недолго покашеварил и стал экспедитором технического снабжения — из города Соликамска возил все, что тайга требовала: запчасти, стройматериалы, горючее. Это запомнилось».

Михаил Танич «Колесо обозрения»


Из лагеря Михаил Танича вышел после смерти Сталина — в 1953 году закончился шестилетний срок его заключения. Первые несколько лет после этого он прожил на Сахалине, затем в городе Волжском недалеко от Саратова. Здесь Танич впервые опубликовал свои стихи в местной газете. В это время поэт сократил свою настоящую фамилию — Танхилевич, стал подписывать свои работы как Танич. В Волжском Танич познакомился на вечеринке со своей будущей женой — Лидией Козловой, которая была младше его на 14 лет. Они прожили вместе больше пятидесяти лет. У них было две дочери — Инга и Светлана.


Эстрадные хиты Танича



В 1956 году Танича реабилитировали, и теперь он мог жить в других городах. Он несколько раз отправлял свои стихи в московскую «Литературную газету», сотрудником которой был Булат Окуджава. Бард оставил положительный отзыв на творчество молодого поэта и посоветовал ему переехать ближе к столице. Танич вместе с женой и детьми поселился в подмосковном городе Орехово-Зуево.


Карьера поэта развивалась стремительно: его стихи печатали в московских газетах и журналах — «Литературной газете», «Юности», «Смене» и других, а вскоре вышел и первый сборник. В редакции «Московского комсомольца» Танич познакомился с композитором Яном Френкелем. Встреча оказалась судьбоносной: первая же совместная песня — «Текстильный городок» — прославила их на всю страну.


Песня «Текстильный городок». Слова Михаила Танича, музыка Яна Френкеля, исполняет Майя Кристалинская


«Не знаю, как сложилась бы моя судьба без нашей встречи в коридоре «Московского комсомольца». <...> Я обязан ему [Френкелю] такими вечнозелеными нашими песнями как «Любовь — кольцо«, «Что тебе сказать про Сахалин?», «Обломал немало веток», «Как тебе служится?», «Вот так и живем...» и другими. <...> И выветрился весь мусор, и остались только чувства дружбы и благодарности за подаренную мне радость долгой жизни в прекрасном».

Михаил Танич о Яне Френкеле


Песня «Черный кот». Слова Михаила Танича, музыка Юрия Саульского, исполняет Тамара Миансарова


В 1960-х годах песню «Текстильный городок» исполняли знаменитые эстрадные исполнители — Раиса Неменова и Майя Кристалинская. В 1963 году Танич совместно с композитором Юрием Саульским написал новую песню — «Черный кот». Она стала популярной не только в классическом исполнении Тамары Миансаровой в СССР, но и в разных вариациях за рубежом. Слова Танича перевели на английский, немецкий, польский и чешский языки.


В 1970-х годах Михаил Танич сотрудничал с популярными советскими композиторами, среди которых были Раймонд Паулс, Аркадий Островский, Эдуард Колмановский, Оскар Фельцман, Владимир Шаинский и многие другие. Песни Танича исполняли и звезды эстрады, и начинающие в то время исполнители — Эдита Пьеха, Алла Пугачева, Людмила Зыкина и Клавдия Шульженко.


Песня «Черное и белое». Слова Михаила Танича, музыка Эдуарда Колмановского, исполняет Светлана Крючкова


В 1972 году Танич написал слова романса «Чёрное и белое» («Мы выбираем, нас выбирают») для фильма «Большая перемена». Режиссер картины Алексей Корнеев долго сомневался, стоит ли использовать песни Танича. Стихи казались ему слишком простыми — Корнеев полагал, что романс не понравится зрителям. Он ошибся — песня «Мы выбираем, нас выбирают» стала визитной карточкой «Большой перемены».


Песня «Погода в доме». Слова Михаила Танича, музыка Руслана Горобца, исполняет Лариса Долина


Песни на стихи Михаила Танича ежегодно звучали на фестивале «Песня года»: «Идет солдат по городу», «Признание в любви, «На дальней станции сойду», «Погода в доме» стали любимыми у советских слушателей. Однако члены Союза писателей о песенном творчестве Танича отзывались с неодобрением. Но критика не задевала Танича.


«Вот они там в своем кругу, в Союзе писателей, и придумали нам кликуху «поэт-песенник», что, видимо, должно означать — поэт ненастоящий, уцененный, секонд хэнд. И взглядом таким провожают при встрече: один глаз — с презрением, а второй — с завистью. Почему?! Тех-то, что песни пишут, лучше или хуже, их и всего-то человек десять-пятнадцать было на всю 170-миллионную русскую поющую аудиторию».

Михаил Танич «Играла музыка в саду»


Песня «Не забывай». Слова Михаила Танича, музыка Юрия Антонова, исполняет Юрий Антонов


Он защищал от нападок оппонентов и свои произведения, и работы других авторов. На заседании Союза композиторов СССР он вступился за Юрия Антонова, а в 1981 году совместно с ним написал песню «Не забывай» («Мечта сбывается»).


Песня «Белый лебедь». Слова Михаила Танича, музыка Сергея Коржукова, исполняет группа «Лесоповал»


В конце 1980-х Михаил Танич познакомился с музыкантом Сергеем Коржуковым. Они стали писать песни в соавторстве: Танич — стихи, а Коржуков — музыку. Вскоре у Танича и Лидии Козловой появилась идея создать музыкальный коллектив — группу «Лесоповал». «В общении с ворами, мошенниками, взяточниками и насильниками вызревали мои будущие песни «Лесоповала». Я хорошо прошел этот полный шестилетний курс обучения, чтобы рассказать о сталинском лагере в своем большом цикле как бы исторических песен о воле-неволе», — вспоминал Танич. Пик популярности группы пришелся на конец 1990-х годов и начало нулевых годов. В это время Михаил Танич написал для «Лесоповала» песню «Белый лебедь».


Над репертуаром музыкального коллектива Танич работал до конца жизни, даже когда серьезно болел. В 2000-х годах он продолжал писать песни и издал мемуары. Умер поэт-песенник 17 апреля 2008 года. Похоронен Танич на Ваганьковском кладбище в Москве.

]]>
Августин Бетанкур!http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/8424/avgustin-betankurTue, 24 Sep 2019 16:45:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Августин Бетанкур

АрхитектураПерсоныАрхитектор

Инженер-архитектор с испанскими корнями Августин Бетанкур увлекся изобретениями еще в детстве, учился в Королевской академии искусств и стал ее почетным академиком. В Россию он приехал, когда Испанию оккупировали войска Наполеона. Архитектор, которого пригласил сам Александр I, служил в особой свите императора, проектировал здесь передовые здания и строил дороги. Бетанкура называли учителем русских инженеров - он заложил основы инженерного образования в России.


Испанец с Канарских островов


Памятник Августину Бетанкуру. Пуэрто-де-ла-Крус, Тенерифе, Испания. Фотография: tenerifetoday.es

Августин де Бетанкур и Молина родился в 1758 годуна самом крупном из Канарских островов – Тенерифе. Его предки были французами: моряк Жан де Бетанкур захватил Канары в начале XV века, но его потомки сохранить власть не смогли, и архипелаг стал испанским. Августин рос в большой семье, его отец служил в испанской армии. В родном городе Бетанкура Пуэрто-де-ла-Крус производили шелк, и будущий архитектор еще в детстве увлекся механикой и технологией окраски ткани. В юные годы он построил прядильную машину для шелковых нитей: конструкция не была принципиально новым аппаратом, но значительно упростила труд рабочих.


В 1779 году Бетанкур отправился в Испанию и стал студентом самого престижного учебного заведения страны - Королевского училища Святого Исидора в столичном Мадриде. Будущий архитектор изучал здесь точные науки, механику и высшую математику. Одновременно он учился в Королевской академии искусств в классе рисования, несколько лет спустя после окончания Бетанкура избрали её почетным академиком.


Инженер с мировым именем



Из столицы Испании в 1784 году Августин Бетанкур уехал во Францию. Он поступил в Национальную школу мостов и дорог в Париже, где конструировал механические аппараты, изучал гидравлику и мостостроение. Во Франции Бетанкур собрал коллекцию макетов машин и создал основу для первого в мире музея истории техники – Королевского кабинета машин в Мадриде. Его назначили руководить музеем, в котором хранились больше 300 экспонатов - макеты инженерных машин и чертежи. Часть механических моделей Бетанкур сконструировал сам.


Правительство Испании отправило талантливого инженера в Англию – изучать паровые машины. Они упрощали и удешевляли производство, поэтому в те годы такие механизмы были популярны на заводах. Бетанкур посетил английские фабрики. Англичане неохотно делились передовыми знаниями и открытиями в механике, однако ему удалось собрать нужную информацию и внедрить технологию на родине.


В 1791 году Бетанкур вернулся в Испанию. Его карьера стремительно развивалась, инженеру поручали вести крупные проекты. Он работал над оптическим телеграфом – устройством, передающим световые сигналы на сотни километров. Линия из 70 телеграфных аппаратов протянулась от столичного Мадрида до портового города Кадиса на юге страны, информация между городами доходила за считанные минуты. Систему оптической связи Бетанкура признали одной из лучших в Европе, её работой восхищался даже Наполеон Бонапарт. Позднее оптические телеграфы на основе системы Бетанкура строили в европейских странах повсеместно.


Испания: «Я понял, что пора уезжать»



С 1801 года Августин Бетанкур руководил Корпусом путей сообщения, под надзором ведомства находились все дороги и мосты страны. В Мадриде он основал и возглавил Школу дорог, каналов и мостов. Но его карьера на родине близилась к завершению: после смены власти в Испании у него возникли разногласия с новым руководством страны. Казна не спонсировала масштабные проекты инженера, а за его работой пристально наблюдала Святая инквизиция.


Представители церкви считали, что оптический телеграф – происки сатаны, а отправлять слова на далекие расстояния по воздуху – колдовство. Когда Испанию оккупировала армия Наполеона и начались народные волнения, Бетанкур решил покинуть страну.

В 1807 году Бетанкур уехал в Париж. Но в столице Франции испанцу находиться было опасно: на его родине к тому моменту разразилась партизанская война против французских захватчиков. Бетанкур размышлял, отправиться ему в Англию или в Россию. Он уже бывал в Лондоне, родом из Англии была его супруга Анна. В Россию его давно приглашал на службу испанский посол империи Иван Муравьев-Апостол. И Бетанкур выбрал Россию.


«Я подумал, что в Испании неизбежна революция и, чтобы не погибнуть со всем своим семейством, надо искать спасения и убежища в каком-нибудь иностранном государстве, и мне показалось, что Россия может быть самой подходящей для этого. Я видел, как надвигалась буря... Я понял, что пора уезжать, любой здравомыслящий человек тогда пытался удалиться от двора»

Августин Бетанкур, из письма брату


Инженер «для особых поручений государя императора»



В 1808 году Бетанкура лично представили Александру I в городе Эрфурте в Пруссии. В тот же год инженер приехал в Россию, его зачислили в свиту «для особых поручений государя императора», а немногим позже он получил высокий чин генерал-лейтенанта.


«Я принял решение поступить на службу к российскому императору, который обращается со мной самым почтительным образом, какой вы только можете себе представить. Я обедаю с ним один-два раза в неделю, решаю дела непосредственно с Его Величеством, он мне положил 20 тысяч рублей годовых, оплачивает мои апартаменты»

Августин Бетанкур, из письма брату


На новом посту Августин Бетанкур по поручению императора переоборудовал старейший в стране оружейный завод в Туле. Высокое мастерство тульских оружейников сочеталось с отсталой по европейским меркам технологией производства. Инженер оснастил завод паровыми машинами и современными токарными станками.

Для царскосельского фонтана «Девушка с кувшином» инженер создал систему подачи воды, а фигуру девушки сваял скульптор Павел Соколов. О фонтане ходили легенды: верили, что его вода исцеляет любовную тоску. Поэтесса Анна Ахматова в начале XX века посвятила ему стихотворение «Царскосельская статуя». Сегодня фонтан, как и прежде, украшает парк Царского села: у ног прекрасной бронзовой девушки лежит разбитый кувшин, из него по протоку струится вода.


Учитель русских инженеров



В одном из докладов императору Александру I Августин Бетанкур отмечал, что дороги на огромной территории России плохие, что они «будто бы устроены, на самом деле вовсе неудобны для проезда, и, наконец, целые области остаются незаселенными по недостатку путей сообщения». Государству требовались хорошо подготовленные инженеры-путейцы, но их даже негде было обучать. Правительство постановило открыть Институт Корпуса инженеров путей сообщения, а Бетанкура в 1809 году назначили его инспектором. Инженер писал, что целью нового учебного заведения было «снабдить Россию инженерами, которые, прямо по выходе из него, могли бы быть назначаемы к производству всяких работ в Империи».


В институт принимали юношей старше 15 лет, обучение длилось четыре года. Здесь работали лучшие специалисты России и инженеры из Европы: Александр I распорядился, чтобы послы империи в разных странах приглашали в институт выдающихся профессоров. Преподавание велось на русском и французском языках. Воспитанники глубоко изучали физику и математику, архитектуру и механику, Бетанкур читал лекции по инженерному делу. Уделяли время и практике: студенты учились резать камни, плотничать, составлять проекты и сметы на материалы.

Августин Бетанкур заложил основы инженерного образования в России: институт стал одним из лучших в стране, другие учебные заведение открывались по его программам. На протяжении всей жизни он был инспектором вуза, составлял программы и преподавал здесь. В институте учились студенты из высшего общества, в первом же наборе поступили сыновья дипломата графа Григория Строганова - Николай, Сергей и Александр, а также будущие участники восстания декабристов братья Муравьевы-Апостолы.


Фабрика бумажных денег



В 1815 году Августин Бетанкур спроектировал Экспедицию заготовления государственных бумаг - типографию денежных знаков. Бумажные деньги в России назывались ассигнациями и появились еще в XVIII веке, ими расплачивались, как и серебряными рублями. Ассигнации в те годы легко было подделать. Этим воспользовалась армия Наполеона во время Отечественной войны 1812 года. Французы массово печатали подделки на бумаге лучшего качества, поэтому их сложно было отличить от подлинника. После войны страна оказалась наводнена фальшивками, их срочно требовалось заменить новыми купюрами. Нужно было разработать новый тип бумаги, защитить деньги сложным рисунком и наладить производство.


Прежде материал для ассигнаций изготавливали в Царском селе, а печатали их в Петропавловской крепости Петербурга. Инженер для удобства объединил типографию и бумажное производство в одном месте – в Адмиралтейском районе Петербурга на берегу Фонтанки. Здесь построили также граверную, механическую и нумерационную мастерские. В Европе бумагу делали с помощью паровых машин, и Бетанкур оборудовал новую фабрику по европейскому примеру. Кроме производственных корпусов, за два года здесь построили школы и больницу, жилье для руководства и рабочих.


Инженер создал рисунки для ассигнаций и разработал новые водяные знаки. Он решил изготавливать бумагу для купюр на основе льняного тряпья и конопляного волокна – пеньки. Биограф Алексей Боголюбов в книге «Августин Августинович Бетанкур» писал об оснащении Экспедиции: «Были установлены 6 роллов для размалывания в бумажную массу пеньки и тряпья, 12 черпальных чанов для ручного отлива бумаги, 4 литографских, 2 винтовых печатных и 2 гидравлических пресса». Летом 1818 года Экспедиция заготовления государственных бумаг (сегодня – фабрика «Гознак») вступила в строй, новые ассигнации быстро заменили прежние купюры.


Ярмарочный городок в Нижнем Новгороде



Торговля на Волге со странами Востока началась недалеко от Казани еще в XIII веке. Позже ярмарка переместилась в Нижегородскую губернию, сюда приезжали купцы со всей России и стран мира. Торговые ряды состояли из деревянных лавок, балаганов и трактиров. В 1816 году большой пожар уничтожил постройки, и торговые ряды решили отстроить заново из долговечного камня. Проект нового ярмарочного городка в Нижнем Новгороде поручили разработать и воплотить Августину Бетанкуру.


Инженер отправился на Волгу в 1817 году, чтобы осмотреть новое место для торговых рядов. Ярмарку требовалось обеспечить водой, и Бетанкур решил построить городок на удобном для судоходства левом берегу Оки, при впадении в Волгу. Между берегами Оки он соорудил разводной плавучий мост. Он купил усадьбу недалеко от будущей ярмарки, и с тех пор каждое лето с семьей проводил там.

Вместе с архитектором Огюстом Монферраном он подготовил планы городка и чертежи зданий. В центре ярмарки возвели гостиный двор, который насчитывал 60 корпусов, в нем расположились 2,5 тысячи торговых лавок. На центральной площади стоял главный корпус и административные постройки. Для купцов построили квартиры и склады. Нижегородская ярмарка стала первым торговым рынком в стране, оборудованным подземной сводчатой канализацией.


В 1822 году ярмарка открылась. Купцы продавали товары из далеких районов России и разных стран мира: провизию и сырьё, меха и металлические инструменты. Ярмарка работала один раз в год, с июля по август, и собирала до 200 тысяч человек.


Инженер-архитектор



Августин Бетанкур был председателем петербургского Комитета строений и гидравлических работ. Ведомство регулировало всю застройку столицы, здесь принимали проекты будущих зданий, определяли облик улиц и площадей, каналов и мостов. Бетанкур приглашал для работы лучших архитекторов тех лет - Карла Росси, Василия Стасова, Огюста Монферрана.


Инженер конструировал сложные подъемные механизмы для Исакииевского собора – с их помощью строители под руководством Монферрана установили огромные колонны и монолиты собора. Мемуарист Филипп Вигель писал: «Нужен был в Бетанкуре гений механика, чтобы поднять такую тяжесть, и, как простую палку, воткнуть ее перед зданием. Выдуманные им машины служили великой помощью Монферрану».


Один из важных проектов Бетанкура – здание Манежа в Москве. Император Александр планировал проводить в Экзерциргаузе, как его тогда называли, строевую подготовку войск. Манеж представлял собой крытый плац, и перед архитектором стояла сложная задача – спроектировать здание, в котором мог бы маневрировать конный полк. Он создал план большого прямоугольного строения, в котором не было внутренних опор, опорами служили лишь стены. Крыша держалась также благодаря особому устройству стропил и фермам – конструкциям для перекрытия больших пролетов. Чтобы сохранить деревянные части на долгие годы от насекомых и грызунов, чердак по предложению Бетанкура засыпали табаком.


Манеж построили в памяти о победе в Отечественной войне над армиями Наполеона. Его соорудили на месте бывших купеческих лавок недалеко от Кремля, в самом центре Москвы. Широкое одноэтажное здание вмещало до двух тысяч человек, иностранные инженеры приезжали посмотреть на уникальное в те годы сооружение. С 1830-х в здании проводили балы и народные гуляния.


Немилость императора и последние годы жизни архитектора


Дилижанс на Петербурго-Московском шоссе. 1830-е. Изображение: moscow-in-web.blogspot.com

Инженер участвовал в строительстве одного из первых в России шоссе с твердым каменным покрытием Петербург-Москва. В 1820-е по дороге пустили регулярные дилижансы, что значительно сократило время в пути между городами. В 1819 году Августин Бетанкур вошел в Кабинет министров Российской империи и стал руководителем Главного управления путей сообщения. Ведомство отвечало за состояние и строительство дорог. На новой высокой должности он отправился в рабочую поездку по стране. Бетанкур был в Крыму – в Севастополе, Керчи и Феодосии, – инспектировал порты Черного моря, посетил Кавказ и Грузию. Инженер осматривал каналы и дороги, проектировал шлюзы и пристани. После возвращения в Петербург он подготовил для императора доклад, в котором отмечал неудовлетворительное состояние дорог – как сухопутных, так и водных.


У Бетанкура были завистники и недоброжелатели среди высокопоставленных лиц, не всех устраивала деятельная натура инженера, особенно после нелицеприятного доклада. Из-за интриг в высших кругах власти он лишился расположения императора Александра I. Бетанкура освободили от должности руководителя управления путей сообщений в 1822 году. Спустя год его потряс еще один удар судьбы: внезапно умерла любимая дочь. Пережить горе потери он не смог.


Августин Бетанкур скончался в Петербурге в июле 1824 года. На его могиле установили памятник в форме колонны по рисунку архитектора Огюста Монферрана. Деньги на памятник на Смоленском кладбище собрали нижегородские купцы в благодарность за строительство ярмарки. После смерти Бетанкура его вдова Анна с дочерьми уехала во Францию, в России остался сын Альфонс Бетанкур, служивший офицером в гвардии.

]]>
Александр Соловьев!http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/5358/aleksandr-solovevTue, 24 Sep 2019 15:05:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Александр Соловьев

ТеатрыПерсоныАктер театра

Александр Соловьев мечтал стать актером с раннего детства. Он закончил ГИТИС и начал играть в театре Маяковского - на одной сцене с самыми известными артистами тех лет. Позже он перешел в Центральный детский театр, где исполнял главные роли, потом стал играть в фильмах и даже сам снял картину - «По Таганке ходят танки».


«Чтобы всех веселить»: мечты о сцене и поступление в ГИТИС


Александр Соловьев. Фотография: kino-teatr.ru

Александр Соловьев родился в поселке Сулак Дагестанской АССР. Его родители работали учителями в местной школе. Вскоре после рождения сына они переехали в Норильск, и в школу Соловьев пошел уже там. Мечта стать актером появилась у него в раннем детстве: однажды в гостях у соседей он увидел по телевизору, как выступает клоуна Олега Попова. «Чтобы всех веселить и чтобы никто не плакал», - объяснял мальчик родителям. В старших классах он ходил в драмкружок и играл в школьных спектаклях.


В 1969 году Соловьев получил аттестат о среднем образовании и поехал в Москву - поступать в театральный институт. Документы подал в два ВУЗа: ГИТИС и Театральный институт имени Бориса Щукина. На прослушивание в ГИТИС он пришёл в ботинках на босу ногу. Приёмной комиссии объяснил: носки не успели высохнуть после стирки. Юного актёра взял к себе на курс известный театральный режиссёр Андрей Гончаров. Набор получился звездным - в этом же потоке учились артисты Игорь Костолевский и Александр Фатюшин. В 1970 году Александр Соловьев впервые попал на съемочную площадку, в фильме «Город первой любви» студент ГИТИСа сыграл юношу в аэропорту.


Карьера в театре: от массовки до главных ролей


Александр Соловьев в роли Емели в спектакле Анны Некрасовой «Емелино счастье». Центральный детский театр (Российский академический Молодежный театр), Москва. Фотография: ramt.ru

В 1973 году, когда Александр Соловьев закончил институт, Андрей Гончаров пригласил своего ученика в Московский академический театр имени Владимира Маяковского. Однако больших ролей у молодого актёра там не было: он играл в массовке. В то время на сцену выходили знаменитые Армен Джигарханян, Евгений Леонов, Александр Лазарев. В известном мюзикле «Человек из Ламанчи» по мотивам романа Сервантеса «Дон Кихот» Соловьев исполнял только танцы в образе погонщика. Артист Игорь Костолевский вспоминал: «Гончаров его очень любил и ценил. Но когда он пришёл в театр, то Саша совершенно правильно рассудил. Гончаров ему говорил, что у него скорее ТЮЗовские данные. Мы вместе были в массовке, и скоро Саша понял, что много ролей здесь у него не будет».


И спустя год Александр Соловьев перешел в Центральный детский театр (сегодня - Российский академический молодежный театр). Там актеру сразу предложили главную роль в спектакле Сергея Яшина «Начнем сначала?!». Играть нужно было влюбленного шестиклассника Мишу Андреева. Соловьев быстро вжился в роль, а его коллеги говорили, что он сам по характеру был немного похож на ребенка. Актер Александр Фатюшин вспоминал: «Саша был легкий, открытый, честный, совершенно бескорыстный и не способный на подлости человек. Не любить его было невозможно. Душа нараспашку – щедрая, широкая. Он не мог жить без сюрпризов. Делал их спонтанно, не задумываясь, чем бы всех удивить. И это у него всегда получалось красиво. Были деньги – задаривал подарками, не было – не жаловался и не просил».


Затем Соловьев сыграл в спектаклях «Горя бояться - счастья не видать», «Враги», «В дороге». Он быстро стал ведущим актером театра: только за 1975 год получил несколько главных ролей. Александр Соловьев играл Емелю в постановке «Емелино счастье», Петуха в «Сказках» по Самуилу Маршаку.


Фильмы с участием Александра Соловьева


Александр Соловьев в роли Красавчика в художественном фильме Александра Павловского «Зеленый фургон» (1983)

После кинопроб в 1975 году Александра Соловьева одобрили на эпизодическую роль в комедийном фильме «Невеста с севера». А уже в следующем году на экран вышла драма режиссера Леонида Нечаева «Эквилибрист», где он сыграл главного героя - Юрия Осташенко. В основу сюжета легла история советского акробата Льва Осинского. Артист цирка потерял руку во время Великой Отечественной войны, но смог вернуться на арену и выступать. Фильм стал первой большой работой Соловьева в кино.


Съемки Александр Соловьев совмещал с работой в театре. В 1977 году прошла премьера спектакля «Бей, барабан!», где актер сыграл первоклассника Леньку Казакова, а в новой постановке режиссера Сергея Яшина «Кошкин дом» Соловьев получил роль Петуха.


Спустя два года Соловьев уже снимался одновременно в трех фильмах. Валерий Михайловский пригласил на роль Сергея Белова, сотрудника Московского уголовного розыска в детективный фильм «По данным уголовного розыска…». Виктор Титов начал работу над двухсерийной картиной «Адам женится на Еве» и хотел, чтобы Соловьев сыграл Адама. А для третьей киноленты, экранизации пьесы Островского «Лес», актеру даже пришлось научиться ездить верхом. До этого Соловьев никогда не сидел в седле, но уже через первый час съемок он освоился и даже мог запрыгивать на лошадь без стремян.


С 1981 по 1984 годы актер сыграл в девяти фильмах. Среди них - картина «Зеленый фургон» по повести Александра Козачинского. Ее должен был снимать Владимир Высоцкий, но поэт скончался, не начав работу над кинолентой. Через три года после его смерти, в 1983 году, за фильм взялся Александр Павловский. Главного героя, милиционера в послереволюционной Одессе, сыграл молодой актер Дмитрий Харатьян. На роль конокрада-авантюриста по прозвищу Красавчик режиссер отобрал актера театра «Ленком» Николая Караченцова. Однако в последний момент артист отказался: по приглашению модельера Пьера Кардена он уехал с труппой на гастроли в Париж. Срочно требовалась замена. Тогда Павловский пригласил Александра Соловьева, которого помнил по фильму «Адам женится на Еве». Актриса Ирина Печерникова говорила: «Действительно, это его роль по энергетике. Он очень заводной был, фантазер. Он не любил, когда скучно, когда пресно <...> Ну, похож».


В 1982 году Александр Соловьев ненадолго вернулся в Норильск. Там он снялся в фильме Владимира Левина «К своим!»: сыграл воспитанника детского дома, который приехал на заработки и стал трактористом. В кадре Соловьеву пришлось бы управлять комбайном, и он начал тренироваться. Помочь известному артисту вызвались местные жители. Людмила Гнилова, жена Соловьева, вспоминала: «В деревне, куда прибыли, чуть ли не в каждой избе для любимого актера — знаменитого Красавчика из «Зеленого фургона» — накрыт стол. В три часа ночи слышу шепот над ухом: «Люсяш, проснись! Я трактор в болоте утопил». Оказалось, что Соловьев съехал в кювет. Однако режиссер картины так об этом и не узнал: еще до рассвета артисту помогли вытащить трактор на дорогу, съемки продолжились. Премьера фильма состоялась в 1983 году.


В 1985 году режиссер Сергей Бондарчук начал снимать историческую картину «Борис Годунов». Творческая группа была интернациональной: над лентой работали артисты из СССР, Польши, ФРГ и Чехословакии. Бориса Годунова режиссер сыграл сам, а на роль Григория Отрепьева (Лжедмитрия I) одобрили Александра Соловьева.


Но съемки мешали театральной карьере. Соловьев пропускал репетиции, ему стали реже предлагать главные роли. В 1986 году актер решил уйти из театра и работать только в кино. Актер Эммануил Виторган вспоминал: «Он был олицетворением русского характера, такого мужика. Только крайности, золотой середины у Саши не было: если работать, то работать, гулять так гулять, любить так любить».


Соловьев снялся в фильмах «Клуб женщин», «Разорванный круг», «Дорога в ад», «Гу-га». Однако работа в кино была нерегулярной. В 1989 году Соловьев стал актером театра «Одеон» под руководством Евгения Радомысленского.


Личная жизнь: три брака артиста


Александр Соловьев в роли Адама в художественном фильме Виктора Титова «Адам женится на Еве» (1980)

Александр Соловьев был женат трижды. На третьем курсе ГИТИСа он познакомился с первокурсницей Людмилой Радченко, и вскоре они поженились. В 1972 году у пары родился сын, которого назвали Александром, в честь отца. Он стал актером и снялся в фильмах «Удар Лотоса», «Все то, о чем мы так долго мечтали», «Монах» и другие.


«Я вспоминаю их свадьбу, которая была в буфете ГИТИСА. Пришёл Гончаров, мы все скинулись на подарки. Молодые, им было по 18 лет. И в них было столько счастья, что мы с завистью смотрели на них. Это действительно были два чистых создания, которые полюбили друг друга»

Игорь Костолевский


С будущей второй женой, Людмилой Гниловой, Александр Соловьев познакомился, когда пришел на работу в Центральный детский театр. Они вместе играли в спектаклях. Актриса была замужем за артистом Николаем Кашириным, она вспоминала: «Три года я не могла решиться развязать этот узел: развестись с Колей, который все с большим удовольствием пользовался предоставленной самому себе свободой, и дать волю собственным чувствам. Соловьев по-прежнему ходил за мной как привязанный, дневал и ночевал на подоконнике в моем доме».


В 1975 году Александр Соловьев развелся с первой женой, и женился на Людмиле Гниловой. Позже они обвенчались, и у пары родился сын Михаил. Актер часто дарил актрисе цветы, а когда не хватало денег - обрывал городские клумбы. Гнилова вспоминала: «Открываю глаза: батюшки-светы, лежу вся в цветах и в земле! Первая мысль: «Может, я умерла?». Но тут же слышу счастливый смех — возле кровати стоит Саня, сверкая синими глазами и белоснежной улыбкой». А один раз он даже выкопал в соседнем дворе цветущий куст шиповника.


Позже Михаил Соловьев продолжил семейную династию: сначала окончил Щукинское училище и работал в Театре Российской Армии, а затем стал режиссером документального и игрового кино.


В начале 1990-х годов в Феодосии артист познакомился с третьей женой - Ириной Печерниковой. Она тоже была актрисой и работала в Театре на Малой Бронной. Соловьев не разводился с Гниловой, пока сыну не исполнилось 18 лет. А в 1997 году он сделал предложение Печерниковой, и они поженились.


Режиссерский дебют и последние годы жизни


Александр Соловьев (второй слева) на съемках своего художественного фильма «По Таганке ходят танки». Фотография: kinoblog.tv

В 1991 году Александр Соловьев начал снимать фильмы. В первой картине, трагикомедии «По Таганке ходят танки», снялись друзья начинающего режиссера: Эммануил Виторган, Владимир Мотыль, Александр Фатюшин. А основную роль исполнил сам Соловьев. По сюжету, главный герой фильма сбежал из психиатрической больницы, уверенный в том, что обладает навыками гипноза и может управлять государством. Соловьев снимал картину на собственные деньги. Режиссеру пришлось взять кредит на большую сумму в банке.


«Фильм очень хороший. Он явился предтечей к событиям августа 1991 года. В стране, где человек предпочитает жить в психушке, как герой фильма, должен был произойти переворот. Я с удовольствием снялся в этой картине. В ней есть все: и смех, и слезы, и любовь»

Эммануил Виторган


Работа над фильмом закончилась за две недели до ГКЧП. На экраны фильм вышел 18 августа 1991 года. Людмила Гнилова вспоминала: «Был большой успех. Картине дали высокую категорию, Саше вручили премию, на которую он тут же купил семнадцать телевизоров и подарил членам съемочной группы. После премьеры счастливый ехал по МКАДу на «бэтээре», засыпанном цветами, водители, приветствуя любимого актера, давили на клаксоны, гаишники отдавали честь. Ни он сам, ни коллеги не сомневались, что картину ждет хороший прокат». На следующий день по радио зачитали «Заявление ГКЧП». Прокат отменили. Фильм в начале 2000-х всего несколько раз показали по телевидению.


Александру Соловьеву нужно было возвращать кредит. Денег не было, в кино не приглашали - в это время снималось мало картин. Он писал Людмиле Гниловой о своем тяжелом душевном состоянии: «Играть ничего я уже не могу, снимать тоже. Помощи от меня нет никому, я ничего не могу, а самое страшное - не хочу. Причин много, объяснять не буду, еще и алкоголизм».


25 декабря 1999 года Александр Соловьев ходил на спектакль в театр «Русский дом». А по дороге домой упал, ударился головой и впал в кому. Сразу опознать актера не смогли: при себе у Соловьева не было никаких документов. 1 января 2000 года он скончался в институте Склифосовского. Одному из милиционеров показалось, что мужчина похож на Красавчика из фильма «Зеленый фургон». Он связался с Дмитрием Харатьяном и семьей Соловьева, которые опознали артиста. Александра Соловьева похоронили на Ваганьковском кладбище.

]]>
Петр СоколовОт Пушкина до Николая I: главные портреты первого русского акварелиста.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9847/petr-sokolovMon, 23 Sep 2019 17:45:35 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Петр Соколов

МузеиПерсоныХудожник

Петра Соколова называют основателем русской акварельной живописи. Его кисти принадлежат три прижизненных портрета Александра Пушкина и более 400 картин, на которых он изображал современников. Художник был настолько популярным, что заказчики ждали его месяцами. А портреты его работы заказывали декабристы, культурные деятели и члены императорской семьи.


В погоне за казенным образованием: студент Академии художеств


Петр Соколов. Плач Андромахи над телом Гектора (фрагмент). 1809. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Петр Соколов родился в обеспеченной московской семье. Однако финансовое благополучие продолжалось недолго: отец будущего живописца, Федор Соколов, был азартным игроком и дом со всем имуществом проиграл в карты. Глава семейства умер, когда будущему художнику не было и года. Мать растила сына в одиночку. Денег не хватало, и в 1800 году они переехали в Санкт-Петербург: там было больше шансов получить образование за казенный счет. С помощью знакомого чиновника, действительного тайного советника Алексея Пещурова Петра Соколова определили в Воспитательное училище при Академии художеств, а вскоре - и в саму Академию. Туда брали мальчиков 8-9 лет из бедных семей. Соколову на тот момент было 13. Тогда мать решила уменьшить его возраст и при приеме в Академию записала в графе другой год рождения - 1791.


Петр Соколов обучался в самом престижном на тот момент классе исторической живописи. Его учителями стали знаменитые художники Алексей Егоров и Василий Шебуев. В 1805 году Соколов получил свою первую награду - малую серебряную медаль за один из ученических рисунков. В Академии Соколов познакомился и подружился сначала с Федором Брюлловым, а потом и с его младшими братьями Александром и Карлом.


«Из некоторых, часто юмористических рассказов отца, уцелевших в моей памяти, можно заключить, что пребывание в академии не могло оставить в нем сладких воспоминаний: пища была грубая, форменная одежда делалась новая только для выпускных студентов; все же рваное и истасканное донашивалось низшими классами, приходя в совершенно бесформенное состояние»

Александр Соколов, сын художника


В 1809 году студент закончил дипломную картину «Плач Андромахи над телом Гектора». За работу молодого живописца наградили малой золотой медалью. Этой оценки было недостаточно, чтобы претендовать на дальнейшее обучение в Италии: Академия художеств спонсировала поездки только обладателям большой золотой медали. Петр Соколов решил остаться еще на год, однако получить медаль ему не удалось и во второй раз. В 1810 году он выпустился из Академии со званием «свободного художника».


«Благословение» кистью: первые акварельные картины



После окончания Академии Соколов начал искать работу: брался за любые картины, давал частные уроки. Вскоре ему удалось устроиться учителем рисования в состоятельную семью Левашовых. Они стали его первыми знатными заказчиками. Петр Соколов рисовал портреты карандашом и мелом на темно-коричневой бумаге: мелом наносил свет, тени дорабатывал карандашом, а цвет бумаги создавал полутона.


О проблеме с деньгами узнал друг семьи, статский советник Алексей Пещуров. Он устроил художника в свой департамент: живописец числился на службе и получал ежемесячное жалование. Соколов был частым гостем в доме чиновника, написал портреты Пещурова, его жены и сестры. Статский советник порекомендовал юношу знакомым. В те годы были очень популярны небольшие портреты: их можно было взять в дорогу и для работы не требовалось изнурительных сеансов позирования. Работы Соколова дарили друзьям, отправляли родственникам в другие города. Он рисовал посетителей салонов и представителей высшего света, с которыми художника знакомил Пещуров. Постепенно Соколов сменил карандаш на акварель. Чаще всего заказывали свадебные портреты. Однажды Соколову сказали: «Мы теперь без вас, Петр Федорович, не можем обойтись, как без попа, если вы не благословите вашей талантливой рукой, то и брак считается недействительным».


После сеансов Соколов старался поддерживать с заказчиками хорошие отношения - его начали звать на приемы, рекомендовать знакомым. Сын живописца, тоже Пётр, позже писал: «...Так как он был очень недурен собою и всегда изысканно одевался, то охотно приглашался на вечера и в частные дома».


Во время сеанса Петр Соколов рисовал только лицо модели, иногда штрихами очерчивал фигуру, а заканчивал портрет уже в домашней мастерской. Туда привозили платья или мундиры, художник одевал манекен, поправлял одежду, чтобы красиво смотрелись застежки и складки, и потом брался за кисть. Сын Соколова, Александр, позже писал: «В передаче аксессуаров Петр Федорович достиг полного совершенства: перепутанность кружевного рисунка в бесконечном разнообразии складок передавалась им с фотографическою верностью, но, конечно, не так безжизненно и сухо; передавалась, казалось, так просто и с такой легкостью…».


Как только портреты стали приносить стабильный доход, Петр Соколов уволился со службы в департаменте и покинул дом Левашовых, у которых прожил четыре года.


«Влюбленный до обожания»: женитьба на сестре Брюллова



Петр Соколов часто бывал в гостях у Брюлловых. В доме художник познакомился с Юлией Брюлловой - младшей сестрой его друзей по Академии: Федора, Александра и Карла Брюлловых. Соколов сразу же влюбился в девушку, она ответила ему взаимностью. В 1820 году молодые люди поженились.


«Живая, кокетливая, почти ребёнок (она вышла замуж шестнадцати лет), она с ним никогда не скучала. Она любила светскую жизнь, и муж, влюбленный в неё до обожания, по-видимому, вполне разделял её вкусы. К тому же род его живописи, изящный, портретный, по преимуществу подходящий для изображения нежных женских лиц и нарядов, естественно вводил его в круг великосветских людей и интересов, был он великодушен и предан «женщине» в собирательном смысле этого слова»

Александра Исакова, внучка художника


На свадьбе были именитые гости. Посаженным отцом на празднике был смоленский военный губернатор, граф Степан Апраксин.


Портреты императорской семьи и русской знати



Художник был знаком со многими знатными людьми: фрейлиной Натальей Строгановой, князем Сергеем Волконским, княгиней Екатериной Долгорукой - все они позировали портретисту. Соколов оценивал свой успех так: «Мои способности приняты публикою благосклонно».


В 1820 году живописец нарисовал Александра Витберга, архитектора храма Христа Спасителя в Москве, и поэта Василия Жуковского. Жуковский подарил свой портрет Александру Пушкину, который недавно закончил поэму «Руслан и Людмила».


В 1821 году Петра Соколова пригласили в Аничков дворец. Художнику предстояло создать портрет трехлетнего великого князя Александра Николаевича - будущего императора Александра II. Императрица Александра Федоровна похвалила работу, и Соколов нарисовал трех маленьких дочерей Николая I. С тех пор живописец стал часто получать заказы от императорской фамилии.


«Все великосветское общество охотно ездило провести приятный час времени в мастерской художника и, притом, настолько же из уважения к артисту, как и расположения к человеку, в высшей степени общительному, веселому и хотя не обладавшему салонным лоском и иностранными жаргонами, прикрывающими часто полнейшую бессодержательность, но зато, по своей нравственной порядочности и уму сходившемуся со всяким, кто обладал этими качествами»

Александр Соколов, журнал «Русская старина»


В 1824 году Петр Соколов нарисовал Марию Волконскую и Прасковью Анненкову, жен будущих декабристов. У художника заказывала свой портрет и Екатерина Муравьёва, мать двоих участников восстания, для того, чтобы отправить сыновьям в Сибирь. Одна из невесток писала в ответ: «Никита поручил мне особенно поблагодарить Вас за Ваш портрет, он находит его изумительным; что до меня, то я в жизни ничего не видела более похожего».


С доходов от портретов Соколов снимал большую квартиру с собственным въездом в центре Петербурга. А в конце 1830-х годов семья переехала в отдельный двухэтажный особняк на Грязной (сегодня - Николаевской) улице. В их доме также жили отец жены и ее младший брат Иван.


Последние годы жизни: портреты Пушкина и звание академика



Художник работал не только в Петербурге, но и в Москве. Во время поездок Петр Соколов обычно останавливался у князя Ивана Голицына или у Павла Нащокина, близкого друга Пушкина.


«Как истинно русский человек, отец очень любил Москву <...> Здесь он отдыхал от усиленных трудов и с любовью осматривал и изучал памятники древности <...> Здесь же в нем зародилась мысль покинуть Петербург»

Александр Соколов, сын художника


В 1836 году художник встречал в Москве Карла Брюллова из итальянской поездки. В это время в городе гостил Александр Пушкин. Узнав о приезде Соколова, поэт тут же отправился к нему и заказал три портрета разного размера: художник рисовал Пушкина сидящим на кресле со скрещенными на груди руками. Картины поэт подарил своим друзьям: фрейлине императорского дворца Александре Смирновой, князю Петру Мещерскому и поэту Константину Батюшкову.


В 1839 году Петр Соколов получил звание академика портретной живописи. Он собирался перебраться в Москву, и даже продал особняк, но из-за проблем со здоровьем переезд пришлось отложить. В 1842 году Соколов выехал за границу - в здравницы Баден-Бадена. После вместе с женой они отправились в Париж. Отсюда художнику предлагали поехать в Лондон, но он отказался и в 1843 году вернулся в Россию. В 1846 году семья стала жить в Москве, в доме на Мясницкой улице.


Заказов по-прежнему было много, но у Соколова ухудшалось зрение. В поздних работах художник стал рисовать модель в интерьере. Сад, кабинет, парадная гостиная - он изображал на всех картинах предметы, так или иначе связанные с характером заказчика.


В 1848 году графиня Наталья Орлова-Денисова пригласила портретиста провести лето в усадьбе недалеко от Харькова. Там он заразился холерой и скоропостижно умер. Петра Соколова похоронили недалеко от усадебного дома.


Интересные факты о Петре Соколове


Петр Соколов. Комната художника Петра Соколова в доме Павла Нащокина в Воротниковском переулке в Москве (фрагмент). 1824. Государственный музей А.С. Пушкина, Москва

1. У Петра Соколова был неудачный сеанс с Николаем I. Через 20 минут после начала император встал, взял кисть с краской, нарисовал усы на начатом портрете и вышел из комнаты. Произведение он приказал оставить художнику «на память». Дело в том, что Николай I в последний момент изменил комнату, и Соколов не успел настроить свет и подготовить палитру. Сын художника, Александр Соколов писал: «...Комната, предназначенная для работы ему почему-то не понравилась; он повелел отцу перенестись в смежную и сел, прежде чем отец успел подготовиться, на первый попавшийся стул при таком невозможном освещении, что художник, собравшись с духом, решился в крайне осторожных выражениях сделать замечание».


2. Все сыновья Петра Соколова, Петр, Павел и Александр, обучались в Академии художеств в классе своего дяди, Карла Брюллова, и стали живописцами. Они так же, как и отец, рисовали акварелью. Старший сын, Петр Соколов, иллюстрировал цикл рассказов Ивана Тургенева «Записки охотника». Павел Соколов создал картину «Тройка», которую выкупил император Александр III. А младший, Александр Соколов, несколько раз писал портреты императрицы Марии Федоровны.


3. Когда Петр Соколов гостил у друзей и родственников в Москве, он просил их держать это в тайне. Если о его приезде узнавали, то художнику сразу же заказывали много портретов, и он все дни проводил у мольберта.

]]>
Валерий Ободзинский!http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/9850/valerii-obodzinskiiMon, 23 Sep 2019 17:20:34 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Валерий Ободзинский

МузыкаПерсоныИсполнитель

Валерий Ободзинский был самоучкой: он никогда не заканчивал музыкальной школы и все мелодии разучивал на слух. Он начинал на теплоходах и в небольших оркестрах, но уже к 25-ти годам начал выступать с сольной программой и собирать полные залы поклонников. «Эти глаза напротив», «Восточная песня», «Луна на солнечном берегу» - пластинки Ободзинского моментально расходились миллионными тиражами. В середине 1970-х артист давал концерты каждый день, а композитор Тухманов говорил о нем: «Он был романтик, любил лирику и пел песни о любви».


«Расстрел» в два года и воровство на пляже: детство и юность певца


Валерий Ободзинский в молодости. 1956. Одесса, УССР. Фотография: biography-life.ru

Валерий Ободзинский родился в оккупированной немцами Одессе в 1942 году. Через несколько месяцев после рождения ребенка родители оставили его на попечение родственников, а сами тайком сбежали добровольцами на фронт. Ободзинский вспоминал: «Я дедушку и бабушку никогда не называл так. Я называл их папа и мама». Кроме внука они воспитывали сына Леонида, который был старше племянника всего на три года. Жили бедно, часто приходилось голодать. Несколько комнат в их коммунальной квартире занимал немецкий солдат. Однажды голодный Леонид украл у немца кусок колбасы. Военный так разозлился, что грозил пристрелить мальчика вместе с двухлетним Валерием Ободзинским на руках. За детей вступилась бабушка: она умоляла солдата пощадить детей, и в конце концов он передумал.


После окончания войны в Одессу вернулись родители. Чтобы прокормить семью, им приходилось работать с утра до вечера. Отец устроился охранником в банк, мать - уборщицей на канатный завод. Валерий Ободзинский был предоставлен сам себе. Будущий певец днями напролет играл во дворе и связался с плохой компанией - хулиганил и воровал деньги у прохожих. У друзей был особый способ краж на городском пляже: Ободзинский начинал петь, отдыхающие слушали, а в это время из их сумок пропадали вещи. Он вспоминал: «Мы бегали каждое утро на марочку, мара - это трамваи, и шмон делали. Или я прикрывал, или отстегивал дурку - сумочку <...> и мне это нравилось, потому что появлялись деньги, азарт».


В 1949 году Валерий Ободзинский пошел в первый класс. Учился плохо, прогуливал занятия, а вместо домашних заданий предпочитал проводить время с друзьями. Денег в семье не хватало, и он начал рано работать. Сначала трудился кочегаром, потом вставлял пружины в матрасы. В старших классах будущий певец стал тесно общаться со студентом одесского музыкального училища. Друг привел Валерия Ободзинского в Дом культуры: показал концертные залы, познакомил с закулисной жизнью артистов. Ободзинский впервые увидел столько музыкальных инструментов одновременно. Его удивил контрабас: сначала подумал, что это большая скрипка. Друг начал учить его играть, и с этого момента будущий певец забыл о кражах. Все свободное время он проводил в Доме культуры и вскоре стал выступать с любительским ансамблем - петь и аккомпанировать на контрабасе. Все мелодии разучивал на слух: нот Ободзинский не знал.


В 1958 году Валерий Ободзинский закончил школу. Через несколько дней после выдачи аттестата он уже играл для туристов на теплоходе Одесса-Батуми. В 1960 году ансамбль пригласили на пароход «Адмирал Нахимов», и в одном из круизов Ободзинский познакомился с музыкантом, который предложил исполнителю приехать на прослушивание в Костромскую филармонию. И вскоре артист переехал в Кострому, сдал вступительный экзамен и стал вокалистом. Концертным залом в то время руководили Валентина и Валерий Макаровы. Они помогли начинающему певцу устроиться в новом городе, а через год рассказали о вакансии в Томской филармонии. Валерия Ободзинского взяли на новую работу, и он уехал в Томск.


Личная жизнь: две свадьбы из-за потерянного кольца


Справа налево: Валерий Ободзинский с женой Нелли и дочерью Анжелой, администратор Ефим Зуперман с женой Татьяной на гастролях в Сочи. 1975. Фотография: uznayvse.ru

С концертами Томской филармонии Ободзинский объездил почти всю Сибирь и Дальний Восток. График гастролей был напряженным: в городах давали по несколько концертов, изматывала долгая дорога. В 1961 году на гастролях в Иркутске певец познакомился с Нелли Кучкильдиной. Она родилась в Свердловске (сегодня – Екатеринбург), а в Иркутске училась на преподавателя иностранных языков. Кучкильдина вспоминала: «Так получилось, что он выбрал меня из зала, и все отделение пел для меня. Это было накануне 8 марта, и я собиралась уходить домой, а мне подруга говорит: «Нелли, не уходи, он остаётся, будет петь, танцы будут. Мы с приятелем остались». Певец пригласил девушку на вальс и они протанцевали весь вечер.


После концерта Валерий Ободзинский и Нелли Кучкильдина стали переписываться. В середине 1960-х они поженились. Причем, несколько раз: когда пара отдыхала в Ялте, молодая жена потеряла в море обручальное кольцо. Тогда Ободзинский пошел в ювелирный магазин и купил им новые. Вечером сыграли свадьбу во второй раз.


Нелли Кучкильдина ездила с мужем на все гастроли. У них родилось двое детей: Анжела и Валерия. Имя старшей дочери родители придумали быстро - в то время была популярна итальянская песня «Анжела». Валерий Ободзинский попросил поэта Леонида Дербенёва написать к мелодии русский текст, и композиция вошла в репертуар певца.


От оркестра до сольной программы: песни Ободзинского


Валерий Ободзинский и ВИА «Верные друзья» (слева направо: Игорь Капитанников, Борис Пивоваров, Валерий Ободзинский, Аркадий Фельдбарг, Нина Буренкова, Ефим Дымов, Геннадий Жарков. За спиной Ободзинского - барабанщик Владимир Плоткин). 1976. Фотография: ru.wikipedia.org

В 1964 году, на концерте в Норильске, после выступления к Ободзинскому подошел Павел Шахнарович, музыкант знаменитого джазового оркестра Олега Лундстрема. Он услышал вокализы в исполнении артиста и захотел познакомиться поближе. Через несколько месяцев певца пригласили на прослушивание в Москву, и в тот же день взяли в состав ансамбля. Ободзинский вспоминал: «Я пришел к Лундстрему нескладным, жутко закомплексованным. В тоже время я был очень самоуверен и самолюбив. Долго пришлось снимать с себя провинциальные шкварки. Даже говор мой южный постоянно вылезал. За полтора года у Лундстрема я сделал колоссальный рывок». Певец стал исполнять вокализы «Я очень рад, ведь я наконец возвращаюсь домой» и «Праздничный ритм».


В 1964 году для Валерия Ободзинского написали первую песню. Борис Карадимчев подарил солисту композицию «Луна на солнечном берегу» на стихи поэта Онегина Гаджикасимова. В этом же году Ободзинский спел ее на Международном музыкальном фестивале песни в польском Сопоте.


В 1967 году певцу предложили работу в Донецкой филармонии: у Лундстрема он исполнял всего пару песен, а на новом месте предлагали составить сольную программу. Ободзинский согласился, и вскоре отправился в двухмесячное турне по городам СССР: Красноярск, Хабаровск, Владивосток. В его репертуаре была только одна собственная песня, артист в основном исполнял эстрадные композиции советских и зарубежных авторов: Станислава Пожлакова, Владимира Хвойницкого, Эдди Рознера.


В 1968 году композитор Давид Тухманов написал «Восточную песню». Музыкант вспоминал: «Слов еще не было, и поэт Онегин Гаджикасимов написал слова уже после того, как готова была мелодия. И первый, к кому я обратился, был Валерий Ободзинский. Я недолго думал». В 1968 году композиция впервые прозвучала в передаче «С добрым утром!» на Всесоюзном радио. Голос Валерия Ободзинского услышали миллионы. Исполнитель сразу же стал популярным: через несколько месяцев его пригласили на телевидение в эфир «Голубого огонька», где он спел «Дремлет море». В 1969 году фирма «Мелодия» выпустила первый миньон певца - небольшую пластинку, на каждой стороне которой помещалось только две композиции. Туда вошли «Восточная песня», русская версия «Девушки» Джона Леннона и Пола Маккартни, «Песня-чайка» и «Солнце не спит».


В 1970 году Давид Тухманов вместе с женой Татьяной Сашко написали для Ободзинского песню «Эти глаза напротив». Мелодия стала хитом. В этом же году вышла его первая большая пластинка «Поёт Валерий Ободзинский». Весь тираж - 13 миллионов копий - распродали за несколько месяцев.


В 1971 году у Валерия Ободзинского появился новый шлягер - «Что нам остается от любви». Музыку написал Давид Тухманов. Через год певец перешел на работу в «Росконцерт» и стал часто выступать в Москве. Ободзинский собирал полные концертные залы. Павел Шахнарович договорился о совместных гастролях певца и джазового оркестра Лундстрема: так исполнитель «Восточной песни» мог давать больше концертов, чем установило министерство культуры. Шахнарович вспоминал: «Чтобы выполнить свою норму - 17 концертов в месяц, оркестру где-то десять месяцев в году приходилось проводить в гастрольных поездках. А благодаря Ободзинскому у них было по 2 - 3 концерта в день. За месяц они выполняли квартальную норму. И получали дополнительный отдых. Выгодно это было и нам. Поскольку Валера в оркестре не работал, их норма ему не засчитывалась. И дальше он мог еще гастролировать в счет своей нормы». Ободзинский также выступал вместе с ВИА «Верные друзья» Юрия Щеглова. В первом отделении выступал ансамбль, во втором на сцену выходил певец.


Валерий Ободзинский записывал музыку к кинофильмам. В 1971 году на большой экран вышла картина Николая Москаленко «Русское поле», где звучит песня «Колдовство». Спустя год певец исполнил композицию «Мираж» для ленты «Тайник у красных камней» Григория Кохана. Слова к обеим мелодиям написал поэт Леонид Дербенёв. Его жена Вера Дербенева в книге «Леонид Дербенев: между прошлым и будущим» писала: «Валерий Ободзинский - сладкоголосый соловей, мальчик с золотым голосом...Какими только эпитетами и сравнениями не награждал Леня этого замечательно эстрадного певца, и не он один. Такими голосами поют ангелы в раю».


Чтобы зарабатывать больше денег, Валерий Ободзинский решил получить звание заслуженного артиста: так ставка за концерт становилась значительно больше. Музыкант целый месяц выступал в сельских клубах Марийской АССР, и в 1973 году ему присвоили статус заслуженного. Вскоре «Мелодия» выпустила еще один миньон Ободзинского с песнями «Любимая, спи», «Колдовство», «Прощание с любимой». В 1974 году он записал хит «Птицы не люди». Это была русская версия песни из западного боевика «Золото маккены», который вышел на экраны еще в 1969 году.


Валерий Ободзинский постоянно искал новых композиторов для создания песен. Он говорил: «В первую очередь успех певца зависит от его репертуара. Самое главное для певца - это репертуар. Он должен быть разнообразен, он должен быть интересным. Это очень сложно, в общем-то, - заставить публику два часа слушать одного певца». Исполнитель обратился к члену художественного совета фирмы «Мелодия» Никите Богословскому. В 1975 году вышел миньон певца, куда вошли песни, написанные только композитором. Хитами стали «Любовь моя - песня» и «Вечный вальс».


Именная звезда перед концертным залом «Россия»


Валерий Ободзинский. Фотография: kudago.com

Государственный комитет СССР по телевидению и радиовещанию обвинял певца в том, что в его репертуаре мало «идеологических песен». Ободзинскому предложили изменить программу, но он не согласился. Музыкант говорил: «Моя принципиальность в том, что я не кривил душой. Я не хотел петь песни, который меня заставляли петь <...> Вся наша советская действительность, вся наша конъюнктура и все чиновники воспитаны на других песнях. Потом идеология - это такой паноптикум». Его перестали приглашать на телевидение, песни Ободзинского почти исключили из ротаций на радио: ссылались на постановление секретариата ЦК «О повышении ответственности <...> за идейно-политический уровень публикуемых материалов и репертуара». Сначала певец не воспринял санкции всерьез. Он был уверен, что это не повлияет на его популярность: выпускать записи и проводить сольные концерты ему по-прежнему разрешали. В 1978 году вышла пластинка поэта Владимира Харитонова «Белые крылья». Вместе с группой «Цветы» Валерий Ободзинский записал для нее две песни: «Ты подожди ответа» и «Белые крылья».


В 1979 году певец развелся с женой. Он стал злоупотреблять алкоголем, срывал концерты. В 1986 году Ободзинского уволили из «Росконцерта», и он перестал выступать на сцене. Певец говорил: «У меня было подавленное настроение. Я просто понял, что я достиг потолка. Или мне нужно бросать и уходить овощи продавать - я, к сожалению, больше ничего не умею, кроме того, как петь. Или мне нужно откровенно остановиться и проанализировать самого себя и всю свою жизнь».


В 1987 году Ободзинский устроился сторожем на галстучную фабрику.


В 1991 году певец познакомился со своей поклонницей Анной Есениной. Она работала в библиотеке неподалеку от фабрики. Певец говорил: «Анна — это женщина, с которой я живу, которую я люблю. Это удивительный человек, который с детских лет собирает мои пластинки, материалы обо мне, газеты <...> Она живет моей жизнью, моими песнями». В 1992 году, после долгого перерыва, Ободзинский записал диск с композициями Александра Вертинского.


В сентябре 1994 года артист вернулся на сцену и выступил в концертном зале «Россия». А через несколько месяцев вышел альбом «Карнавал любви» с лучшими песнями Валерия Ободзинского. Певец стал снова давать концерты и съездил в тур по стране. Помимо своих хитов, он включал в свою программу композиции известных ВИА: «Синяя птица», «Самоцветы», «Пламя». Аранжировкой занимался музыкант Дмитрий Галицкий.


В 1997 году Валерий Ободзинский в Санкт-Петербурге дал совместный концерт с эстрадной артисткой Геленой Великановой. Это было его последнее выступление. 26 апреля 1997 года, певец скончался. В 2002 году на «Площади звезд» перед концертным залом «Россия» открыли именную звезду Ободзинского.

]]>
Ролан Быков«Неистовый Ролан» и «человек-стихия», который сыграл 115 ролей и снял 10 фильмов.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/692/rolan-bykovMon, 23 Sep 2019 16:05:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Ролан Быков

КиноПерсоныАктер кино

Ролан Быков начал свою карьеру с театра: сначала исполнял роли в детских спектаклях, потом превратил студенческий драмкружок МГУ в профессиональный и ставил спектакли для «Ленкома». Позже он ушел в работать в кино: начал играть в фильмах разных жанров и снимать свои. Актера и режиссера называли «неистовый Ролан» и «человек-стихия»: за свою жизнь Быков сыграл 115 ролей и снял 10 картин.


«Получил прозвище Артист»



Ролан Быков родился в Киеве 12 октября 1929 года. Его отец, Семен Гордановский, участвовал в Первой мировой и Гражданской войнах, сражался в конной армии Семена Будённого. После революции Гордановского несколько раз отправляли разведчиком в Германию. Тогда же он взял себе новое имя — Антон Быков.


Мать будущего актера, Элла Ситняковская, увлекалась искусством и мечтала стать актрисой. Сына она назвала в честь французского писателя Ромена Роллана: читала его книгу незадолго до рождения сына. Вот только Ситняковская перепутала фамилию с именем, а в паспортном столе совершили сразу три ошибки в документах: отчество Антонович изменилось на Анатольевич, день рождения сдвинулся на месяц вперед, а вместо выбранного имени появилось Роланд. В семье на это не обращали внимания: родители звали сына Роланом, и после он всегда представлялся так же.


«Я помню свое первое путешествие в три года к маме на работу, на Подол. Это была тогда окраина Киева. Я знал, на какой остановке она садилась, так как иногда ее провожал, и на какой выходила. Помню, сел в трамвай, была страшная жара. «Ты, мальчик, с кем?» — «Сам». — «Ты куда едешь?» — «К маме». Увидев меня, мама чуть не упала в обморок. Я уверен, что это один из самых важных поступков в моей жизни — я осваивал первые самостоятельные километры от юбки матери. Такое остается на всю жизнь»

Ролан Быков


Отца Быкова по долгу службы часто переводили с места на место. К середине 1930-х годов семья переехала в Москву и поселилась недалеко от Павелецкого вокзала — тогда этот район считался окраиной города. В коммунальной квартире было 43 комнаты на две кухни и одну уборную. Ролан Быков с детства увлекался театром, но билеты на спектакли ему покупали редко, на просьбы сына отец отвечал: «У тебя дома 43 театра!». Родители вскоре после переезда развелись, и Антон Быков уехал во Львов.


Ролану Быкову было четыре года, когда он впервые вышел на сцену. Соседская девочка сообщила ему новость: в театре составляли списки тех, кто хотел бесплатно смотреть кино. Однако на самом деле там шли прослушивания в кружок самодеятельности. Ролан Быков вспоминал: «Какая-то женщина спросила меня: «Что ты умеешь делать?» Я сказал: «Ничего не умею, хочу кино смотреть бесплатно, сколько угодно». Меня все-таки вытащили на сцену читать стихи <...> Заслужил аплодисменты. А сзади шепчут: «Надо кланяться» <...> Вышел, не спросив, как надо кланяться, вспомнил только, как это делала бабушка, когда молилась. Встал на колени и начал кланяться, ударяясь лбом об пол. В общем, после этого получил прозвище Артист».


В кружок маленького любителя кино не приняли. Но когда Быкову исполнилось 9 лет, мать отдала его в студию «Родник» при Московском городском доме пионеров. Там учили основам актерского мастерства: на занятиях дети «оживляли» предметы, придумывали истории и изображали животных. Последнее получалось у Быкова лучше всего. Он получил свою первую роль в спектакле — сыграл сороку. В 1939 году фотография Быкова в образе кота попала в киножурнал «Пионерия». В одно время с Роланом Быковым в «Роднике» занимались будущий кинорежиссер Александра Митта, юные актеры Владимир Андреев и Игорь Кваша.


Эвакуация и учеба в театральном институте



В 1941 году началась Великая Отечественная война. Когда немцы подошли к Москве, жителей города эвакуировали. Ролана Быкова вместе с матерью, старшим братом и бабушкой отправили в Йошкар-Олу. Как и многие ребята в то время, будущий актер рвался на фронт, но из-за юного возраста его не взяли. Тогда Быков с двумя друзьями решил бежать из эвакуации и добираться до Германии самостоятельно. Цель определили сразу: убить Гитлера. Для побега были нужны деньги, сухари и оружие. Чтобы заработать, они собирали в лесу грибы и ягоды, продавали их на местном рынке. Достать пистолет было сложнее всего.


«Мы сделали подкоп, как нам тогда казалось, под склад оружия военно-воздушной академии в Йошкар-Оле. Мы достали ящик, тащили его, а там оказалась ракетница <...> Уехали мы из города в лес, пострелять. Ну естественно, у нас есть ракетница, можно ли не пострелять в 12 лет? Но мы стреляли недалеко от станции «Сурок», где тайно формировались сибирские части. Нас окружили, подумали, что диверсанты <...> Я получил оплеуху, так как стоял первый с ракетницей. Тут же расплакались и все рассказали и показали запасы сухарей»

Ролан Быков


В 1943 году семья вернулась в Москву. Ролан Быков совмещал учебу и спортивные занятия, театральную студию и другие кружки. Его друг детства, кинорежиссер Александр Митта вспоминал: «Он был всюду первый: в театральной студии он играл главные роли, в ансамбле песни и пляски имени Локтева он что-то пел, в литературном кружке он писал и зачитывал поэмы». Сомнений, куда поступать после школы, у Быкова не было: конечно, на актера. В 1947 году он подал документы сразу во все ведущие театральные ВУЗы столицы: школу-студию МХАТ, ГИТИС, ВГИК, Высшее театральное училище имени Щепкина. Ему отказывали раз за разом: мешали маленький рост и плохая дикция. В дневнике 7 августа 1947 года Быков написал: «Не прошел. Второе поражение принял спокойнее». Спустя 11 дней еще одна запись: «Вновь не прошел, но я буду в театре. Непременно буду!». Он добился своего. Ролана Быкова приняли в Театральный институт имени Бориса Щукина.


Будущий актер попал в мастерскую театральных педагогов Веры Львовой и Леонида Шихматова. За четыре года учебы Быков сыграл около 50 ролей. На втором курсе ему предложили работать в театре Вахтангова, когда закончит институт. В студенческие годы он возглавил театр самодеятельности при заводе «Сангигиена» и поставил там несколько спектаклей.


Быков окончил Щукинское училище с золотой медалью, но в вахтанговский театр так и не попал: главный режиссер Рубен Симонов уехал на все лето и забыл подписать бумагу о его приеме. В отделе кадров решили, что молодой актер обманывает и на самом деле никакого распоряжения не было. Посоветовавшись с преподавателями из училища, Ролан Быков в 1951 году устроился в Московский театр юного зрителя.


Первые съемки в кино и открытие студенческого театра МГУ



Сначала Ролан Быков редко выходил на сцену, потом начал играть второстепенных персонажей в спектаклях «Павлик Морозов», «Место в жизни», «Новый костюм». В постановке «О чем рассказали волшебники» он впервые исполнил роль Бармалея. В театре платили мало, поэтому Быков вел драматические кружки и снимался в кино. Дебютировал он в фильме «Школа мужества» по повести Аркадия Гайдара, где сыграл студента реального училища. Затем Быкова пригласили на съемки картин «Пути и судьбы» и «Педагогическая поэма».


В 1958 года студенты МГУ попросили Быкова стать главным режиссером университетского театра. Обратиться к нему посоветовал сокурсник Быкова — Кирилл Арбузов. Актриса Алла Демидова позже вспоминала: «К нам вышел маленький человек, худенький, в гриме Бармалея, и когда мы ему сказали, что мы его приглашаем быть главным режиссером в студенческий театр МГУ, он так испугался и сказал: «Я? Да как? Я не смогу!» Но мы его уговорили». Ролан Быков ушел из ТЮЗа. Ему хотелось превратить театр МГУ в профессиональный, чтобы актеры получали зарплату, а зрители покупали билеты на спектакли. Это была авантюра: разрешение на открытие театра никто не получал. Но на открытие в мае 1958 года пригласили народную артистку СССР Александру Яблочкину, которая торжественно перерезала ленточку. В тот день студенты сыграли спектакль Быкова «Такая любовь».


«Мне было мало лет, я был совершенно легкомысленный, и в голову пришла шальная мысль — никто в Москве не подумает, что что-то произошло без разрешения. ЦК подумает, что это МК, МК подумает, что это комсомол, комсомол — что профсоюз, профсоюз — что ЦК, круг замкнется без выяснения. Им будет важно только то, что Яблочкина разрезала ленточку. И когда мы ее уговорили, тогда пригласили телевидение и кинохронику. Начальству ничего не осталось, как смириться»

Ролан Быков, интервью журналу «Огонекъ»


В 29 лет Ролан Быков стал главным режиссером в театре Ленинского комсомола. В первом сезоне он поставил спектакли «Третья патетическая» и «Якорная площадь». Однако отношения с новыми коллегами у режиссера не сложились: из-за конфликтов с актерами и руководством Быков вскоре ушел из театра.


И актер, и режиссер: фильмы Ролана Быкова



В 1959 году Ролан Быков получил главную роль в фильме «Шинель» режиссера Алексея Баталова. Это была его первая большая работа в кино. Сыграть героя Акакия Акакиевича хотели сразу три актера: Пантелеймон Крымов, Евгений Евстигнеев и Ролан Быков. После проб одобрили бывшего «ТЮЗовца».


«Садился на грим, Акакий был чужим абсолютно. Ни единой мысли в голове. Казалось, что у него может быть любое лицо. Стали искать глаза. Какие? Пришло в голову — ребенка. Нелепый, старый, вернее, без возраста человечек, очень скованный, уютный в полуприбранности, беззащитный от бесхитростности, а не от слабости, несчастный из-за непонимания своего разнесчастного положения <...> Прорвало. В голову полезли решения и фантазии»

Ролан Быков


После работы над «Шинелью» Быков решил заниматься только в кино. Он позвонил Михаилу Ромму — председателю художественного совета Третьего творческого объединения «Мосфильма». Договорились о встрече. Ромм позже вспоминал: «Через полчаса разговора у меня возникло ощущение, что передо мной сидит либо сумасшедший, либо очень талантливый человек. Но, может быть, и то, и другое вместе <...> мне он понравился, в общем». На следующий день Быкову сообщили, что он принят на должность режиссера.


Первый фильм «Семь нянек» вышел в прокат в 1962 году. Он дался Ролану Быкову нелегко: начинающему кинорежиссеру не хватало теоретических знаний. Ходила легенда, что когда на площадке к Быкову подошел оператор и спросил: «Какой объектив ставить?», то он ответил: «Ты шутишь, что ли? Хороший».


В следующем году Быков уже работал над детским фильмом «Пропало лето». В этот раз - вместе с опытным режиссером Никитой Орловым. Картина получила почетный диплом на Международном кинофестивале в Каннах в 1965 году.


Снимая кино, Ролан Быков не бросил свою актерскую карьеру. Параллельно со работой над собственным фильмом он сыграл посетителя парка в киноленте «Я шагаю по Москве». Затем вышла картина Константина Воинова «Женитьба Бальзаминова», где Быков получил роль Лукьяна Чебакова. Актер Семен Морозов вспоминал: «Я хохотал в голос <...> Он там похож на себя: во всем участвует, на всех пытается влиять, вот он приказывает, дает обещание и тут же забирает его обратно — человек-стихия, непредсказуемый». В 1965 году закончились съемки фильма «Здравствуй, это я!» с Роланом Быковым в одной из главных ролей. Картина вошла в конкурсную программу Каннского кинофестиваля 1966 года.


В 1966 году Ролан Быков задумал снять фильм по сказке Корнея Чуковского «Айболит». В ней же он сыграл Бармалея. Редактор «Мосфильма» Режиссер называл свой фильм «первой картиной театральной киноэстетики». Впервые в истории мирового кино герои киноленты могли выходить за пределы кадра, а то и просто «перешагнуть» через край экрана, который иногда принимал форму ромба или треугольника.


Ролан Быков снимался почти у всех известных режиссеров своего времени. В 1966 году настолько вжился в роль скомороха в картине Тарковского «Андрей Рублев», что отказался от сценарного текста и сам написал стихи для персонажа. Через несколько месяцев он начал работать над фильмом «Комиссар», где сыграл многодетного еврея Магазанника. Режиссер Александр Аскольдов снял историю о женщине, которую настолько ожесточила Гражданская война, что она больше не могла испытывать материнских чувств. Драматическую ленту не выпустили на большой экран. Разрешение на показ удалось получить только через 20 лет.


В 1971 году Алексей Герман закончил съемки картины «Проверка на дорогах». Ролан Быков сыграл в фильме одну из главных ролей, командира Ивана Локоткова. По сюжету, в плен партизанскому отряду добровольно сдался человек, который сотрудничал с немцами - он раскаялся и хотел воевать против фашистов. Однако киноленту запретили: за то, что она якобы бросает тень на партизанское движение. Впервые картина вышла на большой экран, когда началась перестройка.


Личная жизнь: два брака известного артиста



Ролан Быков был дважды женат. Со своей первой женой он познакомился в Московском театре юного зрителя, когда закончил университет. Лидия Князева уже была ведущей актрисой. Небольшого роста, стройная, с короткими волосами, она играла мужские роли: Пети в спектакле «Именем революции», принца Дэлихьяра в «Будьте готовы, ваше высочество», Пузырька в «О чем рассказали волшебники». Супруги прожили вместе 15 лет. Своих детей у них не было, и пара усыновила мальчика Олега. О своем браке с Быковым Князева говорила: «В нашем пулемётном расчёте два первых номера. Некому подносить патроны». Быков и Князева вместе работали на съёмочной площадке: она сыграла обезьянку Чичи в фильме «Айболит-66».


Елену Санаеву — дочь знаменитого актера Всеволода Санаева — Быков встретил на съемочной площадке фильма «Докер» в 1972 году. Она писала о знакомстве с режиссером: «Перед напором и обаянием Быкова невозможно было устоять. Он сразу заявил мне, что у нас с ним будет поцелуй, хотя по сценарию ничего подобного не было. Взял мою руку, приложил к своей груди: «Вы слышите, как колотится мое сердце?». К тому моменту они оба были в браке, но вскоре расстались со своими супругами.


В 1975 году Быков и Санаева вместе сыграли в фильме «Приключения Буратино» Кота Базилио и Лису Алису. Елена Санаева помогала мужу в работе: подбирала костюмы и декорации, помогала снимать уличные сцены.


«Спасать детское кино»: Фонд Ролана Быкова



В 1983 году Ролан Быков закончил работу над фильмом «Чучело». Картина по повести Владимира Железнякова рассказывала о травле в школе. Елена Санаева вспоминала: «Ролан за ночь прочел повесть Железникова и под утро запустил книжку под потолок. И я сквозь полусон его спрашиваю: «Что, будешь снимать?» — «А куда денешься!».


Главную героиню сыграла юная Кристина Орбакайте, ее дедушку — Юрий Никулин. Во время съемок режиссер следил, чтобы на площадку не попали журналисты: это сулило проблемы с Госкино. Чиновники уже не раз хотели запретить фильм из-за того, что затрагивал проблему школьной травли - это значило, что и советские дети, дети справедливого идеологического общества, могут быть жестокими. И все-таки картина вышла на большом экране, а в 1886 году даже получила Государственную премию СССР.


В 1989 году Ролан Быков создал Всесоюзный Центр кино и телевидения для детей и юношества. Актер трудился там с утра до вечера, на съемки времени уже не хватало. В книге «Я побит - начну с начала!» Быков писал: «Детям нужно многое - герой, утверждение радости жизни <...> Но я острее всего чувствую необходимость поговорить с ними о таких интимных вещах жизни взрослых, как замужество, любовь, страсть, будни, семья». При поддержке Центра кино было создано 86 детских картин. Однако большинство из них массовый зритель не увидел: фильмам отказывали в прокате из-за нерентабельности. Быков мечтал открыть телеканал для детей, проводить тематические кинофестивали. В 1992 году актер создал «Фонд Ролана Быкова», который поддерживал некоммерческое детское кино.


Ролан Быков вспоминал: «Я сделал паузу, и решил, что два года отдам на то, чтобы спасать детское кино. Дело затянулось не не два, а не шесть-восемь лет. Но я по-прежнему остаюсь артистом». В 1993 году Ролан Быков сыграл Никиту Хрущева в фильме «Серые волки». Картина Игоря Гостева восстанавливала историю сговора против генерального секретаря. Режиссеру было важно добиться достоверности: диалоги героев повторяли архивные стенограммы КГБ, сценарий помогал писать сын политика Сергей Хрущев. В 1995 году актер получил роль покупателя алмазов в киноленте «Ширли-мырли».


В конце 1990-х годов Быков начал съемки фильма о Великой Отечественной войне «Портрет неизвестного солдата». Однако закончить его не успел.


Ролан Быков умер в ночь на 6 октября 1998 года в Москве, не дожив года до своего 70-летия. Режиссера похоронили на Новодевичьем кладбище.


Интересные факты



1. В эвакуации Ролана Быкова считали юным прорицателем. Однажды будущий актер «нагадал» на картах соседке, что ее муж вернется через три дня, хотя недавно пришло известие о его гибели на фронте. Но мужчина возвратился точно в предсказанный срок. С тех пор в Йошкар-Оле до самого отъезда Быкова в Москву к нему выстраивались очереди.


2. Режиссер был еще и поэтом. Он писал стихи с раннего детства и мечтал опубликовать свой сборник. В конце 1990-х годов вышла книга «Стихи Ролана Быкова».


3. Автобиографическую повесть «Похороните меня за плинтусом» Павел Санаев посвятил своему отчиму Ролану Быкову - юноша написал ее по совету режиссера. Санаев описал жизнь девятилетнего мальчика вдали от матери. Родители Елены Санаевой не одобряли ее брак с Роланом Быковым. Они настояли, чтобы сын актрисы оставался жить с бабушкой и дедушкой, а не переезжал в небольшую квартиру отчима. Актриса забрала его, когда Павлу исполнилось 11 лет.


4. Иногда Ролан Быков после долгих съемок снимал грим не на площадке, а дома. Однажды вечером после работы над фильмом «Деревня утка» актер ехал на машине в гостиницу. Он играл домового — нос картошкой, парик с маленькими рожками, усы. Уже смеркалось, и Быков решил подвести прохожего. Через какое-то время Быков обратил внимание на непривычную тишину: попутчик разглядел рожки на голове водителя и сидел, съежившись на заднем сидении. Актеру пришлось остановить машину и объяснить ситуацию.

]]>
Юрий Катин-Ярцевhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/670/yurii-katin-yarcevMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Юрий Катин-Ярцев

КиноПерсоныАктер кино

Превосходный актер, добрый, отзывчивый человек и гениальный педагог, Юрий Васильевич Катин-Ярцев оставил в сердцах всех, кто его знал, самые светлые воспоминания о себе. Можно, наверное, сказать, что для окружающих он всегда был барометром честности, порядочности и высочайшего профессионализма.


Юрий Катин-Ярцев родился в Москве 23 июля 1921 года. Происходил он, кстати, из древней дворянской фамилии, первое упоминание о которой датировано 1594 годом. Видимо, этим и объясняются его врожденные благородство и аристократизм. Но отнюдь не заносчивость и не высокомерие — этого у него не было и в помине. Как отметил его ученик Константин Райкин: «Юрий Васильевич был человеком, который вокруг себя распространял ауру интеллигентности, порядочности». А однокурсник Катина-Ярцева Иван Бобылев вспоминал, что Юрий всегда был у них лидером. «Мы уходили от него просветленными всегда, — рассказывал он. — И от очень многих бед, горестей он нас спас. Было стыдно сделать что-то нехорошо, если рядом есть он…»


Окончив школу в 1939 году, Катин-Ярцев поступил в театральное училище при Театре имени Вахтангова. Но проучиться успел недолго, его мобилизовали в армию. А потом началась Великая Отечественная война, которую он прошел до самого конца, получил несколько наград, в числе которых — «За боевые заслуги» и «За победу над Германией».


В 1946 году демобилизовался и вернулся в училище, окончив которое так и остался в родных стенах — преподавать. Одновременно поступил в Театр на Малой Бронной, где прослужил всю жизнь.


Педагогом он был, что называется, от Бога. Если бы из всех его учеников, а также тех, кто посещал его лекции, с кем ставил сценки, можно было бы составить единую театральную труппу, получился бы, наверное, самый гениальный коллектив в мире. У него учились Наталья Гундарева, Константин Райкин, Юрий Богатырев, Вениамин Смехов, Леонид Ярмольник, Евгения Симонова, Александра Захарова и многие-многие другие.


Его педагогические методы были бесподобны. Он находил индивидуальный подход к каждому. Вот что вспоминал Александр Ширвиндт: «Когда я приходил к нему домой, то видел: на полу лежали этакие простыни-транспаранты. Написано, положим, «Богатырев» — и от этого квадратика с фамилией шли стрелки в разных направлениях к другим квадратикам. Это было обозначение вех творческого пути студента Юры — что он уже сыграл, что он показывал самостоятельно, куда его вести дальше, где искать материал… Причем Катин-Ярцев делал такую учебную схему-разблюдовку на все четыре года для каждого студента! Я такой скрупулезности в педагогике и представить себе не мог!»



В кино Юрий Катин-Ярцев дебютировал в 1954 году, сыграл небольшую роль эсера в фильме «Школа мужества». Два раза довелось ему поработать с режиссером Элемом Климовым, и тот был в неописуемом восторге от таланта и мастерства актера. Катин-Ярцев снимался у него в картинах «Агония» и «Прощание». «…Я познакомился с актером, который сыграл и смерть, и любовь. Без единого слова», — сказал о нем Климов.


Юрий Катин-Ярцев снялся более чем в ста фильмах, но, пожалуй, две самые известные его роли, те, которые знают абсолютно все, — это друг папы Карло, Джузеппе, в фильме «Приключения Буратино» и верный слуга барона Мюнхгаузена Томас в картине «Тот самый Мюнхгаузен». Роли относительно небольшие, но сыгранные так выразительно и талантливо, что забыть их невозможно.


Актера не стало 18 марта 1994 года. Как сказал о нем Михаил Ульянов: «Юра Катин-Ярцев, Юрий Васильевич — человек уникальный и светлый, почти обожествленный. В нем было что-то от ангелов: лысая голова, огромные детские глаза и влюбленные взгляды на всех, кто его окружает, с кем он работал, дружил».

]]>
Олег Табаковhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/488/oleg-tabakovThu, 22 Nov 2018 17:05:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Олег Табаков

КиноПерсоныАктер кино

От лежащего на диване дворянина Обломова до строгой домоправительницы мисс Юфимии Эндрю — Олегу Табакову была под силу любая роль. Коллеги называли его ласково, как мама, Лёликом, а дети знали, что его голосом разговаривает кот Матроскин в мультфильмах о Простоквашино. Актер руководил сразу двумя театрами — МХТ имени А.П. Чехова и собственным театром-студией. Легендарная «Табакерка» подарила российской культуре целое поколение талантливых артистов.


Саратовское детство



Родители будущего актера, Павел Табаков и Мария Березовская, работали врачами. Как вспоминал Олег Табаков, в детстве его окружали только любящие люди — бабушки Ольга и Анна, дядя и тетя, двоюродный брат и сводная сестра. Все вместе они жили в коммунальной квартире в Саратове.


...Баба Аня имела достаточно трезвый взгляд на жизнь, мир не слишком был сложен в ее интерпретации, но в ней была эта неистребимая жизненная сила, назовем ее «президентской вертикалью»: «Все, что относится к роду Табаковых, — здорово и здорово. Это надо всячески поддерживать, оберегать, помогать расти и множиться.

Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»


В четыре года Олег уже умел читать. Он по несколько раз перечитывал любимые книги, тексты которых потом помнил наизусть, — «Робинзона Крузо» Даниэля Дефо, «Мертвые души» Николая Гоголя, книгу Эля Регистана «Стальной коготь».


В первые дни Великой Отечественной войны отец добровольно ушел на фронт, а в конце 1942 года мать заболела брюшным тифом и долго потом не могла восстановиться. Выздоровев, вместе с семилетним Олегом и дочерью Миррой они перебрались в Эльтон — городок на границе с Казахстаном. Здесь мальчик пошел в школу и впервые принял участие в театральном представлении. Это была небольшая сценка для раненых военных.


У меня там была всего одна фраза: «Папа, подари мне пистолет!», которую я и канючил на всевозможные лады, в чем весьма и преуспел, судя по аплодисментам. Если говорить серьезно, этот «сценический» дебют к последующей артистической карьере не имел никакого отношения. Для раненых я был не начинающим артистом, а малым существом, ребенком, очень напоминавшим им оставленных дома собственных детей. Само мое присутствие приводило их в радостное возбуждение, независимо от качества «постановки» и моей «игры».

Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»


От шахматиста до артиста



После войны Табаковы вернулись в Саратов, но уже без отца: родители разошлись. Олег продолжил обучение в мужской средней школе. В свободное время он собирал книги, в которых знакомился с произведениями отечественных и зарубежных писателей: Проспера Мериме, Ильфа и Петрова, Виктора Ардова, Алексея Толстого. Помимо чтения, Табаков увлекался театром — часто посещал саратовский ТЮЗ, чей репертуар знал наизусть.


Неописуемое блаженство — взять книгу, развести в банке варенье, прихватить насушенных мамой сухариков, намазать их маслом и… Нет, никогда уже не испытать этой беззаботной радости! И никогда уже не прочитать столько, сколько было прочитано в те годы.

Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»


В 1948 году Табаков начал ходить в шахматный кружок при Саратовском дворце пионеров и школьников. Занятия он посещал несколько лет. В восьмом классе Олег Табаков стал артистом детского театра «Молодая гвардия». Его наставником была заслуженный работник культуры РСФСР Наталья Сухостав, которую артист потом называл своей крестной в актерской профессии. Именно она заметила громкоголосого шахматиста и забрала его в театральный кружок.


Мы бывали в кружке трижды в неделю — два раза в будние дни и по воскресеньям. В скором времени я получил первую роль в пьесе Цезаря Солодаря «У нас каникулы». Роль называлась «Ленточкин». Потом я играл в пьесе «Снежок» Любимовой, в «Красном галстуке» Сергея Михалкова. «Красный галстук» был сыгран раз двадцать пять за сезон, не менее.

Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»


«Лелик, куда едешь?». Поступление в Школу-студию МХАТ



В 1952 году, за год до окончания школы, Табаков стал готовиться к поступлению в театральный институт. Тонкости профессии он штудировал по книге Михаила Чехова «Путь актера». Родственники отговаривали: мать мечтала, чтобы сын пошел по их стопам и стал врачом. Семья переживала, что мальчика из провинциального драмкружка вряд ли ждет удача в столице.


На вокзале меня провожала довольно пестрая толпа «поклонников» — одноклассники, родственники. Было ощущение, что еду завоевывать мир. Кто-то из случайных прохожих-знакомых крикнул: «Лёлик, куда едешь?» Я прокричал в ответ: «Еду учиться на тракториста!» Думаю, что из всей моей саратовской родни только один человек молился за то, чтобы я не поступил, — баба Аня. Желая мне добра.

Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»


Олег Табаков подал заявление в ГИТИС и Школу-студию МХАТ. На вступительных экзаменах он декламировал отрывки из романа Степана Злобина «Степан Разин» и книги Александра Фадеева «Молодая гвардия». Приняли Табакова сразу в два училища, но он выбрал Школу-студию МХАТ. В то время там преподавали Ольга Андровская, Клавдия Еланская, Борис Ливанов, Марк Прудкин и другие народные артисты.


В первом же семестре Табаков-студент лишился стипендии и общежития: не смог сдать экзаменационное сочинение. На некоторое время он подселился в квартиру к знакомому в Большом Харитоньевском переулке. «Удивительно, как в жизни все сходится. Примерно в ста метрах от моего первого московского пристанища находился угольный подвал — склад, который через двадцать пять лет стал сценой и залом «Табакерки»…» — вспоминал актер.


Табаков учился на курсе народного артиста СССР Василия Топоркова, был отличником. В студенческих спектаклях ему в основном доставались роли положительных героев. Когда он сыграл Хлестакова из гоголевского «Ревизора», один из преподавателей сказал: «Оказывается, в вас дремал прекрасный комедийный актер».


В 1956 году третьекурсник Олег Табаков впервые появился в кино. До этого он снимался только в массовке и в эфирах Всесоюзного радио. Дебютом стала картина режиссера Михаила Швейцера «Тугой узел», где Табаков исполнил главную роль — парня Сашу Комлева. На советский экран фильм вышел лишь 30 лет спустя под названием «Саша вступает в жизнь».


Мой герой Саша Комелев, который объективно попал в положение человека обманывающего, решает сказать: «Нет, вы лжете», — и притом кому — первому секретарю райкома, пришедшему на место его отца, умершего в начале фильма. Мне, как и моему герою, пришлось страдать по-настоящему.

Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»


Личная жизнь — «вопрос деликатный»



В 1958 году на съемках фильма «Дом у дороги» режиссера Ирины Поплавской Олег Табаков познакомился с молодой актрисой Людмилой Крыловой. Она рассказывала: «Как сейчас помню — пустая гримерная, спиной стоит женщина в белом халате, в кресле сидит человек, вижу в зеркале его отражение и чуть не падаю! Задрожали коленки, застучали зубы. <...> Меня словно колотит! Такого ощущения не испытывала никогда!»


В конце следующего года они сыграли свадьбу, а летом 1960 года у пары родился первенец Антон. Через шесть лет появилась дочь Александра.


В 1981 году Олег Табаков познакомился в ГИТИСе с 16-летней Мариной Зудиной — она пришла поступать на его курс. Несмотря на разницу в возрасте, между ними начался роман, и в 1995 году они поженились.


Вообще, семейная жизнь — вопрос деликатный, и я никогда не стану выносить на публику подробности такого свойства. А по сюжету, ну что же… Мы прожили тридцать лет и три года, почти по стихотворному пушкинскому эпосу. Другое дело, сколько я нагрешил и какова моя вина перед Людмилой… Единственное, что могу сказать: я старался не делать больно.

Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»


Табаков и «Современник»



Еще во время учебы в Школе-студии МХАТ Табаков подружился с Олегом Ефремовым. Педагогу принадлежала идея создать Студию молодых актеров — будущий театр «Современник». В этом его поддержали молодые выпускники: Галина Волчек, Игорь Кваша, Евгений Евстигнеев и другие актеры. В их числе был и Олег Табаков, который взял на себя организационно-общественную работу. «Современник» сначала находился в помещении МХАТа, а в собственное здание на улице Маяковского театр перешел лишь в 1961 году.


Театр открылся 15 апреля 1956 года, на новой сцене показали спектакль по пьесе драматурга Виктора Розова «Вечно живые». Репетировали четыре месяца: Табаков сыграл студента Мишу. В следующем году актер снова исполнил роль студента и снова по пьесе Розова — «В поисках радости». После этого героев Олега Табакова часто называли «розовскими мальчиками» — синоним романтичных, открытых и наивных молодых людей. Такие роли доставались актеру и в кино. В ленте Анатолия Эфроса «Шумный день» по мотивам одноименной комедии Розова Табаков играл 15-летнего максималиста Олега Савина, в роли которого больше 60 раз выступал в «Современнике».


Об артистах «Современника» говорила вся Москва. Зрители любили их, кинематографисты наперебой звали сниматься в кино. В 1963 году Табакову наконец-то удалось уйти от амплуа «розовского мальчика»: он сыграл бригадира Бабушкина в фильме «Молодо-зелено». Потом была и первая отрицательная роль — лейтенант Крутиков в ленте «Живые и мертвые».


Из-за тяжелого графика и нагрузки в 29 лет у Олега Табакова случился инфаркт. Врачи советовали покинуть сцену, но через пару месяцев актер уже репетировал постановку «Обыкновенная история». В 1967 году этот спектакль получил Государственную премию СССР, а самого Табакова наградили орденом «Знак Почета» за заслуги в развитии советского искусства — это был первый орден в истории «Современника».


Инфаркт поменял масштаб моих жизненных ценностей. То, что казалось значительным, оказалось менее значительным, а казавшееся маленьким, в результате этого оказалось огромным. На больничной койке в мою двадцатидевятилетнюю голову приходили мысли, похожие на мысли Андрея Болконского, когда он лежал на Аустерлицком поле. Тяжелая болезнь, перенесенная в молодом возрасте, чрезвычайно способствует осознанию того, что ты, баловень на, казалось, бесконечно долго длящемся дне рождения, можешь уйти со сцены неожиданно и непланируемо.

Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»


В 1968 году Табаков вернулся к роли Хлестакова — он сыграл его в постановке пражского театра «Чиногерны клуб». Как позднее признавался артист, гоголевский персонаж был любимой ролью. После гастролей в Чехии за ним закрепился статус международной звезды.


Через два года Олега Ефремова назначили художественным руководителем МХАТа. Вместо него директором «Современника» стал Олег Табаков, а Галина Волчек — главным режиссером. В театр приняли много новых талантливых артистов: Валерия Фокина, Константина Райкина, Марину Неёлову, Юрия Богатырева. Сразу же молодые люди заявили о себе: Фокин, например, поставил спектакли «Валентин и Валентина», «Провинциальные анекдоты», «Сон смешного человека».


Табаков-руководитель был строгим: наказывал прогульщиков и лодырей, увольнял нарушителей; Табаков-актер продолжал играть в более чем в 30 постановках театра. В это же время он участвовал в теле- и моноспектаклях, продолжал сниматься в кино. В 1973 году Табаков сыграл одну из ярких ролей в полнометражных фильмах — шефа немецкой политической разведки Шелленберга в сериале Татьяны Лиозновой «Семнадцать мгновений весны».


«Подвальный» театр «Табакерка»



В 1976 году Олег Табаков покинул пост директора «Современника», но продолжал играть в спектаклях. За этот период список запоминающихся ролей пополнился новыми: он снялся в драме Никиты Михалкова «Неоконченная пьеса для механического пианино», его голосом заговорил кот Матроскин в мультфильме «Трое из Простоквашино», актер блестяще исполнил короля Людовика XIII в мюзикле «Д'Артаньян и три мушкетера» и Илью Ильича в драме «Несколько дней из жизни И.И. Обломова».


На базе ГИТИСа Табаков набирал студентов. Его курс отличался от традиционного преподавания: здесь читали «запрещенку», встречались с Владимиром Высоцким и Булатом Окуджавой, ежедневно играли в спектаклях. Вместе с новыми молодыми артистами, среди которых были Игорь Нефедов, Лариса Кузнецова, Алексей Якубов, Андрей Смоляков, Табаков уверенно шел к своей мечте — создать театральную студию, будущую «Табакерку».


Особенность обучения второго выпуска заключалась в том, что вчерашние мои студенты — Андрей Смоляков, Сергей Газаров, Леша Селиверстов, Саша Марин — сами стали преподавать. Они и были основным педагогическим ядром, который обучал молодых. Я видел, с каким интересом и увлеченностью мои вчерашние студенты занимались с новобранцами. Но дело не только в их энтузиазме, а в том, что не прерывался «серебряный шнур» и между мною, уже пятидесятилетним, и школьниками-студентами была прослойка генерации 25–27-летних молодых педагогов.

Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»


Летом 1977 года в старом угольном подвале дома на улице Чаплыгина началась генеральная уборка. Силами актеров-волонтеров и личной финансовой помощи Табакова помещение, в котором раньше ночевали бездомные, превратилось в площадку для репетиций. 29 октября 1978 года в скромном, но чистом здании состоялась премьера «С весной я вернусь к тебе» в постановке Валерия Фокина.


Спектакли в «подвальном» театре проходили регулярно, появились постоянные зрители — однако это не помешало в 1980 году властям запретить театральную деятельность. Выпускники разошлись по разным театрам, но в 1982 году Олег Табаков набрал новый курс, который стал основной труппой театра. Среди новобранцев были Марина Зудина, Сергей Беляев, Алексей Серебряков, Александр Мохов.


«В 87-м сбылась, хоть и с опозданием в семь лет, моя мечта о собственном театре. О большой семье, где много детей и где «все по справедливости», — вспоминал Олег Табаков. Театр-студию «Табакерка» признали официально. На ее сцене появились спектакли «Кресло» по произведению Юрия Полякова, «Полоумный Журден» по пьесе Михаила Булгакова, «Крыша» драматурга Александра Галина. Также поставили «Матросскую тишину» по пьесе Александра Галича, которую долго запрещала цензура, и «Затоваренную бочкотару» по повести Василия Аксенова, которую Табаков планировал инсценировать еще в 1978 году.


В 1983 году Табаков расстался с «Современником» и по приглашению Олега Ефремова перешел служить во МХАТ. Первой ролью на новой сцене стал Сальери в постановке Марка Розовского «Амадея». Этот спектакль стал одним из самых посещаемых в Художественном театре.


Через три года Олег Табаков уже преподавал в Школе-студии МХАТ. Среди студентов его первого набора были Владимир Машков, Евгений Миронов, Ирина Апексимова. Вскоре Табаков стал ректором и занимал эту должность до 2000 года.


В 1988 году Олег Табаков стал народным артистом СССР. Спектакли в «Табакерке» начали ставить уже вчерашние студенты. Сам же Табаков еще руководил совместной аспирантской программой Школы-студии и Университета Карнеги Меллон в США, а в 1992 году в Бостоне по его инициативе основали Летнюю актерскую школу имени Станиславского.


За четверть века занятий педагогикой из числа моих учеников вышло 25 заслуженных артистов России. А среди них еще есть люди, которые получают призы на кинофестивалях, «Маски», «Ники», «Турандоты», государственные премии и т. д. Значит, почти все, кого я отчислял со своих курсов, закончили образование в других вузах. Среди них некоторые даже стали заслуженными артистами.

Из книги Олега Табакова «Моя настоящая жизнь»


Последние годы и смерть



В конце 1990-х в кино появилась очередная партия ярких ролей Табакова: Суходрищев в «Ширли-мырли», повар в «Сироте казанской», президент в ленте «Президент и его внучка». Но большую часть времени он уделял преподаванию актерского мастерства. С 2000 года артист начал совмещать художественное руководство в своем театре и МХТ имени А.П. Чехова. Прежде всего, он обновил репертуар: для этой цели пригласил молодых режиссеров — Кирилла Серебренникова, Константина Богомолова, Сергея Женовача, и актеров Константина Хабенского, Юрия Чурсина, Ирину Пегову, Максима Матвеева.


В 2008 году при «Табакерке» открылся актерский колледж. «Новое» — хорошо себя зарекомендовавшее «старое», особенно в деле воспитания актерских дарований. Яблочкина дебютировала на сцене — в 15 лет, Ермолова — в 16. И современные таланты должны попадать в руки профессионалов в нежном юном возрасте», — говорил Табаков. К преподавателям колледжа сразу присоединились Сергей Безруков, Андрей Смоляков и Михаил Хомяков.


В 2015 году Олег Табаков отметил восьмидесятилетие.


В ноябре 2017 года артист попал в реанимацию. Операция не помогла — в конце декабря его состояние ухудшилось, и врачи ввели Табакова в искусственную кому. 12 марта 2018 года родные решили отключить Табакова от системы жизнеобеспечения.


Интересные факты об Олеге Табакове:


1. Дедушка Табакова по матери, Андрей Францевич Пионтковский, был владельцем одного из самых крупных имений в Одесской губернии, а прапрадед копал окопы еще во время Англо-французской войны.


2. Одногруппниками Табакова в Школе-студии МХАТ были Олег Анофриев и Валентин Гафт. На курс старше учился Лев Дуров.


3. В 1964 году Табаков попал с инфарктом в больницу. Вскоре его перевели в Боткинскую больницу, где в это же время находилась Анна Ахматова.


4. Во время записи радиопередач Олегу Табакову удалось поработать с Фаиной Раневской, а позднее — с Аркадием Райкиным: «И снова я ощутил восторг, оттого что совсем рядом со мной, по другую сторону микрофона, стоит великий артист. Оттого что нас связывает общее дело. От незабываемого чувства сотворчества, сотоварищества».


5. Во время презентации в Дели фильма «Свой среди чужих, чужой среди своих» Табаков познакомился с Индирой Ганди, встретился с индийским режиссером Сатьяджитом Реем, польским сценаристом Кшиштофом Занусси, американским кинорежиссером Фрэнком Капрой, а также побывал на приеме у легенды индийского кино Раджа Капура.


6. В сериале «Семнадцать мгновений весны» 1973 года Олег Табаков сыграл начальника внешней разведки службы безопасности Германии Вальтера Шелленберга. После выхода фильма ему пришло письмо из Германии от племянницы Вальтера с комплиментами и благодарностями за созданный им образ ее «доброго дяди».

]]>
Михаил ПуговкинМихаил Пуговкинhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/968/mikhail-pugovkinWed, 31 Oct 2018 16:05:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Михаил Пуговкин

КиноПерсоныАктер кино

Михаил Пуговкин сыграл в кино около 100 ролей. В его послужном списке — обаятельные и хитроватые деревенские мужички, сказочные цари и даже хмурые уголовники. Третья жена артиста Ирина Лаврова писала: «Пуговкин — человек, которому верят. Про него зритель говорит: свой... Даже неудачи любимому артисту публика легко прощает — ведь Пуговкин есть Пуговкин».


«Я артист»: детство и юность Михаила Пуговкина



Михаил Пуговкин родился 13 июля 1923 года в деревне Рамешки Костромской губернии. Его отец работал мясником, мать была крестьянкой. Школы в деревне не было, приходилось ездить в соседнее село. Пуговкин окончил всего три класса, потом оставил учебу и помогал родителям с хозяйством.


В 1936 году семья переехала в Москву. 13-летний Михаил Пуговкин хотел устроиться на работу, но из-за юного возраста его никуда не принимали. Наконец он накинул себе два года и поступил учеником электромонтера на Московский тормозной завод. После работы Пуговкин занимался в драмкружке при клубе. Три года спустя его заметил в любительском спектакле режиссер Федор Каверин, который руководил тогда Московским драматическим театром на Сретенке. Он принял юного 16-летнего актера во вспомогательный состав.


В 1940 году Михаил Пуговкин дебютировал в кино — сыграл эпизодическую роль в фильме Григория Рошаля «Дело Артамоновых». Съемку сцены с его участием закончили 22 июня 1941 года — в день, когда началась Великая Отечественная война. Вскоре Пуговкин записался добровольцем на фронт. Служил он разведчиком в стрелковом полку, в 1942 году был тяжело ранен под Луганском. Врачи хотели ампутировать пострадавшую ногу, но ее удалось сохранить. Пуговкин отговаривал докторов: «Нельзя мне без ноги, ведь я артист!» После долгого лечения актера комиссовали, и он вернулся в Москву. Оба его старших брата к тому времени погибли на фронте.


С 1943 года Пуговкин играл в Московском театре драмы — сейчас это Театр имени Маяковского. Там он исполнил свою первую главную роль — Петра Огонькова в пьесе Виктора Гусева «Москвичка». Одновременно актер поступил в Школу-студию МХАТ, попал на курс режиссера Ивана Москвина и стал его любимым студентом. Но учиться без среднего образования было тяжело: на втором курсе Пуговкин не смог сдать зачеты по истории, марксизму и французскому языку, и его отчислили.


В 1944 году Михаила Пуговкина снова призвали на военную службу. Он попал в танковое училище в Нижегородской области. Генерал Федор Раевский назначил актера руководить ансамблем курсантов. Ему даже разрешили не особо усердствовать в военной подготовке, но при одном условии: каждый месяц готовить новую программу самодеятельности.


Известные роли в театре и кино



После службы Пуговкин с помощью Раевского восстановился в Школе-студии МХАТ и окончил ее в 1947 году. В это же время он познакомился с Надеждой Надеждиной, которая стала его первой женой. После учебы актер попал по распределению в Мурманский театр Северного флота. Он играл здесь в четырех спектаклях, а самой заметной ролью стал персонаж Олега Кошевого в постановке «Молодая гвардия» по роману Александра Фадеева.


Следующий сезон Пуговкин отыграл в Вильнюсском русском драматическом театре, а в 1949 году вернулся в Москву. Новым местом его работы стал Театр Ленинского комсомола. На один из первых спектаклей с участием актера пришел маршал Семен Будённый.


Я играл будённовского бойца, а Будённый сидел в первом ряду. Текст такой: «Какое у вас впечатление от Будённого?» Я отвечаю: «Впечатление у мене от Будённого — ничаво». И прямо на него гляжу. Гиацинтова (актриса Софья Гиацинтова. — Прим. ред.) после спектакля спросила: «Семен Михалыч, а какое на вас впечатление произвел боец Пуговкин?» А он говорит: «Ничаво». За это я сразу получил комнату.

Михаил Пуговкин


Работу в театре Михаил Пуговкин совмещал со съемками в кино. В 1955 году вышел фильм «Солдат Иван Бровкин», в котором актер сыграл заведующего гаражом Захара Силыча. Эта роль стала для Пуговкина звездной: зрители начали узнавать его, а режиссеры приглашали в свои картины. В 1958 году режиссер Николай Досталь снял детектив «Дело «Пестрых», в котором Пуговкин сыграл вора Сафрона Ложкина.


Сначала образ не получался. Сказывалась неуверенность — сыграть такого негодяя! И режиссер Николай Досталь устроил мне своеобразный экзамен. Меня загримировали, изобразили заросшее испитое лицо, низко надвинули на глаза кепку, надели потрепанный ватник. И в таком виде привезли на Курский вокзал. Угловатой походкой я медленно прошелся по перрону, злобно и подозрительно шарил взглядом по лицам идущих навстречу людей. Меня обходили стороной. Присел на скамейку рядом с молодой женщиной. Не прошло и минуты, как она прихватила свой чемодан и исчезла. После этого режиссер сказал:
— Миша, ты в образе.

Михаил Пуговкин

В 1959 году первый брак Михаила Пуговкина распался. Надежда Надеждина отправила их общую дочь Елену к своим родителям в Смоленск, а сама уехала в Омск — работать в драматическом театре. Пуговкин в том же году познакомился с певицей Александрой Лукьянченко и вскоре женился второй раз.


Царь, вельможа и мастер по отмычкам



В 1960 году Михаил Пуговкин окончательно оставил театр, перешел в студию «Мосфильм» и сосредоточился на кинематографе. Лучшим своим временем в кино актер называл работу с Леонидом Гайдаем: он говорил, что нашел «своего» режиссера. С 1964 по 1982 год Пуговкин сыграл в шести его комедиях: «Операция «Ы» и «12 стульев», «Иван Васильевич меняет профессию», и «Не может быть!», «За спичками» и «Спортлото-82». Кроме комедийных ролей в жизни артиста были и сказочные образы. В фильмах Александра Роу «Варвара-краса, длинная коса» и «Огонь, вода и… медные трубы» он сыграл царей, а в картине Геннадия Васильева «Финист — Ясный сокол» — воеводу.


К концу 1980-х на счету Михаила Пуговкина было более 60 ролей в кино. Но с этого времени карьера актера пошла на спад. Его по-прежнему часто приглашали на пробы, но уже не предлагали таких ярких образов, как в работах Гайдая и Роу. Необычной на фоне комедийных образов стала роль в картине «Визит к Минотавру»: Пуговкин сыграл Степана Мельника — мастера по изготовлению отмычек. Также он снялся в нескольких выпусках сатирического киножурнала «Фитиль» и его аналога для детей — «Ералаша».


В 1991 году умерла Александра Лукьянченко. Пуговкин тяжело переживал смерть супруги. Вскоре после этого он переехал в Ялту, где играл в Театре киноактера, ездил с творческими выступлениями по Крыму. Там же артист познакомился со своей третьей женой — Ириной Лавровой, которая работала тогда в Ялтинском цирке. В 1999 году Пуговкин и Лаврова вернулись в Москву. Вместе они основали в столице «Киноцентр Михаила Пуговкина» — музей, где были выставлены личные вещи актера, реквизит со съемок, памятные фотографии.


С 2003 года Михаил Пуговкин все реже появлялся на публике. Актер умер в 2008 году. Его похоронили на Ваганьковском кладбище. Памятники его героям — режиссеру Якину из фильма «Иван Васильевич меняет профессию» и отцу Федору из «12 стульев» — установлены в Ялте и Харькове. Астрономы назвали именем Михаила Пуговкина одну из малых планет Солнечной системы.

]]>
Олег Ефремовhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/947/oleg-efremovWed, 06 Feb 2019 11:30:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Олег Ефремов

ТеатрыПерсоныАктер театра

Основатель театра «Современник» и главный режиссер МХТ имени Чехова, доктор Айболит и таксист Саша из фильма «Три тополя на Плющихе» — таким запомнили Олега Ефремова коллеги и зрители. Он сыграл около 100 ролей в кино, поставил множество спектаклей и стал родоначальником актерской династии. «Я буду главным режиссером МХАТа», — еще в юности решил Ефремов — и добился этой цели.


Юность и первые театральные опыты


Олег Ефремов в молодости. Фотография: persons-info.com

Олег Ефремов родился в Москве 1 октября 1927 года. Первые годы его жизни прошли в большой коммунальной квартире на Арбате. Еще в детстве будущий актер и режиссер увлекся театром: вместе с двоюродным братом Германом Меньшениным он вырезал из бумаги фигурки людей и животных, а потом разыгрывал разные сценки в простых декорациях из подручных материалов.


Отец Олега Ефремова работал бухгалтером в Главном управлении лагерей и мест заключения — ГУЛАГе. По службе ему вместе с женой и сыном пришлось в 1941 году переехать под Воркуту. В поселке Абезь Воркутинского района семья прожила до августа 1943 года. Николаю Ефремову не нравилось, что его 16-летний сын общается с уголовниками, поэтому он решил уйти с работы и вернуться с семьей в Москву.


Будучи школьником, Олег Ефремов играл в драмкружке при Доме пионеров на старом Арбате. Руководила кружком Александра Кудашова — ученица театрального режиссера и педагога Михаила Чехова. В то время Ефремов близко общался с Александром Калужским — внуком известного в то время мхатовского актера Василия Лужского. Именно Калужский уговорил друга в 1945 году сдать экзамены в Школу-студию МХАТ. Ефремова приняли с первой попытки на курс к педагогам Михаилу Кедрову и Василию Топоркову.


В 1949 году, получив диплом о высшем образовании, он надеялся попасть во МХАТ. Но в прославленный театр Ефремова не взяли даже на должность статиста. Однако почти сразу же молодого актера пригласили в Центральный детский театр, которым руководила тогда актриса МХАТа Ольга Пыжова. На сцене ЦДТ состоялся актерский дебют Олега Ефремова — он сыграл Володю Чернышева в спектакле «Ее друзья» по произведению драматурга Виктора Розова.


Одновременно актер вел занятия в Школе-студии МХАТ: на его курсе учились Игорь Кваша, Галина Волчек, Олег Табаков, Евгений Евстигнеев. В 1955 году Ефремов попробовал себя и в театральной режиссуре — поставил музыкальную комедию «Димка-невидимка». Однако и актерскую деятельность он не оставлял: в том же году в репертуаре ЦДТ появился спектакль молодого режиссера Анатолия Эфроса «В добрый час!», где Ефремов сыграл юношу из Сибири, который приехал учиться в Москву.


Как многие талантливые люди, он с трудом принимал чужие творческие предложения. Во время постановки пьесы «В добрый час!» мы иногда спорили все четыре репетиционных часа. Остальные актеры, так и не начав репетировать, уходили домой, а когда возвращались вечером на спектакль, заставали нас стоящими в той же позе и продолжающими спор.

Анатолий Эфрос


В ЦДТ Олег Ефремов прослужил до 1957 года и за это время исполнил более 20 ролей — Митрофанушку в «Недоросле», Молчалина в «Горе от ума», Самозванца в «Борисе Годунове» и других. Постепенно вокруг него объединилась группа молодых актеров — в основном его же студентов. Первоначально объединение называлось «Студия молодых актеров», но вскоре его переименовали в театр-студию «Современник».


«Современник»


Олег Ефремов. Фотография: aif.ru

Первой постановкой нового театра, которым руководил Олег Ефремов, стал в 1956 году спектакль по пьесе Виктора Розова «Вечно живые». Зрители, судя по отзывам, ожидали от молодых актеров большего: «Спектакль замечательный, конечно, но ведь вы показали нам просто хороший МХАТ». Однако Ефремов воспринял подобные высказывания как похвалу: традиции старого МХАТа как раз и были главным его идеалом.


В свое время Олег собрал нас ради единственной идеи: заниматься театром психологическим — таким, в котором будет нерв, мысль, душа. Разумеется, в формах самых различных, но при непременном условии: чтобы за формой не потерялось содержание. И настолько зажег этой идеей, такой мощный дал нам старт, так вдохновленно верил в нас и столь безжалостно был требователен, что этого заряда хватает до сих пор.

Галина Волчек


Уже в 1960 году труппа отправилась на гастроли в Ленинград — завоевывать популярность за пределами Москвы. Следующий год был для актеров «кочевым»: собственного здания у театра еще не было, хранить реквизит и костюмы было негде, постоянно перевозить громоздкие и хрупкие декорации — слишком сложно и дорого. Играли все время на разных площадках. Когда в 1961 году «Современнику» выделили здание на площади Маяковского, актеры сохранили привычки, которым вынужденно следовали на гастролях. Так, в театре не было занавеса, а спектакли оформлялись крайне лаконично.


В 1964 году «Современник» признали профессиональным театром — из его названия исчезло слово «студия». К этому времени в репертуаре было уже более десятка спектаклей на произведения современных авторов — «Голый король» по пьесе Евгения Шварца, «Продолжение легенды» и «Два цвета» Анатолия Кузнецова, «По московскому времени» Леонида Зорина и другие. Одним из любимых драматургов Олега Ефремова по-прежнему оставался Виктор Розов: в репертуар «Современника» входили его пьесы «В день свадьбы», «В поисках радости», «Вечно живые».


Искусство театра современно по своей сущности, потому что сегодня оно происходит — вот сию секунду, — его нельзя зафиксировать никаким образом. Это тогда уже будет другое искусство.

Олег Ефремов


Ефремов руководил «Современником» до 1970 года. Последней его постановкой на этой сцене стала чеховская «Чайка».


Художественный руководитель МХАТа


Олег Ефремов. Фотография: kino-teatr.ru

Второй шанс попасть во МХАТ представился Олегу Ефремову спустя 21 год: 7 сентября 1970 года его назначили главным режиссером МХАТа. Вслед за ним пришли из «Современника» и некоторые его ученики — Евгений Евстигнеев, Андрей Попов, Александр Калягин. Знаменитый театр переживал тогда не лучшие времена: в труппу входили около 150 артистов, часть из которых вообще не бывала занята в спектаклях, но получала зарплату наравне с часто играющими актерами. Зрители шли во МХАТ неохотно, предпочитая «Таганку» или «Ленком». В развитии театра наступила эпоха застоя.


За первый год работы Ефремов лично поговорил с каждым актером и сделал вывод: «Я понял, что многие мхатчики имеют одну сверхзадачу — сохранить собственный покой». После этого начались реформы: новый художественный руководитель вводил в репертуар пьесы, которые раньше не ставили, учредил «совет старейшин», состоявших из наиболее опытных актеров, старался занять в спектаклях как можно больше артистов. В первых девяти постановках обновленного театра участвовала почти вся труппа.


Главное, к чему стремился Олег Николаевич, — чтобы на сцене был живой человек, а не фигляр, изображающий жизнь, чтобы в театре царила жизнь человеческого духа, как завещал великий Станиславский, верным и неотступным поклонником которого до конца своих дней был сам Ефремов.

Актер Вячеслав Невинный


В 1971 году Ефремов поставил спектакль «Дульсинея Тобосская» по пьесе Александра Володина. Эта постановка еще соответствовала традициям «Современника» — простоте восприятия, иллюзии непосредственного общения со зрителем. Во МХАТе тогда появлялись другие пьесы — острые, злободневные истории из советской жизни. К ним относились произведения драматурга Александра Гельмана, к которым позже обращался Ефремов, — «Обратная связь», «Заседание парткома», «Наедине со всеми».


Не уходила из репертуара и классика — «Чайка», «Дядя Ваня» и «Три сестры» Антона Чехова, «Последние» Максима Горького. Ефремов не боялся экспериментировать с постановками: менял местами эпизоды, смещал акценты, выводил на первый план второстепенных героев. Часто с ним работали приглашенные режиссеры: Анатолий Эфрос ставил во МХАТе «Тартюфа», Лев Додин«Господ Головлевых» по произведению Михаила Салтыкова-Щедрина. Ефремов сотрудничал не только с именитыми театральными деятелями, но и с начинающими режиссерами — Камой Гинкасом, Романом Виктюком, Марком Розовским.


Тем временем в театре назревал раскол. Труппа снова стала слишком многочисленной, Ефремову приходилось ставить множество мелких проходных спектаклей, которые мало интересовали публику, но позволяли занять большую часть актеров. Артисты с небольшой занятостью считали, что их несправедливо оценивают. Для некоторых это стало причиной ухода из театра: так покинули МХАТ Георгий Бурков и Алексей Петренко.


Постепенно труппа разделилась. Чтобы сгладить конфликт, в 1987 году Олег Ефремов предложил создать два автономных подразделения театра — основной МХАТ в Камергерском переулке и филиал на улице Москвина. Но в результате образовались два независимых друг от друга коллектива: МХТ имени Чехова, руководителем которого остался Ефремов, и МХАТ имени Горького, который возглавила Татьяна Доронина.


Новые решения Ефремова


Олег Ефремов. Фотография: sovremennik.ru

Первое время в новом театре Олега Ефремова царила сумятица: слишком трудно оказалось гармонично разделить на две части не только коллектив, но и репертуар. Ефремов отказался ставить проходные, неактуальные спектакли и произведения, которые были ему не интересны, и это вызвало новые протесты в труппе. МХТ имени Чехова покинули Анастасия Вертинская, Екатерина Васильева, Александр Калягин и другие именитые актеры. Большой трагедией стала смерть Иннокентия Смоктуновского в 1994 году.


Найти нового интересного драматурга из современных авторов Ефремову также не удалось, поэтому он сосредоточился на постановках классических произведений. На сцене МХТ имени Чехова шли «Вишневый сад», «Борис Годунов», «Чайка», некоторые произведения Александра Гельмана и Леонида Зорина из старого репертуара.


Последней постановкой Олега Ефремова стал спектакль «Три сестры» в 1997 году. Он вызвал восторг публики и критиков. Режиссер отступил от привычных канонов этого спектакля: так, финальная сцена, по его задумке, происходила в парке, дома на заднем плане не было видно. «Спектакль о доме, а дома нет, это ведь глубокий пессимизм». — высказалась по этому поводу журналистка из Великобритании. «Это не пессимизм, это жизнь», — ответил ей Ефремов.


Олег Ефремов в кино


Кадр из художественного фильма Татьяны Лиозновой «Три тополя на плющихе» (1968)

В отличие от многих коллег-режиссеров, Олег Ефремов никогда не оставлял актерскую деятельность. Он играл почти во всех спектаклях «Современника», исполнил 14 ролей во МХАТе и МХТ имени Чехова. Параллельно он снимался в кино, хотя поначалу с сомнением относился к этому виду искусства, считая, что такая работа губительна для таланта театрального актера.


Кинокарьера Ефремова началась в 1955 году: он сыграл Алексея Узорова в фильме «Первый эшелон». Это была роль идеального советского человека — комсомольца, примерного советского гражданина. После этого Ефремов не раз перевоплощался в подобных «правильных» героев — чекистов, партийных деятелей, сотрудников уголовного розыска. Сыграл он даже Феликса Дзержинского в фильме Сергея Юткевича «Рассказы о Ленине».


Однако зрители больше запомнили и полюбили лирические образы Ефремова. В 1965 году он сыграл в «Войне и мире» Федора Долохова — разжалованного офицера, красавца, повесу и любителя зло подшутить над окружающими. Следующей знаменитой ролью стал добрый доктор Айболит из детской сказки «Айболит-66».


В 1966 году вышла комедия Эльдара Рязанова «Берегись автомобиля» В ней Ефремов исполнил роль следователя Максима Подберезовикова, который в свободное от службы время играет в самодеятельном театре, а в кабинете у него вместо портрета Дзержинского висит изображение Станиславского. «С одной стороны, его актерской индивидуальности присущи черты, которые положено иметь следователю, то есть стальной взгляд, решительная походка, уверенность жеста, волевое лицо. С другой стороны, в актере присутствовала самоирония, позволявшая ему играть как бы не всерьез, подчеркивая легкую снисходительность по отношению к своему персонажу», — говорил Рязанов. А годом позже появился фильм «Три тополя на Плющихе», в котором актер сыграл таксиста Сашу.


Коллеги отмечали, что все свои роли Ефремов исполнял естественно и просто, легко вживаясь в образ. В театре он почти не пользовался гримом. Зрители ошибочно считали, что во всех героях-современниках актер просто играет самого себя, однако в кино он так же естественно «вошел» в образ Долохова. Это была собственная художественная традиция Ефремова — играть, практически не играя.


Последней работой Олега Ефремова в кино стал десятисерийный фильм «Чехов и Ко», вышедший в 1998 году. В нем актер исполнил сразу две роли — отца Саввы Жезлова в новелле «Святая простота» и помещика Камышова в истории «На чужбине».


Личная жизнь Олега Ефремова


Олег Ефремов и Нина Дорошина. Фотография: nastroenie.tv

Олег Ефремов считался человеком привлекательным и влюбчивым. В разное время у него были короткие романы с Анастасией Вертинской, Галиной Волчек, Ириной Мирошниченко, Ниной Дорошиной. Однако ни с кем из них не сложилось семьи.


Первой женой Ефремова стала актриса Лилия Толмачева. Их брак продлился недолго, общих детей не было. Однако и после развода супруги сохранили теплые отношения, даже образовали прочный творческий союз: Ефремов пригласил Толмачеву в «Современник», и вскоре она стала ведущей актрисой.


В 1955 году Ефремов познакомился с 19-летней журналисткой Ириной Мазурук. Официально они брак не заключали, но прожили вместе три года. У них родилась дочь Анастасия, которая стала впоследствии театральным критиком.


Третьей и последней женой Ефремова стала актриса Алла Покровская. Они поженились в 1962 году, и вскоре у супругов родился сын Михаил — будущий актер.


Олег Ефремов умер 24 мая 2000 года в Москве. Его похоронили на Новодевичьем кладбище, рядом с могилой Константина Станиславского.


Интересные факты из жизни Олега Ефремова


Олег Ефремов. Фотография: life-artists.ru

1. В детстве Олег Ефремов дружил с приемным сыном Михаила Булгакова — Сергеем Шиловским. Актер вспоминал, что часто бывал в доме писателя, но не осознавал всей значимости подобных встреч: «Самого хозяина дома, конечно, не помню, но осталась в памяти атмосфера прекрасной, веселой, интеллигентной семьи… Не имел я тогда никакого понятия ни о «Днях Турбиных», ни о «Мольере», ни о самом главе этого дома… Просто булгаковский дом оказался частью жизни, «предвестием» встречи с Художественным театром».


2. В пьесе «Декабристы» Ефремов играл императора Николая I. Однажды на сцене он оговорился: вместо реплики «Я в ответе за всех!» — произнес: «Я в ответе за свет!». Партнер Ефремова — Евгений Евстигнеев — не растерялся и ответил: «Тогда уж и за газ, ваше величество!»


3. В фильме «Берегись автомобиля» Эльдар Рязанов сначала видел Ефремова в роли главного героя — «благородного вора» Юрия Деточкина. Однако, посмотрев результаты проб, соавтор Рязанова Эмиль Брагинский воскликнул: «Это же волк в овечьей шкуре!» В итоге Ефремов сыграл следователя Подберезовикова, а главную роль отдали Иннокентию Смоктуновскому.


4. Ефремов был влюблен в Нину Дорошину. Несколько раз они расставались, возобновляли отношения, пока, наконец, актрисе не сделал предложение Олег Даль. Оскорбленный Ефремов вызвал Даля на настоящую дуэль. К счастью, все закончилось вполне мирно: соперники смогли договориться без применения силы.

]]>
Люсьена Овчинниковаhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/349/lyusena-ovchinnikovaMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Люсьена Овчинникова

КиноПерсоныАктер кино

Коллеги по театру звали Люсьену Овчинникову солнечным зайчиком. Она была открытой, непосредственной, жадной до жизни. В кино актриса всю жизнь играла роли второго плана, но зрители разных возрастов и профессий обожали ее. Душевная щедрость, теплота характера Овчинниковой были в каждой ее роли, между ней и залом мгновенно устанавливалась прочная связь.


Когда Люсьена Овчинникова улыбалась, на щеках ее появлялись ямочки, глаза светились. В детстве она мечтала быть артисткой, и непременно «как Любовь Орлова» — недосягаемая прима советского кино. Родители посмеивались над Люсей и говорили, что таких артисток, как она, не бывает и лучше бы ей идти работать на завод. Тогда таких артисток действительно не было, вернее, они не требовались. Став-таки артисткой, Овчинникова счастливо попала в свое время. Она закончила ГИТИС в 1955-м — на пороге была оттепель. Производство кино стало набирать обороты, ему потребовались новые кадры и новые герои — послевоенная молодежь, полная энтузиазма, но уже не ходульного, не плакатного, а искреннего, неподдельного. Темперамент и облик Люсьены Овчинниковой абсолютно удовлетворяли запросу времени.


Ни одна из ее героинь не была лишь функцией в сюжете. Актриса создавала образы живых людей, с достоинствами и недостатками. Первая заметная роль Овчинниковой — доярка Нюра в фильме Льва Кулиджанова «Отчий дом». Героиня далеко не сплошь положительная. Во время работы над этой картиной молодой актрисе пришлось освоить манеру речи и поведения деревенской жительницы (сама-то она, офицерская дочь, в деревне как таковой никогда не жила), и это ей удалось прекрасно. После доярки была повариха — в фильме «Девичья весна». Героиня Овчинниковой Настя работала на кухне круизного корабля, на котором путешествовал танцевальный ансамбль «Березка», и страдала от безответной любви. В 1961 году на экраны вышел фильм «Девчата», где Люсьена Овчинникова сыграла работницу леспромхоза Катю, соседку главной героини Тоси Кислицыной. «Так сформировалось ее амплуа, — писала про Овчинникову киновед Евгения Леонова («Новейшая история отечественного кино»), — советская камеристка-дуэнья, колоритный фон для основных фабульных перипетий. Впрочем, иногда фон оказывался настолько ярким, что выдвигался на первый план».


Люсьена Овчинникова оказалась востребована на старте своей профессиональной жизни, но, как это случается с актерами, довольно быстро стала жертвой амплуа. Кинорежиссеры видели в ней верную исполнительницу вторых, чаще характерных ролей. Тем большей удачей для актрисы стала главная роль (увы, единственная в фильмографии Овчинниковой) в фильме Виталия Мельникова «Мама вышла замуж». И здесь ее героиня была женщиной вполне земной, с типичной биографией советской матери-одиночки. Но все-таки драматургия картины дала актрисе возможность развернуться, прожить на экране богатую психологическими нюансами драму. В дуэте с таким харизматичным актером, как Олег Ефремов, Овчинникова не стушевалась. Жаль, что с тех пор актриса не сыграла практически ни одной заметной роли в кино (исключение — работа в фильме «Большая перемена»). В 1972-м она ушла и из Театра им. Маяковского, где играла с 1955 года. Финал жизни и карьеры Люсьены Ивановны Овчинниковой был гораздо печальнее, чем старт. Но это, наверное, не столько ее беда, сколько всего нашего кино, упустившего на каком-то этапе большую актрису. И все-таки мы ее помним и любим. Не зря Люсьену Овчинникову называли солнечным зайчиком, от ее улыбки и впрямь становится веселее.

]]>
Виктор ПавловБиография артиста театра и кино, мастера эпизодов и одного из лучших воспитанников Щепкинского училища.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/430/viktor-pavlovFri, 20 Sep 2019 15:05:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Виктор Павлов

ТеатрыПерсоныАктер театра

Виктор Павлов был достойным воспитанником Щепкинского училища, ярким и многоплановым актером. За свою долгую карьеру артист снялся в 164 картинах, исполнил роли в спектаклях четырех театров Москвы. Павлов выразительно играл отрицательных и положительных персонажей, охотно брался за небольшие и эпизодические роли и не оставил сцену даже после болезни.


Хулиган, начинающий актер и радиомонтажник


Виктор Павлов. Фотография: Georg Ter-Ovanesov / tvc.ru

Виктор Павлов родился 5 октября 1940 года в Москве. Его отец был инженером, а мать работала гинекологом в городской больнице. Детские годы будущего актера пришлись на военное время. Отец мальчика ушел на фронт, и до 1945 года его воспитанием занималась одна мать. После войны семья воссоединилась. Жили Павловы небогато, но дружно, много времени уделяли воспитанию сына, водили в театры и музеи. С юных лет Виктор много времени гулял по старой Москве, интересовался искусством.


Как ни парадоксально, но, несмотря на войну, время было прекрасное. Я счастлив, что мое детство пришлось именно на него. Наше поколение не было избалованным. Нам не покупали игрушек, мы сами делали самокаты, мячи из тряпок. Играли во дворе в футбол, в казаков-разбойников, лапту, в пристенок. У меня в крови это дворовое братство.

Виктор Павлов о детстве (очерк Светланы Овчинниковой, Малый театр)


Любовь к театру будущему актеру привил отец. Павел Павлов водил его на спектакли в расположенные неподалеку МХАТ, Центральный дом актера и Театр Вахтангова. После школы Виктор Павлов ходил на занятия в драматический кружок и детский хор. Педагоги предложили ему исполнить роль негритянки в ученическом спектакле. Павлов сыграл так, что одноклассники смеялись до слез.


В то же время Виктор Павлов был проблемным ребенком. Он много времени проводил во дворе, дрался, хулиганил, задирал сверстников. В восьмом классе из-за кражи он чуть не попал в тюрьму. За сына вступился отец — к тому моменту заместитель министра сельского хозяйства РСФСР, и Виктор Павлов не попал в колонию. Однако ему пришлось уйти из дневной средней школы и перейти в вечернюю. Параллельно Павлов устроился на работу на завод, где вскоре стал радиомонтажником. В то же время юноша не забывал о своем увлечении и мечтал об актерской карьере. Он посещал театральный кружок при Московском городском доме учителя. Занятия там вел режиссер МХАТа Вадим Богомолов, который посоветовал ему учиться на актера. В 1959 году Павлов получил аттестат о среднем образовании и подал документы в Школу-студию МХАТ, Щепкинское и в Щукинское училища. На вступительных испытаниях он читал стихотворения Сергея Есенина и Игоря Северянина и получил от приемных комиссий только отличные оценки — будущего актера приняли во все вузы. Павлов остановил свой выбор на мастерской Веры Пашенной и Николая Анненкова в Щепкинском училище. Вместе с ним на курсе учились Олег Даль, Михаил Кононов, Виталий Соломин и другие.


Тот курс — первый набранный Николаем Александровичем Анненковым — оказался ошеломляюще звездным: на нем учились Олег Даль, Виктор Павлов, Виталий Соломин, Михаил Кононов. <...> Семь выпускников его курса были приглашены в Малый театр — случай исключительный.

Театральный критик Борис Поюровский, «Звезды Малого театра»


Артист четырех театров


Слева направо: Виктор Павлов в роли Шута и Михаил Царев в роли Короля Лира в спектакле Леонида Хейфеца «Король Лир». 1982. Государственный академический Малый театр России, Москва. Фотография: staroeradio.ru

Во время учебы воспитанники мастерской Пашенной и Анненкова играли эпизодические роли в спектаклях Малого театра. Виктора Павлова, помимо этого, приглашали в кино. Еще студентом он снялся в фильмах «Когда деревья были большими» и «На семи ветрах».


В 1963 году актер окончил училище, и вскоре его пригласили в театр «Современник». Там он играл два сезона — появлялся в спектаклях «Вечно живые», «Старшая сестра», «Белоснежка и семь гномов» и «Голый король». В 1965 году артист перешел на работу в Московский драматический театр им. М.Н. Ермоловой. Здесь у Павлова сложились хорошие отношение с коллективом, и актеру стали доверять главные роли. Он играл в спектаклях «Время и семья Конвей», «Бал воров» и других. За роль Аркаши Счастливцева в спектакле «Лес» по пьесе Александра Островского Виктор Павлов получил приз Международного фонда К.С. Станиславского. Артист называл эту награду самой ценной в своей карьере: ее присудили не театральные критики, а коллеги-актеры. Он писал: «Это диплом моей любви к актерам». В Театре Ермоловой он познакомился с актрисой Татьяной Говоровой. В 1966 году они поженились, вместе супруги прожили больше 30 лет.


В конце 1960-х актер заинтересовался режиссерскими работами Андрея Гончарова. Виктору Павлову были близки его работы: он, как и режиссер, одобрял театральные эксперименты и выступал за свободу творчества. Чтобы играть в спектаклях Гончарова, в 1969 году Павлов перешел в Театр им. Владимира Маяковского. В его репертуаре присутствовали и комедийные, и трагические роли. Артист участвовал в постановках «Разгром», «Дети Ванюшина», «Человек из Ламанчи». В последнем спектакле он сыграл Санчо Пансу. До него эту роль исполнял Евгений Леонов, поэтому Павлову было тяжело создать собственный образ героя. Однако спектакль стал популярным — билеты на него было тяжело достать. Театровед Петр Алалыкин писал: «После спектакля, когда они выходят втроем на авансцену — триумфатор Лазарев, Санчо Панса — Павлов и Доронина — буря оваций, крики «браво!».


В 1975 году Павлов получил приглашение от руководства Малого театра. В то время там еще работали его учителя — Николай Анненков, Михаил Царев. Они хорошо знали возможности актера и доверяли ему большие роли в спектаклях. Здесь он сыграл Шута в «Короле Лире», Репетилова в «Горе от ума» и другие роли.


«Актер по состоянию души»: роли в кино


Виктор Павлов (справа) в роли Сергея Левченко в художественном фильме Станислава Говорухина «Место встречи изменить нельзя» (1979)

В 1965 году Леонид Гайдай пригласил Виктора Павлова на небольшую роль студента Дуба в картину «Операция «Ы» и другие приключения Шурика». Позднее режиссер еще не раз звал его в свои фильмы.


У Павлова есть острое чувство юмора. Он безошибочно определял ту золотую середину, когда без наигрыша, без старания рассмешить, оставаясь серьезным и сосредоточенным, можно вызвать понимание и смех зрителя...

Леонид Гайдай о Викторе Павлове


Всесоюзная слава пришла к Павлову после выхода в 1968 году на экраны картины «Майор Вихрь» по одноименному роману писателя Юлиана Семенова, где он сыграл одну из главных ролей — разведчика Коли. После этого Виктора Павлова стали приглашать не только на эпизодические роли: в том же году он снялся в картине «На войне как на войне».


В 1970-х фильмография актера пополнилась более чем 30 фильмами. В 1972 году он сыграл бандита Мирона Осадчего в телефильме Евгения Ташкова «Адъютант его превосходительства». После выхода картины на экраны Павлова стали узнавать на улице. Он вспоминал: «После премьеры фильма стою я в очереди в магазине. Очередь небольшая, человека четыре, а девушка без очереди лезет. Я ей культурно объясняю, что я ее пропущу, но зачем впереди бабушек лезть? Она повернулась и говорит: «Вы как в кино гад, так и в жизни сволочь».


В 1979 году актер снялся в пятисерийной картине режиссера Станислава Говорухина «Место встречи изменить нельзя», в ней Павлов сыграл Сергея Левченко. Актер признавался, что работа над картиной потребовала от него больших усилий. В определенный момент он даже хотел отказаться от роли, но вскоре передумал. Владимир Конкин, который сыграл в фильме Владимира Шарапова, признавался, что именно Павлов поддерживал и подбадривал всех коллег. Он вспоминал: «Ему удалось вырвать меня из атмосферы всеобщей агрессивности, поддержать и успокоить».


В 1980-х Виктор Павлов был уже известным актером. В кино у него сложилось амплуа отрицательного героя. Он сыграл Котова в мини-сериале «Гардемарины, вперед!», Людоеда в «Лиловом шаре». Такие роли хорошо удавались артисту, даже если они были эпизодическими и второстепенными. Однако Павлов хотел быть многоплановым актером — такую возможность он получил на театральной сцене. Об умении Павлова играть даже самых сложных и противоречивых персонажей писали его коллеги.


Есть много ярких, серьезных, многоплановых актеров. Среди них и Павлов. Но особенность его в том, что он и по состоянию души, и по ощущению жизни весь — актер. Его невозможно представить в другой области человеческой деятельности. Иногда за него бывает страшно: настолько щедро он выплескивает свой талант в жизни, кажется, что для работы у него уже не останется энергии. Но это напрасные страхи. Он неисчерпаем.

Актриса Наталья Гундарева о Павлове


Последние годы: «перестроечная публицистика» и работы для телевидения


Слева направо: Александр Филиппенко в роли Коровьева-Фагота и Виктор Павлов в роли кота Бегемота в художественном фильме Юрия Кары «Мастер и Маргарита» (1994)

Во время перестройки Виктор Павлов мечтал отойти от классического репертуара и поучаствовать в экспериментальных постановках. Ради этого он в 1985 году вернулся в Московский драматический театр им. М.Н. Ермоловой. Там Павлов сыграл в инсценировке пьесы Александра Буравского «Говори…», спектакле «Последний посетитель». В 1986 году он исполнил одну из главных ролей в постановке Валерия Фокина «Спортивные сцены 1981 года» по одноименному произведению драматурга Эдварда Радзинского. Спектакль был очень популярен — его премьеру в 1986 году посетил даже Борис Ельцин.


Личная история, про которую я писал, в спектакле ушла на второй план. Зал хотел слушать обличения «гнилого режима». <...> И режиссер не мог, не смел не чувствовать этого. <...> И вместе с залом он и актеры творили новый спектакль. О прогнившем жалком советском high society [высшем обществе]. О деловых людях, которые только начинали называться «новыми русскими». О ненависти к наступавшему на всех фронтах первобытному русскому капитализму. <...> И зал радостно смотрел пьесу как некую «перестроечную» публицистику.

Эдвард Радзинский о спектакле «Спортивные сцены» (из книги «О себе»)


Виктор Павлов продолжил сниматься в кино. В 1987 году он сыграл помещика Спицына в картине «Благородный разбойник Владимир Дубровский». В 1990 году артист вернулся в Малый театр, где работал до конца жизни. Даже после распада СССР, когда представители творческих профессий испытывали трудности, почти не получали зарплату и мало играли, Павлов не оставил актерскую карьеру. Его приглашали сниматься в фильмах и сериалах, среди которых «Колечко золотое, букет из алых роз», «Крестоносец» и другие. В 1994-м Павлов сыграл кота Бегемота в экранизации романа Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита» режиссера Юрия Кары. Съемки этой картины, по словам актера, были самыми запоминающимися в его карьере. Он говорил, что «на съемках фильма испытал сильнейшее за всю жизнь чувство».


В 2000-х Виктор Павлов появлялся на телеэкранах. Он был ведущим телеигры «Ваш билет». Однако работе помешала болезнь: актер перенес сначала инфаркт, а затем и инсульт. 24 октября 2006 года Виктор Павлов скончался. Причиной смерти актера стал сердечный приступ. Его похоронили на Кунцевском кладбище в Москве.


Интересные факты


Виктор Павлов в гримерке. Фотография: maly.ru

1. В детстве Виктор Павлов получил травму уха: он занимался борьбой, и на одной из тренировок его партнер неудачно выполнил бросок. Ухо на всю жизнь осталось оттопыренным. Во время вступительных испытаний в театральные институты Павлов очень переживал из-за этого, но члены приемной комиссии ничего не заметили.


2. У актера было необычное хобби — он разводил почтовых голубей. Его птицы жили на чердаке Малого театра. Павлов вспоминал: «Белые голуби, которые взлетают над Малым театром, мои. Мне кажется, что это души актеров, когда-то работавших здесь. Вот эта гордая голубка — Гоголева, а этот любвеобильный — Царев, самый веселый голубь — Ильинский. У меня и в детстве птицы были: голуби, синички, щеглы. Я с птицами раскрепощаюсь. У меня натура восприимчивая, надо эмоции куда-то выплеснуть».


3. Виктор Павлов много рисовал — создавал портреты своих родственников и друзей, всегда брал на съемки краски и кисти. Такое увлечение появилось у актера на третьем курсе Щепкинского училища. Тогда он простудился и потерял голос. Встал вопрос об отчислении. Павлов не отчаялся и пошел на курсы гримеров, которые закончил с отличием. Голос к актеру вернулся после операции. С тех пор Павлов мог работать и как гример.


4. Павлов был любимым актером Бориса Ельцина. В 1994 году актер был удостоен звания народного артиста России и награду получил лично из рук президента.

5. Виктору Павлову часто делали необычные подарки, поэтому в его гримерной в Малом театре было много памятных вещей. После премьеры спектакля «Горячее сердце» к нему подошел один из зрителей — пожилой мужчина. Он подарил Павлову антикварный шкаф ручной работы.

]]>
Юрий Никулинhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/683/yurii-nikulinMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Юрий Никулин

КиноПерсоныАктер кино

Его знали и любили все. Фраза банальна, но иначе и не скажешь. Если мы когда-то (да и сейчас, пожалуй, тоже) были без ума от веселых комедий Леонида Гайдая, если мы наизусть знаем «Кавказскую пленницу» и «Бриллиантовую руку», если готовы в который раз смеяться над забавными приключениями Труса, Балбеса и Бывалого в «Самогонщиках» и «Псе Барбосе», то что это, как не всенародная любовь? О такой популярности другие могут только мечтать. А Юрий Никулин, имея ее, оставался человеком очень скромным и простым. Качества, присущие только настоящему таланту.


Он родился в 1921 году в городе Демидове Смоленской области. На долю Юрия Владимировича выпало немало испытаний. Он прошел войну, защищал Ленинград, пережил блокаду, освобождал Прибалтику. Был награжден медалями «За отвагу», «За оборону Ленинграда», «За победу над Германией». И как ни странно, наверное, именно суровая школа войны воспитала в нем оптимизм и бесконечную любовь к жизни. «Вообще, я человек неприхотливый, мне очень мало нужно для счастья, — говорил Юрий Никулин. — Недавно на улице одна женщина кричала: «Какое счастье! Я купила копченой колбасы по десять рублей!» У нее на лице было настоящее счастье! И я был счастлив, глядя на нее. Вы знаете, у меня своя собственная концепция счастья. Если каждый из нас сумеет сделать счастливым другого человека, хотя бы одного, — на земле все будут счастливы».


Он был прекрасным актером. И не только комическим. Безусловно, он запомнился многим прежде всего ролью Балбеса из гайдаевских картин и образом Семен Семеныча Горбункова из «Бриллиантовой руки» того же Леонида Гайдая. Но есть в его фильмографии и трагические персонажи, которых он сыграл превосходно. Стоит вспомнить хотя бы его Кузьму Кузьмича из фильма Льва Кулиджанова «Когда деревья были большими», или дедушку из «Чучела» Ролана Быкова, или же Лопатина из фильма Алексея Германа «Двадцать дней без войны».


Юрий Никулин был талантлив во всем. А в первую очередь, конечно, в клоунаде. Клоунада — это шутки, смех, но это еще и целая философия. «Я — клоун, — говорил о себе актер. — Я получаю радость, когда слышу, как смеется зал. Я получаю радость, когда вижу улыбки детей и взрослых».

А как органичен и просто незаменим он был в роли телеведущего! Когда в эфире была программа «Белый попугай», душой которой неизменно являлся Юрий Владимирович, бросались все дела — люди спешили к экранам. И что интересно, сразу же улучшалось настроение, забывались, хотя бы ненадолго, обиды и невзгоды. Стоило лишь услышать неизменные анекдоты в исполнении Юрия Никулина. Их он знал множество!

Юрий Никулин очень любил свой старый цирк. Эта любовь передавалась и нам, даже тем, кто не особенно жалует цирковое искусство. Цирк на Цветном бульваре был для него родным домом. Тут он начинал свою творческую деятельность на арене, тут он директорствовал до конца своей жизни. Здесь его боготворили. Да и как иначе можно было относиться к человеку, директору, начальнику, который, входя в столовую, желал всем приятного аппетита. А дверь его кабинета всегда была открыта для любого сотрудника. Сюда можно было прийти, поделиться проблемами. Уладить конфликт и, конечно же, услышать новый анекдот.


«Про меня уже врут, пишут: «великий клоун», — сказал Юрий Никулин в одном из интервью. — Это про меня. Но какой «великий», когда клоуны были лучше меня. Леня Енгибаров вобрал в себя многое великое, что полагалось нашему веку. Да, мы были хорошими клоунами, добротными клоунами. Но популярным меня сделало кино. Публика видела во мне Балбеса, и я публике подыгрывал. Я не считал Балбеса отрицательным героем, я его любил: странного, неунывающего, добродушного. Когда предлагали играть предателей или шпионов, я отказывался...»


Юрия Владимировича Никулина Никулина не стало 21 августа 1997 года. Рядом с его любимым цирком на Цветном бульваре стоит памятник — Никулин в своем клоунском образе. Проходя мимо него, невозможно сдержать добрую и светлую улыбку. Именно такие эмоции вызывал и вызывает этот замечательный артист.


]]>
Галина Вишневскаяhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/115/galina-vishnevskayaWed, 19 Nov 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Галина Вишневская

МузыкаПерсоныИсполнитель

На написание стихотворения «Слушая пение» Анну Ахматову вдохновил голос Галины Вишневской. О судьбе певицы рассказал в опере «Галина» французский композитор Марсель Ландовски. В ее жизни было всё: нищета и слава, предательство и великая любовь, изгнание и триумфальное возвращение.


Галька-артистка


Будущая примадонна Галина Иванова родилась в Ленинграде в семье рабочих. Родители вскоре разошлись, и девочку воспитывала бабушка Дарья. Детство будущей певицы прошло в Кронштадте. За музыкальность и артистизм ее еще в школе прозвали Галькой-артисткой. Великую Отечественную 14-летняя Галина встретила в Эстонии, где гостила у отца: «…это было и не отступление, а просто паническое бегство. Остановились и опомнились уже в Торжке. Так началась для меня война. Так кончилось мое детство». Вернувшись в Кронштадт, девочка оказалась в числе почти трех миллионов блокадников — жителей Ленинграда и пригородов. В феврале 1942 года умерла бабушка Дарья.


Галину спасли женщины, искавшие еще живых по домам и квартирам. Пятнадцатилетняя девушка попала в отряд местной противовоздушной обороны, работала наравне со взрослыми, а по вечерам пела в самодеятельности. К этому времени обладательница звонкого чистого сопрано уже решила: она будет певицей. В 1943 году после прорыва блокады Галина уехала в Ленинград, училась в музыкальной школе, а вечерами работала помощником осветителя в ДК.


И вот я впервые сижу в зале Михайловского театра и слушаю «Пиковую даму» Чайковского <…> То волнение, потрясение, которое я пережила там, было не просто наслаждением от спектакля: это было чувство гордости за свой воскресший народ, за великое искусство, которое заставляет всех этих полумертвецов — оркестрантов, певцов, публику — объединиться в этом зале, за стенами которого воет сирена воздушной тревоги и рвутся снаряды.

Галина Вишневская. «Галина: История жизни»


В 1944 году Галина Иванова вышла замуж за моряка Георгия Вишневского. Скоропалительный брак распался через два месяца, но звучную «сценическую» фамилию Галина сохранила. В том же году Вишневская устроилась в Ленинградский областной театр оперетты, который колесил по разрушенной войной стране. Однажды на гастролях Галина, знавшая наизусть весь репертуар, спасла спектакль: заменила заболевшую певицу. Так из хора она попала в солистки.


После войны Вишневская стала выступать на эстраде. Ее увлечение оперой началось со знакомства с Верой Гариной, педагогом по вокалу. До революции Гарина выступала в Европе, училась у венской примадонны Паулины Лукки. «Лукка была поющей актрисой, — отмечал музыковед Абрам Гозенпуд. — Знатоки находили, что в ее вокальной технике много недостатков, что в этой области она не может соперничать с Патти и Нильсон <…> Но точно так же Патти и Нильсон не могли сравняться с Луккой в драматической силе передачи партии, не говоря о диапазоне ее творческой индивидуальности». Век спустя так же характеризовали дарование оперной «внучки» Паулины Лукки — Галины Вишневской.


В 1952 году 25-летняя певица почти случайно попала на прослушивание в стажерскую группу Большого театра — так бывшая эстрадная и опереточная артистка стала солисткой главного театра СССР. Все могло сложиться иначе, узнай руководство, что отец Вишневской, бросивший ее в детстве, был осужден как «враг народа».



«Нокаут в глаза и в уши»


Первыми партиями Галины Вишневской в Большом театре были Татьяна в «Евгении Онегине» Чайковского (кстати, голос молодой Вишневской в этой партии можно услышать в фильме «Евгений Онегин» 1958 года) и Леонора в «Фиделио», первой постановке этой оперы в СССР. Над обеими ролями певица работала с режиссером Борисом Покровским, который создавал новый театр, основанный на принципах Станиславского, — в противовес клише, которыми за столетия оброс условный по своей природе оперный жанр.



Главный дирижер Большого театра Александр Мелик-Пашаев посвятил молодую солистку в музыкальные тонкости профессии. Под его руководством она спела свои лучшие роли: Аиду Джузеппе Верди, Баттерфляй Джакомо Пуччини, Купаву в «Снегурочке» Николая Римского-Корсакова, Наташу Ростову в «Войне и мире» Сергея Прокофьева, Лизу в «Пиковой даме» Петра Чайковского и многие другие.


«Она откуда-то вдруг появилась в Большом театре. Нежданно-негаданно, никому не известная, но совершенно готовая, в высшей мере профессионал. <…> Как будто кто-то свыше для проверки нашего художественного чутья и справедливости заслал к нам молодую, красивую, умную, энергичную женщину с экстраординарными музыкально-вокальными данными… с актерским обаянием, темпераментом, природным сценическим самочувствием и ядовито-дерзкой правдой на устах».

Борис Покровский


В 1959 году Галина Вишневская впервые отправилась на гастроли в США. Как вспоминала сама певица, американцы не ожидали увидеть коммунистку — светскую даму. Ее выступление назвали «нокаутом в глаза и в уши». Западные критики на протяжении всех последующих лет искали корни ее драматизма в романах Достоевского и «великом русском немом кино». Галине стали поступать предложения из зарубежных театров, но такие решения принимали в Союзе не артисты, а Министерство культуры, поэтому выступления Вишневской за рубежом не были систематическими.


В 1955 году после четырех дней знакомства певица вышла замуж за виолончелиста Мстислава Ростроповича. Брак оказался счастливым, у артистов родились две дочери — Ольга и Елена. «Странно, что, несмотря на такую молниеносную женитьбу, мы не открыли для себя в будущем никаких неприятных сюрпризов… Сюрпризом оказалось то, что он — большой музыкант, а я — хорошая певица», — писала Вишневская. Их тандем был еще и творческим: она пела, он аккомпанировал на рояле. В камерном жанре незаменимым оказался эстрадный опыт Вишневской, когда без декораций и костюмов за несколько минут она погружала слушателя в воображаемый мир.



В тембр голоса Галины Вишневской были влюблены видные композиторы той эпохи. Вокальные циклы и симфонические произведения для нее писали Борис Чайковский, Бенджамин Бриттен, Кшиштоф Пендерецкий, Марсель Ландовски. Особое место в репертуаре Вишневской занимала музыка Дмитрия Шостаковича — близкого друга семьи. Для Галины он написал партию сопрано в 14-й симфонии, вокальные циклы на стихи Александра Блока и Саши Черного, оркестровку «Песен и плясок смерти» Модеста Мусоргского. Выдающийся дирижер Герберт фон Караян отзывался о фильме «Катерина Измайлова» по произведению Шостаковича с Вишневской в главной роли как о лучшей экранизации оперы. В 1971 году Караян выпустил запись «Бориса Годунова» Модеста Мусоргского, где партию Марины Мнишек исполнила Галина Вишневская.



Изгнание и возвращение


В 1970 году Мстислав Ростропович написал открытое письмо редакторам главных советских газет в защиту опального писателя Александра Солженицына. За двенадцать лет до этого, в разгар травли Бориса Пастернака, Галина Вишневская отказалась подписывать письмо творческой интеллигенции против писателя. Правительство начало чинить препятствия к выступлениям Ростроповича за рубежом и в СССР. Вишневская продолжала работать в Большом, но ее перестали упоминать в СМИ. В 1974 году супруги добились разрешения выехать из СССР в «творческий отпуск», и спустя несколько лет их лишили советского гражданства. Вернули его только в 1990 году — с этого времени артисты стали регулярно бывать в России.


В годы вынужденной эмиграции семья жила в США, Франции, Великобритании. Вишневскую приглашали работать крупнейшие театры. Одной из заметных ее работ того периода стала Леди Макбет в «Макбете» Джузеппе Верди, исполненная на Эдинбургском фестивале. В 1982 году певица приняла решение покинуть оперную сцену, дав серию спектаклей «Евгений Онегин» в парижской Гранд-опера. «Мне приятно думать, что после 30 лет карьеры я смогла спеть роль, с которой дебютировала в Большом, и спеть ее хорошо», — сказала она позже в одном из интервью. Творческое долголетие действительно редко встречается в опере, и тем удивительнее, что Вишневская покинула сцену на пике формы. «Лучше уйти на несколько лет раньше, чем на день позже», — любила повторять она.


В 1984 году вышла автобиографическая книга певицы «Галина: История жизни» на английском языке. В России ее впервые издали в 1991 году. В 1993 году вышел фильм «Провинциальный бенефис» по пьесам Александра Островского, где Галина Вишневская исполнила главную роль. На сцене МХАТа им. Чехова она играла Екатерину II в спектакле «За зеркалом». Специально для Вишневской Александр Сокуров написал сценарий фильма «Александра», который зрители увидели в 2007 году.



В 2002 году в Москве открылся Центр оперного пения Галины Вишневской, где начинающие исполнители получают последипломное образование.


«Я — русская женщина, русская певица, и считаю своим долгом передать именно русским оперным певцам то, что я знаю, то, чему меня научили мои незабвенные учителя», — говорила она. С 2006 года проводится Международный конкурс оперных артистов Галины Вишневской — еще одна возможность для молодых певцов заявить о себе.


Галины Вишневской не стало 11 декабря 2012 года. Ее преемницей в руководстве многими проектами стала дочь Ольга Ростропович.


]]>
Анатолий Эфросhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2419/anatolii-efrosMon, 12 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Анатолий Эфрос

ТеатрыПерсоныХудожник-постановщик

Знаменитый режиссер родился в семье служащего авиационного завода. Начало Великой Отечественной войны застало его подростком; вместе с заводом, где он работал слесарем, Эфрос оказался в эвакуации в Перми. Также в эвакуации находилась актерская студия Ю.А. Завадского при Театре им. Моссовета, куда Эфрос поступил в 1943 году. На следующий год он также поступил на режиссерский факультет ГИТИСа.


После окончания ГИТИСа (в 1950-м) Эфрос работал в Рязанском драматическом театре, а в 1954 году — режиссером-постановщиком в Центральном детском театре (современный РАМТ). Он провел в этих стенах почти десять лет, за это время не только подняв его на новый уровень, но и внеся свою лепту в возрождение русского театра середины ХХ века. В 1963 году Эфроса пригласили возглавить Ленком, который также переживал не лучшие времена. Эфрос вдохнул новое дыхание и в этот театр. Однако в 1967 году Эфроса, который попал в опалу, отстранили от руководства Ленкомом, ряд его спектаклей запретили. Перейдя в качестве одного из режиссеров в Театр на Малой Бронной, Эфрос в итоге проработал 17 лет, создав внутри него «свой театр». Эти годы, когда он не занимал руководящих должностей, а занимался чистым искусством, оказались крайне продуктивными.


В 1984 году в результате конфликта Эфрос был вынужден покинуть и этот театр. Он согласился стать главным режиссером Театра на Таганке вместо Юрия Любимова, позволившего себе за границей нелицеприятные высказывания о власти. Труппа приняла Эфроса негативно, бойкотировала его, ряд актеров покинули театр. В 1985 году, вместе со сменой руководства страны, возникли разговоры о возвращении Любимова. В разгар этих событий Эфрос умер от инфаркта в возрасте 61 года.


]]>
Виталий Вульфhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/206/vitalii-vulfThu, 25 Jan 2018 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Виталий Вульф

ЛекцииПерсоныИскусствовед

Виталий Вульф — советский и российский писатель, переводчик, критик, кино- и театровед, автор и ведущий программы «Серебряный шар». Он получил юридическое образование, но благодаря безграничной эрудиции и искренней любви к искусству добился успеха во многих творческих сферах.


Потомственный юрист


Виталий Вульф родился в 1930 году в Баку в обеспеченной семье. Его отец Яков Вульф был известным адвокатом, а мать Елена Беленькая преподавала русский язык и литературу. Помогала воспитывать мальчика гувернантка-немка, которая учила его иностранным языкам. В семь лет Виталий впервые попал на спектакль, и настолько впечатлился игрой артистов, что сам захотел стать актером. Виталий Вульф увлекся театром и, когда научился бегло читать, стал брать в библиотеке пьесы и разучивать их.



Среднее образование Вульф получил в бакинской средней школе №160 — он называл ее «лучшей школой» по образованию и дисциплине. В 12 лет под впечатлением от спектакля в бакинском оперном театре Виталий Вульф решил брать домашние уроки по классу рояля. Учился музыке он четыре года: особых способностей, по собственному признанию, у него не проявилось, но знание специальной литературы помогло ему в будущем.


После окончания школы Виталий хотел поступить в ГИТИС, но отец настоял, чтобы сын пошел по его стопам. Поэтому в 1947 году младший Вульф поступил на юридический факультет Московского государственного университета. При этом юриспруденция его совершенно не интересовала — зато почти каждый вечер он ходил на спектакли. Его тетя, втайне от родителей, высылала ему деньги на билеты в театр.



После окончания университета Виталий Вульф трижды пытался поступить в аспирантуру, но раз за разом получал отказ. В то время советская власть развернула антисемитскую кампанию, поэтому юноше еврейского происхождения было сложно получить научную степень. Даже чтобы просто работать по специальности, Вульфу пришлось уехать к родителям в Баку. Но, как и в Москве, он так и не нашел там подходящей должности, поэтому некоторое время был школьным учителем истории СССР и логики. Позже Вульф устроился в бакинскую адвокатуру, где проработал пять лет.


«Я очень долго искал себя»



В 1957 году Виталию Вульфу все-таки удалось поступить в аспирантуру на заочное отделение. В этом же году умер его отец, и пришлось вернуться в Баку, чтобы заботиться о матери. Он устроился младшим научным сотрудником в Институт государства и права Академии наук Азербайджанской ССР и параллельно работал в адвокатуре. Природный ораторский талант помогал Вульфу в профессии, но больших денег ему так и не удавалось заработать.


В 1962 году Вульф защитил диссертацию на тему «Обязанность доказывания в советском уголовном процессе» и получил степень кандидата юридических наук. В этом же году он окончательно переехал в Москву. Первые пять лет в столице он жил очень бедно, но все так же любил театр и почти ежедневно посещал спектакли МХАТа, Малого театра, Театра имени Вахтангова, Театра имени Маяковского. В эти годы он подружился со многими театральными деятелями: Олегом Ефремовым, Галиной Волчек и Леонидом Эрманом.



«Я очень долго искал себя. Оперы, балеты, драматические спектакли — все занимало воображение. Говорят, что у каждого человека есть своя «линия жизни», наверное, она существует, но одни ее осознают раньше, другие позже. Судьба складывается не только из желаний, идей, но и из реальных обстоятельств. Их мне приходилось очень долго и не всегда успешно преодолевать. Только верность тому, что любил с детства, помогла выжить, но привычки тех лет остались позади».


Виталий Вульф


В 1967 году Вульф устроился в Институт международного рабочего движения Академии наук СССР, где и проработал 30 лет. Здесь он изучал молодежное сознание в западных странах и театральные проблемы, особенно его интересовала история американского театра.


Театровед, переводчик, телеведущий



В 1970-х годах Виталий Вульф начал издавать свои статьи в газетах и журналах. Его дебютная публикация «Вокруг Вудстокского фестиваля» в журнале «Театр» была посвящена движению хиппи. Так начался новый этап в жизни Вульфа — все свое время он стал уделять изучению театра. В это время он начал переводить произведения англо-американских драматургов: Сомерсета Моэма, Теннесси Уильямса, Юджина О’Нила, Эдварда Олби — всего около 40 пьес. Многие из них вскоре поставили на сценах московских театров — МХАТа, «Современника», Театра имени Маяковского, Театра имени Моссовета и Малого театра.


«Этот переход из нелюбимой профессии в любимую оказался очень труден. Много было уколов, неприятия в театральной критической среде («Откуда взялся этот Вульф?»), и начались «скачки с препятствиями».


Виталий Вульф


В 1982 году вышла первая книга Виталия Вульфа — «От Бродвея немного в сторону, 1970-е годы» с подзаголовком «Очерк о театральной жизни США, и не только о ней». Через три года Вульф представил читателям вторую книгу — «А.И. Степанова — актриса Художественного театра». К тому моменту он уже заслужил авторитет знатока театрального искусства. В 1989 году Вульф защитил диссертацию «Американский театр 70-х годов и общественно-политическая реальность» и стал доктором исторических наук. В этом же году его впервые отправили в командировку в США.


После этого визита декан театрального факультета Нью-Йоркского университета прислал Вульфу рабочую визу и приглашение читать лекции в их университете. Так в 1992 году Вульф во второй раз отправился в Америку, где преподавал курсы «История русской драматургии», «Чехов и театр», «Сталин и театр», «Театр Теннесси Уильямса».
В 1994 году Виталий Вульф вернулся в Россию. В этом же году его пригласил на телевидение журналист Владислав Листьев. Театровед согласился и стал автором и ведущим программы «Серебряный шар». Героями его передач были актеры, писатели и политические деятели. Со многими из них автор был знаком лично. В своей авторской программе Виталий Вульф рассказал о Франклине Рузвельте, Фаине Раневской, Марине Цветаевой, Олеге Ефремове, Юрии Григоровиче, Иве Монтане. Всего в эфир вышло более 200 выпусков.


«Трудно было тогда предположить, что спустя четыре года благодаря Владу Листьеву возникнет «Серебряный шар», который крутится вот уже столько лет. Поначалу сталкиваясь с раздражением, сопротивлением недругов, неприятием, потом он станет программой, вызывающей у миллионов людей интерес и любопытство. Нельзя было представить себе, что мое лицо станет узнаваемым почти повсюду и степень ответственности, когда создаешь программу, вырастет раз в сто».


Виталий Вульф


В 1998 году Виталий Вульф стал заслуженным деятелем искусств России. Он начал писать колонки «Заметки мэтра» для еженедельника «Век». Вскоре театровед оставил издание: работа над передачей занимала почти все его время. В 2001 году вместе с журналисткой Серафимой Чеботарь Виталий Вульф начал вести рубрику «Кумиры. Легенды» в журнале L’Officiel. В соавторстве они выпустили семь биографических сборников о знаменитостях.


В 2003 году Виталия Вульфа наградили орденом Почета за многолетнюю плодотворную деятельность в области культуры и искусства, в 2006 году — орденом «За заслуги перед Отечеством» IV степени, а еще через четыре года — орденом III степени. Вульф стал лауреатом национальных премий «ТЭФИ» и «Радиомания», Всероссийского конкурса «За образцовое владение русским языком».


Виталий Вульф умер в 2011 году. Похоронили театроведа на Троекуровском кладбище в Москве.

]]>
Георгий Вицинhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/802/georgii-vicinMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Георгий Вицин

КиноПерсоныАктер кино

Георгий Вицин начал выходить на сцену еще в школьных спектаклях, когда ему было 12 лет. Он учился в Театральном училище, служил в театре, играл в кино характерных драматических героев. После выхода на экраны комедии Леонида Гайдая «Пес Барбос и необычный кросс» Георгий Вицин стал частью легендарного актерского трио — ВиНиМора — Труса, Балбеса и Бывалого.


Николай Гоголь и другие драматические персонажи


Георгий Вицин родился в 1917 году. Позже его мать исправила документ о рождении, чтобы иметь возможность отправить сына в оздоровительную школу. Когда будущему актеру было 8 месяцев, его родители переехали из Ленинградской области в Москву. Мать Вицина сменила несколько рабочих мест и в конце концов устроилась билетером в Колонный зал Дома союзов. Она часто брала сына с собой на выступления, а в 12 лет он увлекся театром и стал играть в школьных спектаклях — в основном отрицательных героев.



После школы Георгий Вицин поступил в училище Малого театра. Однако вскоре его отчислили — «за легкомысленное отношение к учебному процессу». Спустя год он подал документы вновь, причем сразу в три театральные студии. И его приняли во все. Вицин выбрал Театральное училище при театре имени Е. Вахтангова (сегодня — Театральный институт имени Бориса Щукина) и учился здесь до 1935 года.


В 1936 году молодой актер поступил на работу в театр-студию, которой руководил известный советский режиссер Николай Хмелев. Вскоре у Вицина начался роман с женой Хмелева — Надеждой Тополевой. У них была большая разница в возрасте: Георгию Вицину было 19 лет, а Тополевой 35. Однако она ушла от мужа к молодому актеру.


В кино Георгий Вицин дебютировал почти через 10 лет — в середине 1940-х годов. По разным данным, его первой картиной был фильм «Иван Грозный» Сергея Эйзенштейна или «Здравствуй, Москва» Сергея Юткевича. Спустя несколько лет Вицин сыграл Николая Гоголя в ленте «Белинский» Григория Козинцева. Вскоре после «Белинского» актера вновь пригласили на роль Гоголя, а потом появились и другие драматические персонажи.



ВиНиМор — Трус, Балбес, Бывалый


Первая комедия появилась в кинокарьере Вицина в 1954 году. Он сыграл футболиста Василия Веснушкина в фильме «Запасной игрок» Семена Тимошенко. Вицин попал на пробы практически случайно: он приехал на «Ленфильм», чтобы поучаствовать в кастинге для другого фильма.


Спустя три года Георгий Вицин впервые сыграл в комедии Леонида Гайдая «Жених с того света». Фильм не стал популярным у советских зрителей, зато Гайдай решил снять актера в своей следующей работе — «Пес Барбос и необычный кросс». По легенде, режиссер увидел в газете фельетон про браконьеров и придумал комедию с трио отрицательных персонажей. Так появились Трус, Балбес и Бывалый. И в этой ленте, и во многих других их играли Георгий Вицин, Юрий Никулин и Евгений Моргунов. Короткометражка «Пес Барбос и необычный кросс» стала очень популярной у зрителей, а ее главные герои — персонажами советских анекдотов. У актеров даже появилось одно на троих имя — ВиНиМор, его составили из первых букв фамилий.


После короткометражки актеры ВиНиМор сыграли в «Самогонщиках» Гайдая, а потом в полном составе перешли в картину «Дайте жалобную книгу» Эльдара Рязанова. Цитаты из фильмов с Трусом, Балбесом и Бывалым уходили в народ, киностудии получали сотни писем со всего Советского Союза. В стране выходили майки, игрушки, календари с изображением звездного актерского трио. Их использовали даже в мультфильмах: срисованные с Труса, Балбеса и Бывалого лесные разбойники появились в ленте «Бременские музыканты».


В 1967 году Леонид Гайдай приступил к съемкам «Кавказская пленница». По легенде, шутки и трюки для фильма придумывала вся группа, включая Вицина, Моргунова и Никулина. Сцену, где звездная троица становится перед движущейся машиной, приписывают именно Георгию Вицину. «Кавказская пленница» 1967 года стала лидером проката: ее посмотрели 76,5 миллиона зрителей.


В 1979 году в Москве открылся Музей трех актеров, посвященный Вицину, Никулину и Моргунову. Его создал артист эстрады и цирка Владимир Цукерман. В музее хранятся плакаты и газетные вырезки, конфеты и куклы, посвященные ВиНиМору, аудиозаписи с голосами актеров и их фотографии.



Актер и художник


Георгий Вицин сыграл Труса семь раз. И это был не единственный отрицательный герой в его карьере. Вицину часто приходилось играть персонажей, злоупотребляющих алкоголем и обладающих сомнительными моральными качествами. А вне экранной жизни актер вел здоровый образ жизни: он не употреблял крепкие напитки, не курил и увлекался йогой, которая в Советском Союзе в те годы была негласно запрещена. На съемках «Кавказской пленницы» Георгий Вицин даже выпил несколько кружек настойки шиповника, прежде чем режиссер заставил его выпить кружку настоящего пива.


«При всем этом за долгие годы работы в кино Георгий Михайлович мастерски научился играть алкашей. Однако в реальной жизни он так и не научился пить. <…> В киношной среде даже ходила такая байка. Один актер говорит другому: «Был вчера на презентации. Стол был шикарный. Все были, все пили. Леонов, Папанов, Миронов, Никулин, Моргунов, Вицин…» — «Стой, — прервал второй, — не ври». — «Ну все были, и все пили. Кроме Вицина, конечно…».

Владимир Цукерман, директор Музея трех актеров


Снимаясь в кино, Георгий Вицин продолжал работать в театре. После двадцати лет жизни с Надеждой Тополевой он познакомился с Тамарой Мичуриной, которая позже стала его официальной женой. Мичурина, племянница известного советского ученого, работала бутафором в Театре имени Ермоловой. Познакомились будущие супруги на Пасху, когда в реквизиторской все обменивались крашеными яйцами и куличами. Вскоре пара поженилась, и у них родилась дочь Наталья.


Всего Георгий Вицин сыграл более чем в 100 фильмах. Кроме того, он озвучивал мультфильмы и художественные картины, участвовал в радиоспектаклях, писал картины, рисовал карикатуры, создавал скульптуры. Вместе с другими артистами Вицин ездил на гастроли по Советскому Союзу, выступал с программой «Товарищ КИНО» и концертами. Последний раз актер выходил на съемочную площадку в 1994 году: он сыграл в комедии «Несколько любовных историй» Андрея Бенкендорфа и криминальном боевике с элементами мистики «Хаги-Траггер» Эльдора Уразбаева. После этого Георгий Вицин выступал только в концертах Театра киноактера.


Георгия Вицина не стало в 2001 году. Актера похоронили на Ваганьковском кладбище в Москве.


]]>
Ия СаввинаКак выпускница факультета журналистики стала популярной советской актрисой.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/992/iya-savvinaFri, 13 Sep 2019 20:05:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Ия Саввина

КиноПерсоныАктер кино

Ия Саввина не была профессиональной актрисой: она закончила факультет журналистики и всегда мечтала работать по специальности. Но уже после первого спектакля ее начали приглашать играть и в театры, и в кино. Саввина исполнила несколько десятков ролей в кино и театре, о ней писали Фаина Раневская и Любовь Орлова. Актриса не только играла в кино, но и озвучивала персонажей мультфильмов, например Пятачка в советском «Винни-Пухе».


Студентка журфака и актриса театра МГУ


Ия Саввина в гримерке театра. Фотография: 24smi.org

Ия Саввина родилась 2 марта 1936 года в Воронеже. Ее родители вскоре развелись, будущую актрису воспитывала мать — Вера Кутепова. В 1946 году они перебрались в деревню под Воронежем: Кутепову направили туда работать сельским врачом. Ия Саввина посещала местную школу. Ей нравилась литература, и Саввина мечтала стать преподавателем.


Школу Саввина закончила с золотой медалью, и у нее был шанс поступить в Московский государственный университет. Однако, когда она добралась до столицы, прием документов на филфак уже закрыли. Можно было подать документы на факультет журналистики, который в те годы только отделился от филологического.


Конкурс был сложным, на одно место — 13 медалистов. Многие не могли ответить на дополнительные вопросы, но Саввиной повезло. Экзаменаторы обратили внимание на ее необычное имя — в переводе с грузинского оно означало «фиалка», а после задали формальный вопрос — о любимом поэте. Саввина прочитала Маяковского, а на следующий день увидела себя в списках зачисленных.


Театром Ия Саввина увлекалась еще со школы, и в университете совмещала учебу с занятиями в драматическом кружке. В 1955 году сыграла в любительском спектакле «Машенька». После чего решила пойти в Студенческий театр МГУ, который уже в те годы ставил спектакли наравне с профессиональными коллективами. Первое время она служила там костюмером, а после стала пробоваться на маленькие роли. На репетициях Саввина познакомился со студентом-гидрогеологом Всеволодом Шестаковым. Они поженились, и в 1957 году в семье родился сын Сергей. Однако брак вскоре распался.

В 1958 году, когда подбирали актеров для нового спектакля Ролана Быкова «Такая Любовь», руководитель коллектива Константин Липский порекомендовал Саввину на главную роль — Лиды Матисовой.


Спектакль «Такая любовь» родился на бурном сломе времени, на подъеме общественной жизни; тогда в Политехническом стали устраивать вечера поэтов, Ефремову удалось создать «Современник», появились новые имена в режиссуре. В МГУ был приглашен молодой актер Московского ТЮЗа Ролан Быков, который в нашем коллективе нашел единомышленников. «Такую любовь» пересмотрела вся Москва.

Ия Саввина


В 1958 году Ия Саввина закончила факультет журналистики, защитила диплом по теме «Телевизионные передачи по вопросам литературы и искусства» и какое-то время работала по специальности — в издательстве и на телевидении. Актриса вспоминала: «После окончания университета я должна была работать в Детгизе, и была рада этой возможности, потому что обожаю детскую литературу, «проглатываю» все новинки».


«Дама с собачкой»


Ия Саввина в роли Анны Сергеевны и Алексей Баталов в роли Дмитрия Гурова в художественном фильме Иосифа Хейфица «Дама с собачкой» (1960)

После спектакля «Такая любовь» выпускницу журфака стали приглашать играть в театре и кино, но она не соглашалась: хотела работать по специальности. Но от главной роли в «Даме с собачкой» по рассказу Антона Чехова отказаться не смогла. На съемки Саввину позвал Алексей Баталов — он заметил актрису на постановке «Такой любви» и предложил прийти на пробы. Режиссер Иосиф Хейфиц решил, что Саввина отлично подойдет на роль Анны Сергеевны фон Дидериц, «дамы с собачкой». Этому назначению удивлялись. Людмила Гурченко вспоминала: «Лично меня искренне огорчило, что такую неприметную девушку берут на «даму». Саввина позже писала, что работа над «Дамой с собачкой» отняла у нее много сил. Театрального образования не было и актерскому мастерству приходилось учиться прямо на съемочной площадке. Она говорила: «Я — лучшая актриса среди журналистов».


Многие сцены из фильма снимали на набережной Ялты. Декораторы установили здесь деревянную копию старинной чугунной изгороди. Съемки проходили утром, на рассвете: в это время здесь почти не было отдыхающих.


Премьера картины прошла в январе 1960 года. Фильм показали и на Международном кинофестивале в Каннах — жюри присудило ленте приз «За гуманизм и исключительные художественные качества», а Саввина получила специальную награду за лучшую женскую роль. Картину отметили и на других конкурсах: «Юсси» в Финляндии, Международном смотре фестивальных фильмов в Лондоне. Алексей Баталов и Ия Саввина стали известны в стране и за рубежом.


«Нора желает Норе успеха»: роли в Театре имени Моссовета


Ия Саввина в роли Фэрри и Фаина Раневская в роли Этель Сэвидж в спектакле Леонида Варпаховского «Странная миссис Сэвидж». 1965. Театр имени Моссовета, Москва. Фотография: f-ranevskaya.ru

В 1960 году Юрий Завадский пригласил Ию Саввину в Театр им. Моссовета, где она дебютировала в спектакле «Нора» по пьесе норвежского драматурга Генрика Ибсена. Позднее актриса вспоминала, что очень волновалась перед премьерой: «Заботами театра первый спектакль был обставлен как событие. Тут были и специальные афиши с крупно набранной шапкой: «Дебют артистки Ии Саввиной» (увидев, я чуть не умерла от страха)». После спектакля Саввина получила отзыв от знаменитой актрисы Любови Орловой, которая исполняла эту роль раньше: «Нора желает Норе успеха, бодрости духа, спокойствия. Тогда все будет хорошо. Обнимаю. Любовь Орлова». Спектакль много лет не выходил из репертуара театра.


Саввиной наравне с ведущими артистами театра стали давать главные роли в постановках. В 1965 году она сыграла в спектакле «Странная миссис Сэвидж», где ее партнершей по сцене была Фаина Раневская.


Это была первая встреча, в которой я полностью убедилась в том, что моя партнерша умна, талантлива. Для меня партнер самое главное. Она [Ия Саввина] была настолько правдива, настолько убедительна, что мне было трудно представить себе ее иной. Но тут же вспомнила пленительную «даму с собачкой» в кинофильме, вспомнила ряд других ее работ в кино и театре иного плана, и мне стало ясно, что я встретилась с большой актрисой большого дарования, и очень этому обрадовалась…

Фаина Раневская, «Судьба-шлюха»


В 1969 году в Театре им. Моссовета прошла премьера спектакля «Петербургские сновидения» по произведениям Федора Достоевского, в котором актриса исполнила роль Сони Мармеладовой. Поэт Павел Антокольский, который побывал на постановке, посвятил актрисе стихотворение «Сонечка Мармеладова. Ии Саввиной»:


Под пьяный гомон, гам и гик,
Под вопли низменных клевет,—
Для зрителей, для всех других
Сама в себе — ярчайший свет.
Она, как в храм, пришла на сцену,
К высокой роли не готовясь,
Чтобы свою назначить цену
На Достоевского, на совесть.


В то же время Саввина продолжала работать в кино: в 1967 году она сыграла Долли Облонскую в «Анне Карениной» и снялась в фильме Андрея Кончаловского «История Аси Клячиной, которая любила, да не вышла замуж». Саввина называла эти роли главными в своей карьере. Актриса писала: «Я всегда мечтала сыграть женщину, противостоящую обстоятельствам. <...> Такова моя крестьянка Ася, такова и княгиня Долли — идеал толстовской женщины. Они дороги мне как прообразы, и я в долгу перед ними как актриса».


«Винни-Пух и все, все, все»: озвучивание мультфильма


Ия Саввина. Фотография: nastroenie.tv

В 1969 году Ие Саввиной сделали необычное предложение. Режиссер Федор Хитрук пригласил работать над новым мультфильмом по книге Бориса Заходера «Винни-Пух и все, все, все». Заходер был любимым писателем ее сына, актриса хорошо знала его творчество, а «Винни-Пуха» и вовсе читала наизусть.


Всех дублеров в то время уже набрали, а с озвучиванием Пятачка возникли проблемы: никто из претендентов не устраивал Хитрука. Когда режиссер услышал голос Ии Саввиной, он сразу предложил ей этого персонажа.


Реплики Винни-Пуха зачитывал Евгений Леонов. Актриса часто вспоминала комичные случаи, когда сосредоточенный и трагичный, как Гамлет, Леонов, перед микрофоном произносил: «А не пора ли… подкрепиться?» или «Куда идем мы с Пятачком — большой-большой секрет».


Пятачка Ия Саввина решила озвучивать героя в стиле речи Беллы Ахмадулиной. Актриса любила слушать ее выступления поэтессы, пересматривала фильм «Живет такой парень» с ее участием. Персонаж мультфильма заговорил таким же хрустальным голосом и так же распевал слова. При монтаже запись ускорили, а тон повысили. Федор Хитрук позже вспоминал: «Это было стопроцентное попадание!»


После выхода мультфильма на экраны Белла Ахмадулина позвонила Саввиной: «Спасибо, что подложили мне не свинью, а прелестного поросенка».


Роли Саввиной во МХАТе


Ия Саввина и актер и режиссер Олег Ефремов. Музей Московского художественного академического театра, Москва

В 1977 году художественный руководитель МХАТа Олег Ефремов пригласил Саввину присоединиться к его труппе. «Я пришла работать не в Художественный театр, а к Олегу Николаевичу Ефремову», — писала позже артистка. В этом театре Саввина дебютировала в спектакле «Дачники» режиссера Владимира Салюка. По словам Ефремова, вскоре она стала одной из основных актрис МХАТа и добавила его постановкам «чистого, интеллигентного звучания».


...Пройдя практическую школу, она на самом деле берет не столько мастерством и изыском, сколько своей богатой интуицией и талантом, отпущенным от Бога. <...> Ия Саввина — актриса, которая притягивает к себе людей. Что очень важно, просто необходимо в театре. С ней можно обо всем говорить всерьез. Спорить всерьез. И также всерьез посидеть за столом. Но превыше всего для нее — Театр.

Олег Ефремов (по книге «Буклет к юбилею»)


На сцене МХАТа ставили спектакли с участием актрисы: «Так победим!», «Заседание парткома». Часто Саввина играла в постановках по рассказам и пьесам Чехова — «Дяде Ване», «Вишневому саду» и другим, а в 1981 году совместно с другими актерами МХАТа она записала радиоспектакль «Чайка».


В 1990-х Ия Саввина приняла участие в проекте «Чехов и К°», который был посвящен столетнему юбилею МХАТа, играла в постановках «Новый американец» по произведениям Сергея Довлатова, «Кошки-мышки» и других. За главную женскую роль в спектакле «Рождественские грезы» режиссера Петра Штейна в 1999 году артистке присудили Высшую театральную премию Москвы — «Хрустальная Турандот».


Последние роли в кино и публицистика


Ия Саввина в роли Лидии Аникеевой и Лия Ахеджакова в роли Елены Малаевой в художественном фильме Эльдара Рязанова «Гараж» (1979)

В 1979 году Ия Саввина снялась в фильме Эльдара Рязанова «Гараж», где впервые сыграла отрицательного персонажа — доктора наук Лидию Аникееву. Режиссер картины рассказывал в интервью, что работать с актрисой было легко: она ответственно подходила к съемкам, тщательно учила тексты и прекрасно вживалась в роль. «У меня была с ней только одна встреча в кино, но она запомнилась мне на всю жизнь», — вспоминал Рязанов.

В этом же году Саввина познакомилась со своим вторым мужем — актером и режиссером Театра на Таганке Анатолием Васильевым. Вместе они прожили больше 30 лет.


В 1980-х Саввину на съемки звали реже. В эти годы на экраны вышли два фильма с ее участием — «Слезы капали» и «Продлись, продлись, очарованье…».


В начале 1990-х годов Ия Саввина выпустила сборник «Статьи разных лет», в который вошли ее лучшие журналистские работы — интервью, киноведческие очерки, театральные рецензии.

В 1994 году Андрей Кончаловский решил снять картину «Курочка Ряба» — продолжение фильма 1967 года «История Аси Клячиной, которая любила, да не вышла замуж». Он пригласил Ию Саввину на главную роль, но актриса отказалась.


Я стал свидетелем, когда, прочитав сценарий-продолжение, Саввина отказалась от съемок. <...> В новом фильме жизнь перечеркивала святость этой женщины, оставляя нас наедине с человеком раздавленным, озлобленным и жестким. Саввина согласиться с этим не могла. У нее ничего не бывает просто так. Живет она удивительно осмысленно, сохраняя во всех перипетиях достоинство.

Актер Дмитрий Брусникин, из публикации «Ия Саввина: жизнь по гамбургскому счету» в «Литературной газете», 2011


В 2000-х актриса снималась мало. Она сыграла в картинах «Постельные сцены» Кирилла Серебренникова, «Слушая тишину» Александра Касаткина и «Ты меня слышишь?» Петра Штейна.


27 августа 2011 года актрисы не стало. Похоронили ее на Новодевичьем кладбище в Москве.

]]>
Наталья Гундареваhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1682/natalya-gundarevaTue, 16 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Наталья Гундарева

КиноПерсоныАктер кино

Наталья Гундарева была уникальной актрисой, с потрясающим даром перевоплощения. Ей были подвластны абсолютно любые роли и образы — от хамоватой пьянчужки Люськи в «Небесах обетованных» до уютной многодетной мамы Нади Кругловой в «Однажды двадцать лет спустя», от примадонны Мельниковой в «Зимнем вечере в Гаграх» до мещанки Анны Доброхотовой в «Сладкой женщине», от кокетливой служанки Смеральдины в «Труффальдино из Бергамо» до несчастной, обманутой жены Нины Бузыкиной в «Осеннем марафоне». Ну а в жизни она была милой, домашней женщиной, просто Наташей.


Наталья Гундарева родилась в Москве 28 августа 1948 года. Искусство влекло ее с детства, она занималась в Театре юных москвичей во Дворце пионеров на Ленинских горах. И все же сначала Гундарева не мыслила об актерской судьбе. После десятого класса пошла работать чертежницей в конструкторское бюро, готовилась поступать в Московский инженерно-строительный институт. И вдруг — неожиданный поворот! Наталья подает документы в Щукинское училище и с первого раза поступает на курс к изумительному педагогу Юрию Катину-Ярцеву. Окончив училище в 1971 году, она поступает в Театр имени Маяковского, где и прослужит всю жизнь. Заядлые театралы-старожилы, конечно, помнят ее блистательные роли в спектаклях «Банкрот» (Липочка), «Бег» (Люська), «Леди Макбет Мценского уезда» (Катерина Измайлова) и многих других. Как вспоминала коллега Гундаревой Светлана Немоляева: «Наташа была очень ответственной. Нам еще поэтому было легко общаться: я тоже убеждена, что без ответственности в театре невозможно. Наташа всегда приходила в театр рано, очень серьезно готовилась к спектаклю, спускалась на сцену раньше других актеров и, стоя за кулисами, слушала шум зала». Да, неслучайно актерскую работу в театре называют именно служением, принято говорить не «она работала в театре», а «она служила в театре». Только при таком, трепетном, настоящем, отношении к своей профессии можно сделать что-то стоящее, поистине великое.


Впрочем, и в кино Наталья Гундарева тоже служила, в ее фильмографии нет ни одной случайной, проходной роли, она творила образы своих героинь, создавая на экране галерею всевозможных женских судеб. Недаром однокурсник Натальи Георгиевны по училищу Константин Райкин назвал ее «воплощением Настоящей Женщины в нашем искусстве». Киноженщинами Натальи Гундаревой можно восхищаться, их можно боготворить, вызывают они и смех, и недоумение, и жалость, и симпатию — в общем, все чувства, кроме равнодушия. Как изумительно она сыграла несчастную, по сути дела, Аню Доброхотову в «Сладкой женщине». Именно за эту роль ее назвали лучшей актрисой года по опросу журнала «Советский экран» в 1977 году. Гундаревой удалось создать живой, настоящий образ женщины, неистово жаждущей любви, но абсолютно не понимающей на самом деле, что это такое, просто не доросшей духовно до понимания и ощущения этого чувства, пытающейся подстроить его под свой манер, а скорее даже просто подстроиться под мужчин. И если на протяжении всего фильма героиня большой симпатии не вызывает, то к финалу все становится на свои места — и возникает огромная жалость к этому потерянному существу. В «Сладкой женщине» актриса действительно сыграла судьбу. Так же как и в прекрасной мелодраме «Одиноким предоставляется общежитие». И здесь она совсем другая — добрая, светлая, открытая Вера Голубева, бескорыстная сваха, устраивающая личную жизнь своим подругам.


«Я не путаю жизнь с театром. Жизнь — это одно, и я считаю, что жизнь тем и прекрасна, что она жизнь. А театр прекрасен тем, что это театр. Мне кажется, очень большое несчастье некоторых актеров, когда они путают эти два понятия. Они на сцене уже ничего играть не могут, а в жизни ну просто не налюбуешься. Но устаешь от таких очень быстро».

Наталья Гундарева


Наталья Гундарева могла блеснуть и в эпизоде. Как, например, в картине «О бедном гусаре замолвите слово», где она сыграла модистку Жужу, родную для всех гусаров. Или в «Небесах обетованных» в роли Люськи, которая не моргнув глазом может выгнать на улицу маму своего сожителя.

Наталья Георгиевна Гундарева рано ушла из жизни, ей было всего 56 лет. Похоронена актриса в Москве на Троекуровском кладбище.

]]>
Людмила Гурченкоhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/924/lyudmila-gurchenkoMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Людмила Гурченко

КиноПерсоныАктер кино

«Я родилась в музыкальное время», — говорила Людмила Марковна Гурченко. Может быть, поэтому актриса долгое время представала именно в ярких образах, наполненных музыкой, песнями, блеском глаз. Но драматический талант Гурченко подарил кинематографу большие серьезные роли. Только не сразу. «Она обогнала время, — считал режиссер Алексей Герман, — и ей пришлось подождать».


Музыкальное детство


Кима, Ноябрина, Искра, Владлена, Сталина… и еще целый список имен предложили Марку Гавриловичу Гурченко, когда родилась его дочь. Но девочку назвали Люси — в русском варианте Людмилой. Отец выбрал имя после просмотра фильма «Акулы Нью-Йорка».


Родилась Люся в Харькове, в музыкальной семье. Как она утверждала, мама была дворянского происхождения, отец — из батраков. Марк Гурченко работал в филармонии, играл на баяне на утренниках в школе, проводил праздники на заводах и фабриках. Елена Симонова-Гурченко помогала мужу, школу так и не окончила из-за рождения дочери. В доме 17 в Мордвиновском переулке было всегда много гостей, семья была радушная. Маленькая Люся выступала с детства. Сначала — перед всеми, кто попадал в дом: читала стихи, пела и била чечетку. Первый гонорар получала конфетами. Это было до войны.


Отец ушел на фронт с баяном. «А вместе с ним унес самые прекрасные песни, самый светлый праздник — Первое мая, самое лучшее в жизни время», — вспоминала в автобиографической книге актриса. Люся с мамой оказались в оккупированном немцами городе. Рядом с домом находилась немецкая часть, и девочка пела русскую «Катюшу», чтобы получить еду.


«Я знала, что теперь я маму голодной не оставлю. Я тоже вышла на работу. Вскоре при моем появлении немцы оживлялись и называли меня Лючия».


В 1943 году после освобождения Харькова Люся пошла в школу, а через год поступила в музыкальную — в класс «по охране детского голоса». На экзамене, как учил отец, который всегда верил в актерское будущее дочери, ни на кого не глядя «дула свое». Рано повзрослевшая из-за тягот войны, девочка с особым усердием училась музыке.


«Все меня интересовало настолько, насколько это могло быть полезным в моей будущей профессии. Отбор происходил чисто интуитивно: хочу, нравится, люблю».


Из Харькова — в Москву. От музыки — к кино


После десятилетки Гурченко отправилась в Москву — с большим аккордеоном, желанием петь, танцевать и с мечтой — стать музыкальной артисткой. Поступила во ВГИК. В мастерской Сергея Герасимова и Тамары Макаровой ощущала себя белой вороной.


Первую драматическую роль молодая актриса сыграла на третьем курсе — Амалию в «Разбойниках» Шиллера. Этот опыт помог по-настоящему влиться в реалистическую школу знаменитых педагогов. Но в дипломных спектаклях без песен не обошлось. Играла Кето в оперетте «Кето и Котэ» и Имоджин в сценической композиции «Западня» по Драйзеру.



Первым драматическим фильмом Людмилы Гурченко стала картина «Дорога правды» по сценарию Сергея Герасимова. А первый настоящий успех принесла все же картина музыкальная — комедия «Карнавальная ночь». Предложил на большую роль студентку Иван Пырьев.


Пригодились все грани таланта Людмилы Гурченко: драматический, вокальный, танцевальный — и необыкновенное обаяние молодой актрисы.


Картина била рекорды проката. В кассах кинотеатров разобрали свыше 48 миллионов билетов. Так, еще будучи студенткой, Гурченко стала звездой, а фильм — непременным атрибутом новогодних праздников.


«Какое счастье я испытала, когда в черном платье, с белой муфточкой пела «Песню о хорошем настроении»! Ведь именно об этом я мечтала в те голодные и страшные вечера в детстве, когда мы с тетей Валей в упоении, среди боа и вееров, мурлыкали мелодии из «Большого вальса»… «Карнавальная ночь» — это итог моей двадцатилетней жизни с родителями. И больше я такой не была. Никогда. Потому что на следующий же день после выхода картины на экраны на меня обрушилась слава…»


От славы — к «кинорутине»


Второго столь же громкого успеха, в расчете на который снималась еще одна музыкальная картина «Девушка с гитарой», не случилось. Людмила Гурченко на годы перешла в разряд актрис легкого жанра. Почти десятилетие Людмила Марковна хоть постоянно и снималась, в том числе и в главных ролях, но фильмы эти все больше проходили незамеченными в творческой биографии актрисы или запоминались лишь яркими музыкальными номерами, как в «Табачном капитане». Были и небольшие роли — в картине «Женитьба Бальзаминова», «Корона Российской империи», «Белый взрыв».


«Жестокость есть в том, что в самый лучший период, когда расцвет человека, женщины, когда есть здоровье, и… десять лет не сниматься! Разве после этого что-то может быть страшней?» — говорила об этом периоде в своем творчестве Людмила Гурченко.


От музыкального амплуа — к драматическим образам


Слишком яркий музыкально-комедийный талант все же не скрыл от глаз режиссеров талант драматический. Хотя не все предложения Людмиле Гурченко удалось принять. Уже согласившись на главную роль в картине «Мама», пришлось отказать Никите Михалкову. Режиссер видел Людмилу Марковну в образе генеральши в «Неоконченной пьесе для механического пианино».


Съемки в «Маме» принесли успех картине и серьезные испытания для здоровья актрисы. Олег Попов в эпизоде на катке упал, сломав Гурченко правую ногу. После сложнейшей операции, когда врачи по осколкам собирали кость, она вновь вышла на съемочную площадку и продолжила сниматься. А вот сновать танцевать пришлось ох как не скоро.



Триумфальным возвращением в большое кино для актрисы стала роль Анны Георгиевны в фильме «Старые стены». В фильмографии Людмилы Гурченко появились «Двадцать дней без войны» Алексея Германа, «Сибириада» Андрея Кончаловского, «Пять вечеров» Никиты Михалкова, «Вокзал для двоих» Эльдара Рязанова, «Любимая женщина механика Гаврилова» Петра Тодоровского, «Прохиндиада, или Бег на месте» Виктора Трегубовича, «Полеты во сне и наяву» Ролана Быкова, «Любовь и голуби» Владимира Меньшова.


Эти фильмы показали другую Гурченко, которая может не только петь и неподражаемо танцевать, но и грустить и переживать.


«Сибириада» в 1979 году стала призером Каннского кинофестиваля. Во время съемок этого фильма Людмила Марковна стала писать свою первую книгу «Мое взрослое детство».


Не только кино


Больше полувека Людмила Гурченко отдала кинематографу, но в жизни актрисы были и театры: «Современник» и Театр киноактера, Школа современной пьесы, Театр Антона Чехова и Московский театр сатиры. Людмила Марковна выпускала пластинки, писала книги, сочиняла песни, шесть раз выходила замуж, получала звания, ордена и даже премию ООН, выступала в качестве режиссера, становилась символом кинофестиваля «Окно в Европу». Но последнее — уже после того, как актриса ушла из жизни. Это дань памяти.

]]>
Михаил Кононовhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/424/mikhail-kononovWed, 06 Mar 2019 16:10:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Михаил Кононов

КиноПерсоныАктер кино

Михаил Кононов сыграл десятки ролей, озвучивал отечественные, зарубежные ленты и мультфильмы. Зрители часто называли его по имени экранного героя из сериала «Большая перемена» — Нестором Петровичем. Большинство его персонажей — светлые и жизнерадостные, но сам актер был их полной противоположностью.


Первые роли в кино



Будущий артист родился в Москве. Его отец работал швейцаром в гостинице «Пекин», а мать — поваром. Во время Великой Отечественной войны она отвезла маленького сына к сестре в деревню под Тулой. Но там Кононов пробыл недолго — когда Москву освободили, он вернулся в столицу.


Профессия актера заинтересовала Михаила Кононова еще в школе. Он ходил в местный Дворец пионеров и в несколько драматических кружков. Вместе с другом Андреем Смирновым, в будущем известным режиссером, Кононов выступал в художественной самодеятельности, а также писал сценарии к школьным праздникам. После десяти классов школы юноша решил поступать в театральный институт.


До 1963 года Михаил Кононов занимался в Высшем театральном училище имени М.С. Щепкина. Вместе с ним на курсе учились Виктор Павлов, Виталий Соломин и Олег Даль. С последним актер подружился, их называли «два сапога — пара»: оба всегда говорили то, что думают, и твердо отстаивали свою точку зрения.


В своем первом фильме Кононов снялся еще во время учебы. Это была лента режиссера Ивана Пырьева «Наш общий друг», где юноша сыграл паренька Витьку. На съемках этой картины он познакомился с известными уже тогда артистами: Натальей Фатеевой, Сергеем Филипповым и Юрием Беловым.



После окончания училища Михаил Кононов пришел на службу в Академический Малый театр. Но полностью проявить себя на театральной сцене актеру так и не удалось: ему поступало много предложений от кинорежиссеров, фильмография увеличивалась с каждым годом. Вместе с Олегом Далем он снялся в картине Исидора Анненского «Первый троллейбус». В 1966 году Кононов сыграл сразу в двух лентах: в исторической драме «Андрей Рублев» Андрея Тарковского Кононов исполнил роль монаха Фомы, в комедии «Начальник Чукотки» ему досталась главная роль.


Руководству Малого театра не нравилось, что Кононов постоянно занят на съемках в фильмах. Через два года артист решил покинуть сцену.


Звездные фильмы


С 1968 года Михаил Кононов работал на Киностудии имени М. Горького. Его регулярно приглашали на съемки, однако артисту не всегда нравились его персонажи. Из-за миловидной внешности ему давали роли простых и наивных героев: он сыграл Семенова в драме «В огне брода нет», лейтенанта Малешкина в комедии «На войне как на войне». Артист мечтал о глубоких и серьезных ролях, как в картине Тарковского, но зрителям он больше нравился в жизнерадостном амплуа.



В 1972 году на советский экран вышла четырехсерийная лента режиссера Алексея Коренева «Большая перемена». Там Кононов исполнил роль молодого застенчивого учителя вечерней школы Нестора Петровича. Кононов не сразу согласился на участие в картине: ему не нравился сценарий. Однако его подкупил актерский состав фильма: там играли Евгений Леонов и Ролан Быков, Светлана Крючкова и Александр Збруев, Савелией Крамаров и Наталья Гвоздикова. Все восторгались персонажем Кононова, а его до последних дней жизни тяготило сравнение с экранным героем.


Когда я прочел сценарий «Большой перемены», то просто пришел в ужас и сказал себе: «Ну, если я и это смогу преодолеть, тогда, наверное, я крепкий актер». Мне кажется, что я справился с этой ролью — естественно, при помощи блистательных актеров, которые только начинали в «Большой перемене».

Михаил Кононов


Во второй половине 1970-х артист начал сниматься в детском кино. «Финист — Ясный сокол», «Кольца Альманзора» и «Гостья из будущего» стали любимыми фильмами у ребят всего Советского Союза. В 1989 году Кононову присвоили звание заслуженного артиста РСФСР, а через 10 лет — народного артиста России.



Актер тщательно выбирал фильмы, в которых снимался. Предпочитал и вовсе отказываться от участия, если ему не нравился киносценарий. В 1990-е годы он продал квартиру в Москве и переехал в небольшой домик в Бутырках в 50 километрах от столицы.


Видите ли, я воспитан несколько по-иному: я опираюсь на заповеди, с какими наше поколение относилось к искусству. Поэтому отчаянно не снимаюсь в сериалах, которые мне предлагают. Я читаю сценарии и отшатываюсь: это что-то из области «ужастиков»! Настолько все непрофессионально и нелепо, что я не имею права позволить себе сниматься в такой дури. Во имя своих друзей, которых уже нет в живых. <…> На одной кинопробе я даже разрыдался. Все подумали, что я рыдал, «входя в образ», а я рыдал от ужаса сегодняшнего кинематографа, сегодняшнего телевидения. И от роли отказался, хотя там предлагали большие деньги. Нельзя выходить на зрителя на таком низком моральном и интеллектуальном уровне.

Михаил Кононов


Личная жизнь актера и последняя роль


С будущей женой Натальей Михаил Кононов познакомился в 1969 году. Он был старше ее на на девять лет. Девушка тогда работала на радиостанции, профессионально каталась на лыжах. Молодые люди поженились практически сразу после знакомства.



Вскоре после свадьбы мать Кононова покончила с собой. После этого он стал грубым и раздражительным. Чтобы сохранить брак, Наталья отказалась от всех своих увлечений и посвятила себя мужу — помогала ему бороться с депрессией, ухаживала во время болезней. Вместе Кононовы прожили почти 40 лет. Детей у пары не было.


В последние годы жизни Михаил Кононов появился в фильмах «Пиры Валтасара, или Ночь со Сталиным» Юрия Кары, «Курочка Ряба» Андрея Кончаловского и сериале «В круге первом» Глеба Панфилова по роману Александра Солженицына. В последнем Кононов сыграл старика-заключенного, который работал дворником и с трепетом ждал писем от дочери.


Мы познакомились на съемках сериала «В круге первом». Он очень дружественно ко мне отнесся. До этого, правда, поругал за что-то, за роль в каком-то фильме. Очень откровенный человек. Как наши персонажи Глеб Нержин и Спиридон, так и мы во время съемок много времени вместе проводили. Я благодарен судьбе за эту встречу — как оказалось, единственную.

Евгений Миронов в интервью газете «Известия»


О своей жизни и актерской профессии Кононов написал книгу воспоминаний, но не успел ее выпустить. В мемуарах он хотел поделиться своим опытом с читателями, особенно с молодыми артистами: «О многих российских актерах писали книги, мемуары. Моя задача — познать до конца свою сущность в борьбе естества духа и плоти, влияние на мой характер людей, самоотверженно прошедших жизненный путь, мужественно и честно».


15 июля 2007 года в тяжелом состоянии Михаила Кононова доставили в реанимацию. Сутки врачи боролись за жизнь актера, но помочь ему не смогли. 16 июля он скончался, Михаилу Кононову было 67 лет.

]]>
Татьяна Лавроваhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2112/tatyana-lavrovaMon, 05 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Татьяна Лаврова

КиноПерсоныАктер кино

Ее называли советской Джульеттой Мазиной за искренность и пронзительность игры, Андрей Вознесенский посвятил ей знаменитые строки «Ты меня на рассвете разбудишь», она была одной из ведущих театральных актрис 1960-х и 1970-х, а как Лёлю из фильма «Девять дней одного года» Михаила Ромма ее знал и любил почти весь мир.


Молодость на «диком взлете»


Татьяна Лаврова была прирожденной актрисой. Она родилась в семье известных кинооператоров Евгения Андриканиса и Галины Пышковой. О кино и театре она мечтала с самого детства. Собственно, и Лавровой она стала, когда, будучи еще студенткой Школы-студии МХАТ, получила свою первую роль во МХАТе — Нины Заречной в чеховской «Чайке». МХАТ был первым официальным театром страны, поэтому молодой актрисе было сказано: «Русская актриса должна иметь русскую фамилию», и урожденная Андриканис выбрала себе благозвучный псевдоним.


Этот мхатовский дебют стал для Лавровой настоящим успехом. По рассказам, на поклон юную актрису вызывали 23 раза. Лаврова сразу стала первой ученицей на курсе, о ней заговорили как о новом таланте. Педагоги отмечали ее органичность и говорили, что на сцене она не играла, а проживала жизнь своих героинь.


В том же году Лаврова снялась в своем первом кинофильме — сыграла Варю в «Песне о Кольцове». Оператором на этой картине была ее мама — Галина Пышкова. Вместе с мамой Лаврова работала и на съемочной площадке своего второго фильма — «Испытательный срок».


Третья картина стала, пожалуй, главной в кинобиографии Лавровой — драма Михаила Ромма «Девять дней одного года». Ее партнерами были Иннокентий Смоктуновский и Алексей Баталов. Неопытная Лаврова очень волновалась, работая с такими маститыми актерами. Тем более что собственные пробы на этот фильм казались ей провальными. Она даже спросила Михаила Ромма, почему же он ее выбрал? Тот ответил: «Потому что ты, как собака, все чуешь. Не всегда понимаешь, но чувствуешь все правильно». Ромм смог вселить в Лаврову уверенность в себе, что помогло ей раскрыться и, как отмечали критики, сыграть на равных с Баталовым и Смоктуновским. После этой роли Лаврова буквально проснулась знаменитой — лента была с успехом показана не только в Советском Союзе (по опросу читателей журнала «Советский экран» картина была признана лучшим фильмом 1962 года), она завоевала большое количество фестивальных призов — от главного приза на МКФ в Карловых Варах до фестиваля в Сан-Франциско. На Лаврову сразу же посыпались многочисленные предложения от самых разных режиссеров, но после работы с Роммом они все казались ей недостаточно серьезными.


Как позднее вспоминала Лаврова: «Моя творческая жизнь начиналась очень удачно. Вся моя молодость прошла на диком взлете. Но ту высоту я могу оценить только сейчас по прошествии многих лет. А тогда просто жила в славе, обожании. Меня любили, узнавали на улицах, подражали. Для меня это было естественно. Я ведь палец о палец не ударила, чтобы получить хотя бы одну из ролей, что сыграла тогда».


В поисках синей птицы


В 1961 году Лаврова решила перейти в «Современник» — любимый театр советской интеллигенции. Как она вспоминала: «Меня поразило то, что на сцене «Современника» я увидела людей, которых я вижу в жизни, которые существуют реально. Во МХАТе были великие мастера, но там было ощущение, что это какие-то далекие-далекие люди, что вот где-то они живут и мы их не знаем и не узнаем, вот только вот на сцене. Как-то вот такая странность была. Скучно мне стало там…»



Именно в «Современнике» актриса сыграла свои лучшие театральные роли. Одной из самых запоминающихся работ стала Гитель Моска в пьесе Уильяма Гибсона «Двое на качелях», камерный спектакль всего с двумя актерами — Лавровой и Михаилом Козаковым. Это был режиссерский дебют Галины Волчек и одна из самых популярных театральных постановок того времени. Лаврова стала любимицей Волчек, как говорила сама Галина Борисовна, ее первой музой.


В «Современнике» Лаврова сыграла Катю в спектакле «С любимыми не расставайтесь», Раневскую в «Вишневом саде», Настю в пьесе «На дне». Она играла Полину Андреевну в «Чайке», судьбоносном для Лавровой произведении (в разное время актриса сыграла трех героинь этой пьесы). Критики негативно отнеслись к постановке Олега Ефремова, но все признавали блистательную игру Лавровой.


Коллеги Лавровой отмечали ее перфекционизм и исключительную требовательность. Она всегда была недовольна собой. Как говорила сама актриса: «Люблю ли я свою профессию? Я знаю только одно: это непостижимая профессия. В актерской профессии нет предела, и нет предела в постижении этой профессии. Никогда за все годы работы у меня не было такого чувства, что я подошла к этому пределу, к самой наиподлиннейшей правде. Никогда не было такого чувства, что вот она, синяя птица. Мы все время в поисках, в ожидании синей птицы».


Хотя в «Современнике» Лаврова была невероятно успешна, со временем ей показалось, что Волчек к ней охладела, что она переключила свое внимание на только что пришедшую в театр Марину Неелову, которой отдали роль Раневской в «Вишневом саде». Тогда Лаврова приняла решение снова вернуться на свою первую сцену.


«Моя история с кино не очень состоялась»


Так в 1978 году Лаврова вновь стала актрисой МХАТа, куда ее позвал Олег Ефремов. Поначалу она там много играла — Наташу в «Наедине со всеми», Аглаю в «Серебряной свадьбе», Надежду Монахову в «Варварах», Любу в «Московском хоре». Снова играла в «Чайке», но на этот раз уже Аркадину. Но постепенно ролей становилось все меньше и меньше. Когда театр возглавил Олег Табаков, он тоже поставил «Чайку», но роль Аркадиной отдал Ирине Мирошниченко. Лаврова перенесла это крайне болезненно.



Спектакль:
«Так победим!»


С кино тоже не ладилось. Как говорила Лаврова: «Моя история с кино не очень состоялась». После «Девяти дней одного года» остальные работы были менее заметными — «Вся королевская рать» Наума Ардашникова, «Бегство мистера Мак-Кинли» Михаила Швейцера, «Факт биографии» Бориса Шадурского. Хотя была еще одна звездная роль — в картине «Вылет задерживается» Леонида Марягина. За нее Лаврова получила главную премию за лучшую женскую роль на кинофестивале в Монте-Карло. Среди последних киноработ актрисы — драма Гарика Сукачева «Кризис среднего возраста» (1997) и фильм «Кино про кино» (2002), принесший Лавровой «Нику» за лучшую женскую роль второго плана. В театре к этому времени ее практически не занимали. В последние годы она мечтала сняться у Станислава Говорухина. Но эти планы ей так и не удалось осуществить.

]]>
Андрей ТарковскийБиография режиссера, который уже при жизни стал классиком кинематографа.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2176/andrei-tarkovskiiFri, 20 Sep 2019 16:35:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Андрей Тарковский

КиноПерсоныРежиссер

За свою режиссерскую карьеру Андрей Тарковский снял не так много фильмов, но они стали классикой кинематографа. Его картины получили престижные международные награды: «Иваново детство» — «Золотого льва» на Венецианском фестивале, «Андрей Рублев» и «Солярис» — приз ФИПРЕССИ на Каннском. Его фильмами восхищался режиссер Федерико Феллини, а Ларс фон Триер назвал Тарковского своим учителем и посвятил ему киноленту «Антихрист».


Троечник, музыкант, футболист: детство Андрея Тарковского



Андрей Тарковский родился 4 апреля 1932 года в селе Завражье Костромской области. Отец режиссера, Арсений Тарковский, был известным поэтом, переводил стихотворения грузинских, туркменских и азербайджанских литераторов. Он близко общался с Анной Ахматовой, Корнеем Чуковским и Борисом Пастернаком. Со своей первой женой, Марией Вишняковой, поэт познакомился в Москве, во время учебы на Высших литературных курсах при Всероссийском союзе поэтов. Она училась с Тарковским на одном потоке. В феврале 1928 года они поженились. Кроме Андрея Тарковского у них родилась дочь — Марина.


Когда Андрею Тарковскому исполнилось три года, отец ушел из семьи и женился второй раз. Родители развелись без скандала и сохранили дружеские отношения: отец поселился на соседней улице и часто навещал детей.


В 1939 году Андрей Тарковский пошел в школу. В начальных классах он учился хорошо: еще до начала занятий мать научила его писать и читать. Вскоре началась Великая Отечественная война, и семью эвакуировали в город Юрьевец. Марина Тарковская в книге «Осколки зеркала» писала: «Юрьевец военный… Комнатка в два окна в доме номер 8 на улице Энгельса. Дерево напротив, плещущее ветвями во время летней грозы. Кафельная лежанка, на которой мы отогревались в морозы. Наш самолет, севший на лед Волги. Детская библиотека с ее особым запахом чернил и зачитанных книжек». В эвакуации мать устроилась художественным руководителем в местной начальной школе — готовила и вела концерты. Отец ушел добровольцем на фронт и писал сводки боевых действий для газет.


В 1943 году мать вместе с детьми вернулась в Москву. В это время Мария Вишнявская устроилась корректором в Первую образцовую типографию — одно из крупнейших полиграфических предприятий СССР. Там она проработала всю жизнь. Тарковский вернулся в прежнюю школу. Он учился с будущим поэтом Андреем Вознесенским. Подростки жили неподалеку и после уроков вместе играли в футбол. Позже Вознесенский посвятил другу стихотворение «Тарковский на воротах». Поэт вспоминал: «Он на сером фоне нашего класса выделялся интеллигентностью. Даже одевался он очень странно, у него был оранжевый пиджак, причем денег не было сделать его по росту, поэтому это было скорее полупальто».


Мать хотела дать сыну разностороннее образование. Тарковский ходил на кружок по живописи и занимался в музыкальной школе: он учился играть на фортепиано и мог исполнять произведения на слух — подбирать ноты к услышанной мелодии. Дома инструмента не было, юноша играл только на занятиях, но быстро разучивал сложные сонатины и прелюдии, выступал на школьных концертах. Позже Андрей Тарковский говорил: «У меня такое впечатление, что я был очень неправ, когда не стал продолжать свое музыкальное образование. В общем-то, я очень жалею, что я не стал музыкантом».


Однако в общеобразовательной школе Тарковский отличником не был. За восьмой класс он получил только три четверки: по литературе, английскому и русскому языкам. По остальным предметам — тройки.


Андрей не был тем тихим, болезненным, интеллигентным мальчиком, которых обычно лупят в школе и во дворе. <...> Это был ураган, вихрь, состоящий из прыжков, дурачеств, тарзаньих криков, лазанья по крышам, неожиданных идей, пения, съезжания на лыжах с отвесных гор и еще не знаю чего.

Сестра Марина Тарковская, «Осколки зеркала»


В старших классах Андрей Тарковский решил стать актером и собрался поступать в театральное училище. От этого его отговорил отец, в письме 1950 года он убеждал Тарковского: «Вот мой совет: непременно закончить школу. Поступить в высшее учебное заведение, получить любое образование и хоть год поработать в этой (точных знаний) области, а потом, если потребность в искусстве останется (останется, если талант превышает способность любительского сорта) — заняться чем угодно, хоть обучением в актерском вузе». Андрей Тарковский прислушался к отцу и в 1951 году поступил на арабское отделение Московского института востоковедения.


От бездельника до режиссера ВГИКа



Учеба в университете Андрея Тарковского интересовала мало: он редко появлялся на лекциях. В это время режиссер стал завсегдатаем «Бродвея» — улицы Горького (сегодня — Тверская) в Москве, где собиралась молодежь города. Марина Тарковская вспоминала: «…мама была встревожена — судьба Андрея, как ей казалось, была под угрозой. В стиляжничестве она видела только пошлость (это сейчас мы его приравниваем к социальному протесту) и боялась, что безделье погубит Андрея. Мама стала искать возможность определить его к какому-нибудь делу, удалить из Москвы, вырвать из компании «бездельников». Тогда же юноша впервые задумался о карьере режиссера. В Институте востоковедения Тарковский проучился год: летом 1952 года его отчислили за неуспеваемость.


Мать устроила его в Центральный научно-исследовательский геологоразведочный институт цветных и благородных металлов — НИГРИ золото. Через знакомых добилась, чтобы Тарковского взяли в одну из экспедиций собирать образцы горных пород. В мае 1953 года он отправился в Сибирь — в Туруханский район Красноярского края. Андрей Тарковский говорил: «Это осталось самым лучшим воспоминанием в моей жизни. Мне было тогда 20 лет… Все это укрепило меня в решении стать кинорежиссером».


Вдали от цивилизации Тарковский пробыл год. В 1954 году он вернулся в Москву и провел лето с семьей в подмосковном Кратово, где мать снимала дачу. В соседнем доме отдыхал Дмитрий Родичев — студент мастерской Льва Кулешова во ВГИКе. Они подружились. Родичев много рассказывал об институте и, когда узнал об увлечении Тарковского, посоветовал ему поступать во ВГИК. Будущий режиссер начал готовиться к вступительным испытаниям: написал рецензию на фильм, выучил отрывок из «Войны и мира», составил автобиографию.


В 1954 году Андрей Тарковский сдал все экзамены и стал студентом ВГИКа. К себе в мастерскую его взял известный режиссер Михаил Ромм. Вместе с Тарковским отбор прошел и Василий Шукшин.


В феврале 1956 года Никита Хрущев выступил с докладом о развенчании культа личности Сталина на XX съезде партии. Началась оттепель. Режиссер Александр Гордон вспоминал: «Во ВГИКе тоже [начались волнения] — в актовом зале два дня шли дебаты. Горячились не все. <...> Тарковский кипел и негодовал и был готов выступить «в защиту обновления», но быстро глушил свои эмоции: происходящая говорильня была бестолково бездарна». В этом же году Тарковский вместе с одногруппницей Марикой Бейку снял свой первый короткометражный фильм — «Убийцы» по одноименному рассказу Эрнеста Хемингуэя.


Следующей, курсовой, работой Тарковского стала картина «Сегодня увольнения не будет». Идею для фильма подсказал Михаил Ромм: он нашел в газете заметку про экскаваторщиков, которые случайно обнаружили немецкие снаряды в Курске. Во время работы над кинолентой Тарковский познакомился с первокурсником Андреем Кончаловским. В книге «Низкие истины» Кончаловский писал: «Захожу, сидит лохматый парень, а по экрану ползут экскаваторы. Думаю: «Что за бред?!» Таково мое первое воспоминание о Тарковском».


В 1960 году Тарковский вместе с Кончаловским написал сценарий фильма «Каток и скрипка» о дружбе маленького музыканта и водителя катка. Текст купила кинокомпания «Юность» при «Мосфильме». Это было большое событие: студенческий сценарий были готовы экранизировать на профессиональной киностудии. Оператором стал Вадим Юсов. Картину называли «изысканным операторским этюдом»: Юсов снимал солнечные блики, отражения в зеркалах и лужах, использовал яркие цвета. Работу над кинолентой Тарковскому зачли во ВГИКе как дипломную. В 1961 году фильм «Каток и скрипка» получил первый приз на фестивале студенческих фильмов в Нью-Йорке.


Счастливая случайность и мгновенный успех: «Иваново детство»



Сразу же после окончания ВГИКа Андрея Тарковского пригласили на работу в «Мосфильм». В 1961 году он подал заявку на съемки фильма «Страсти по Андрею» об иконописце Андрее Рублеве. Идею режиссеру подсказал актер Василий Ливанов, который хотел сыграть в ленте главную роль. Над сценарием Тарковский снова работал вместе с Кончаловским: по задумке, картина должна была состоять из нескольких новелл о жизни средневековой Руси. Фильм одобрили, однако подготовка заняла три года: нужно было изучить историю этого периода, возвести масштабные декорации, подобрать актеров. Параллельно режиссер работал над другими проектами.


В 1962 году Андрей Тарковский снял киноленту «Иваново детство» по рассказу Владимира Богомолова. Историю о мальчике-сироте, который одержим ненавистью к фашистам, сначала доверили режиссеру Эдуарду Абалову. Однако работу над картиной остановили: в художественном совете «Мосфильма» раскритиковали отснятый материал. По просьбе Ромма фильм передали Тарковскому. Режиссер за три недели полностью переписал сценарий. Он отказался от батальных сцен: теперь в фильме не было танков и массовки. Режиссер с помощью крупных планов сместил акцент на внутренний мир мальчика. Тарковский говорил: «В «Ивановом детстве» я пытался анализировать… состояние человека, на которого воздействует война. Если человек разрушается, то происходит нарушение логического развития, особенно когда касается психики ребенка... Он [герой фильма] сразу представился мне как характер разрушенный, сдвинутый войной со своей нормальной оси». Чтобы противопоставить детство и войну, Тарковский чередовал в фильме сон Ивана с реальностью: мальчику снилось счастливое время с мамой, которого он лишен.


Для работы над картиной Андрей Тарковский снова пригласил оператора Вадима Юсова. Ему приходилось по ходу изобретать новые приемы съемки, чтобы реализовать задуманное режиссером. Одной из самых сложных была сцена поцелуя над оврагом. Тарковский настаивал: камера должна быть сначала над землей, потом сразу же спускаться в ров, а затем снова подниматься, но уже на уровень глаз. Юсов придумал использовать люльку, которая крепилась к операторскому крану. Только так камера могла оказаться ниже уровня земли.


Съемки картины длились пять месяцев. Главную роль сыграл пятнадцатилетний Николай Бурляев, который уже снимался в курсовой работе Кончаловского «Мальчик и голубь». В 1962 году «Иваново детство» впервые показали на большом экране. Фильм принес Тарковскому мгновенный успех: в этом же году он получил «Золотого льва святого Марка» Международного кинофестиваля в Венеции. На показе в Москве был французский писатель Жан-Поль Сартр.


…Фильм Тарковского кажется мне специфически русским. Здесь, на Западе, мы сумели оценить стремительный мир Годара и медлительность Антониони. Но нам в новинку сочетание этих двух скоростей у постановщика, который не черпает вдохновения в произведениях ни того, ни другого автора. Режиссер передает военное время в его невыносимой медлительности и в том же фильме перескакивает из эпохи в эпоху, отказывается развивать сюжетные линии, чтобы вернуться к ним в другой момент или в минуту их смерти.

Жан-Поль Сартр, письмо редактору газеты «Унита» от 9 октября 1963 года


«Страсти по Андрею»: борьба за фильм «Андрей Рублев»



В 1964 году Тарковский приступил к «Андрею Рублеву»: всю подготовительную работу над фильмом закончили. Режиссер долго подбирал актеров. Андрея Рублева хотели сыграть Станислав Любшин, Иннокентий Смоктуновский и Владимир Высоцкий. Но Тарковский всем отказал: слишком известные. В итоге на главную роль одобрили актера Свердловского драмтеатра Анатолия Солоницына.


В своем дневнике 1 апреля 1966 года Тарковский писал: «В фильме о Рублеве мне меньше всего хочется совершенно точно восстановить обстоятельства жизни инока Андрея Рублева. Мне хочется выразить страдания и томление духа художника в том виде, как понимаю их я, исходя из времени и проблем, связанных с нашим временем».


Фильм состоял из восьми новелл, съемки начали с последней — «Колокол». По сюжету иконописец Андрей Рублев держал обет молчания и нарушил его только в конце картины, сказав: «Вот пойдем мы с тобой вместе. Ты колокола лить, я иконы писать». Режиссер во всем хотел добиться правдоподобности — актеру Анатолию Солоницыну за три месяца до съемки сцены Тарковский запретил разговаривать. А Юрий Никулин, сыгравший в фильме монаха Патрикея, во время сцены пытки кричал, потому что действительно испытывал боль: ему на ноги с факела случайно капала солярка. Николаю Бурляеву, сыгравшему роль юного мастера Бориски, съезжать с обрыва до нужного дубля пришлось несколько раз. Актер вспоминал: «Снимали, естественно, без репетиции. Пряма в дубле, своей шкурой я пересчитал все бугорки, камни, корни, пни, пролетел сквозь огромный куст. В глазах темно от боли и холода, из рукава сочится кровь, но надо доиграть сцену».


Мы снимаем кадры набега татар. <...> Вдруг вижу, Андрей несет откуда-то гусей и собирается бросать их перед камерой. Зачем, почему, как появились эти гуси? Андрей тогда не мог объяснить, и только повторял: «Нужны, ну, нужны». <...> Но не в наших правилах спорить на площадке. Снимаю, а Андрей бросает этих гусей… На экране они поразили неловкостью и беспомощностью.

Оператор Вадим Юсов, «Андрей Тарковский. Сталкер мирового кино»


Чтобы воссоздать атмосферу XV века, фильм снимали во Владимире, Суздале, Пскове — там сохранились здания средневековой Руси. Часть декораций, например колокольную яму, собирали на «Мосфильме». Они были настолько достоверными, что после съемок их предлагали перенести в музеи.


В 1966 году отснятый материал посмотрел художественный совет киностудии. Андрею Тарковскому предложили изменить название фильма: вместо «Страсти по Андрею» на «Андрей Рублев». Режиссер уступил. Но ему предъявили целый список «серьезных промахов и недостатков»: слишком затянутые эпизоды, ненужные «натуралистические излишества» и недостаточный акцент на творчестве Рублева. Согласование фильма затягивалось. Секретарь обкома КПСС Серафим Сурниченко писал: «Вместо воспитания у людей чувства патриотизма… зрителям преподносятся в концентрированном виде сцены и картины зла, надругательства над человеком, над тем, что является святым».


Чтобы отвлечься от бюрократии, в 1968 году Тарковский решил помочь своему другу Александру Гордону со сценарием к его фильму «Сергей Лазо» о гражданской войне на Дальнем Востоке.


В 1969 году произошла неразбериха: фильм «Андрей Рублев» случайно продали французскому кинопрокатчику Алексу Московичу и он показал ленту на Каннском фестивале. Тогда «Андрей Рублев» получил награду ФИПРЕССИ. Фильм режиссера был принят восторженно. Газета «Монд» писала: «Андрей Тарковский делает честь советской кинематографии. Если Тарковский сумел снять такой фильм, значит, Довженко и Эйзенштейн нашли себе достойного преемника». Тогда картину разрешили и в СССР — в 1971 году прошел премьерный показ. Фильм показали в урезанном виде: он был короче авторского на 30 минут.


Полную версию киноленты хотели уничтожить, но фильм спасла монтажер Людмила Фейгинова: она прятала коробки с пленкой по кладовым «Мосфильма». Авторскую версию фильма зрители увидели только в 1988 году.


Личная жизнь



Андрей Тарковский был женат дважды. Первой супругой режиссера стала Ирма Рауш. Она училась вместе с Тарковским во ВГИКе. Рауш вспоминала: «Андрей сразу стал ухаживать за мной, и если освобождался раньше, то ждал меня, а потом провожал до общежития… Добирался до дому поздней ночью. Вообще Андрей очень пугал меня серьезностью отношений и своих намерений». На третьем курсе они поженились, и вскоре у них родился сын Арсений — его назвали в честь отца Тарковского.


Ирма Рауш снялась в «Андрее Рублеве»: она сыграла Дурочку. На эту роль пробовались известные актрисы: Нина Ургант и Жанна Болотова, — но Тарковский видел в фильме именно ее. Во время работы над фильмом режиссер познакомился с Ларисой Кизиловой. Она была его ассистентом. Между ними начался роман. Андрей Тарковский говорил: «Я не чувствую себя счастливым, когда я люблю женщину. Я чувствую себя потрясенным».


В 1970 году брак Тарковского с Ирмой Рауш распался. Спустя несколько месяцев режиссер женился на Ларисе Кизиловой. У пары родился сын Андрей. Кизилова тоже снялась в фильме мужа: она сыграла хозяйку хутора в автобиографической картине «Зеркало».


Андрей Тарковский часто влюблялся в актрис, которых снимал в своих фильмах. У него были отношения с Натальей Бондарчук и Маргаритой Тереховой.


Психологические драмы Тарковского: «Солярис», «Зеркало», «Сталкер»



В 1970 году Андрей Тарковский приступил к экранизации повести Станислава Лема «Солярис». По сюжету на таинственную планету Солярис прибывает космонавт Крис, где Океан-мозг манипулирует сознанием космонавтов и делает их воспоминания реальными. Фильм Тарковского — притча о человеке и морали, а не о космосе. Для режиссера — это всего лишь фон для истории.


Во время работы над картиной режиссер встречался с Лемом и поделился с ним сценарием, однако текст писателю не понравился. По его мнению, Тарковский сделал его слишком философским. Писатель говорил: «Солярис» должен был стать вопросом о границах человеческого познания, а не психологической драмой типа «Преступления и наказания» в космосе».


Я хотел бы доказать своей картиной, что проблема нравственной стойкости, нравственной чистоты пронизывает все наше существование, проявляясь даже в таких областях, которые на первый взгляд не связаны с моралью, например проникновение в космос, изучение объективного мира.

Андрей Тарковский на встрече со зрителями в 1981 году


Главные роли в фильме сыграли Наталья Бондарчук и Донатас Банионис. Музыку написал композитор Эдуард Артемьев. Чтобы подчеркнуть контраст между Землей и космосом, он совместил шумы природы с электронным синтезатором.


В 1972 году состоялась премьера картины на Каннском кинофестивале. Фильм Тарковского получил Гран-при жюри и приз ФИПРЕССИ. Советские зрители увидели картину в 1973 году.


Следующий фильм, «Зеркало», режиссер посвятил личной драме. Это автобиографическая картина, главной темой которой стали непростые отношения с родителями. Через сны и воспоминания прошлое в картине переплетается с настоящим. Действие происходит сразу в трех временах: до Великой Отечественной войны, во время и после. На студии «Мосфильма» полностью воссоздали дом и двор в Юрьевце, в котором провел в эвакуации режиссер.


Съемки начались в 1974 году, но Тарковский постоянно переписывал сценарий — часто съемочная группа не знала, чем будет заниматься на следующий день. Изначально он хотел вставить в картину диалоги со своей матерью, записанные на скрытую камеру, но потом от этой идеи отказался. Молодую мать режиссера сыграла актриса Маргарита Терехова, а роль взрослой матери исполнила сама Мария Вишнякова. К работе Тарковский привлек отца, Арсения Тарковского: за кадром звучат его стихи. Режиссер и сам снялся в своей картине, правда, в кадр попали только его руки.


В 1974 году прошел закрытый показ «Зеркала», фильму присвоили вторую категорию — его показывали лишь в нескольких кинотеатрах. На премьере присутствовали композитор Дмитрий Шостакович, писатели Юрий Бондырев и Чингиз Айтматов. Андрей Тарковский писал: «Успех «Зеркала» меня лишний раз убедил в правильности догадки. <...> Может быть, кино — самое личное искусство, самое интимное. Только интимная авторская правда в кино сложится для зрителя в убедительный аргумент при восприятии».


В 1979 году Тарковский работал над фильмом «Сталкер» по повести братьев Стругацких «Пикник на обочине». Действие картины происходит в запретной Зоне, где есть комната исполнения желаний. По сюжету два человека — писатель и профессор — отправляются к таинственной двери. Их ведет Сталкер — проводник. Но в конце пути отказываются туда заходить. В дневнике 7 января 1975 года режиссер писал: «Мне важно установить в этом фильме то специфически человеческое, нерастворимое, неразложимое, что кристаллизуется в душе каждого и составляет его ценность». Над сценарием писатели и режиссер работали вместе, хотя Тарковский и не значился как сценарист.


Все кадры в фильме — метафоричны. Тарковский отсылал зрителя к другим произведениям искусства: композиция одной из сцен повторяет картину Босха «Извлечение камня глупости». По мере развития сюжета режиссер менял цветовую гамму. В «Сталкере», сначала черно-белом, постепенно добавлялись коричневые, зеленые и синие оттенки.


Фильм снимался трижды. Сначала черновые материалы признали браком из-за низкого качества и уничтожили. Второй раз, когда съемки подходили к концу, пленку испортили при проявке в лаборатории «Мосфильма». Третий раз был удачным. В 1980 году на Каннском кинофестивале картина получила приз экуменического жюри — независимую награду от христианских мастеров кино.


Эмиграция и последние работы



В 1982 году Андрей Тарковский уехал в Италию на съемки картины «Ностальгия». История о литераторе, который пишет биографию крепостного музыканта, была завершена в 1983 году. Однако когда командировка окончилась, режиссер не вернулся в Россию: он не хотел тратить силы на долгое согласование фильмов, обоснование и споры с художественной комиссией.


Мне очень грустно, что у тебя возникло чувство, будто бы я избрал роль «изгнанника» и чуть ли не собираюсь бросить свою Россию… Я не знаю, кому выгодно таким образом толковать тяжелую ситуацию, в которой я оказался «благодаря» многолетней травле начальством Госкино и, в частности, Ермаша — его председателя. Может быть, ты не подсчитывал, но ведь я из двадцати с лишним лет работы в советском кино — около 17 был безнадежно безработным. Госкино не хотело, чтобы я работал!

Андрей Тарковский, письмо отцу от 16 сентября 1983 года


В 1985 году Тарковский начал работу над последним своим фильмом — философской драмой «Жертвоприношение». Сценарий для режиссера написал Аркадий Стругацкий. По сюжету журналист приносит в жертву все, чтобы прекратить ядерную войну в мире.


29 декабря 1986 года Андрей Тарковский умер в Париже. В 1996 году в Юрьевце, куда во время войны эвакуировали семью режиссера, открыли музейный центр.

]]>
Василий Шукшин!http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2222/vasilii-shukshinMon, 09 Sep 2019 09:25:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Василий Шукшин

КиноПерсоныРежиссер

Писатель, режиссер и актер Василий Шукшин до поступления во ВГИК успел сменить несколько профессий: был слесарем, моряком, учителем и директором школы. Свои первые рассказы он начал создавать еще в армии, а печатать — в студенческие годы. Известность Шукшину принесли книги о малой родине — Алтайском крае — и фильмы по собственным сценариям, среди которых у советских зрителей были особенно популярны «Калина красная» и «Печки-лавочки».


«Жилось нам туго»: детские годы будущего писателя



Василий Шукшин родился 25 июля 1929 года в селе Сростки Сибирского края РСФСР (сегодня — Алтайский край). Его родители Макар Шукшин и Мария Попова были крестьянами и вскоре после рождения сына вступили в местный колхоз, где и работали. Василий был старшим ребенком в семье. В 1931 году у Шукшиных родилась дочь Наталья.


В 1933 году Макара Шукшина — на тот момент машиниста молотилки в колхозе «Пламя коммунизма» — арестовали. Его обвиняли в участии в антисоветском заговоре, порче общего имущества и урожая. Мария Попова писала: «Забрали мужа. Выдумали глупость какую-то. Ночью зашли, он выскочил в сенцы, ну а в сенцах на него трое и навалились. Ребята перепугались. Наталья дрожит вся, а Василий губу прикусил аж до крови: мама, куда это батю?» В апреле 1933 года Макара Шукшина расстреляли.


Сначала Мария Попова воспитывала детей одна, а затем вышла замуж повторно — за односельчанина Павла Куксина. Василий Шукшин называл его «человеком редкого сердца», добрым и любящим. Жила семья бедно.


Жилось нам тогда, видно, туго. Недоедали. Мама уходила на работу, а нас с сестрой оставляла у деда с бабкой. Там мы и ели. <...> Голоду натерпелись и холоду. На всю жизнь я сохранил к матери любовь. Всегда ужасно боялся, что она умрет: она хворала часто. Потом в нашей избе появился другой отец. Жить стало легче. А потом грянула война, и другого нашего отца не стало: убили на Курской дуге. Опять настали тяжелые времена.

Василий Шукшин, «Самые первые воспоминания»


В Сростках Василий Шукшин пошел в школу. Учился он плохо, но много читал. Мать вспоминала: «Всегда у него под ремень в брюках была книга подоткнута. Читал без разбора, подряд. Читал и по ночам… однажды одеяло прожег». Книги Шукшин брал в школе. Иногда ему приходилось делать это тайком: когда он получал плохие отметки, мать запрещала читать художественную литературу.


В школе Шукшин занимался самодеятельностью — каждую неделю организовывал концерты и сам в них выступал. На концертах Шукшин читал стихи и разыгрывал сценки. Его одноклассница Валентина Безменова позже писала: «Не было такого, чтобы наш класс не приготовился: Вася настаивал».


Слесарь, моряк и учитель литературы



В 1944 году Василий Шукшин закончил семилетку и поехал в Бийск — поступать в автомобильный техникум. Учился он плохо, получал низкие оценки по техническим предметам, иногда прогуливал и нарушал дисциплину: «Нам лекцию говорят, а мне петухом крикнуть хочется…»


За год до окончания учебы Шукшин оставил техникум, вернулся в Сростки и устроился в местный колхоз, чтобы помогать матери и сестре. Однако уже в 1946 году он вновь покинул деревню и уехал в Подмосковье.


Больно вспоминать. Мне шел семнадцатый год, когда я ранним утром, по весне, уходил из дома. Мне еще хотелось разбежаться и прокатиться на ногах по гладкому, светлому, как стеклышко, ледку, а надо было уходить в огромную неведомую жизнь, где ни одного человека родного или просто знакомого, было грустно и немножко страшно. Мать проводила меня за село, перекрестила на дорогу, села на землю и заплакала. И понимал, ей больно и тоже страшно, но еще больней, видно, смотреть матери на голодных детей. Еще там оставалась сестра, она маленькая. А я мог уйти. И ушел.

Василий Шукшин, из статьи «Только это будет не экономическая статья…»


Шукшин стал работать в тресте «Союзпроммеханизация» слесарем. Его направляли на стройки заводов в Калуге и Владимире, электростанции и железной дороги в Подмосковье. Осенью 1949 года будущего писателя призвали в армию. Служил он радистом на Балтийском флоте. Сослуживец Василий Егоров запомнил его неразговорчивым любителем книг и хорошим специалистом. В армии Шукшин начал писать свои первые рассказы, среди которых — «Разыгрались в поле кони» и «Двое на телеге».


Однажды прямо в море Шукшину стало плохо — обострилась язва. Несмотря на плохую погоду, сослуживцы отвезли его на берег и отвели к врачу. После лечения медицинская комиссия признала писателя негодным к службе.


Шукшин вновь вернулся в Сростки. В деревне он лечился и готовился к экзаменам — писатель хотел получить аттестат зрелости. Оценки у Шукшина снова были плохие: пятерки он получил только по истории СССР, Конституции СССР и географии. По остальным дисциплинам писателю поставили тройки и четверки. «Удовлетворительно» он получил и на экзамене по русскому языку. Однако через несколько месяцев после сдачи экзаменов Шукшина пригласили работать в местную школу для рабочей молодежи — преподавать и русский, и литературу.


Учитель я был, честно говоря, неважнецкий (без специального образования, без опыта), но не могу и теперь забыть, как хорошо, благодарно смотрели на меня наработавшиеся за день парни и девушки, когда мне удавалось рассказать им что-нибудь важное, интересное и интересно (я преподавал русский язык и литературу). Я любил их в такие минуты. И в глубине души не без гордости и счастья верил: вот теперь, в эти минуты, я делаю настоящее, хорошее дело. Жалко, мало у нас в жизни таких минут. Из них составляется счастье.

Василий Шукшин, «Монолог на лестнице»


Вскоре Шукшина назначили исполнять обязанности директора школы и секретарем комсомольской организации. Он занимался агитацией, выступал с лекциями перед рабочими и колхозниками и призывал их учиться. В это же время в местной районной газете «Боевой клич» впервые опубликовали его работы — это были педагогические статьи «Больше внимания учащимся вечерних школ» и «Учиться никогда не поздно».


«Советская мечта»: Василий Шукшин — студент ВГИКа



Летом 1954 года Василий Шукшин оставил работу в Сростках и поехал в Москву поступать в Литинститут. Однако там писатель узнал, что от абитуриентов требуется наличие опубликованных рассказов или стихов. У него не было. Тогда Шукшин решил сдавать экзамены в Историко-архивный институт. А незадолго до них познакомился с режиссером Иваном Пырьевым, который посоветовал писателю подать документы во ВГИК. На устных экзаменах Шукшина оценили невысоко. Он вспоминал: «Подготовка моя оставляла желать лучшего, специальной эрудицией я не блистал и всем своим видом вызывал недоумение приемной комиссии». Однако писатель получил отличные оценки за письменные работы — рассуждение о творчестве Владимира Маяковского, рецензию на фильм «Верные друзья» Михаила Калатозова и сочинение на тему «ВГИК во время приемной кампании». Последняя работа Шукшина спустя несколько лет была опубликована как рассказ под названием «Киты, или О том, как мы приобщались к искусству». Писателя приняли на режиссерский факультет ВГИКа в мастерскую Михаила Ромма.


Шукшин взял высоту с первой попытки, что, конечно, нельзя не расценивать как чудо, но надо сразу уточнить одну вещь: он сделал все, чтобы оно состоялось, и вообще вся его жизнь, начиная с демобилизации, есть образец невероятно точной стратегии человека, который… верит в то, что лишь слава его спасет, и стремится к успеху с неотвратимостью идущего на нерест лосося. <...> Шукшин в этом смысле — чисто советский феномен, реализовавшаяся советская мечта.

Литературовед Алексей Варламов, «Шукшин», серия «Жизнь замечательных людей»


Василий Шукшин получал отличные оценки на экзаменах, хотя учится ему было тяжело. Он стеснялся своего деревенского говора, пробелов в знаниях. Писал матери: «Учиться как там ни говори, а все-таки трудновато. Пробел-то у меня порядочный в учебе. Но от других не отстану. Вот скоро экзамены. Думаю, что будут только отличные оценки». В 1956 году состоялся дебют Шукшина в кино: он сыграл в учебном фильме Андрея Тарковского «Убийцы» по одноименному рассказу Эрнеста Хемингуэя главную роль.


Во время учебы во ВГИКе Шукшин вступил в КПСС и стал участвовать в партийных собраниях института. Шукшин скрывал информацию о репрессированном отце, во всех анкетах указывал в родственниках мать и погибшего на Великой Отечественной войне отчима. Однако в 1956 году, когда писатель учился на втором курсе, его отца реабилитировали. Студенту мастерской Ромма Александру Гордону Шукшин говорил: «Я стыдился отца всю жизнь, а оказалось, что он ни в чем не виноват. Как же мне жить теперь со своей виной перед ним?»


В следующем, 1957 году по совету Андрея Тарковского Марлен Хуциев пригласил молодого актера поработать над лентой «Два Федора» о солдате, который вернулся с войны на родину. Изначально Шукшин был ассистентом режиссера — проводил пробы, подбирал документальные материалы, по которым составляли сценарий, контролировал гримеров и костюмеров.Однако вскоре Хуциев предложил ему исполнить в картине главную роль: «Потому что почувствовал индивидуальность, которая была выражена и лицом, и голосом, и жестом».


К съемкам актер подошел ответственно: он не оставил своих обязанностей ассистента и присутствовал даже на тех репетициях, в которых не был задействован его герой. Фильм вышел на экраны в 1958 году. Шукшин чуть не пропустил премьеру. Из-за «разногласий с милицией» его не хотели выпускать из участка, где он нередко оказывался из-за драк. За Шукшина заступился Марлен Хуциев: уговорил милиционеров отпустить исполнителя главной роли.


После премьеры писателя стали звать в кино — критики и коллеги писали о «предельной натуральности» его игры, умении вживаться в роль. В следующие несколько лет писатель много снимался. Он играл в картинах «Золотой эшелон», «Простая история», «Аленка» и других.


Во время учебы во ВГИКе рассказы Шукшина начали публиковать в советских газетах и журналах. Обращаться в редакции писателю посоветовал Михаил Ромм. В 1958 году в «Смене» напечатали рассказ «Двое на телеге», а чуть позже — произведения «Правда», «Экзамен», «Степкина любовь».


В 1959 году Шукшин сдал выпускные экзамены, однако диплом не получил. Как студенту режиссерского факультета, ему надо было создать собственный фильм. Писатель даже не начинал — ведь он постоянно снимался. И лишь в 1960 году начал писать сценарий для картины о работе сельского райкома. Шукшин полагал, что никто из студентов ВГИКа не знает деревенскую жизнь так же хорошо, как он. В своей дипломной работе под названием «Из Лебяжьего сообщают» писатель был режиссером, сценаристом и исполнителем главной роли. На экзамене за этот фильм Шукшин получил отлично, но в прокат лента не вышла. Он писал: «Я доэкспериментировался: картину прокат не покупает. Говорят: люди — ничего, люди есть, живые, но это не новелла. Не хватает бантика, с которым привыкли подавать картину зрителю».


Фильмы Василия Шукшина



В 1963 году Василий Шукшин начал работу над своим первым профессиональным фильмом — картиной «Живет такой парень». Основой сюжета стали его рассказы «Классный водитель», «Коленчатые валы» и «Гринька Малюгин». Матери Шукшин писал: «Начал работать как кинорежиссер — снимаю фильм по своему же сценарию. Снимать его буду на Алтае, наверное в Сростках… Фильм мой будет о шофере Чуйского тракта, поэтому, естественно, снимать надо там». Работать над картиной писатель пригласил и известных актеров, Нину Сазонову и Анастасию Зуеву, и начинающих — Родиона Нахапетова и своего однокурсника Леонида Куравлева. Лента вышла на экраны в 1964 году. В СССР ее посмотрели 27 миллионов зрителей, а на Венецианском фестивале картина «Живет такой парень» получила приз как лучший фильм для детей.


После успеха первого фильма Шукшин написал сценарий для второго — картины «Ваш сын и брат». Основой снова стали рассказы писателя, на этот раз из книги «Сельские жители». В фильме Шукшин решил показать «мир интеллигенции» глазами человека из села. В журнале «Октябрь» ленту называли слишком простой и поверхностной.


Мне вовсе не хотелось выходить к зрителю с фильмом, который весь в вопросах, как хорошенькая головка в бигуди. (С головки в конце концов эти железки снимут, и станут — кудри; фильм-кокетка, выпущенный со студии, так и пойдет гулять по экранам.) Не верю, чтоб художник сознательно задавался целью быть непонятным. Для кого-то да он работает. <...> Мы забываем, что, когда мы очень уж настойчиво начинаем предлагать зрителю образцы для подражания, мы возбуждаем в нем чувство протеста, раздражение. <...> Надо только стараться, чтоб мы не врали, не открывали то, что зритель давным-давно знает без нас, не показывали ему: вот это хорошо.

Василий Шукшин, статья «Вопросы самому себе»


После этого Шукшин почти перестал сниматься и начал писать сценарий для киноэпопеи о восстании Стеньки Разина. Он изучал документы, консультировался со специалистом по истории России XVII века Сигурдом Шмидтом. Тот в своем отзыве на работу Шукшина написал: «Сценарий Шукшина — это прежде всего мастерское художественное произведение большой мысли и большой силы эмоционального воздействия. Пусть же поскорее замысел В. Шукшина воплотится в кинофильм». Сценарий двухсерийной исторической картины «Я пришел дать вам волю» Гильдия кинодраматургов признала лучшим за 1967 год, однако разрешения на съемки от Комитета по кинематографии при Совете Министров СССР писатель не получил из-за высокой стоимости производства фильма.


Для своего третьего фильма, «Странные люди», писатель снова переработал несколько своих рассказов, в том числе «Миль пардон, мадам!», «Чудик» и «Думы». Картину Шукшин разделил на три части, каждая из которых рассказывала о новом герое — деревенском жителе. Фильм был готов уже к началу 1969-го, однако в прокат вышел только спустя год. Все это время заняла редактура — после цензуры из ленты вырезали часть эпизодов. В прокате она провалилась, а критики написали на нее отрицательные отзывы.


Фильм плохо смотрели, даже уходили. Так работать нельзя. Это расточительство… Я сидел в зрительном зале и казнился. Я, как никогда, остро почувствовал, что зрительский опыт — великая штука. Я пренебрег им — и разговора со зрителем не получилось. <...> Да будь ты трижды современный и даже забегай с «вопросами» вперед — все равно ты должен быть интересен и понятен. Вывернись наизнанку, завяжись узлом, но не кричи в пустом зале. Добрые, искренние, человеческие слова тоже должны греметь.

Василий Шукшин, «Перед многомиллионной аудиторией» (журнал «Искусство кино», 1971 год, № 8)


Василий Шукшин по-прежнему получал много приглашений от режиссеров. В 1970 году он исполнил одну из главных ролей в ленте Сергея Герасимова «У озера». Читатели журнала «Советский экран» признали ее лучшим фильмом года, а режиссер и исполнители главных ролей — Василий Шукшин, Олег Жаков и Наталья Белохвостикова — получили Государственные премии СССР.


В 1972 году Шукшин снял свой четвертый фильм — комедию о путешествии супружеской пары «Печки-лавочки». Писатель вновь сам создал сценарий картины. На Киностудии им. М. Горького его одобрили: «...может стать добротной основой для постановки комедии на материале жизни наших современников». Фильм снимали летом и осенью 1971 года в Ялте и на Алтае, недалеко от села Сростки, главные роли в нем исполнили сам писатель и его жена Лидия Федосеева. Из фильмы вырезали несколько эпизодов: руководство киностудии требовало убрать из ленты сцены пьянства. Шукшин писал по этому поводу в Госкино: «Очень прошу оставить пролог (пляшущего человека на дороге). Я уберу у него стакан с головы — и впечатление, что он пьян, пропадет. Но останется комический запев фильма… Я, сами видите, не держусь за то, чем можно поступиться без ущерба для фильма, но это убирать нельзя». К режиссеру не прислушались. Несмотря на это, рецензии на ленту были положительными. Критиковали Шукшина только на малой родине. В газете «Алтайская правда» писали: «Какой-то патриархальщиной вдруг начинает веять с экрана, а Шукшин не замечает этого, как бы даже отстаивая мнимую чистоту и обаяние якобы кондовой деревенской морали… Хорошо зная наших сельских жителей, можно смело сказать: не такие уж они «деревенские» сейчас, какими их показал Шукшин».


«Бросай киношку, ты же писатель»: рассказы, романы и пьесы



Писательская карьера Василия Шукшина развивалась параллельно с актерской и режиссерской. В 1963 году в издательстве «Молодая гвардия» вышел первый сборник писателя — «Сельские жители», а спустя несколько месяцев в журнале «Новый мир» опубликовали рассказы «Гринька Малюгин» и «Красный водитель».


Когда я его [Шукшина. — Прим. ред.] увидела в первый раз, то поняла, что сам он никогда бы в редакцию не пришел и рассказы свои сам никогда бы не принес. До встречи с Шукшиным я даже не представляла себе, что актер может быть таким застенчивым человеком. <...> Когда я сказала Шукшину, что рассказы его всем нравятся и мы будем их печатать, я увидела, что он обрадовался. Но обрадовался как-то на одно мгновение, кивнул головой, улыбнулся, а потом как будто забыл о своей радости.

Ася Берзер, редактор журнала «Новый мир» (цитируется по книге Алексея Варламова «Шукшин», серия «Жизнь замечательных людей»)


За несколько лет сотрудничества с «Новым миром» Шукшин опубликовал в нем семь подборок рассказов, в которые вошли произведения «Волки», «Чудик», «Материнское сердце» и другие. Несмотря на это, критика почти не реагировала на творчество писателя. Главный редактор журнала «Новый мир» Александр Твардовский писал о Шукшине: «Ухо у него поразительно чуткое, авторская речь послабей». Литературный критик Эдварда Кузьмина отмечала «прочную основу» его персонажей и «жизненное чутье, зоркость, пластичность» прозы.


В 1963 году в «Новом мире» отказались публиковать роман писателя «Любавины» из-за большого объема и сложной темы — книга рассказывала о годах Гражданской войны. Первая часть произведения вышла в 1965 году в журнале «Сибирские огни», а спустя несколько месяцев ее напечатали отдельной книгой. В основу «Любавиных» легли семейные предания и истории старожилов села Сростки о годах Гражданской войны и коллективизации. В конце 1960-х Шукшин написал вторую часть книги, но ее рукопись обнаружили и опубликовали только после смерти писателя.


В эти годы у Шукшина появились близкие друзья среди писателей: он общался с Виктором Некрасовым, Беллой Ахмадулиной, Василием Беловым. Поэт Василий Белов писал Шукшину: «Бросай киношку, ты же писатель… <...> Не слушай никого, только пиши, пиши, пиши. <...> Я глубоко убежден в том, что первооснова всего — литература».


Сценарий фильма о восстании Степана Разина Шукшин использовал как основу будущего романа. Произведение он завершил еще в 1969 году — к 300-летию разинского восстания, однако напечатали его в 1971 году, в журнале «Сибирские огни».


В нем мощно проявились шукшинский талант и его умение органично сплавлять три основных рода литературы — эпос, лирику и драму; это был роман новаторский, смелый, безусловно один из самых значительных романов русской литературы второй половины XX века, с поразительными характерами, лицами, невероятным напряжением, с глубочайшим историческим контекстом, личной выстраданностью, русской болью, русской верой, русской мятежностью. И тем не менее, а возможно как раз ввиду всего этого, редколлегия «Нового мира» его отклонила.

Литературовед Алексей Варламов, «Шукшин», серия «Жизнь замечательных людей»


В 1971 году Шукшин написал пьесу «Энергичные люди» о жизни работников торговли, которую поставили в ленинградском Большом драматическом театре и Театре им. В. Маяковского. Он говорил в интервью «Литературной газете» после премьеры спектакля: «Мне казалось, что театр — менее гибкое, более громоздкое, чем кино, какое-то неповоротливое искусство, а оно, оказалось, вышагнуло вперед и уже копается в вопросах, которые кинематограф еще не одолел». Однако пьесу посчитали неудачей. Георгий Товстоногов, который тогда руководил Большим драматическим театром, вспоминал: «Правды ради надо сказать, что «Энергичные люди» — в общем-то сценический фельетон, в нем Шукшин не достиг глубин собственной прозы».


«Только раза три, от силы пять, объяснялся мне в любви»: личная жизнь



Первой женой Василия Шукшина стала его односельчанка Мария Шумская. Они познакомились еще в школе, несколько лет переписывались, а расписались в 1956 году. Однако брак не сложился: Шумская не поехала за Шукшиным в Москву, а осталась в Сростках. Мать писателя вспоминала: «Васиным выбором я была довольна, тем более что и родители Маруси были уважаемые в селе люди. Но вот уехал Вася в Москву вскоре после свадьбы, а там видишь, какие люди? Особенно артистки. Вот и всё, не вернулся к ней». В 1957 году писатель попросил у Шумской развод, однако получил отказ.


Несколько лет Шукшин прожил с актрисой Лидией Александровой, которая оставила о нем воспоминания. В 1964 году режиссер познакомился с редактором журнала «Москва» Викторией Софроновой, дочерью писателя Анатолия Софронова. У них родилась дочь Катерина, которая стала переводчиком.


В том же году на съемках картины Эдуарда Бочарова «Какое оно, море?» Шукшин встретился с актрисой Лидией Федосеевой. Чтобы вступить с ней в брак, писатель специально «потерял» старый паспорт — в новый не добавили информацию о браке с Марией Шумской. Шукшин дважды снимал Федосееву в своих фильмах. Она исполнила главные роли в картинах «Печки-лавочки» и «Калина красная». От брака с Федосеевой у писателя было двое детей — дочери Мария и Ольга. Обе стали актрисами. Лидия Федосеева вспоминала: «Он за 10 лет нашей жизни только раза три, от силы пять, объяснялся мне в любви, да и то — от обиды или ревности. И вместе с тем хорошо знал меня, понимал…»


Последние годы: «Калина красная» и «Они сражались за Родину»



В апреле 1973 года в журнале «Наш современник» опубликовали повесть Василия Шукшина «Калина красная», и примерно в это же время он задумал экранизировать книгу. Фильм закончили быстро: меньше чем за год. Съемки проходили в Вологодской области, недалеко от старинного города Белозерска. Работе над картиной не помешала даже обострившаяся болезнь Шукшина. Матери он писал: «Я жив-здоров. Снимаю картину. И сам в ней опять играю. Тяжелее, конечно, но уж брать тяжесть, так всю сразу». Главную женскую роль в фильме исполнила Лидия Федосеева.


Чтобы попасть на премьеру фильма, Шукшин сбежал из больницы. «Калина красная» стала одной из самых успешных картин 1970-х — в прокате ее посмотрело больше 60 миллионов зрителей. Лента получила несколько премий: главный приз Всесоюзного кинофестиваля в Баку, награду за лучший фильм на иностранном языке на польском конкурсе «Варшавская сирена» и югославском «FEST». По результатам опроса читателей журнала «Советский экран» за роль в этой картине Шукшина признали лучшим актером года. Почти сразу после выхода «Калины красной» он вновь подал заявку в Госкино — хотел получить разрешение на съемки ленты о восстании Степана Разина.


В это же время Шукшин не оставлял литературу: написал повесть «Точка зрения», работал над философской сказкой «До третьих петухов. Сказка про Ивана-дурака, как он ходил за тридевять земель набираться ума-разума».


Несмотря на болезнь, Шукшин принял приглашение режиссера Сергея Бондарчука сняться в его картине «Они сражались за Родину» по одноименному роману Михаила Шолохова. В фильме Шукшин исполнил главную роль — солдата Петра Лопахина. Съемки проходили летом и осенью 1974 года на Дону. Здесь Шукшин познакомился с Михаилом Шолоховым, который позднее писал: «Он [Шукшин] рассказал о простом, негероическом, близком каждому так же просто, негромким голосом, очень доверительно. Отсюда взлет и тот широкий отклик, какой нашло творчество Шукшина в сердцах многих тысяч людей…»


К октябрю 1974 года оставалось закончить последний эпизод с участием героя Шукшина. Съемочная группа картины жила на теплоходе «Дунай». У писателя там была отдельная каюта. Он часто ложился спать поздно: работал над новыми рассказами. Когда 2 октября 1974 года Шукшин не вышел из каюты, к нему зашел Георгий Бурков — и обнаружил, что писатель умер. Прощание с Василием Шукшиным состоялось в Доме кино в Москве, а похоронили его на Новодевичьем кладбище.

]]>
Алексей Баталовhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1214/aleksei-batalovMon, 25 Feb 2019 15:10:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Алексей Баталов

КиноПерсоныАктер кино

Алексея Баталова называли главным интеллигентом СССР. С самого детства его окружали знаменитые писатели и артисты, а с 16 лет он уже снимался в кино. Баталов сыграл десятки ролей, которые вошли в классику отечественного кинематографа. Но больше 40 лет он посвятил ВГИКу, где преподавал актерское мастерство.


Довоенное детство и эвакуация


Алексей Баталов родился в творческой семье: отец Владимир и мать Нина Ольшевская служили во МХАТе, там же работали дядя и тетя. Много времени мальчик проводил в театре среди декораций и актеров.


В первом детстве двор MXAT: куда ни посмотри — всюду декорации, станки, расписанные кулисы или проветривающиеся костюмы; и всегда множество людей, и все они — будь то актеры, художники или рабочие — причастны к сцене. Весь клан Баталовых еще в сборе, и они все тут: папа (тогда Аталов), мама (Ольшевская), тетя Леля (Андровская), дядя Коля (Баталов), тетя Муся (Щербинина), тетя Зина (Баталова), дядя Витя (Станицын). И они все на этом дворе не потому, что семья, а потому, что, как и множество других, актеры этого театра.

Из книги Алексея Баталова «Судьба и ремесло»


В начале 1930-х родители развелись. Мама вышла замуж за писателя Виктора Ардова, между отчимом и пасынком сложились хорошие отношения. Семья жила в доме на Большой Ордынке, куда часто приходили в гости Анна Ахматова, Фаина Раневская, Борис Пастернак, Михаил Булгаков, Осип Мандельштам, Михаил Зощенко.


Алексей Баталов в детстве. Фотография: 24smi.org

Как говорил сам Алексей Баталов, его первое детство закончилось в 1941 году, когда началась Великая Отечественная война. Их с матерью и двумя братьями эвакуировали в «одноэтажный керосиновый городок» Бугульма. Там Нина Ольшевская самостоятельно организовала небольшой театр для местных жителей. 14-летний Алексей проводил там много времени: управлял занавесом, подавал реквизит, топил печи в зале, расставлял лавки, а после и сам начал играть в труппе из эвакуированных артистов.


И вот именно война, эвакуация, судьба, забросившая нас в Бугульму и подарившая мне театр, которым руководила мама, эти изнуренные постоянным напряжением, случайно собравшиеся по обе стороны рампы люди, эти мучительно рождавшиеся спектакли открыли передо мной ту тайную дверь, за которой, точно синяя птица, скрывается вечная сила всякого театра.

Из книги Алексея Баталова «Судьба и ремесло»


После войны театр, организованный матерью Баталова, продолжил работать. Его труппа путешествовала по всему Советскому Союзу. С 2008 года Бугульминскому государственному русскому драматическому театру присвоено имя Алексея Баталова.


Первые роли и Школа-студия МХАТ


В Москву семья вернулась после окончания Великой Отечественной войны. Алексей возобновил занятия в школе. Однажды к ним в класс пришли люди из киностудии, чтобы отобрать ребят для съемок в фильме «Зоя» режиссера Лео Арнштама о партизанке Зое Космодемьянской. Важным условием были хорошие отметки. Баталов сразу подтянулся в учебе и «добыл» себе эту первую роль.


Алексей Баталов в молодости. Фотография: 24smi.org

После окончания учебы Алексей Баталов подал заявление в Школу-студию МХАТ на курс театрального режиссера Виктора Станицына. Поступил со второго раза, хотя мать могла похлопотать за сына. Юноша хотел полагаться только на собственные силы.


После окончания Школы-студии в 1950 году его в числе лучших молодых актеров командировали в Центральный театр Советской армии (сегодня — Центральный академический театр Российской армии). Через три года он вернулся во МХАТ. Больших ролей в спектаклях не было, в основном массовки и выходы. Например, в постановке «Анна Каренина» Баталов выходил только в сцене бала в роли арапа. Артисту хотелось играть значимые роли, поэтому он тайком репетировал с молодыми артистами пьесу «Ложь на длинных ногах» итальянского драматурга Эдуардо Де Филиппо. Спектакль так и не дошел до зрителя.


Алексей Баталов (слева) в театральной постановке «Горе от ума». 1946. Фотография: 24smi.org

Успех ждал Алексея Баталова не в театре, а в кино. В 1954 году он сыграл в фильме «Большая семья» Иосифа Хейфица. «Снявшись у Хейфица в роли младшего сына Журбиных, я был как в тумане. Я толком не мог вспомнить, как все это произошло: много лет не годился и вдруг попал в кино, да еще в цветное, рядом с такими китами, как Андреев, Лукьянов, Кадочников!» — вспоминал артист. Позднее Баталов еще не раз снимался у Хейфица — в кинолентах «Дело Румянцева», «Дорогой мой человек», «Дама с собачкой», «День счастья». В 1955 году также были съемки в фильме «Мать» Марка Донского, где он играл Павла Власова. Алексей Баталов гордился этой ролью и возможностью поработать с Хейфицем и великой актрисой Верой Марецкой.


Когда Иосиф Ефимович Хейфиц дерзнул попробовать меня на роль Гурова для чеховской «Дамы с собачкой», в кулуарах студии тотчас взметнулся ураган недоумений, несогласий и разочарований. До меня долетали обрывки разговоров и всяких высказываний почтенных режиссеров, из коих, кроме того, что я вообще не гожусь для этой работы по своему человеческому складу, который, скорее, подходит рабочему парню из «Большой семьи» или шоферу Румянцеву, но уж никак не чеховскому герою, я понял, что большинство людей представляют себе Гурова почти таким, каким представляют себе самого Антона Павловича, то есть типичным русским интеллигентом конца прошлого века и уж обязательно человеком, что называется, в возрасте, значительно старше, чем я был в 1959 году.

Из книги Алексея Баталова «Судьба и ремесло»


Настоящей знаменитостью актер стал в 1957 году. Вместе с Татьяной Самойловой он снялся в военной мелодраме Михаила Калатозова «Летят журавли». Фильм получил «Золотую пальмовую ветвь» Каннского кинофестиваля, став единственной советской полнометражной картиной, удостоенной этой премии.


Кадр из художественного фильма Михаила Калатозова «Летят журавли» (1957)

Спустя четыре года Баталов сыграл физика-ядерщика Дмитрия Гусева в картине Михаила Ромма «Девять дней одного года». По опросу журнала «Советский экран» фильм признали лучшим в 1962 году, а исполнителя главной роли Алексея Баталова — лучшим актером года. В 1964 году ему присвоили звание заслуженного артиста РСФСР.


Личная жизнь. «Пышной свадьбы не устраивали...»


Еще в детстве Баталов подружился с Ириной Ротовой — дочерью художника Константина Ротова, который работал с отчимом. Они поженились в 1948 году, через семь лет у них родилась дочка. Баталов строил карьеру, и времени на семью не хватало. В 1958 году пара распалась.


Алексей Баталов и Гитана Леонтенко. Фотография: soyuz.ru

Больше 50 лет прожил Алексей Баталов со своей второй женой Гитаной Леонтенко. Они познакомились в 1953 году в цирке, куда Баталов с напарником отправились после съемок в фильме «Дело Румянцева». Там он впервые увидел Гитану, которая танцевала и выполняла сложный акробатический трюк на лошади. 10 лет они встречались и в 1963 году расписались. Пышной свадьбы не устраивали, поздравить молодоженов пришли только друзья-актеры Баталова из «Современника». В этом браке родилась дочь Мария.


Я не хотела выходить замуж. Для меня главным в жизни оставалась работа. Ну как я уйду из цирка, что буду делать? Обед готовить? Мир за барьером манежа казался мне чужим. Но Алеша мне очень нравился, он был потрясающим! Голубые глаза, голос необыкновенный, как он стихи читал... По сравнению с теми мужчинами, которых я видела ежедневно, Алексей был совершенно другой.

Из интервью Гитаны Леонтенко, 2014 год


Актер, режиссер, преподаватель


С начала 1960-х актер занялся режиссурой. Первый опыт Баталова-режиссера — фильм «Шинель» на Ленфильме, где он проработал с 1957 по 1975 год. В киносказке «Три толстяка» 1966 года Алексей Баталов был и постановщиком, и актером: в роли канатоходца-революционера Тибула без дублера и страховки выполнял опасные трюки. Критики отмечали в его экранизациях строгую постановочную культуру и бережное отношение к оригинальным текстам. Последняя режиссерская работа артиста вышла в свет в 1972 году — фильм по роману Федора Достоевского «Игрок» с Николаем Бурляевым и Любовью Добржанской в главных ролях.


Кадр из художественного фильма Александра Алова и Владимира Наумова «Бег» (1970)

Много времени Баталов уделял радиопостановкам. «Прошло несколько лет, забитых чисто кинематографической работой, прежде чем мне довелось по-настоящему заняться серьезным «радийным» делом», — признавался актер. Благодаря ему появились радиоспектакли «Герой нашего времени» Михаила Лермонтова, «Казаки» Льва Толстого, «Ромео и Джульетта» Уильяма Шекспира. С 1974 года артист озвучивал известные советские мультфильмы: «Ёжик в тумане», «Лягушка-путешественница», «Ключи от времени», «Приключения пингвиненка Лоло».



С 1975 года Баталов начал преподавать во ВГИКе. Через пять лет получил профессорскую степень, а в 1989 году возглавил кафедру актерского мастерства. Алексей Баталов выпустил семь актерских мастерских для кино Грузии, Белоруссии, Азербайджана и Узбекистана. Также он вел специальный курс в Канаде и США. В 1976 году Баталову присвоили звание народного артиста СССР.


Никто, кроме Баталова


В 1979 году Баталов снялся в самой известной картине в своей актерской карьере — мелодраме Владимира Меньшова «Москва слезам не верит». На роль слесаря Гоши пробовались и Виталий Соломин, и Леонид Дьячков, но убедительнее всех оказался именно Алексей Баталов.


Когда я утверждал его на роль в фильме «Москва слезам не верит», на меня также смотрели удивленно. Баталов — играть рабочего, что за странность, вы помните, с чего он начинал — «Дело Румянцева», — ну да, он совсем перешел в другое качество. У него вот это вот наполнение, когда он играет интеллигента — там есть какие-то корни земные, чувствуется, когда он играет работягу простого, там чувствуется культура.

Из интервью режиссера Владимира Меньшова телеканалу «Культура»


«Москва слезам не верит» занимает второе место по посещаемости среди отечественных фильмов за всю историю советского проката — его посмотрели 84,5 миллиона зрителей, а в 1981 году лента получила премию Американской киноакадемии «Оскар» как лучший фильм на иностранном языке. На этой киноработе Баталов практически завершил актерскую карьеру.


Кадр из художественного фильма Владимира Меньшова «Москва слезам не верит» (1979)

В 1990-е актер снялся еще в нескольких фильмах: «Досье человека в мерседесе», «Похороны Сталина», «Полтергейст-90». Всё остальное время он посвящал преподаванию, даже в преклонном возрасте. В 2002 году Баталов получил главную российскую кинонаграду — «Нику» в номинации «Честь и достоинство», а через шесть лет на кинофестивале ВГИКа ему первому в истории института вручили приз «Признание поколения». Также он занимался благотворительностью и был президентом многих кинематографических советов и фестивалей.


2017 год стал последним для Алексея Баталова: 15 июня актера не стало. Артисту было 88 лет. Похоронили Баталова на Преображенском кладбище.


Интересные факты об Алексее Баталове


1. У Алексея Баталова дворянские корни: прабабушка по материнской линии была польской аристократкой, графиней Понятовской. Прадед Баталова происходил из небогатой дворянской фамилии Ольшевских. Родители не хотели отдавать Понятовскую замуж за обедневшего юношу, поэтому молодые люди решили сбежать из Польши в Россию. Они поселились во Владимире, где и обвенчались.


2. В 1916 году дядю Баталова, Николая, пригласил во МХАТ сам Константин Станиславский. Так в театр попал и отец Алексея Баталова, который позднее стал помощником Станиславского.


3. Алексея Баталова с детства окружали представители культуры XX века. В своих мемуарах он писал: «Когда вместе с мамой я переехал в дом, где поселились писатели, вокруг нас появилось столько людей, связанных с событиями литературной жизни, с поэзией и непосредственно с Анной Андреевной [Ахматовой], что в моем ребячьем сознании она сразу заняла особое, даже несколько таинственное, вроде инопланетянское место. Конечно, тогда эти люди были для меня просто дяди и тети; и только много лет спустя я начал осознавать их настоящие места и вспоминать лица, совмещая хмурого дядьку, жившего на последнем этаже по нашей лестнице, с Мандельштамом, а доброго и тоже в очках — с Ильфом, веселого сказочника — со Светловым, папу Сережи — с Булгаковым, а хозяина замечательных игрушек — с Мате Залкой. И хотя я знал о Залке только то, что он живет на четвертом этаже и обладает заводным танком, все-таки и он, и они все уже были и какая-то особенная неповторимая атмосфера их жизни наполняла дом».


Алексей Баталов. Фотография: 24smi.org

4. На дипломном спектакле во МХАТе Баталов играл две роли в спектакле «Разлом»: матроса-анархиста и полковника Ярцева. Когда он исполнял драматическую роль, его увидела Ольга Книппер-Чехова. После этого она сказала отцу Баталова: «Твой сын — настоящий мхатовский актер».


5. В 1997 году при поддержке Баталова и академика Дмитрия Лихачева был основан некоммерческий благотворительный фонд «Мир искусства». Он помогает музыкально одаренным детям с проблемами в развитии, сиротам, детям с ограниченными возможностями здоровья, детям из многодетных, неполных и малообеспеченных семей.


6. Алексей Баталов писал стихи, сценарии, детские сказки и увлекался живописью. В 1975 году вышла его книга «Диалоги в антракте», а через девять лет — мемуары «Судьба и ремесло». Вместе с братьями Михаилом и Борисом Ардовыми Баталов написал главы об Анне Ахматовой в сборнике воспоминаний «Легендарная Ордынка» 1995 года.

]]>
Рина Зеленаяhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1007/rina-zelenayaMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Рина Зеленая

КиноПерсоныАктер кино

Забавная домработница в «Подкидыше», мудрая черепаха Тортила в «Приключениях Буратино», уютная миссис Хадсон в «Шерлоке Холмсе» — это лишь несколько изумительных образов из обширной фильмографии Рины Зеленой. Она играла в основном эпизодические роли, но порой ее выразительные героини запоминаются лучше основных персонажей. Ей был известен важный актерский секрет — как наделить своего героя яркой индивидуальностью.


Ее настоящее имя — Екатерина. Ласковое имя Рина возникло случайно: однажды полное имя не поместилось на афише, и Зеленая не долго думая сократила его.


Родилась она в Ташкенте, в переломное время, в самом начале века. На ее глазах были войны и революция, менялись правители, но что бы ни происходило в стране и в жизни самой актрисы, она всегда оставалась верна искусству. Творческая судьба Рины сложилась весьма удачно. В 1919 году она окончила Московское театральное училище, впоследствии получившее имя Щепкина. Служила в театрах Москвы, Петрограда и Одессы. Много выступала на эстраде, читала стихи Владимира Маяковского (Рина была знакома с поэтом), Самуила Маршака, Агнии Барто (с Барто позднее у Зеленой сложится хороший творческий союз), выступала с сатирическими песенками и частушками. Вообще, с чувством юмора и с самоиронией у Рины Васильевны всегда все было в полном порядке.

«Однажды, после запозднившейся съемки, мы с Риной спешили на вокзал к московскому поезду. Маленький студийный автобус мчался по пустому в этот час Невскому проспекту, прихваченному мартовским ледком. Я сидел спиной к водителю. Рина устроилась в самом конце салона, напротив прохода. Вдруг из переулка вылетело такси и ударило наш автобус в бок. Удар был такой силы, что Рину выбросило из сиденья, она пролетела весь автобус и рухнула ко мне на колени, обхватив мою голову руками. И что она в этот момент выговорила? — Спокуха — я с вами!»

Василий Ливанов


В кино Рина Зеленая дебютировала в 1931 году, сыграла певицу в первом звуковом советском фильме «Путевка в жизнь». Через несколько лет вместе с Агнией Барто написала сценарий детского фильма «Подкидыш». Впрочем, картина получилась условно детской, ибо ее с неменьшим удовольствием по сей день смотрят и взрослые. Домработница Ариша, виртуозно сыгранная Зеленой, появилась в фильме абсолютно случайно. Просто по ходу съемок выяснилось, что нужен еще один персонаж, и Рина Васильевна сымпровизировала свою Аришу буквально на ходу. Фразы заполошной домработницы пошли в народ: «Я после выходного выходная», «Вот тут одна старушка заходила, просила воды попить. Потом хватилися — пианины нет».



На счету Рины Зеленой немало озвученных мультфильмов. Ее голосом говорят щенок в «Кто сказал «мяу?», Вовка в «Вовке в Тридевятом царстве», Пилюлькин в «Приключениях Незнайки и его друзей», Герцогиня в «Алисе в Стране чудес» и многие другие мультперсонажи. Она гениально имитировала детские голоса и часто читала стихи от имени девочек и мальчиков. Впечатление было такое, что действительно это говорит ребенок.


Невозможно забыть черепаху Тортилу из «Приключений Буратино», которая вспоминала о том, что она «сама была такою триста лет тому назад» и советовала деревянному мальчишке быть «веселым, дерзким, шумным». Вскоре после «Буратино» вышел еще один прелестный детский фильм — «Про Красную Шапочку», где Рина Зеленая сыграла бабушку Красной Шапочки. Опытная актриса с большим вниманием относилась к своим юным партнерам. В фильме был такой персонаж — Ребенок. Сыграла его очаровательная четырехлетняя девочка Инна Степанова. «Как она слушала объяснения режиссера, как точно выполняла его указания, играя капризного, избалованного мальчишку! Я разговаривала с ней, как с товарищем по работе», — вспоминала Рина Васильевна.



Лебединой песней Рины Зеленой стала роль миссис Хадсон в фильмах Игоря Масленникова о Шерлоке Холмсе. Роль, по сути дела, крошечная. Но когда режиссер предложил Хадсон сделать ее более масштабной, Зеленая запротестовала: «Ни в коем случае! Я еще никогда не играла мебель. Мне это нравится». Актриса внесла в картину необычайное очарование и мастерски дополнила главных персонажей — Холмса и Ватсона.


Последний раз миссис Хадсон она сыграла в 1986 году в картине «Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона: Двадцатый век начинается».


Рины Зеленой не стало 1 апреля 1991 года. Похоронена актриса в Москве на Введенском кладбище.

]]>
Евгений Леоновhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1067/evgenii-leonovTue, 30 Aug 2016 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Евгений Леонов

КиноПерсоныАктер кино

В фильмографии Евгения Леонова больше 70 ролей. Он был одним из самых востребованных актеров огромной страны, причем на протяжении пяти десятилетий!


Никто в семье Леонова не имел отношения к театру или кино. Да и сам он в 1941 году поступил в авиационный техникум. Продержался там три года и ушел в Московскую экспериментальную театральную студию. Закончив ее, год проработал в областном московском Театре Дзержинского района, потом попал в Театр имени Станиславского. На счастье молодого актера, в 1954 году главный режиссер Михаил Михайлович Яншин затеял постановку «Дней Турбиных» и назначил Леонова на роль Лариосика (Яншин сам играл эту роль в первой сценической интерпретации пьесы Булгакова во МХАТе). И Лариосик принес Леонову первый серьезный успех! В Театре имени Станиславского актер прослужил почти 20 лет, сыграл много ролей, самыми значимыми из которых были, после Лариосика, Пичем в «Трехгрошовой опере» и Креон в «Антигоне» по пьесе Жана Ануя.


Несколько лет Евгений Леонов работал в Театре имени Маяковского, сыграл там в спектаклях Андрея Гончарова роли Ванюшина («Дети Ванюшина»), Нарокова («Таланты и поклонники»), Санчо Пансы («Человек из Ламанчи»). Трагикомический эпизод, увы, прервал сотрудничество Леонова и Гончарова: в 1973 году Евгений Павлович снялся в телевизионном ролике, рекламирующем рыбу нототению… Великий режиссер не простил актеру участия в такой работе. Так Леонов ушел из Театра Маяковского в «Ленком», который как раз возглавил молодой режиссер Марк Захаров. В этом театре актер прослужил до самой своей кончины в 1994 году.


Но в каком бы театре ни работал Леонов, у него всегда шла насыщенная параллельная жизнь — в кино. Однажды задействовав Леонова в картине «Тридцать три», Георгий Данелия не мыслил фильма без участия этого актера. Леонов играл у него русского солдата на Кавказе («Не горюй!»); рассудительного, но пьющего «соседа» Колю («Афоня»); отзывчивого фронтовика Волохова («Мимино»); настырного слесаря Харитонова («Осенний марафон»); грубого чатланина по кличке Уэф («Кин-дза-дза»). Эгоистичный Володя Орешников («Зигзаг удачи») и благородный, жертвенный Афанасий Бубенцов («О бедном гусаре замолвите слово») — каких разных персонажей сыграл Евгений Леонов в фильмах Эльдара Рязанова! Вообще, диапазон интеллектуальных возможностей и морального облика героев Леонова чрезвычайно широк… Самое наглядное тому подтверждение, конечно, фильм «Джентльмены удачи», где актеру выпало создать аж три образа: бандита Доцента, заведующего детским садом Трошкина и Трошкина в роли Доцента. Леонов органичен как в роли идеалиста, добряка Сарафанова («Старший сын»), так и в образе несимпатичного начальника Кушака, падкого на лесть («Отпуск в сентябре»). А какую галерею злодеев создал актер в фильмах Марка Захарова!


Но, пожалуй, самые любимые народом персонажи Леонова — те, про которых не скажешь, хорошие они или плохие. Живые, узнаваемые люди с биографией. Ваня в «Белорусском вокзале», одноклассник своей дочери Степан Леднёв в «Большой перемене», да тот же Харитонов в «Осеннем марафоне» — они нам знакомы, будто соседи по этажу. Любовь зрителя к Евгению Леонову велика, даже по истечении 20 лет с момента его ухода. У него появляются и новые поклонники! Это дети, которые открывают для себя такой шедевр отечественной мультипликации, как цикл Федора Хитрука по сказке Алана Милна «Винни-Пух». Евгений Леонов озвучил медвежонка, а кажется, будто героя и рисовали с него — настолько подошли образу голос, манера речи актера. Правда, Леонову–Винни-Пуху немного «помогли» звукорежиссеры: речь актера ускорили быстрой перемоткой пленки — и характерный хрипловатый голос зазвучал именно так, как надо в мультфильме.

]]>
Всеволод Пудовкинhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1474/vsevolod-pudovkinThu, 28 Feb 2019 11:25:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Всеволод Пудовкин

КиноПерсоныРежиссер

Режиссер Всеволод Пудовкин снял один из первых советских игровых фильмов — «Мать». За картины об исторических личностях — «Минин и Пожарский», «Суворов», «Адмирал Нахимов» и «Жуковский» — он трижды получал Сталинскую премию. Кроме этого, Пудовкин был одним из главных теоретиков советского кино. Он первым в СССР заговорил о применении ускоренной съемки, современном слоу-мо, и впервые использовал монтаж с обратным кадром — флешбеками.


Первые фильмы


Всеволод Пудовкин в роли Федора Протасова в художественном фильме Федора Оцепа «Живой труп» (1929)

Всеволод Пудовкин родился в Пензе, в семье коммивояжера. Когда ему исполнилось четыре года, семья переехала в Москву. Здесь Пудовкина определили в гимназию, после которой он поступил в Московский государственный университет. Закончить обучение Пудовкин не успел: началась Первая мировая война, и он ушел на фронт.


В ранней юности я отличался тем, что принято называть «разбросанностью». Страстные, но беспорядочные увлечения живописью, игрой на скрипке, астрономией и сочинением очень странных, похожих на философские диалоги пьес комбинировались с довольно прочным влечением к физико-математическим наукам и с крайним отвращением к медицине, которая, по решению родителей, должна была стать основой моей будущей работы. Я настоял на своем и поступил в университет не на медицинский, а на физико-математический факультет.

Всеволод Пудовкин


Зимой 1915 года Всеволод Пудовкин попал в плен. В лагере в Померании, куда его доставили, он работал химиком, учил немецкий, английский и польский языки. Через три года ему удалось сбежать в Россию.


В 1920 году Всеволод Пудовкин поступил в Первую государственную школу кинематографии при Всероссийском фотокиноотделе Наркомпроса. В этом же году он впервые снялся в фильме: в немой ленте «В дни борьбы» Ивана Перестиани Пудовкин сыграл красного командира.


В Школе кинематографии Всеволод Пудовкин учился в группе Льва Кулешова, который до этого руководил съемками на фронтах Первой мировой. В течение пяти лет Пудовкин писал сценарии, рисовал эскизы декораций и помогал их строить, играл главные роли и участвовал в эпизодических сценах, ставил отдельные фрагменты фильмов и монтировал будущие киноленты.


На съемочной площадке Всеволод Пудовкин познакомился с актрисой Анной Земцовой, известной под псевдонимом Анна Ли. В 1924 году они поженились. «Ей я обязан не только своими первыми самостоятельными шагами в режиссерской работе, но и многими из тех побед над собой, в которых помощь и поддержка искреннего друга играют иной раз решающую роль», — говорил режиссер. Через год они вместе работали над немой короткометражкой «Шахматная горячка» — Пудовкин ставил сцены, а Анна Ли играла невесту главного героя. Кроме актеров в фильме снимались и настоящие гроссмейстеры — Карлос Торре и Рихард Рети, Фрэнк Маршалл и Фредерик Ейтс.


В 1925 году Пудовкин перешел в киностудию «Межрабпом-Русь» (сегодня — Киностудия имени М. Горького). Одной из первых его работ на студии стал научно-популярный фильм «Поведение человека» об опытах и теоретических трудах академика-физиолога Ивана Павлова. Сам нобелевский лауреат одобрил фильм, а английские университеты использовали его как учебное пособие.


Публикации по теории кино


Всеволод Пудовкин. Фотография: ruspekh.ru

Уже будучи на третьем курсе, в журнале «Кино» Пудовкин опубликовал первую теоретическую статью — «Время в кинематографе» о том, как зритель воспринимает время в кинофильме в зависимости от темпов музыки. Эту тему он развивал и в других своих публикациях.


Пудовкин одним из первых в России заговорил о применении «цайт-лупы» — ускоренной съемки, «слоу-мо», которую используют и в наши дни. На пленку в каждую секунду фиксировали не 24 кадра, как обычно, а 100 и более. Этот метод позволял показать движение в замедленном темпе. За рубежом цайт-лупу впервые показали в Австрии в 1904 году.


Короткий кусок, снятый «цайт-лупой», может помещаться между двумя длинными нормальными кусками, сосредоточивая на момент в нужном месте внимание зрителя. «Цайт-лупа» в монтаже не искажает действительного процесса. Она показывает его углубленно и точно, сознательно руководя вниманием зрителя».

Всеволод Пудовкин


Режиссер призывал использовать эту технологию не только как трюк, но и для усиления экспрессии. Фрагменты фильма, которые отсняты на разной скорости, придают картине своеобразный ритм: «Они не скользят, как пейзаж в окне вагона, под равнодушным взглядом привыкшего к этой дороге пассажира. Они развертываются и растут, как рассказ талантливого наблюдателя».


Многие публикации Всеволода Пудовкина стали учебными пособиями для студентов-кинематографистов. В 1926 году в свет вышла статья «Принцип сценарной техники» и книга «Киносценарий (Теория сценария)». В них режиссер рассказывал об основах кинематографа — искусстве монтажа, крупных и общих планах, сценарном мастерстве. Он говорил о новом для того времени приеме — нелинейном повествовании, который сегодня называют «обратный кадр» или «флешбек» и часто используют в кино. Суть его в том, чтобы скомбинировать сцены, происходящие в разное время и в разных местах. В «Статье о монтаже» Пудовкин писал: «Пример — зал суда; несправедливо обвиняемый слушает жестокий приговор; внезапно на экране появляется изображение истинных обстоятельств преступления, полностью оправдывающих обвиняемого. Правда фактов развертывается под звучащими словами ложного приговора».


Фильм «Мать»


Кадр из художественного фильма Всеволода Пудовкина «Мать» (1926)

В 1926 году Всеволод Пудовкин снял свой первый полнометражный фильм — «Мать» по роману Максима Горького. Идею ему подсказал один из руководителей студии — Моисей Алейников. Вместе с Пудовкиным над фильмом работал сценарист Натан Зархи: он существенно изменил образ матери — Ниловны. У Горького она почти в начале повествования переходит на сторону революции, а у Зархи — только после череды трагических событий. В роли Ниловны Пудовкин по совету своего ассистента Михаила Доллера снял Веру Барановскую. Готовили сначала финальные сцены, и только потом — первую сцену, которой открывается фильм. Режиссер был уверен, что так актриса лучше раскроется в драматически напряженной завязке.


В фильме снялся и сам Пудовкин — он сыграл офицера, который проводил обыск в доме главных героев. Сцены демонстрации снимали в Твери, большинство статистов были рабочими заводов — всего около 700 человек. Когда на площадь по сценарию прибыл отряд казаков, волонтеры-артисты запаниковали и бросились врассыпную. С ними же бежал и Пудовкин: он пытался направить поток людей в нужную сторону. Из-за этого происшествия сцена получилась максимально достоверной. Народный комиссар просвещения РСФСР Анатолий Луначарский писал: «Я утверждаю, что почти на все сто процентов картина заснята таким образом, что кажется — будто по какому-то волшебству оператор мог непосредственно фотографировать самую действительность. Актерская игра абсолютно не чувствуется».


В 1927 году «Мать» показали в Париже.


Я был на… показе [фильма «Мать»] в театре «Комеди де Шанз-Елизе». …Он был встречен нескончаемыми овациями. Меня больше всего тронула в этом фильме психологическая эволюция героини, ее осознание революции. Пудовкин и Зархи убедили меня, что человек не «един и неделим», не «белый или черный».

Жорж Садуль, кинокритик и историк. Из книги «Всеобщая история кино».


На Всемирной выставке в Брюсселе в 1958 году фильм «Мать» назвали одной из шести лучших кинокартин всех времен и народов.


Вместе с Натаном Зархи Пудовкин работал над фильмами «Конец Санкт-Петербурга» и «Потомок Чингисхана». В 1938 году Зархи погиб.


Биографические кинокартины Пудовкина


Кадр из художественного фильма Всеволода Пудовкина «Минин и Пожарский» (1939)

В 1939 году на «Мосфильме» Пудовкин приступил к съемкам художественных фильмов об исторических личностях. Первой появилась черно-белая озвученная картина «Минин и Пожарский». Режиссер вспоминал: «Работая над образами Минина, Пожарского и крестьянина Романа, мы не боялись, что они приобретут некоторую монументальность, патетичность и приподнятость. <...> Хотелось в обрисовке образов оставить лишь крупные черты характеров, сделавшие этих людей полководцами, народными героями». В следующем году режиссер закончил работу и над вторым биографическим фильмом — «Суворов» о русском полководце XVIII века. В 1943 году за эти два фильма Пудовкину присудили Сталинскую премию.


Во время Великой Отечественной войны студия «Мосфильм» находилась в эвакуации в Алма-Ате. Здесь Всеволод Пудовкин снял несколько художественных фильмов, в том числе двухчастную киноновеллу «Пир в Жирмунке», «Убийцы выходят на дорогу», «Во имя Родины».


После войны режиссер работал над картиной о герое обороны Севастополя — адмирале Павле Нахимове. На одном из заседаний центрального комитета ВКП(б) Иосиф Сталин раскритиковал первый вариант фильма: «В фильме «Нахимов» тоже имеются элементы недобросовестного подхода постановщиков к изучению того предмета, который они хотели показать... Это, собственно, не фильм о Нахимове, а фильм о чем угодно, с некоторыми эпизодами о Нахимове. Мы вернули фильм обратно и сказали Пудовкину, что он не изучил этого дела, не знает даже истории». Сталин дал режиссеру полгода, чтобы исправить сценарий и доснять нужные сцены.


Окончательный вариант с морскими боями и сценами захвата в плен турецких генералов оценили и в СССР, и за границей. Режиссера удостоили Сталинской премии, а на Международном кинофестивале в Венеции — награды в номинации «Лучшие массовые сцены». Также почетные дипломы в Венеции получили исполнитель главной роли Алексей Дикий и операторы Анатолий Головня и Тамара Лобова.


В 1950 году на экраны вышел первый цветной фильм Пудовкина — «Жуковский», посвященный российскому конструктору, основоположнику аэродинамики Николаю Жуковскому. Впервые после немой «Механики головного мозга» Пудовкин вернулся к теме науки.


Ах, как… [Пудовкин] мечтал о научном фильме! И о том, что «кино родственно науке» и что «мышление кинохудожника вдвигает его в науку», что «зритель, смотрящий на экран, переживает диалектический ход мысли». <...> Вот его мечта о научном кино, предметом которого станут социология и психология, о научном кино, на которое перенесена сила художественного. Впрочем, тут есть и предчувствие развития телевидения, и нечто вроде Интернета, и что-то такое, о чем мы и сейчас не догадываемся».

Валентин Берестов. Из книги «Концерт чашек на площади цветов. О Всеволоде Пудовкине».


Кинолента «Жуковский» тоже принесла Пудовкину Сталинскую премию.


В последние годы Пудовкин возглавлял киносекцию Всесоюзного общества культурной связи с заграницей. Он много путешествовал по миру, собрал большую домашнюю библиотеку с книгами по разным отраслям наук.


В 1953 году на экраны вышел последний фильм режиссера — «Возвращение Василия Бортникова» о послевоенной жизни фронтовика.


30 июня этого же года Всеволода Пудовкина не стало. Его похоронили на Новодевичьем кладбище в Москве.


Интересные факты о жизни и творчестве Всеволода Пудовкина


Всеволод Пудовкин. Фотография: kinovoid.com

1. Пудовкин свободно владел четырьмя иностранными языками — английским. польским, немецким и французским.


2. В юности Пудовкин презрительно относился к кинематографу, считая его пародией на театр. А в зрелом возрасте свое мнение изменил: «Кинематограф обладает всеми возможностями театрального зрелища плюс новые огромные технические и творческие возможности, позволяющие развернуть это зрелище до предельного объема содержания литературного или даже научного сочинения. Таков кинематограф в своих возможностях. Он вмещает в себе все возможности всех до сих пор созданных искусств».


3. Когда Пудовкин вернулся из плена в 1918 году, он устроился работать на завод «Фосген-1», где участвовал в разработке и производстве химического оружия.


4. Всеволод Пудовкин дружил с режиссером Сергеем Эйзенштейном, иногда играл в его фильмах роли второго плана. В 1937 году, когда в Главном управлении кинематографии забраковали «Бежин луг» Эйзенштейна и хотели запретить режиссеру снимать фильмы, Пудовкин единственный выступил в его защиту: «Многие из нас знают толк в работе над фильмом, но только один из нас — гений, и это Эйзенштейн. У него всем нам впору учиться».


5. В 1942 году Пудовкин снял фильм «Убийцы выходят на дорогу» по пьесе Бертольта Брехта «Страх и отчаяние в Третьей империи». Однако цензура запретила показывать киноленту, поскольку события, которые показаны в ней, — мародерства, доносы, предательства — происходили не только в гитлеровской Германии, но и в СССР.

]]>
Инна Ульяноваhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/945/inna-ulyanovaMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Инна Ульянова

КиноПерсоныАктер кино

«Я читала и заливалась смехом на каждой строчке». Инна Ульянова определила свое амплуа комедийной актрисы еще на вступительных экзаменах в Щукинское училище. Комиссия встрепенулась сначала на басне Крылова, а затем и на стихотворении Ходасевича с «сомнительными девами в непотребном хороводе». Девушку приняли с оговоркой «если не разочарует преподавателей в течение полугода». Не разочаровала.


Профессия начинается с соседей


Детство Инны Ульяновой можно назвать околокинематографическим. Инженерно-строительная семья из донецкой Горловки переехала в Москву и поселилась в доме Совета министров. Соседи по министерскому дому были по-настоящему звездные. Целых три подъезда известных работников кино, и тротуар возле дома словно красная дорожка кинофестиваля: Сергей Герасимов, Инна Макарова, Марина Ладынина, Иван Пырьев и даже принц… из «Золушки» — Алексей Консовский.


В театральных кружках Инна Ульянова не занималась и все же после школы отправилась в Щукинское училище. Не слишком рассчитывая на успех, девушка приемную комиссию все же не оставила равнодушной. «Я стала громко — как научили другие абитуриенты — читать басню Крылова. Но, как оказалось, заучила я ее автоматически. И только на экзамене до меня стал доходить смысл происходящего у Крылова! Я читала и заливалась смехом на каждой строчке». Хохотунью приняли с условием — если не разочарует преподавателей в ближайшие полгода. Благополучно доучилась.


От изящной шляпки до телогрейки


«Инна, у вас редкий комедийный дар, не надо этого стесняться!» — говорил режиссер Николай Акимов, руководивший Ленинградским театром комедии, в который Инна Ульянова пришла работать после окончания училища. Актриса много играла и лирических, и комедийных героинь, порою вызывая смех одним появлением на сцене. Одна из лучших работ ее ленинградского периода — Юлия Джули в спектакле «Тень» по пьесе Евгения Шварца, написанной специально для акимовского театра.


«Шесть с половиной лет в Ленинградском театре комедии — это была не школа и даже не университет, это как черный пояс у каратистов. Да с таким учителем передо мной ни один мужчина не мог устоять — весь Невский у ног лежал!» — вспоминала актриса.



И все же в 1964 году Инна Ульянова уехала в Москву и устроилась к Юрию Любимову в Театр на Таганке. Коллеги называли актрису на испанский манер Инезилья и любили, по словам Вениамина Смехова, за «неподдельную радость». Но с режиссером отношения складывались непросто. Особенно после Ленинграда, где Николай Акимов видел в каждой актрисе женщину.


«Он одевал нас сам, он рисовал и создавал все костюмы. Он все знал о женской красоте! И если у кого-то были красивые ножки — будьте уверены! — зритель их видел. Если были красивые плечи, грудь — это всегда было оголено и оценено по достоинству! И в таких ролях я купалась. Конечно, по шпалам в тундру я не пойду, и тетка в бушлате и телогрейке, которой я потом оказалась у Любимова на Таганке, — не мое».


В начале 90-х Инна Ульянова ушла из Театра на Таганке вместе с Николаем Губенко. Но и в «Содружестве актеров Таганки» сыграла всего одну роль, уйдя в свободное антрепризное плавание. Играла и у Сергея Арцибашева в Маяковке. «Актриса удивительного дарования и широкого диапазона, от легкой комедии вплоть до трагедии. Отточенные, яркие, сочные работы», — говорил об Ульяновой Арцибашев.


Характерные эпизоды на экране и в жизни


Яркими, пусть и не главными, были работы и в кино. Первое мимолетное появление на экране даже без указания в титрах — в «Карнавальной ночи» в 1956 году. Актрису приглашали лишь на эпизоды: «Цветы запоздалые», «Чудак из пятого «Б», «Переступи порог», «Когда я стану великаном», «Иванцов, Петров, Сидоров», «Бархатный сезон», «Где находится нофелет?», «Утомленные солнцем».


Небольшие, как правило, характерные роли. Но даже эпизод Инна Ульянова могла сыграть с блеском. «Дама с лисой» в картине Татьяны Лиозновой «Семнадцать мгновений весны» сделала актрису узнаваемой, а роль Маргариты Хоботовой принесла настоящий экранный успех — уже в 48 лет. Хотя значительных киноролей не добавила.


Изначально в роли Маргариты Павловны режиссер картины «Покровские ворота» Михаил Козаков видел Наталью Гундареву, и остальной состав — более звездным: с Андреем Мироновым и Никитой Михалковым. Но затем выбрал не столь известных актеров, за исключением Леонида Броневого.



Домашний диктатор, «генерал в юбке». В роли авторитарной женщины Инна Ульянова оказалась очень убедительна, хотя по признанию самой актрисы в жизни ей не хватало самоуверенности и властности — «жуткая трусиха, и в отношении с мужчинами тоже».


Одна из любимых историй актрисы — о французском летчике эскадрильи «Нормандия-Неман». Жан-Пьер Константен после войны остался жить и работать в России. Любил и русскую женщину, и русскую кухню — картошку с луком. Роман в письмах, стихах и встречах продолжался четыре года. Но браком так и не закончился, как и во многих других случаях в жизни Инны Ульяновой. Актриса всегда выбирала театр и все силы тратила на творчество. Говорила: «Главное в том, что продолжается моя актерская жизнь». И даже когда сама актриса покинула этот мир — продолжают жить ее героини, на экране.

]]>
Борис ЛивановБиография актера МХАТа, лауреата пяти Сталинских премий.http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2530/boris-livanovTue, 17 Sep 2019 15:15:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Борис Ливанов

ТеатрыПерсоныАктер театра

Борис Ливанов решил стать актером в 16 лет, когда побывал на спектакле армейского театра. Студента театральной школы-студии звали на главные роли сразу в несколько театров, но он выбрал МХАТ. Ливанов проработал там более 40 лет, исполнил множество ролей и сам создавал декорации для сцены. Играл он и в кино — за свои фильмы актер получил несколько Сталинских премий.


Детские годы и первые учителя Бориса Ливанова



Борис Ливанов родился 8 мая 1904 года в Москве в семье актера Николая Ливанова. Вместе с младшей сестрой Ириной он часто бывал в театре — посещал спектакли отца и его знакомых. В семье Ливановых устраивали и домашние представления — в них участвовал будущий актер. Борис Ливанов вспоминал: «Я вырос в актерской семье. Сызмальства любимым занятием была игра в театр». Кроме актерской карьеры его привлекала военная: «Я мечтал стать еще и моряком — уж очень нравилась мне морская форма. Позже это желание сбылось: на сцене и в кино я был моряком буквально во всех чинах — от матроса до командующего флотом. И был польщен, когда, «дослужившись» до звания фельдмаршала, получил награду — офицерский кортик».


Учиться Борис Ливанов пошел в Первое городское реальное училище, а в 1920 году решил оставить учебу и вступить в Красную армию. Но принимали только тех, кому исполнилось 18, и 16-летнего Ливанова отправили домой. На обратном пути в Москву, в одном из армейских театров, он увидел постановку пьесы Алексея Писемского. Ливанова впечатлил и сам спектакль и реакция публики, которая аплодировала артистам. Позже он писал: «...искусство необходимо народу не только в мирное время, но и в грозные годы войны». Домой он уже возвращался с твердым намерением стать актером.


Борис Ливанов поступил в театральную школу Русского драматического театра Корша. Его первым учителем стал режиссер Андрей Петровский. Во время учебы будущий актер часто посещал спектакли, в которых играли Василий Топорков, Елена Шатрова и Николай Радин — ведущие актеры этого театра.


Борис Ливанов — актер МХАТа



Помимо постановок Театра Корша, Борис Ливанов бывал и на представлениях МХАТа, а в 1921 году стал актером его четвертой студии. Его наставниками были знаменитые театральные деятели тех лет: Василий Лужский, Георгий Бурджалов, Михаил Тарханов и Евгения Раевская. С 1924 года он параллельно учился в школе при МХАТе. Ее руководитель — режиссер Николай Демидов — приглашал Ливанова играть в Художественном театре. А Всеволод Мейерхольд звал в Театр Революции: «Я вас и пробовать не буду, приходите ко мне прямо на репетицию в Театр Революции, и будем играть центральные роли». Актер выбрал МХАТ: он мечтал сыграть в спектакле Константина Станиславского «Горе от ума».


В МХАТ я пришел после театральной школы в 1924 году. Пришел, гордый тем, что меня приглашают сразу на роль Чацкого. Когда меня принимали, К.С. Станиславский был за границей. После его возвращения вновь принятых представляли ему. Подошла моя очередь. Константин Сергеевич посмотрел и сказал:

— Вы очень красивый молодой человек.
Я промолчал, но в душе был с ним, конечно, абсолютно согласен. Станиславский усмехнулся и продолжал:
— Знаете что? Подождите с «Горе от ума». У вас получится не Чацкий, а этакий герой-любовник в роли Чацкого. Сыграйте сперва что-нибудь острохарактерное.

Борис Ливанов, «О создателях Московского художественного театра»


В 1924 году Ливанова утвердили на роль князя Шаховского в спектакле «Царь Федор Иоаннович». В следующие несколько лет актер сыграл во многих постановках, среди которых «Отелло», «Безумный день, или Женитьба Фигаро» и «Мертвые души». В это же время он оформлял декорации для пьесы «Наша молодость».


Оформление было по тем временам смелое для МХАТа, Ливанов решил его реалистично, с элементами иллюзорности (тайга, вагон внутри и снаружи), но без привычного и единственно понятного мастерам МХАТа натурализма в изображении природы. <...> Препятствия были преодолены, и на Малой сцене МХАТа появился хороший спектакль. Это был первый опыт Ливанова — театрального художника, опыт очень удачный, и если Борис не стал сценографом-профессионалом (хоть ряд спектаклей им и был оформлен), то в режиссерской работе решение внешней формы спектакля почти всегда исходило от него.

Вадим Шверубович, «Молодой друг Качалова»


Фильмы Бориса Ливанова



В кино Борис Ливанов начал сниматься еще в середине 1920-х годов, но популярным он стал после главной роли в картине режиссера Александра Ивановского «Дубровский». Однако актер хотел играть других героев — своих современников и сограждан, жителей Советского государства. Он мечтал воплотить на экране сложный образ — революционера или коммуниста.


Он хочет выразить то новое, что видит в людях вокруг себя, ощущает возможности для подлинного воплощения характера человека, живущего и работающего рядом с ним. Ливанов стосковался по сложному образу, по возможности выявить себя во всей глубине и разносторонности своих ощущений, результатом чего была бы вершина искусства — простота.

Андрей Юренев, актер и киновед


В 1936 году Бориса Ливанова пригласили на долгожданную роль в картине «Депутат Балтики». Фильм рассказывал о том, как в разгар революции один из пожилых преподавателей начал обучать матросов и «проповедовать» советскую власть. Ливанов играл роль второго плана, революционера Михаила Бочарова — коммуниста и ярого борца за новые порядки. В энциклопедии «Кино России» писали: «Почти с документальной достоверностью переданы атмосфера и фактура сурового времени, особенности петроградской осенней погоды».


В 1939 году Ливанов снимался в историческом фильме Всеволода Пудовкина «Минин и Пожарский». Актер тщательно продумывал свою роль — князя Дмитрия Пожарского. Он вновь хотел воплотить на экране не просто дворянина, а профессионального военачальника. Несколько раз во время съемок по вине Бориса Ливанова приходилось менять звукозаписывающее оборудование, которое выходило из строя после темпераментных монологов актера.


Ливанов–Пожарский красив, щеголеват. Он профессиональный военный, и это чувствуется в его походке, в том, как он сидит на коне, как он рубится в схватке с врагом.

Ханжара Абул-Касымова, киновед


В 1941 году за эту роль Борис Ливанов получил Сталинскую премию первой степени. На приеме после вручения награды с Ливановым захотел поговорить Иосиф Сталин. Он спросил, почему актер до сих пор не вступил в коммунистическую партию, на что Ливанов ответил: «Товарищ Сталин, я очень люблю свои недостатки». Позднее актеру передали: «Товарищ Сталин сказал: приятно было поговорить с мыслящим артистом».

После Великой Отечественной войны Ливанова приглашали играть в патриотических картинах. В 1946 году он исполнил главную роль в фильме Виктора Эйсымонта «Крейсер «Варяг» — командира корабля и героя Русско-японской войны Всеволода Руднева. И за эту картину артист получил Сталинскую премию первой степени.


Через три года Борис Ливанов дважды сыграл маршала Рокоссовского — в лентах «Сталинградская битва» и «Падение Берлина». Снимался актер и в эпизодах. Киновед Андрей Юренев писал: «Надо признать, что не было эпизода, сыгранного им, который бы не запомнился, не откладывался в памяти как соответственный тому или иному фильму, и при воспоминании о фильме неизбежно вспоминался и персонаж, созданный Ливановым. Среди ролей, которые исполнял актер, были и отрицательные. В 1958 году он сыграл белогвардейца Константина Мамантова в картине Леонида Лукова «Олеко Дундич».


Еще в 1934 году на банкете в честь свадьбы поэта Василия Каменского Борис Ливанов познакомился со своей будущей супругой — художницей Евгенией Филиппович. Вместе они прожили больше 30 лет и воспитали двух детей: дочь жены от первого брака и общего ребенка — сына Василия. Василий тоже стал актером, известным по роли Шерлока Холмса в киноистории «Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона». Вместе с отцом он сыграл в фильме режиссера Татьяны Лукашевич «Слепой музыкант».


Последние годы жизни Бориса Ливанова



Больше 40 лет Борис Ливанов работал во МХАТе. С 1950-х он не только играл, но и ставил спектакли. В 1953 году прошла премьера «Ломоносова» по пьесе Всеволода Иванова, в 1960 году в репертуаре появились «Братья Карамазовы». В постановке по роману Достоевского Ливанов сам сыграл старшего из братьев — Дмитрия. Через три года он снова сыграл в своем спектакле «Егор Булычов и другие».


Поначалу представлялось, что именно Ливанову противопоказана режиссура — это умение отдать свой темперамент, свое понимание пьесы не одной роли, а всем ролям, всем участникам спектакля. Его собственная яркость, своеобразная актерская диктатура, казалось, должны были помешать созданию концепции целого произведения, раствориться (насколько это возможно) в ансамбле.

Ирина Кузнецова, «Некоторые итоги» (по книге Василия Ливанова «Мой отец — Борис Ливанов»)


С 1960-х годов Борис Ливанов вместе с Виктором Станицыным, Владимиром Богомоловым и Михаилом Кедровым входил в художественный совет МХАТа. В это время в репертуаре почти не появлялось новых спектаклей, а театр быстро терял популярность у зрителей. Тогда в Министерстве культуры СССР назначили нового художественного руководителя. С 1970 года эту должность занял создатель «Современника» Олег Ефремов. Ливанов не хотел, чтобы репертуар МХАТа существенно меняли, поэтому ушел из театра. Он писал: «Я никогда не мечтал работать в театре «Современник», тем более в его филиале».


В 1970-х Борис Ливанов сильно болел, много времени проводил в больницах, перенес операцию на сердце. 22 сентября 1972 года актер умер. Его похоронили на Новодевичьем кладбище в Москве.

]]>
Николай Черкасовhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1541/nikolai-cherkasovMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Николай Черкасов

ТеатрыПерсоныАктер театра

Высокий (1,98 метра), статный, красивый — ему просто на роду было написано играть царей, полководцев, рыцарей. И их в творческой биографии актера Николая Черкасова немало. Достаточно сказать, что одного лишь «рыцаря печального образа» Дон Кихота он сыграл в своей жизни целых пять раз. Он буквально сроднился с этим персонажем, настолько близким ему, что даже последними словами актера перед уходом из жизни были: «Слушай меня, Санчо, внимательно и не перебивай…»


Со своим первым Дон Кихотом Николай Черкасов встретился на сцене петроградского Мариинского театра. Вообще, в его жизни было четыре театральных Дон Кихота и один кинематографический. В 1919 году 16-летний Николай поступил в Мариинский на должность мимиста. И это было для него величайшим счастьем, так как театр этот он боготворил. «Мариинский театр, самые очертания этого здания, его оркестр, его сцена, его голубой зал, затянутый бархатом, сверкающий позолотой, — все это представлялось самым заветным кладезем искусства, недоступным, недосягаемым, сладчайшим плодом, существующим лишь для избранных», — вспоминал актер впоследствии. В балете «Дон Кихот» Черкасов дублировал актера, исполнявшего партию рыцаря из Ламанчи в сцене с ветряными мельницами.

В 1923 году Николай Черкасов был принят одновременно в Институт сценических искусств и Институт экранного искусства. Он выбрал первый, по окончании которого стал артистом Театра юного зрителя.


В кино актер дебютировал в 1927 году, сыграв циркового клоуна в картине «Его превосходительство». Настоящая популярность пришла к нему в 1936 году, после того, как все увидели его в образе профессора Жака Паганеля в картине «Дети капитана Гранта». Ну а вскоре пришла для Черкасова пора царей, князей, баронов. Начал он с царевича — в фильме «Петр Первый» сыграл царевича Алексея. В 1938 году вышел «Александр Невский», где Черкасов исполнил роль князя Александра Невского. В 1942 году в картине «Его зовут Сухэ-Батор» актер появился в образе барона фон Унгерн-Штернберга.


В 1944 году Сергей Эйзенштейн пригласил Николая Черкасова на роль царя Ивана Грозного в свою знаменитую картину «Иван Грозный».


«Черкасов был прямо одержим духом постоянного беспокойства и поиска. Ему было трудно часто ездить из Новосибирска — там был в эвакуации Александринский театр — на съемки в Алма-Ату, где снимался фильм, но, приезжая, он каждый раз привозил с собой новые задумки, варианты, предложения, решение той или иной сцены. Можно сказать, что он жил ролью Ивана Грозного, был ей предан целиком, без остатка. Он был болен ролью».

Людмила Целиковская


Вообще, Николай Черкасов был из породы тех актеров, которые отдаются своей работе полностью. Роль захватывала его целиком, он жил ей, думал, созидал, творил, искал. В 1957 году он в очередной и уже в последний раз сыграл Дон Кихота в фильме «Дон Кихот». Его партнером по фильму был Юрий Толубеев, он играл верного оруженосца — рыцаря Санчо Пансу. Вот что вспоминал актер о работе с Черкасовым: «Он был великий труженик. Помню съемки у Козинцева. Это был пятый Дон-Кихот в творческой биографии Черкасова. Казалось, можно быть уверенным в себе, можно позволить себе расслабиться — выручит профессиональная память. Но Черкасов искал новые краски в знакомом образе. Он стремился придать ему трагическое звучание… Съемки фильма проходили в Крыму, но не на побережье, а посреди раскаленного пыльного плато. Солнце палило, как на экваторе, но оператору не хватало света, и целый ряд огромных пылающих дигов окружал съемочную площадку. Каюсь, в такой обстановке думалось об одном: скорее отсняться — и в спасительную прохладу тента, под вентилятор. Но Черкасов надевал на себя металлические, обжигающие тело доспехи и дубль за дублем искал нового, не похожего ни на своих прежних, ни на каких других трагического Дон-Кихота. Он просто не умел работать вполсилы, увлеченный постоянным поиском».



Николая Константиновича Черкасова не стало 14 сентября 1966 года. Похоронен актер в Санкт-Петербурге, в Некрополе мастеров искусств Александро-Невской лавры.

]]>
Любовь Орловаhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2265/lyubov-orlovaFri, 09 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Любовь Орлова

КиноПерсоныАктер кино

Любовь Орлова с детства занималась музыкой, потом училась хореографии и пению, брала уроки актерского мастерства. В фильмах она сама пела, танцевала и выполняла акробатические трюки. В кино и на сцене актриса сыграла всего несколько десятков ролей, но была очень популярна у советских зрителей — девушки Советского Союза даже одевались и причесывались под Орлову.


Актриса, которая умеет делать все


Любовь Орлова родилась в дворянской семье. Еще в раннем возрасте у нее проявились способности к пению и танцам. На одном из домашних спектаклей Федор Шаляпин, восхищенный выступлением девочки, сказал, что она станет большой артисткой. Однако родители Орловой и думать не хотели о подобном варианте. Они мечтали, что дочь станет пианисткой, и в семь лет отдали ее в музыкальную школу. У музыкантов было много возможностей — и концертировать, и давать уроки, и аккомпанировать певцам.


«Когда семилетней меня привели на экзамен в Ярославское музыкальное училище, после двух или трех сыгранных мною пьесок меня с похвалой зачислили на первый курс. Но не было предела изумлению учительницы, когда в первый же день занятий она выяснила, что я не знаю ни одной ноты, что на экзамене я играла всё на память (так учила меня мама). Впрочем, нотная грамота далась легко и не задержала моей учебы».

Любовь Орлова


В 1919 году Любовь Орлова поступила в Московскую консерваторию по классу фортепиано. Из-за тяжелого положения в годы Гражданской войны ей приходилось совмещать учебу с работой. Любовь Орлова устроилась тапером сразу в несколько московских кинотеатров и играла во время показов немых фильмов. Параллельно она преподавала музыку и танцы.


После третьего курса Орловой пришлось оставить консерваторию, потому что денег на жизнь все-таки не хватало. Однако вскоре она снова взялась за учебу: поступила на хореографическое отделение Московского театрального техникума имени А.В. Луначарского, а в свободное время брала уроки танцев, вокала и актерского мастерства. Любовь Орлова мечтала стать актрисой, которая умела бы делать все и лучше всех, поэтому своим занятиям отдавалась самозабвенно.


В 1926 году Любовь Орлова прошла конкурс в труппу Музыкального театра под руководством В.И. Немировича-Данченко. Ее приняли в хор, но вскоре режиссеры заметили, что молодая артистка хорошо танцует. Любовь Орлова стала выступать с танцевальными номерами.


«Когда мне дали роль Герсильи в оперетте «Дочь Анго», вся моя роль заключалась в словах: «Да, гражданка! Нет, гражданка! Слушаюсь, гражданка!» — это было первым большим событием в моей творческой жизни, потому что я получила право говорить на сцене. <…> Я пела и играла еще целый ряд небольших ролей. Затем я приготовила большую партию Периколы в оперетте Оффенбаха. Это очень серьезная партия, где надо и петь, и говорить, и танцевать. После этого я почувствовала себя по-настоящему актрисой. И смелее стала присматриваться к другим ролям».

Любовь Орлова


Несмотря на занятость в Музыкальной студии — четыре спектакля в неделю и ежедневные репетиции, — Любовь Орлова начала выступать на эстраде. Сначала это были отдельные вокальные номера, но затем она создала целую концертную программу, которую давала в кинотеатрах перед началом сеанса. Основу ее вокальных партий составляли произведения русских композиторов: Михаила Глинки, Александра Даргомыжского, Модеста Мусоргского и Петра Чайковского.


«До чего хорошо играет эта девушка!»



Спектакли, репетиции, концерты — день Орловой был расписан по минутам. Но она мечтала еще и о кино. Первые кинопробы были не очень удачными. Оператор сказал Любови Орловой, что путь в кино ей закрыт — из-за родинки на носу, которая «превратится на экране в автобус». Однако вскоре артистку пригласили на небольшую роль в картине Бориса Юрцева «Любовь Алены». А через год она уже сыграла главную героиню в «Петербургской ночи» Григория Рошаля.


В 1933 году начинающий режиссер Григорий Александров предложил Любови Орловой попробоваться на роль Анюты в картине «Веселые ребята». Орлова согласилась, но первые фотопробы к фильму оказались неудачными. Пропорции ее лица на фотографиях искажались: нос получался слишком большим, а щеки — впалыми. Артистку снимали снова и снова, выставляя и подбирая удачный ракурс. Наконец, фотографии понравились режиссеру, и Орлову утвердили на роль Анюты. На съемках у Григория Александрова и молодой актрисы начался роман, а после окончания работы они сразу поженились.


В прокат картина «Веселые ребята» вышла только спустя два года, в 1934 году: цензоры не поддерживали новый жанр «музыкальной комедии». Григорий Александров вспоминал: «История создания моего первого комедийного фильма — это история преодоления множества непредвиденных препятствий, борьбы с противниками «легкого» киножанра, нескончаемых дискуссионных битв вокруг сценария, отнявших у нас, может быть, больше времени, чем съемки картины». Однако, когда премьера все-таки состоялась, Иосиф Сталин сказал: «Я как будто месяц провел в отпуске», а Максим Горький отметил игру Орловой: «До чего хорошо играет эта девушка!»


С тех пор артистка долгие годы снималась только в фильмах Григория Александрова — «Цирк», «Волга-Волга», «Светлый путь» — и играла в них главные роли. Каждый новый сценарий режиссер разрабатывал специально для Орловой. В его картинах раскрывались все таланты актрисы: актриса пела, танцевала, исполняла акробатические трюки.


«Ее требовательное отношение к искусству стало для меня путеводной звездой. Еще до того, как любой мой литературный или режиссерский сценарий становился предметом обсуждения на художественных советах разных степеней и рангов, он получал пристрастную, требовательную оценку Орловой, которая никогда ни в чем не прощала мне измены вкусу, профессиональному мастерству».

Григорий Александров, отрывок из книги «Эпоха кино»


Именно александровские музыкальные комедии принесли актрисе всесоюзную славу. В моду вошли осветленные волосы, белые водолазки и обтягивающие юбки — все атрибуты образа советской кинозвезды.


«Творческое бесстрашие» Любови Орловой



Во время Великой Отечественной войны Любовь Орлова выступала с концертами на фронте. Как только закончилась война, артистка вернулась в кино. В своем первом послевоенном фильме — «Весна» — Любовь Орлова сыграла женщин-двойников, сразу две главные роли. Как позднее вспоминала актриса: «Все это требовало особенно тщательных репетиций. <…> А если учесть еще и то, что съемка двойников должна быть выполнена с одного раза, то можно себе представить, какого огромного внимания и поистине снайперской точности требовала эта работа».


После «Весны» Любовь Орлова стала актрисой Государственного академического театра имени Моссовета. Здесь она дебютировала в роли Джесси Смит в спектакле «Русский вопрос» по пьесе Константина Симонова.


«Слава Орловой в кино так велика и прочна, что, казалось, актриса уже немыслима вне экрана. Но творческое бесстрашие привело к новому повороту в ее биографии художника: она пришла на драматическую сцену, в среду опытных мастеров… и стала полноправной ведущей актрисой в этой труппе».

Актер Ростислав Плятт


В Театре Моссовета Любовь Орлова служила с 1947 по 1975 год, однако за 28 лет она выступила всего в 6 спектаклях. И на съемки в кино в те годы актрису почти не приглашали. В 1949 году она сыграла американскую шпионку в фильме Григория Александрова «Встреча на Эльбе». Но это была уже не главная роль, так же как и в картине «Композитор Глинка» 1952 года. Последним фильмом Любови Орловой и Григория Александрова стал «Скворец и Лира» 1974 года.


Сразу же после завершения работы над кинолентой Любовь Орлова тяжело заболела, и в январе 1975 года ее не стало. Актрису похоронили на Новодевичьем кладбище. После ее смерти Григорий Александров снял о ней фильм. Картина вышла на экраны в начале 1984 года, Александров же умер незадолго до ее выхода, в декабре 1983 года.



]]>
Андрей Сахаровhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/3281/andrei-sakharovTue, 10 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Андрей Сахаров

ЛекцииПерсоныИстория и обществоОбщественный деятель

Андрей Сахаров реализовал свой талант на двух, на первый взгляд, взаимоисключающих поприщах — как разработчик термоядерного оружия и как борец за разоружение. Европарламент ежегодно вручает премию его имени «За свободу мысли», а Американское физическое общество учредило одноименную награду за достижения ученых в деле защиты прав человека.


Премьер-министр Российской империи


Семью Сахаровых в Москве хорошо знали с конца XIX века, когда в Первопрестольной работал адвокат Иван Сахаров. Его сын Дмитрий преподавал физику. В 1918 году он женился на учительнице гимнастики Екатерине Софриано, генеральской дочке из рода обрусевших греков. В 1921 году в молодой семье родился первенец — Андрей. Через четыре года на свет появился второй сын Юрий.


Дмитрий Сахаров выпустил задачник по физике и несколько научно-популярных книг. За это ему присвоили степень кандидата педагогических наук без защиты диссертации. Для собственных детей ученый выбрал домашнее образование. Позже Андрей Сахаров вспоминал о своем обучении.



Сдав экзамены за 6-й класс, Андрей Сахаров перешел на учебу в обычную школу. В 1938 году его, отличника, без экзаменов зачислили на физический факультет МГУ.


Когда началась война, студентов-физиков направили на медкомиссию: они должны были поступить в летное училище. Андрей Сахаров комиссию не прошел и не стал записываться добровольцем: рассудил, что, доучившись, принесет больше пользы на военном заводе. В октябре 1941-го университет уехал в эвакуацию в Ашхабад. В 1942-м Сахаров получил диплом с отличием по специальности «оборонное металловедение».


Молодого специалиста распределили сначала в Ковров, где места ему не нашлось, затем на патронный завод в Ульяновск. Там случилось неожиданное: физика-теоретика отправили на лесозаготовки. Работа по специальности началась для него лишь с переходом в Центральную заводскую лабораторию. Здесь Андрей Сахаров изобрел прибор, с помощью которого можно было проконтролировать, как закаляются сердечники пуль для противотанковых ружей.



«Бронебойные стальные сердечники пуль… подвергались закалке в соляных ванных. Иногда… закалка не охватывала всего объема и внутри сердечника оставалась непрокаленная сердцевина… Для отбраковки непрокаленных партий из каждого ящика наугад брались пять сердечников и ломались… 1,5% готовых сердечников шла на переплавку). Моя задача была найти метод контроля без разрушения сердечника. Через месяц у меня уже было хорошее решение, и я начал первые контрольные опыты на опытной модели, сделанной мною собственноручно с помощью механика лаборатории».


Андрей Сахаров. Интервью на конференции АН СССР в Москве. 1989. Фотография: Vladimir Fedorenko / Wikipedia

В 1943 году Андрей Сахаров женился на Клавдии Вихаревой, работавшей на том же заводе лаборантом. У супругов родилось трое детей — Татьяна, Любовь и Дмитрий. В 1945 году молодой изобретатель поступил в аспирантуру Физического института Академии наук СССР им. Лебедева (ФИАН). Его научным руководителем стал известный физик Игорь Тамм.


В конце 1946 года Сахарову предложили работать в некоей секретной «системе для выполнения важных правительственных заданий». Ученый отказался: «Я подумал, что не для того я уехал с завода в последние месяцы войны в ФИАН к Игорю Евгеньевичу для научной работы на переднем крае теоретической физики, чтобы сейчас все это бросить».


Спустя два года в Физическом институте сформировали особую исследовательскую группу — она проверяла расчеты по созданию водородной бомбы. В состав этой группы под руководством Тамма и вошел Андрей Сахаров. В 1949 году в СССР прошли первые испытания атомной бомбы, и создание более мощной водородной было следующим шагом в гонке вооружений.


«Чтобы термоядерное оружие сдерживало войну, но никогда не применялось»


В основу будущего проекта легли сведения, полученные от зарубежных ученых. Сахаров же предложил принципиально иной проект термоядерного заряда. Его идеи дополнили исследования коллеги Виталия Гинзбурга. Первое испытание водородной бомбы прошло 12 августа 1953 года. В октябре того же года Сахарова, который претендовал на звание члена-корреспондента Академии наук, единогласно избрали сразу академиком. Вместе с Игорем Таммом они получили звания Героев Социалистического Труда, члены группы были удостоены Сталинской премии.



В 1955 году была испытана «улучшенная» водородная бомба — над ней работала все та же группа. Сахаров к этому времени стал задумываться о гуманитарных последствиях ядерных испытаний.


«Главным для меня было внутреннее убеждение, что эта работа необходима. Чудовищная разрушительная сила, огромные усилия, необходимые для разработки, средства, отнимаемые у нищей и голодной, разрушенной войной страны, человеческие жертвы на вредных производствах и в каторжных лагерях принудительного труда — все это эмоционально усиливало чувство трагизма, заставляло думать и работать так, чтобы все жертвы (подразумевавшиеся неизбежными) были не напрасными. Моя самая страстная мечта — чтобы термоядерное оружие сдерживало войну, но никогда не применялось».


В 1958 году академик опубликовал статью о радиоактивных последствиях взрывов термоядерной бомбы. «При средней продолжительности человеческой жизни 20 тыс. дней каждый рентген глобального облучения уменьшит ее на неделю», — подводил он позже итог. Андрей Сахаров призывал остановить ядерные испытания, защищал физико-математические школы (их собирались закрывать как противоречащие принципам педагогики) и открытия опальной тогда генетики. Ядерные испытания правительство СССР и так собиралось приостановить, однако переговоры с Западом по этому поводу практически не продвигались. Тогда Хрущев принял решение возобновить испытания, а Сахарова обвинил в том, что тот «лезет не в свое дело». Договор о запрещении испытаний ядерного оружия в трех средах СССР, Великобритания и США подписали в 1963 году.


Диссидент и нобелевский лауреат


С 1960-х годов Андрей Сахаров стал все чаще вмешиваться «не в свои» дела. Выступал против нового закона, дающего возможность «более массового преследования за убеждения и информационную деятельность», против принудительного лечения в психиатрических больницах. В составе Комитета по Байкалу Сахаров боролся за запрет промышленной деятельности на берегу озера. В 1968 году в самиздате распространилась его статья «Размышления о прогрессе, мирном сосуществовании и интеллектуальной свободе».


«Разобщенность человечества угрожает ему гибелью. Цивилизации грозит: всеобщая термоядерная война; катастрофический голод для большей части человечества; оглупление в дурмане «массовой культуры» и в тисках бюрократизированного догматизма; распространение массовых мифов, бросающих целые народы и континенты во власть жестоких и коварных демагогов; гибель и вырождение от непредвидимых результатов быстрых изменений условий существования на планете».

Отрывок из статьи «Размышления о прогрессе, мирном сосуществовании и интеллектуальной свободе»



Вскоре статья попала за рубеж, была опубликована в «Нью-Йорк таймс». Сахарова отстранили от секретной работы и уволили из института. Его научные интересы в этот период сосредоточились на проблемах космологии, астрофизики и футурологии — науки о будущем.


В 1969 году скончалась супруга ученого — Клавдия Сахарова. По ходатайству Игоря Тамма академика вновь взяли на работу в ФИАН на самую низкую из возможных должностей — старшего научного сотрудника. Сахаров состоял в Комитете прав человека — его основали активисты в 1970 году, — и помогал крымским татарам, которых не прописывали в Крыму, так как законодательно они были закреплены в Узбекистане еще со времен Сталина. Ученый подключал все возможные инстанции и для того, чтобы на историческую родину могли выехать этнические немцы. Об общественной работе Андрея Сахарова в книге очерков «Бодался теленок с дубом» рассказал писатель Александр Солженицын.


В 1975 году на Западе вышла книга «О стране и мире», в которой Сахаров развил идеи, ранее высказанные в «Размышлениях о прогрессе». В том же году ему присудили Нобелевскую премию мира, на что советская печать ответила фельетонами и возмущенными «коллективными письмами». Премию от его имени получала вторая жена ученого, правозащитница Елена Боннэр.


Дом, в котором жил Сахаров в Нижнем Новгороде во время ссылки. Фотография: Vmenkov/Wikipedia

22 января 1980 года супругов выслали в закрытый для иностранцев город Горький (сегодня — Нижний Новгород). Академика лишили правительственных наград и премий. В горьковской изоляции Сахаров продолжал работать. Спустя шесть лет, в декабре 1986 года, Андрею Сахарову позвонил генсек ЦК КПСС Михаил Горбачев: «Андрей Дмитриевич, возвращайтесь». Накануне в горьковской квартире академика специально установили телефон.


В марте 1989-го Андрея Сахарова избрали народным депутатом. Еще в период ссылки сотрудники КГБ дважды похищали рукопись «Воспоминаний», которые Сахаров начал писать в 1978 году. Дважды он восстанавливал книгу по памяти. Эпилог к «Воспоминаниям» ученый завершил 13 декабря 1989 года словами: «Главное — что мы с Люсей (Еленой Боннэр. — Прим. ред.) вместе. И эта книга посвящена моей дорогой, любимой Люсе. Жизнь продолжается. Мы вместе». На следующий день Андрея Сахарова не стало.

]]>
Владимир Высоцкийhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2116/vladimir-vysockiiThu, 24 Jan 2019 14:45:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Владимир Высоцкий

КиноПерсоныАктер кино

Легенда авторской музыки, актер театра и кино, Владимир Высоцкий был кумиром миллионов. Песни в его исполнении звучат в десятке фильмов — «Короткие встречи», «Вершина», «Я родом из детства». После смерти артиста возле Театра на Таганке несколько дней стояли люди: с Высоцким пришла проститься вся Москва.


Проба пера



Владимир Высоцкий родился 25 января 1938 года в Москве. С началом Великой Отечественной войны отец отправился на фронт, а мать с сыном переехали в Оренбургскую область. В эвакуации они прожили два года и в 1943 году возвратились в Москву. Здесь семилетний Владимир пошел в первый класс. Учеба давалась ему плохо, а мама много работала и не могла следить за успехами сына. К тому моменту брак родителей практически распался: у каждого была новая семья.


В 1946 году Высоцкие развелись. Мальчик стал жить с отцом и мачехой. В 1947 году они переехали в Германию, куда по службе командировали отца. О своих первых заграничных впечатлениях Владимир Высоцкий писал матери в Москву: «Я живу очень хорошо. Хожу в школу, стараюсь учиться хорошо. Папа мне делает подарки. У меня уже два новых костюма, ботинки и пальто. Завтра тетя Женя закажет мне сапоги». В свободное время Высоцкий учился играть на пианино.


Прогуляйтесь по музею «Дом Высоцкого на Таганке», не выходя из дома


В 1949 году Высоцкие вернулись в СССР и поселились в Москве, в Большом Каретном переулке. Здесь же Владимир Высоцкий пошел в пятый класс 186-й мужской средней школы. Его детские воспоминания о районе, где он жил и учился, позже легли в основу многих текстов.


В школе Владимир Высоцкий увлекся литературой: в 14 лет он вместе с одноклассником Владимиром Акимовым написал фантастическое произведение «Аппарат IL» («Испепеляющие лучи») по мотивам романа «Гиперболоид инженера Гарина» Алексея Толстого. В 1953 году Высоцкий сочинил свое первое стихотворение-посвящение Иосифу Сталину «Моя клятва».


Пишу я очень давно. С восьми лет писал я всякие вирши, детские стихи про салют. А потом, когда стал немножко постарше, писал всевозможные пародии.

Владимир Высоцкий


Некоторые эпизоды из школьной жизни он позже использовал в своих сочинениях. Одноклассник Высоцкого, Владимир Акимов, вспоминал: «В 8-м классе, допустим, преподаватель зоологии дала ученикам задание вырастить плесень на куске черного хлеба. <...> Выполнил задание отличник и Володя… Он принес плесень на морковке — то ли вырастил, то ли случайно обнаружил и принес на урок. У учительницы было прозвище Морковка, поэтому простить эту выходку Высоцкому она не могла до окончания школы. Позже эта автобиографическая история попала в прозаическое произведение Высоцкого «Роман о девочках».


Параллельно с учебой и занятиями писательством Владимир Высоцкий участвовал в театральном кружке, где преподавал актер и режиссер Владимир Богомолов. Ребята сами делали костюмы и декорации, ставили небольшие сценки и полноценные спек­такли.


«Навстречу искусству»



После окончания школы в 1955 году Владимир Высоцкий хотел поступать в театральный институт, но семья не поддержала его. Он стал студентом инженерно-строительного института МИСИ. Однако уже после первого семестра отчислился и стал готовиться к поступлению в Школу-студию МХАТ. В январе 1956 года Владимир Высоцкий вернулся в театральный кружок Богомолова.


У Высоцкого был неправильный прикус, плохая дикция и сиплый голос маленького диапазона — все это могло помешать ему стать большим актером. К тому же Высоцкий не походил на мужественного героя: за худобу и узкие плечи еще в школе его называли «высотой». Но он усердно работал над своей артикуляцией и физической формой. С таким же упорством он осваивал игру на гитаре.


У меня в семье не было никого из актеров и режиссеров, короче говоря — никого из людей искусства. Но моя мама очень любила те­атр и с самых-самых малых лет каждую субботу, лет до 13–14, водила меня в театр. И это, наверное, осталось. Видно, в душе ка­ждого человека остается маленький уголок от детства, который открывается навстречу искусству.

Владимир Высоцкий


Летом 1956 года Высоцкого приняли в Школу-студию МХАТ. Свою дебютную роль он получил уже на первом курсе в постановке «Гостиница «Астория» по пьесе Александра Штейна. На втором курсе стал пробовать себя в прозе — сочинил первую зарисовку из жизни молодых актеров «О жертвах вообще и об одной — в частности...», затем — цикл рассказов про «собаку Рекса, который был значительно умнее своего хозяина», рассказ про уволенного с работы.


В студенчестве Высоцкий играл в спектаклях «Иванов», «Ведьма», «Свадьба» по произведениям Антона Чехова, участвовал в учебном этюде по «Преступлению и наказанию» Федора Достоевского, снялся в эпизодической роли студента Пети в фильме «Сверстницы» режиссера Василия Ордынского. В дипломном спектакле «На дне» Высоцкий сыграл Бубнова.


Песенное творчество Высоцкого



В 1960 году Высоцкий получил диплом «актера драмы и кино» в Школе-студии МХАТ. Выпускник попал по распределению в Московский драматический театр имени Александра Пушкина. Но хриплый голос и внешность Высоцкого отталкивали режиссеров, поэтому поначалу ему не давали ролей. Актер остался практически без работы и денег.


Свою творческую нереализованность Высоцкий стал выплескивать в поэзии. Среди первых стихотворений — «Татуировка», «Большой Каретный», «Ленинградская блокада». Некоторые из произведений он стал исполнять под собственную гитарную музыку.


Я однажды услышал магнитофон, услышал при­ятный голос, удивительные по тем временам мелодии. И, конечно, стихи, которые я тоже узнал. Это был Булат [Окуджава]. И вдруг я понял, что впечатление от стихов можно усилить музыкальным инструмен­том и мелодией. Я попробовал это сделать сразу сам: тут же брал гитару, когда у меня появлялась строка, — и вдруг это не ложилось на этот ритм. Я тут же менял ритм и видел, что это даже рабо­тать помогает, т. е. сочинять с гитарой. Поэтому многие люди на­зывают это песнями. Я считаю, что это стихи, исполняемые под гитару, под рояль — под какую-то ритмическую основу.

Владимир Высоцкий


Большинство первых песен Высоцкий написал на криминальную тематику. Неожиданно для него самого они стали популярными. Автор говорил от первого лица, поэтому многие думали, что он много лет провел в лагерях и пишет о своем опыте. На самом деле материалом для большинства сочинений Высоцкого послужили истории, услышанные в детстве и юности.


Чуть позже он пополнил свой песенный репертуар новыми темами и персонажами — они были логическим продолжением старых. Например, военные произведения «Штрафные батальоны» и «Все ушли на фронт» рассказывали дальше истории из прошлых песен о заключенных.


Кто брался за исполнение песен Высоцкого? Читайте в этом материале


Параллельно с песенным творчеством Высоцкий продолжал искать «свой театр». Он с перерывами служил в Театре Пушкина, играл в Театре миниатюр, пробовался в театр «Современник». Наконец, в 1964 году Высоцкий стал артистом Театра драмы и комедии на Таганке, где и прослужил до конца жизни. Здесь он сыграл свои лучшие роли. Первая заметная из них — Галилей в спектакле «Жизнь Галилея». В этой постановке Высоцкий играл без сценического грима, а все возрастные и душевные изменения ученого передавал актерски. Затем артист исполнил роль каторжника Хлопуши в драматической поэме Сергея Есенина «Пугачев». Критик Наталья Крымова назвала сцену с Высоцким «в силу особого дарования актера кульминационной».


В этот же период Владимир Высоцкий начал публично выступать со своими песнями. В 1965 году артист исполнил песни «блатного цикла» в ленинградском кафе «Молекула», а через год — в Институте русского языка. Со временем география и репертуар концертов стали расширяться. Выступления проходили в институтах и домах культуры, в альпинистских лагерях и шахтах.


Кинематографическая «высота»



После кинодебюта в студенческие годы Владимир Высоцкий сыграл несколько ролей в фильмах «Стряпуха», «Саша-Сашенька», «Хозяин тайги». Это были второстепенные персонажи. Со временем режиссеры заметили его и стали приглашать на более крупные роли. Так он сыграл главных героев в фильмах «Я родом из детства» и «Короткие встречи». Уже в этих кинолентах Высоцкий исполнил свои песни.


Популярность пришла к актеру в 1967 году, после роли радиста Володи в картине «Вертикаль». В фильме прозвучали авторские песни Высоцкого «Вершина», «Песня о друге», «Свои обиды каждый человек» и другие. Писатель Николай Андреев отмечал, что после выхода киноленты «известность Высоцкого рванула… вертикально вверх». В газетах стали печатать тексты песен из картины, а через год появилась гибкая грампластинка с самими песнями.


Однако карьеру Высоцкого подорвала публицистическая кампания против его песен. Сначала газета «Правда» раскритиковала актера, «сипло причитающего дикие блатные песенки и смакующего воровской жаргон». Затем газета «Советская Россия» опубликовала разгромную статью о песнях из репертуара Высоцкого, «что крутят по вечерам в подворотнях». Чуть позже в этой же газете напечатали материал «О чем поет Высоцкий»: «Под видом искусства преподносится обывательщина, пошлость, безнравственность. Высоцкий поет от имени и во имя алкоголиков, штрафников, преступников, людей порочных и неполноценных». В «Тюменской правде» Высоцкого нарекли исполнителем «грязных и пошлых песенок», «подделок-речитативов под два-три затасканных аккорда».


Я играю очень примитивно, часто слышу упреки в свой адрес по поводу этого. Примитивизация эта нарочная: я специально делаю упрощенные ритм и мелодию, чтобы это входило сразу моим зрителям не только в уши, но и в души, чтобы мелодия не мешала воспринимать текст.

Владимир Высоцкий


Личная жизнь



Первой супругой Владимира Высоцкого стала актриса Иза Жукова. Они познакомились на первом курсе Школы-студии МХАТ, на репетициях спектакля «Гостиница «Астория». Вскоре у артистов завязались отношения, в 1957 году они стали вместе жить. Правда, брак не могли заключить: Иза Жукова была замужем. Поженились актеры в 1960 году. Однако семейная жизнь продлилась недолго. Сначала Жукова уехала служить в ростовский театр, затем переехала в Нижний Тагил, Высоцкий же остался играть в московском театре. Из-за работы они все меньше времени проводили друг с другом, и в итоге пара распалась.


Сколько автомобилей разбил Владимир Высоцкий и какие песни он посвятил машинам? Узнайте в статье по ссылке


В 1961 году во время съемок в картине «713-й просит посадку» Владимир Высоцкий познакомился с актрисой Людмилой Абрамовой. Вскоре у них начался роман. Несколько лет они прожили в неофициальном браке: Высоцкий долго не мог развестись с первой женой. Наконец, в 1965 году Высоцкий и Абрамова поженились. К тому времени у них было уже два сына — Аркадий и Никита. Формально Высоцкий и Абрамова находились в браке до 1970 года, но в действительности супруги перестали жить вместе раньше.


Третьей женой Владимира Высоцкого стала иностранная актриса Марина Влади. Они познакомились в 1967 году. Влади вспоминала, что поначалу актер не произвел на нее особого впечатления. Однако, когда она услышала, как он поет, «забыла обо всем на свете. Видела и слышала только его, чудесным образом моментально преобразившегося из простоватого парня в незаурядного творца». Несколько лет артисты виделись урывками, живя на две страны — Францию и СССР. Зарегистрировали брак Высоцкий и Влади в 1970 году. Актриса надолго стала музой и надежной опорой мужа.


Последние годы и смерть Высоцкого



Одним из самых значимых событий в творческой биографии Высоцкого стала работа над образом Гамлета в Театре на Таганке. Премьера одноименного спектакля состоялась в 1971 году. Шекспировскую классику режиссер Юрий Любимов представил в современном прочтении: аскетичные декорации, костюмы — свитера и джинсы. Гамлет с гитарой в исполнении Высоцкого напоминал парня из соседнего двора.


И Высоцкий, и гитара — в «Гамлете» для мыслящих «академически» были кощунством. Но для тех, кто жил современностью, спектакль и образ героя сразу обретали определенность. Это наш Гамлет, человек нашего времени. Было известно: все Гамлеты страдали от того, что «пала связь времен». Этот Гамлет будет страдать от боли и мук нашего времени... <…> На его стороне правда. И опять образ датского принца сливается с образом поэта, а не только актера. Негодует Гамлет и Высоцкий, издевается Гамлет — и Высоцкий, скорбит Гамлет — и Высоцкий. Гибнет и побеждает Гамлет — и Высоцкий.

Литературовед Александр Аникст


Роль Гамлета повлияла не только на Высоцкого-артиста, но и на Высоцкого-поэта. Так появилось стихотворение «Мой Гамлет», в котором автор рассказал о себе и своем сценическом герое. Под влиянием шекспировского персонажа Высоцкий сочинил «Песню конченого человека» и «Мои похорона». Продолжил Владимир Высоцкий писать и на военную тему — в этот период появились «Черные бушлаты», «Мы вращаем Землю», «Тот, который не стрелял». В своих произведениях автор чаще стал обращаться к детским и юношеским воспоминаниям. Они легли в основу стихов «Из детства», «В младенчестве нас матери пугали…», «Баллада о детстве».


В 1970-х годах у Высоцкого появились кинороли, которые, по мнению критиков, отличались «сложным психологизмом игры». Среди них — зоолог Николай фон Корен из фильма «Плохой хороший человек». В 1974 году благодаря этой картине актер получил приз «За лучшую мужскую роль» на итальянском Фестивале наций. Еще одним знаменательным образом в карьере Высоцкого стал Глеб Жеглов в фильме «Место встречи изменить нельзя». За этого персонажа в 1987 году артисту посмертно присудили Государственную премию СССР. Последним героем Высоцкого в кино стал Дон Гуан из «Маленьких трагедий».


Он поэт и он мужчина. <…> Понимаете, пушкинские герои живут «бездны мрачной на краю» и находят «неизъяснимы наслажденья» существовать в виду грозящей гибели. Дон Гуан из их числа. И Высоцкий — человек из их числа.

Режиссер Михаил Швейцер


Однако не все роли Высоцкого в кино были успешны. Картину Александра Столпера «Четвертый», где актер сыграл журналиста, критики встретили холодно. Еще одним малопопулярным фильмом стала «Единственная дорога», где Высоцкий исполнил роль шофера Солодова. Также неудачным оказалось участие актера в картине «Бегство мистера Мак-Кинли». Он сыграл уличного певца Билла Сигера и написал несколько баллад, обыгрывающих основную тему киноленты. В итоге большую часть песен из картины вырезали, и роль Высоцкого из центральной превратилась в эпизодическую.


В 1975 году сценический арсенал Высоцкого пополнила роль купца Ермолая Лопахина из пьесы Чехова «Вишневый сад». Сам артист считал ее второй по важности в своей карьере после Гамлета. В трактовке режиссера Анатолия Эфроса сквозной темой постановки стала многолетняя любовь Лопахина к Раневской. Эта трактовка раскрыла по-новому чеховскую пьесу.


Дра­матург Александр Володин писал: «Я никогда не понимал Лопахина. Ну что Лопахин? Купец. Губит этих интеллигентных, хороших, утонченных, милых людей, покупает, скупает. Ему все равно — все под топор. А в «Вишневом саде» на «Таганке» я впервые понял простую-препростую вещь, почему он что-то тянет, не женится на Варе. Почему? А потому, что он любит Раневскую. Он любит ее. И в нем это было всегда видно... Он был самый положительный персонаж в этом спектакле».


Последним театральным персонажем, которого Высоцкий сыграл на сцене, был Свидригайлов в спектакле «Преступление и наказание» 1979 года. После этой постановки Высоцкий не брался за новые образы и все свое внимание посвятил кино, концертам, песенному творчеству.


В 1980 году Владимир Высоцкий попросил Юрия Любимова предоставить ему творческий отпуск на один год. В это время артист планировал работать над фильмом «Зеленый фургон» в качестве режиссера и соавтора сценария. Однако до начала съемок Высоцкий не дожил. С постоянными творческими перегрузками Высоцкий боролся разгульным образом жизни. Здоровье артиста с годами все больше стало его подводить. 25 июля 1980 года Высоцкий умер. Похоронили его на Ваганьковском кладбище.



]]>
Александр Демьяненкоhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1535/aleksandr-demyanenkoMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Александр Демьяненко

КиноПерсоныАктер кино

Всенародный любимец и обаятельный остряк Александр Демьяненко прожил половину жизни в тени своего героя Шурика из комедий Леонида Гайдая. Однако актер был не только идеальным юмористическим персонажем: в его биографии есть и романтические амплуа, и роковые образы, и съемки в фестивальном кино.


Свердловск. Юность


Александр Демьяненко родился 30 мая 1937 года в Свердловске. Его отец был выпускником ГИТИСа, участником знаменитой театрально-агитационной группы «Синяя блуза», гастролировавшей в СССР в 1920-е годы. Поэтому артистический путь сына во многом оказался предопределен — авторитет отца был огромным.



В юности Александр Демьяненко не только часто ходил на спектакли (его отец работал режиссером в оперном театре), но и занимался в кружке художественной самодеятельности при Дворце культуры. Здесь, в «народном театре», актер и сыграл свои первые роли. Также молодой Демьяненко учился в музыкальной школе по классу фортепиано и занимался вокалом: в старших классах пел прекрасным поставленным низким баритоном.


В 1954 году в Свердловске работала приемная комиссия МХАТа. Семнадцатилетний Александр пробовал сдать экзамен, но от волнения провалился. Поэтому он остался в родном городе и поступил на юридический факультет Свердловского университета. Однако уже через год Демьяненко вместе с друзьями отправился в Москву — снова поступать в театральный. На вступительных экзаменах он читал стихотворение «Хорошая девочка Лида» Ярослава Смелякова — то самое, которое позже декларировал в новелле «Наваждение» («Операция «Ы» и другие приключения Шурика»).


Из Москвы родители Демьяненко получили телеграмму: «Победа! Принят в ГИТИС и Щукинское. Остаюсь в ГИТИСе». Так Александр Демьяненко стал москвичом на непродолжительное время и актером — уже на всю жизнь.


Москва. ГИТИС


Прилежанием в учебе Демьяненко не отличался. Давали о себе знать две уникальные черты его характера — крайняя необщительность и эксцентричность. В сочетании они сформировали человека, который, оставаясь закрытым к окружающим, был всегда способен на дерзость и необдуманный поступок. Александр часто уезжал в родной Свердловск или Ленинград, где в театральном институте училась его одноклассница и подруга по театральному кружку Марина Склярова. Тем не менее Демьяненко не отчисляли. Принимая сложность своего студента, профессор ГИТИСа Иосиф Раевский ограничился личной просьбой: не пропускать занятия, на которых учили актерскому мастерству.



К молодому Демьяненко судьба была благосклонна. Уже на втором курсе он дебютировал в большом кино, исполнив роль в картине Александра Алова и Владимира Наумова «Ветер». Так появилось его первое экранное амплуа — хрупкий интеллигентный юноша, способный на подвиг.


В 1959 году Демьяненко окончил ГИТИС и начал играть в Театре имени Владимира Маяковского. Он часто получал предложения о съемках и за два года снялся в полюбившихся зрителю фильмах — «Все начинается с дороги» (1959) и «Карьера Димы Горина» (1961). Работу актера в картине Алова и Наумова «Мир входящему» (1961) оценили и за пределами СССР — фильм получил специальный приз жюри на Венецианском кинофестивале.


На пике своего романтического амплуа Демьяненко был очень популярен: его узнавали на улицах, в каждом киоске «Союзпечати» продавались актерские открытки с фотографией Александра (тогда еще натурального брюнета). Тем не менее бытовая и личная неустроенность, которыми Демьяненко тяготился всю свою жизнь, взяли свое. Он решил покинуть Театр Маяковского и переехать в Северную столицу: в «Ленфильме» актеру предлагали квартиру. К тому же в Ленинграде жила Марина Склярова — будущая жена Демьяненко.


О решении бросить хороший московский театр ради квартиры и кинокарьеры Александр впоследствии очень жалел. «Дурной был, дурной», — вспоминала его слова вдова актера. Серьезных театральных ролей у Демьяненко больше не было: в зрелые годы он участвовал только в комедийных и антрепризных спектаклях.


Ленинград. Шурик


В начале шестидесятых годов Демьяненко был крайне востребован в кино. Первый же «ленинградский» фильм с его участием — «Порожний рейс» (1962) — получил второй приз на Московском кинофестивале. В это время актер играл две-три большие кинороли в год.


Судьбоносным в карьере и жизни Александра Демьяненко стал 1964 год. На роль подрабатывающего на стройках студента Эдика в фильме «Несерьезные истории» пробовался весь цвет советской комедии: Сергей Никоненко, Александр Збруев, Валерий Носик и даже молодой Евгений Петросян. Велись переговоры и с Андреем Мироновым. Но Леонид Гайдай, всегда доверявший интуиции, медлил. Говорили, что режиссер вспомнил о парне, сыгравшем в «Карьере Димы Горина» и сам отправился на поезде в Ленинград. Эксцентричный и искрометный на публике, но закрытый и молчаливый в жизни, Гайдай нашел в Демьяненко больше, чем подходящего артиста, — свое второе «я». Так Эдик стал Шуриком и начались съемки фильма, которому предстояло стать визитной карточной Демьяненко — «Операция «Ы» и другие приключения Шурика».



Актер вспоминал, что сразу поверил и в успех картины, и в режиссерское распределение. «Мне не пришлось играть Шурика, — говорил он, — просто существовал в предлагаемых обстоятельствах. Мы с Шуриком были похожи в отношении к жизни, к людям…» Однако большой радости от нового амплуа Демьяненко не испытывал. На площадке мешали общей работе его нелюдимость, критический взгляд на новых людей: «Я и с Алексеем Смирновым, игравшим громилу Федю, избегал общения. Он казался мне человеком неуправляемым, капризным, даже завистливым, с очень специфическим пониманием доброты. Не монтировались мы и с Моргуновым. С Никулиным и Вициным контакта тоже не получалось, потому что они гораздо старше, у них другие интересы, взгляд на актерство», — рассказывал Демьяненко.


Комедия «Операция «Ы» и другие приключения Шурика» вышла на экраны в 1965 году и стала лидером советского проката. В кинотеатрах фильм посмотрели 69,6 миллиона зрителей, то есть каждый четвертый житель СССР. Еще больший успех имела следующая совместная работа Демьяненко и Гайдая — «Кавказская пленница» (1967). Комедию увидели 76,5 миллиона человек.


Билеты на сеансы распродавались за несколько дней вперед, а Александр Демьяненко стал не просто известным актером, а всенародным любимцем — к нему обращались как к давнему знакомому, вечно совали бумажки для автографов, угощали в пивных и кафе. В год выхода «Кавказской пленницы» Демьяненко исполнилось 30 лет.


Неофициальным экранным продолжением образа Шурика стала комедия «Иван Васильевич меняет профессию» (1973), где Демьяненко снова сыграл решительного чудака, эдакого вечного студента.


После громкого успеха Александра Демьяненко в нем что-то сломалось: нелюдимость стала почти болезненной, он все больше тяготился выходом на публику. Тяжелый период принес и перемены личного характера: Демьяненко ушел от Марины Скляровой и женился на Людмиле Неволиной, ассистентке дубляжа с «Ленфильма», с которой и прожил до конца жизни. Третьей «женой» для Демьяненко была машина — он всегда с большим удовольствием проводил время в гараже.


Петербург. Уход из большого кино


В конце 80-х Александр Демьяненко ушел со студии «Ленфильм». На какое-то время его основной деятельностью стал дубляж. Его голосом в прокате заговорили Донатас Банионис, Жан-Поль Бельмондо, Омар Шариф и Роберт де Ниро.


В эти же годы Демьяненко вернулся на сцену, но уже в комическом амплуа. Его приняли в труппу Театра комедии имени Акимова, затем — в театр «Приют комедианта».


В 1995 году стартовал самый известный телевизионный проект с участием актера — один из первых отечественных ситкомов «Кафе «Клубничка». Демьяненко снова обрел популярность, но вновь будто благодаря фильмам Гайдая. «Это же тот самый Шурик!» — нередко восклицали зрители и коллеги. Актер, которому было уже сильно за пятьдесят, горячился: «Вам Шурика? Ну и идите к Шурику! Я — Александр Сергеевич Демьяненко».



В девяностые у Демьяненко начались проблемы с сердцем. Коллеги объясняли их той самой мнительностью и привычкой глубоко и долго переживать жизненные невзгоды. Его театральный партнер — Михаил Светин — вспоминал, что часто прямо во время спектаклей Демьяненко вынужден был принимать нитроглицерин.


По настоянию врачей Александр Демьяненко готовился к коронарографии, но до операции на сердце не дожил. Он умер 22 августа 1999 года в возрасте 62 лет.


За свою жизнь Александр Демьяненко сыграл более 300 ролей.

]]>
Мариус Петипаhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/3038/marius-petipaThu, 05 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Мариус Петипа

ТеатрыПерсоныХореограф

Танцовщик, балетмейстер и педагог с именем, которое звучит словно элемент классического танца. Мариус Петипа — француз, посвятивший жизнь русскому балету.


Первой сценой для уроженца Марселя Мариуса Петипа стал брюссельский театр. Первым учителем и балетмейстером — отец Жан Антуан Петипа. В его же постановке в 1831 году Мариус впервые вышел на сцену в «Танцемании». Сам молодой танцовщик от балета был не в восторге.


«Семи лет начал я обучаться и танцевальному искусству в классе отца моего, переломившего о мои руки не один смычок для ознакомления меня с тайнами хореографии. Необходимость такого педагогического приема вытекала, между прочим, из того, что не чувствовал я в детстве ни малейшего влечения к этой отрасли искусства» — вспоминал Мариус Петипа.


Всего девять лет понадобилось Мариусу, чтобы пройти путь от станка в учебном классе до места премьера и даже балетмейстера в Нантском театре. Едва получив первый самостоятельный ангажемент, Петипа начал сочинять танцевальные номера для опер, одноактные балеты и дивертисменты. Работая с отцом, расширил горизонты, гастролируя по всей Франции, Америке, Испании. Не попав в состав труппы Парижской оперы, танцовщик отправился изучать испанские танцы, чтобы применить все полученные знания на новой службе — в России.


За пластикой — в Россию


Работа привлекала не только выгодным контрактом. Молодому и уже известному балетмейстеру еще не исполнилось тридцати, он был вполне успешен, но вот в самом европейском балете Петипа не хватало пластики и красоты. Потомственный танцовщик на родине видел вместо высокого искусства «клоунские упражнения».


«Балет — серьезное искусство, в котором должны главенствовать пластика и красота, а не всевозможные прыжки, бессмысленные кружения и поднимание ног выше головы… Так балет падает, безусловно, падает».

Мариус Петипа


Русская премьера Мариуса Петипа состоялась на сцене петербургского Большого (Каменного) театра. Практически одновременно в качестве солиста и постановщика — помощника главного балетмейстера театра Жюля Перро. Наставник, перед тем как поручить молодому коллеге собственную постановку, отправлял своего ученика в музеи и за книгами — получать знания по этнографии и истории. Лишь спустя восемь лет Мариус Петипа поставил собственный дивертисмент по испанским мотивам «Звезда Гренады».


Успешные дебюты



Первый большой балет Петипа-постановщика «Дочь фараона» получил сценическое воплощение в 1862 году. В этом спектакле критики отметили умелое владение искусством работы с солистами и кордебалетом, но — в ущерб сюжету. Петербург принял спектакль благосклонно, чего не скажешь о московской публике.



Первой большой удачей Петипа-балетмейстера стала «Баядерка» на музыку Людвига Минкуса. На премьере в главной партии выступала Екатерина Вазем, а в 1902 году тогда еще начинающая Анна Павлова. В основе спектакля — французский балет «Сакунтала», поставленный братом Мариуса, Люсьеном Петипа, за два десятилетия до петербургской премьеры. И все же критики отмечали, что русская «Баядерка» получила собственное хореографическое воплощение, а завершающая картина спектакля «Тени» стала одним из самых ярких образцов классического танца.


«Эпоха Петипа»



Мариус Петипа стал законодателем в мире балета, определив развитие этого вида искусства на многие десятилетия вперед. Свои лучшие постановки балетмейстер осуществил с легкой руки директора Императорских театров Ивана Александровича Всеволожского. Балет-феерия был его давней мечтой. На основе сказки Шарля Перро «Спящая красавица» был написан сценарий. Музыку Всеволожский предложил написать Петру Ильичу Чайковскому. Композитор потребовал подробный план балета с особыми пожеланиями постановщика. Хореограф вырезал из картона фигурки артистов и, передвигая их, зарисовывал композицию будущего спектакля. Услышав готовое произведение, постановщик менял рисунок танца, к примеру, для феи Сирени. Результатом такого сотворчества стал балет, который не сходит со сцены уже второе столетие в ставшей классической постановке Мариуса Петипа. Только при жизни хореографа балет исполнялся 200 раз.


«Спящая красавица» — одно из выдающихся явлений в истории мировой хореографии XIX века. Это произведение, наиболее совершенное в творчестве Петипа, подводит итог трудным, не всегда успешным, но упорным поискам хореографа в области балетного симфонизма. В известной мере оно подытоживает и весь путь хореографического искусства XIX века».

Балетовед Вера Красовская


В 76 лет французский балетмейстер получил русское гражданство, а спустя год вместе со своим учеником-хореографом Львом Ивановым ставит «Лебединое озеро». Спектакль, уже видевший сцену в 1877 году, получил новое прочтение спустя 17 лет. Сцену бала во дворце украсили польский, испанский, венгерский танец, а нежной Одиллии Петипа противопоставил па-де-де страстной Одетты. Спектакль стал бессменным символом русского балета.


Русское кино с иностранным акцентом


За полвека работы в России Петипа вывел на сцену свыше 60 балетных спектаклей. «Щелкунчик» и «Раймонда», «Золушка» и «Сон в летнюю ночь»… «Вспоминая свою карьеру в России, я могу сказать, что то была наисчастливейшая пора моей жизни... Да хранит Бог мою вторую родину, которую я люблю всем своим сердцем» — так заканчиваются мемуары хореографа, но не заканчивается «эпоха Петипа», продолжая жить в балетах хореографа по всему миру.

]]>
Роман Качановhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1578/roman-kachanovMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Роман Качанов

КиноПерсоныРежиссер

Роман Качанов - режиссер анимационного кино, подаривший нам такие шедевры, как «Варежка», «Чебурашка», «Тайна третьей планеты».


Он родился в 1921 году в Смоленске. Перед самой войной, весной 1941 года, поступил в Московский институт инженеров транспорта. Во время войны был инструктором парашютно-десантной службы, принимал участие в специальных операциях в тылу врага. И именно тогда, в эти суровые и страшные годы, он встретился со своей мечтой, нашел дело, которым бы хотел заниматься всю жизнь. Первый мультфильм Качанов увидел в короткие минуты отдыха, затишья между боями. «Нам показали американский фильм, в котором рассказывалось о преимуществах автопилота перед ручным управлением, — вспоминал Роман Качанов. — В фильм была вкраплена мультипликация. В голове сидящего за штурвалом летчика вдруг возникает дымящаяся на сковородке яичница. Самолет начинает вилять, но вот яичница пропадает, и самолет снова летит ровно. Затем в воображении пилота возникает образ переодевающейся девушки. Самолет начинает петлять все сильнее и сильнее и врезается в гору. Эта наивная мультипликация повергла меня в изумление. Я подумал, как замечательно было бы, если бы я смог оживить собственные рисунки и шаржи».


После войны, демобилизовавшись из армии, Роман Качанов поступил на курсы «Союзмультфильма». Его старшими товарищами и учителями были прославленные режиссеры-аниматоры — Дмитрий Бабиченко, Валентина и Зинаида Брумберг, Иван Иванов-Вано, Лев Атаманов, Владимир Полковников. Под их началом он работал художником-мультипликатором, ассистентом режиссера и художником-постановщиком.


Свой первый фильм Качанов сделал в 1958 году совместно с режиссером Анатолием Карановичем. Это был мультфильм «Старик и журавль». Через год они же вместе сделали картину «Влюбленное облако» по сценарию Назыма Хикмета. Фильм был отмечен призами международных кинофестивалей.


В самостоятельное режиссерское плавание Роман Качанов отправился в 1960 году, создав мультфильм «Машенька и медведь». Роль Медведя озвучивал Анатолий Папанов, и это был, кстати, первый опыт актера на озвучивании мультфильмов.


Роман Качанов работал в основном в Объединении кукольных фильмов.


В 1967 году режиссер создал мультфильм «Варежка». В этой 10-минутной картине не произносится ни одного слова, да и действия в ней совсем немного, но «Варежку» полюбили и добрые зрители — дети, и строгие — критики и члены жюри кинофестивалей.



В 1969 году Роман Качанов подарил вторую, экранную, жизнь знаменитым персонажам Эдуарда Успенского — Чебурашке, крокодилу Гене, cтарухе Шапокляк. Повесть «Крокодил Гена и его друзья» вышла в 1966 году, а в 1969-м уже появился мультфильм Качанова «Крокодил Гена». В 1971 году был создан фильм «Чебурашка», в 1974-м — «Шапокляк», в 1983-м — «Чебурашка идет в школу».


Отдал режиссер дань и рисованной анимации. В 1981 году вышел его полнометражный мультфильм «Тайна третьей планеты» по фантастической повести Кира Булычева «Путешествие Алисы». Фильм мгновенно стал культовым и разошелся на цитаты. Был у картины и прокат за рубежом — в США, Италии, Франции, Чехии, Бразилии, Японии и Корее. Но наибольший успех она имела у советских детей эпохи 80-х годов. Недаром режиссер Владимир Котт свой ностальгический фильм об этом поколении назвал «Громозека» — по имени одного из героев «Тайны третьей планеты».


Романа Качанова не стало 4 июля 1993 года.


«С уходом Романа Качанова популярное кукольное кино прекратило существование. Именно популярное, потому что героев, подобных Чебурашке и старухе Шапокляк, не создал никто, гениальной «Варежке» противопоставить тоже пока нечего. Что еще удивительнее, Качанов смог реализоваться и в рисованной мультипликации, ибо «Тайну третьей планеты» и «Наследство волшебника Бахрама» в свое время цитировали все советские дети. Качанов знал какие-то тайны профессии, доступные только избранным».

Киновед Сергей Капков

]]>
Татьяна Пельтцерhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1011/tatyana-peltcerMon, 01 Dec 2014 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Татьяна Пельтцер

КиноПерсоныАктер кино

Актриса Татьяна Пельтцер прожила яркую жизнь с ранним сценическим успехом и зрелыми неудачами, международным брачным союзом и одиночеством на закате жизни. Почти восемь десятилетий в жизни Татьяны Ивановны были театр и кино, признание и любовь зрителей.


Успех на грани обморока и профнепригодность


Свою первую роль Татьяна Пельтцер сыграла в 9 лет в спектакле «Камо грядеши» в Екатеринославле. Вторую — в постановке «Дворянское гнездо». Она принесла маленькой актрисе первый гонорар. А 10-летняя Таня в образе Сережи из «Анны Карениной» уже доводила особо чувствительных зрительниц до обморока — так убедительна была сцена прощания Анны с сыном и маленькая актриса, главным учителем для которой был отец.


Обрусевший немец Иоганн Робертович называл себя Иваном Родионовичем. Сын трактирщика вопреки воле отца стал актером. Несмотря на то что до Первой мировой войны в семье Пельтцер говорили по-немецки, Иоганн Пельтцер сумел стать настоящим русским актером и передать любовь к театру своей дочери. Отец вывел ее и в жизнь, и на сцену, которая стала для нее смыслом жизни — даже без профессионального образования.


Передвижной театр Политуправления — первый театр актрисы. Нахичевань, Ейск и уже затем Москва. В 1923 году Татьяну Пельтцер приняли в труппу Театра Московского губернского совета профсоюзов — нынешнего Театра Моссовета. Поработать там удалось недолго: актриса была уволена с формулировкой «за профнепригодность». Она ушла, чтобы вернуться на эту сцену почти спустя десятилетие, поработав машинисткой на заводе и побывав замужем за немецким философом.


Немка Татьяна в Германии


Немецкий коммунист и философ Ганс Тейблер, приехавший в Москву учиться в Школу Коминтерна, увез актрису в Германию. Татьяна Ивановна работала машинисткой в советском торгпредставительстве, но актерская профессия не отпускала.


В Берлине в то время работал известный режиссер Эрвин Пискатор. Творческий коммунист ратовал за театры, обращенные к рабочим, и, узнав, что фрау Тейблер в прошлом актриса, пригласил ее в спектакль «Инга» по пьесе советского драматурга Глебова.


После четырех лет жизни в Германии Татьяна Пельтцер вернулась в СССР. Причины называли разные — от тоски по родине до бурного романа с советским инженером.


Слава «колхозной мамаши»


В Москве устроиться в театр сразу не вышло, и актриса уехала в Ярославль. После года проходных ролей Татьяна Пельтцер приехала в столицу, где как раз открывался театр миниатюр. Новая сцена становится для нее творчески удачной. Она ведет концерты, создает острохарактерные образы: управдомы, молочницы, няньки. Рядом замечательные партнеры по сцене — Рина Зеленая, Мария Миронова, Александр Менакер.


Слава к Татьяне Пельтцер пришла в Театре сатиры после выхода киноверсии спектакля «Свадьба с приданым», удостоенного Сталинской премии. Старуху Лукерью Похлебкину, которая не прочь пропустить стаканчик-другой, зритель принял как родную. Актриса долго получала письма с различными советами, как избавиться от дурного пристрастия, и стала всенародной любимицей — в 49 лет.


Татьяна Пельтцер, мама Ивана Бровкина, в одной из деревень Ярославской области, где снималась картина, сошла за свою. Местные старушки полюбили актрису, которая создавала на экране близкие и понятные образы. После выхода комедии на экраны Пельтцер окрестили «матерью русского солдата», или, как она сама говорила, «колхозной мамашей». Для картины — продолжения фильма «Иван Бровкин на целине» — роль «мамаши» была переписана так, чтобы стать одной из центральных.


Чем старше становилась актриса, тем ярче проступали в кинообразах ее жизнерадостность, энергия, обаяние и оптимизм. «Укротительница тигров», «Морозко», «Приключения желтого чемоданчика», «Вам и не снилось», «После дождичка в четверг». Фразы ее героинь становились крылатыми. «Отбить! Непременно отбить!» — повторял зритель за тетушкой романтичного помещика Алеши из «Формулы любви».



«Вас вообще никто не любит… кроме народа»


Коллеги по сцене не всегда благосклонно воспринимали прямолинейную Пельтцер, которая зачастую не стеснялась в выражениях. Когда в Театр сатиры пришел молодой режиссер Марк Захаров — ставить «Доходное место», — в зале раздался голос актрисы Татьяны Ивановны: «Ну что это такое! Когда человек ничего не умеет, он сразу лезет в режиссуру». Спектакль вышел удачным, и актриса играла у Захарова во всех пяти постановках в Театре сатиры.


Роль тети Тони, активной и жизнерадостной старушки, в постановке «Проснись и пой» на долгие годы стала для Татьяны Пельтцер настоящим бенефисом со взлетами по лестнице, танцами и песнями. Актриса демонстрировала безупречный комедийный стиль.


Татьяна Пельтцер с Александром Абдуловым. Фото: ruspekh.ru

В 73 года она решила начать новую жизнь на новой сцене — перешла в «Ленком» вслед за Марком Захаровым. Пельтцер заверила: «Марк Анатольевич, я буду играть у вас все, что скажете». Молодой режиссер терпеливо принимал критику вспыльчивой актрисы и учитывал возраст Татьяны Ивановны. Когда ее стала подводить память, реплики в постановках стали совсем короткими, и коллеги по цеху подсказывали прямо по ходу спектакля. Одна из последних работ Татьяны Пельтцер — «Поминальная молитва» — была практически без слов. Старую еврейку Берту выводил под руку сын Манахем — Александр Абдулов. Зал встречал любимую актрису долгими овациями, стоя, со слезами на глазах…

]]>
Сергей Арцибашевhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/1971/sergei-arcibashevSat, 03 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Сергей Арцибашев

ТеатрыПерсоныАктер театра

Электрик по желанию родителей, режиссер по призванию. В детстве Сергей мечтал быть то учителем, как мама, то актером или спортивным тренером. Но отец, мастер участка лесозаготовок в уральском поселке Калья, решил: нужно учиться настоящему делу.


Еще во время учебы в политехе Арцибашев играл в народном театре. В собственном спектакле «Отважное сердце» по пьесе Иды Эвальд выходил на сцену в роли надзирательницы… и грезил большой режиссурой. Первая попытка пробиться в ГИТИС не удалась. Мечта исполнилась лишь спустя четыре года. За это время Сергей окончил актерское отделение Свердловского театрального училища и утвердился в мысли, что лет через десять станет главным режиссером театра. И стал, но позже — в 37 лет. Имея за плечами уникальную сценическую практику — в легендарной Таганке.


Наивысшая оценка за дипломный спектакль по произведениям Володина и Петрушевской, где все мужские роли играл сам постановщик, — приглашение на работу от самого Юрия Любимова. И в 1980 году — столичная премьера «Надежды маленький оркестрик». Почти та же дипломная постановка, но уже в гремевшем на всю страну театре.


«На Таганке был мой дебют на московской сцене, причем я попал в самый зенит его славы. Но потом пошли трагические события: умер Высоцкий, уехал Любимов, и амплитуда моих жизненных и профессиональных отношений с театром металась снизу вверх с необыкновенной быстротой».

Сергей Арцибашев


Сергею Арцибашеву повезло — он работал с лучшими из лучших: с Любимовым и Эфросом, ставил спектакли в Театре Маяковского, Театре сатиры, Советской армии, «Новой опере». Пригодился актерский опыт — и в собственном театре, и в кино. На экране он появлялся нечасто, в основном в комедиях, многие зрители запомнили его в роли прапорщика из «ДМБ» Романа Качанова. Однако, несмотря на комедийное амплуа, в 2007 году Никита Михалков доверил ему роль одного из присяжных в драме «12». Арцибашев, как он сам говорил, сыграл «представителя вечно мечущийся интеллигенции». Последним фильмом с участием актера стала драма «Дурак» Юрия Быкова.


Возглавив Театр комедии, впоследствии Театр на Покровке, Арцибашев выступал и постановщиком, и исполнителем главных ролей, в числе которых Мольер и Гамлет. Главный сценический материал театра — русская классика. Гоголь, Островский, Достоевский и любимый писатель и драматург самого режиссера Антон Павлович Чехов.


Премьеры Театра на Покровке всегда становились событием в театральной жизни Москвы. А музыкальный спектакль «Евгений Онегин», поставленный режиссером в «Новой опере», в 1996 году получил «Золотую маску». Всего на счету Сергея Арцибашева 50 спектаклей и 30 киноролей. И на театральной сцене, и в кино каждая роль Арцибашева, пусть даже эпизодическая, сразу запоминалась, придавала картинам и спектаклям особый, неповторимый дух.

]]>
Нонна Мордюковаhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2058/nonna-mordyukovaMon, 08 Apr 2019 14:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Нонна Мордюкова

КиноПерсоныАктер кино

Нонна Мордюкова сыграла более 60 ролей в кино. Она снималась в экранизациях классики, картинах о войне, драмах и комедиях и неизменно впечатляла зрителей своей искренностью. «Героиня моя — это народ», — говорила актриса.


«Выучиться на Любовь Орлову»



Нонна Мордюкова родилась 25 ноября 1925 года в украинском селе Константиновка, а детство ее прошло в селе Глафировка Краснодарского края. Там ее мать — Ирина Мордюкова — работала председателем колхоза. Именно она дала девочке звучное и необычное имя Ноябрина и привила любовь к театру, музыке и искусству. «Я еще была мала, но мой музыкальный слух, унаследованный от предков мамы и от нее самой, наслаждался, когда она пела. Ее волшебный альт, как говорится, сводил всех с ума», — вспоминала будущая актриса.


В раннем детстве Нонна Мордюкова с удовольствием учила украинские народные песни и русские романсы, мечтала об актерской карьере. Но, помимо этого увлечения, у нее, старшей дочери в семье, было много забот — помощь по дому и хозяйству, забота о младших братьях и сестрах. Отца, Виктора Мордюкова, дети видели редко: он был военным и подолгу отсутствовал.


Ответственность и обязательность в характере будущей актрисы сочетались с независимостью и обостренным чувством справедливости. Она легко вступала в споры, дерзила учителям и не боялась высказывать свое мнение.


В школе Мордюковой не нравилось, но она понимала: без аттестата о среднем образовании исполнить мечту и выучиться на актрису не получится. К тому же ей настоятельно советовал закончить школу знаменитый тогда актер Николай Мордвинов. Мордюкова впервые увидела его в фильме «Богдан Хмельницкий» и так впечатлилась, что написала актеру письмо. В нем будущая актриса спрашивала, что нужно сделать, чтобы «выучиться на Любовь Орлову». Мордвинов посоветовал ей получить аттестат, приехать в Москву, найти его и поступить в театральный институт.


Уехать в столицу у Мордюковой не вышло: в 1941 году началась война. И без того нелегкая деревенская жизнь стала еще тяжелее: отец ушел на фронт, а матери с детьми не удалось эвакуироваться. Чтобы их не отправили в Германию, Мордюковы скрывались от немецких солдат. В конце 1943 года домой вернулся Виктор Мордюков, потерявший в боях ногу. Его отношения с женой стали напряженными, и в начале 1944 года семья распалась. Мать забрала детей и уехала в Ейск. Здесь Нонна Мордюкова закончила школу и отсюда же вскоре после окончания войны, в 1945-м, отправилась покорять столицу.


Но не было у нее [мамы] за душою ничего, чтобы учить меня, — только что кончилась война. И я решила избавить маму от этих мук и не терять учебный год. «Уеду, мамочка, еще и письмо пришлю, порадую тебя». Подгадала момент, когда мама в Старощербиновскую уехала на рабочем поезде. Братья и сестры с охотой приняли мою игру в сборы и проводы. На чердаке брат нашел самодельный деревянный чемодан с переводными картинками на крышке, завернули на дорогу кукурузных лепешек. В старом чайнике в беспорядке хранились деньги, весь семейный капитал. Взяла шестнадцать рублей, подкрасила немного губы типографской краской».

Из книги Нонны Мордюковой «Казачка»


Нонну Мордюкову приняли во ВГИК: на вступительных экзаменах она получила одни пятерки, хотя даже не готовилась к творческому конкурсу. Вместо заученных отрывков из художественных произведений она разыграла перед комиссией импровизированные сценки, в которых сплелись реальные истории из кубанского детства и выдуманные подробности. «Такая девушка талантливая, приехала с Кубани, правда еще неотесанная какая-то… Вот она поучится, наберется культуры, образования, из нее может получиться хорошая актриса», — говорили о ней преподаватели.


Фильмы: от «Молодой гвардии» до «Мамы»



Когда Нонна Мордюкова перешла на второй курс ВГИКа, режиссер Сергей Герасимов предложил ей сняться в фильме по роману Александра Фадеева «Молодая гвардия». Картина прославила вчерашних студентов ВГИКа — и зрители, и профессиональные критики отметили талант молодых актеров. Восемь человек, в том числе и Нонна Мордюкова, получили Сталинские премии I степени. Позднее актриса вспоминала: «С тех пор прошло много лет. Было много картин, ролей, но «Молодая гвардия» осталась самой дорогой, как родная сестра, — это была наша путевка в творческую жизнь. Конечно, артисты мы были еще «зеленые», профессионализма у нас было маловато, но живая история войны, увиденная собственными глазами, атмосфера Краснодона, куда мы приехали на четыре месяца и где нас приняли со всей душой, — все это создало вокруг нас такую обстановку, которая исключала всякую фальшь».


Закончив ВГИК, Нонна Мордюкова поступила в Театр-студию киноактера. Следующие несколько лет в кино ее звали мало: статная красавица-казачка стойко ассоциировалась у режиссеров с Ульяной Громовой, в других образах ее не представляли. Режиссеры видели в молодой актрисе трагическую героиню, прочили ей серьезные драматические роли, но сама она хотела играть «простых русских женщин». Наконец, в 1955 году она снялась в картине Михаила Швейцера «Чужая родня». После этого ее карьера пошла вверх.


Мордюкова очень хотела сыграть казачку Аксинью в фильме «Тихий Дон», но режиссер Сергей Герасимов ее не пригласил. Впрочем, и без того у актрисы было много ролей, которые запомнились зрителям: купчиха Домна Белотелова в «Женитьбе Бальзаминова», Клавдия Вавилова в «Комиссаре», управдом в «Бриллиантовой руке», Доня Трубникова в «Председателе», Мария Коновалова в «Родне».



Мордюкову полюбили за искренность и правдивость. «Вы — надежда всей страны. Простая, как мы, женщины», — писали ей зрители. Сама актриса в мемуарах говорила, что всегда стремилась не сыграть, а прожить судьбу своего персонажа, добавив в нее реальные эмоции и чувства:


Пусть будешь сначала плакать не по поводу сцены, но доведи себя до рева, до драмы, до истинной трагедии, а там уж и научишься на это разгоревшееся место накладывать нужный текст. Нетрудно это состояние переместить в действие, а там уж и вера в то, что делаешь, и реакция публики, и знание материала — все распалит предложенную тебе драматическую ситуацию.

Из книги Нонны Мордюковой «Казачка»


В 1980-х Нонна Мордюкова стала сниматься реже. Образ простой русской женщины стал покидать экраны. Ее последней работой в художественном фильме стала главная роль в картине Дениса Евстигнеева «Мама». Ариф Алиев, автор сценария «Мамы», позднее говорил, что фильм создавали специально для этой актрисы: в центре сюжета вновь оказалась волевая героиня.


Личная жизнь актрисы



«Две звезды» — так говорили про союз Мордюковой и ее мужа — актера Вячеслава Тихонова. Они вместе учились в мастерской Бориса Бибикова во ВГИКе, а затем их обоих заметил Сергей Герасимов и утвердил на роли в «Молодой гвардии». Именно на съемках картины и начались их отношения. В 1950 году у пары родился сын Владимир. Молодые родители в это время жили в студенческом общежитии, где им выделили небольшую комнату.


Вскоре после рождения ребенка Нонна Мордюкова и Вячеслав Тихонов поженились. Владимира, единственного сына, Мордюкова полюбила «жгуче и сильно» и не раз писала об этом, а вот об отношениях с мужем вспоминала с печалью: слишком непохожи они были по характерам и привычкам. Мордюкова была шумной и веселой «кубанской девушкой», любила петь и разговаривать, а Тихонов был скромным и молчаливым. «Сухарь сухарем», — написала о нем Мордюкова в мемуарах.


Брак Мордюковой и Тихонова продлился 13 лет — во многом благодаря усилиям матери Мордюковой, которая поддерживала зятя и хотела, чтобы внук рос в полной семье. После Тихонова в жизни Мордюковой было несколько мужчин: она сама признавалась, что была влюбчивой. На съемках картины «Простая история» она увлеклась Василием Шукшиным, несколько лет прожила в браке с актером и сценаристом Борисом Андроникашвили и около полугода — с актером Владимиром Сошальским. Актриса говорила, что в ее жизни было много романов, но все — «по высокой любви».


Нонна Мордюкова очень любила своего единственного сына, Владимира Тихонова. Она долго не хотела сниматься вместе с ним в фильме Николая Москаленко «Русское поле»: по сюжету героиня Мордюковой, Федосья Угрюмова, хоронила сына, которого играл сын актрисы. В 1990 году Владимир умер. Потеря единственного ребенка стала для Нонны Мордюковой тяжелым ударом, от которого она не могла оправиться до самой смерти. «Сын был единственным мужчиной, которого Нонна любила преданно и верно всю жизнь, несмотря ни на что», — говорила сестра актрисы, Наталья Мордюкова-Катаева.


«Я играю одну роль всю жизнь, а героиня моя — это народ»



В последние годы жизни Нонна Мордюкова почти не снималась в художественных фильмах — только в документальных картинах, посвященных ее карьере в советском кино. Несколько лет актриса жила со своей младшей сестрой, Натальей Мордюковой-Катаевой. Внуки — Василий и Владимир — виделись с Мордюковой редко, она страдала от одиночества, тосковала по сыну.


В 2000 году Нонна Мордюкова снялась в документальном фильме Ренаты Литвиновой «Нет смерти для меня», посвященном знаменитым советским актрисам. В нем она озвучила кредо всей своей актерской карьеры: «Я играю одну роль всю жизнь, а героиня моя — это народ».


В 1997 году Нонна Мордюкова написала книгу воспоминаний «Не плачь, казачка!». В одной из последних глав говорилось: «Однако, глядя в синее небо, решительно подумала: надо взяться за себя. Буду ездить отдыхать, бывать на природе. Буду жить и жить… Спасибо зрителям, что не дают мне сиднем сидеть. Зрители — это моя жизнь».


Нонна Мордюкова умерла 6 июля 2008 года. Похоронили актрису, как она и завещала, на Кунцевском кладбище, рядом с сыном.

]]>
Яков Протазановhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2157/yakov-protazanovMon, 05 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Яков Протазанов

КиноПерсоныРежиссер

Яков Протазанов родился в семье коммерсанта. Окончив в 1900 году коммерческое училище, он работал продавцом, но, получив небольшое наследство, отправился путешествовать по Франции и Италии. По возвращении в Россию Протазанов сменил несколько профессий, пока не стал сначала переводчиком, а потом помощником режиссера в коммерческой кинофирме «Глория».


Он является одним из пионеров русского немого кинематографа, создав множество лент. Так, за один 1913 год Протазанов поставил 15 фильмов. Шедеврами режиссера считаются «Пиковая дама» (1916) и «Отец Сергий» (1918). После революции Протазанов оказался на стороне большевиков и принялся снимать революционно-пропагандистские и разоблачительные ленты.


В 1920 году Протазанов вместе со своим любимым актером Иваном Мозжухиным оказался в эмиграции, работал на студиях во Франции и Германии. Вернувшись в СССР в 1923 году, он снял знаменитую «Аэлиту», а также ряд других лент, в том числе «Сорок первый» (1926) и «Бесприданницу» (1936). Свой последний фильм Протазанов создал в эвакуации в Узбекистане — «Насреддин в Бухаре» (1943).


Умер режиссер в 64 года вскоре после возвращения из эвакуации.

]]>
Эльдар Рязановhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2200/eldar-ryazanovWed, 07 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Эльдар Рязанов

КиноПерсоныРежиссер

Кинорежиссер, драматург, поэт, публицист, телеведущий — в каком бы амплуа он ни выступал, его искренность и непосредственность подкупали зрителя и читателя. Непревзойденный автор комедий, который каждый раз находил новую формулу смеха, — Эльдар Рязанов.


Мечты и планы: писатель, моряк, документалист


Эльдар Рязанов родился в Самаре. Его отец Александр Рязанов, бывший комиссар дивизии, разведчик, служил в то время в торговом представительстве СССР в Тегеране. Сыну дали восточное имя, которое в переводе с персидского означает «хозяин страны». Вскоре Рязанова-старшего перевели в Москву на должность начальника винного главка. Когда Эльдару едва исполнилось три года, родители расстались, а в 1938 году отца Рязанова осудили.



Вторым мужем матери — Софьи Шустерман — стал инженер Лев Копп. Эльдар Рязанов писал в автобиографии: «…меня с семилетнего возраста воспитывал отчим. Это был совершенно потрясающий человек. У меня есть сводный брат, и никогда в жизни я не чувствовал разницы отношений отчима к родному сыну и ко мне… Меня не пороли и не ставили в угол, но выговаривали так, чтобы я запоминал».


Во время войны семья год провела в эвакуации под Нижним Тагилом. Отчим работал на оборонном заводе, а маленький Эльдар ходил в школу, читал взахлеб и мечтал стать писателем:


«Мое тогдашнее бытие не представляло интереса — так я считал в то, военное, время. Длиннющие многочасовые очереди за иждивенческой нормой черного хлеба по карточкам; трудный быт эвакуации; прозябание в холодном бараке, где приходилось растапливать печку кусками резиновых шин, брошенных на свалке; охота на гигантских, полуметровых крыс, шныряющих по бараку; умение готовить обед почти что из ничего; наука нянчить младшего брата — все это было буднями, прозой. А уж если писать, то о сильных характерах, экзотических далеких странах, о небывалых приключениях, больших страстях, думал я».


Вернувшись в Москву, Эльдар сдал экзамены за 10-й класс экстерном. Юноша хотел стать моряком: он считал, что прежде, чем писать книги, надо получить богатый жизненный опыт. Он отправил документы в Одесское мореходное училище, но учебное заведение находилось в эвакуации — ответ не пришел. За компанию с товарищем 16-летний Рязанов пошел на вступительные испытания во ВГИК, где его приняли на режиссерский факультет.


В 1944 году курс набирал Григорий Козинцев — тогда еще молодой, но уже известный кинорежиссер, автор фильмов «С.В.Д.», «Юность Максима», «Возвращение Максима». В 1950 году Эльдар Рязанов снял дипломный документальный фильм «Они учатся в Москве». Соавтором выступила его однокурсница и жена Зоя Фомина. После выпуска супруги начали работать на Центральной студии документальных фильмов, вскоре родилась их дочь Ольга.


Рязанов много путешествовал по стране, снимал Сахалин и Кубань, спортивные соревнования и сюжеты для новостных сборников. В книге «Неподведенные итоги» режиссер писал: «Документальное кино тех лет не имело никакого отношения ни к жизни, ни к документу, ни к правде. Обожествлялся великий вождь, воспевалась зажиточная жизнь народа, всячески создавалось на экране ощущение постоянного всенародного праздника». В 1955 году Эльдар Рязанов ушел на «Мосфильм», чтобы снимать игровое кино. Директора «Мосфильма» Ивана Пырьева он позже называл своим третьим учителем после Григория Козинцева и Сергея Эйзенштейна, который читал во ВГИКе теорию кинорежиссуры.


Хрупкий мир комедии



В 1955 году в соавторстве с Сергеем Гуровым Рязанов снял первый советский фильм-ревю (фильм-ревю — один из жанров музыкального кино) «Весенние голоса». Иван Пырьев — мастер музыкальной комедии — тут же предложил Рязанову взяться за сценарий «Карнавальной ночи»… и услышал отказ. Молодой режиссер хотел заниматься «серьезным» кино. Но Пырьев был уверен: мелодрамы снимают многие, а создавать хорошие комедии могут единицы. Под нажимом всесильного директора «Мосфильма» Рязанов сдался.


«Я показал маститым мастерам отрывки из «Карнавальной ночи», составляющие примерно половину картины. Среди членов художественного совета, к сожалению, не обнаружилось никого, кто в своей жизни поставил хотя бы одну комедию. Надо отдать должное уважаемым режиссерам — они были единодушны в оценке: снятый и подмонтированный материал сочли серым, скучным и бездарным».

Эльдар Рязанов


Деньги, отпущенные на картину, заканчивались, сроки поджимали, съемочная группа испытывала начинающего режиссера на прочность. И все-таки фильм вышел на экраны.


После премьеры на Рязанова и исполнительницу главной роли Людмилу Гурченко обрушилась всесоюзная слава. Режиссер стал работать в комедийном жанре, по его мнению «хрупком и беззащитном», требующем особенно бережного отношения. Вышли картины «Девушка без адреса» (1957), «Человек ниоткуда» (1961), «Дайте жалобную книгу» (1965). В фильме «Дайте жалобную книгу» Эльдар Рязанов и сам сыграл небольшую роль главного редактора газеты. Впоследствии он нередко снимался в своих картинах в эпизодах.


В 1963 году Эльдар Рязанов и драматург Эмиль Брагинский написали сценарий «Угнали машину». Так родился их многолетний творческий дуэт. Но снимать картину не разрешили: вор Деточкин не мог быть положительным героем. Авторы переработали сценарий в повесть, и журнал «Молодая гвардия» опубликовал ее под названием «Берегись автомобиля». В 1966 году Рязанов все же снял фильм по написанному ранее сценарию. Главного героя должен был играть Юрий Никулин, но во время съемок он уехал на гастроли с цирком, в котором работал, — и настойчивый режиссер убедил сниматься Иннокентия Смоктуновского. Музыку для «Берегись автомобиля» написал композитор Андрей Петров, будущий соавтор многих рязановских фильмов.


Как бывший кинодокументалист, Эльдар Рязанов стремился к достоверности. С одной стороны, он считал, что комедия должна быть «без зауми, с легкой поступью». С другой стороны, режиссеру были чужды красивость, «зализанность» и легковесность. Он не боялся затрагивать в картинах острые социальные темы, из-за чего каждая новая лента рисковала не пройти цензуру. Даже «Гусарская баллада» (1962), чистый образец героической комедии, оказалась под угрозой запрета. Роль Кутузова сыграл выдающийся комический актер Игорь Ильинский — Огурцов из «Карнавальной ночи», в чем чиновники усмотрели издевательство над отечественной историей.


«Для меня всегда на первом месте — реальность»



Работы Рязанова 1970–80-х годов все больше раздвигали рамки комедийного жанра. Появились философская комедия «Старики-разбойники» (1971), захватывающая буффонада «Невероятные приключения итальянцев в России» (1973), лирическая «Ирония судьбы, или С легким паром!» (1975), производственная комедия «Служебный роман» (1977) и, наконец, «Гараж» (1979) — фильм-сатира о социалистическом обществе, где человек человеку волк. В работе над этими картинами активно участвовала вторая жена режиссера, редактор «Мосфильма» Нина Скуйбина. Картина «Ирония судьбы, или С легким паром!» по пьесе Брагинского и Рязанова была удостоена Государственной премии СССР в 1977 году. В 1984 году Эльдар Рязанов стал народным артистом СССР.


В 1982 году Рязанов прочитал пьесу Людмилы Разумовской «Дорогая Елена Сергеевна». Трагическую историю о крахе идеологии шестидесятников, к поколению которых принадлежала учительница Елена Сергеевна, удалось перенести на экраны лишь в 1988 году. Еще до перестройки Рязанов обращался к ряду произведений — «Мастеру и Маргарите» Михаила Булгакова, «Самоубийце» Николая Эрдмана, роману Владимира Войновича об Иване Чонкине, «Дракону» Евгения Шварца. Но разрешений снимать так и не получил. Тогда его внимание привлекла классика. В 1984 году вышла экранизация «Бесприданницы» Александра Островского — картина «Жестокий романс», удостоенная главного приза кинофестиваля в Дели. Символом новой эпохи стала трагикомедия «Небеса обетованные».



В 1992 году на кинофестивале в Мадриде «Небеса обетованные» получили Гран-при «За лучший фантастический фильм». Рязанов вспоминал об этом казусе: «Картина, с болью и горечью рассказывающая о наших бедах, о тяжелой жизни, о нищих, об обиженных системой людях, была воспринята на Западе как элегантная фантазия русского режиссера».


В это же время возобновилась работа режиссера на телевидении: в 1980-е Эльдар Рязанов вел передачу «Кинопанорама». В эпоху независимого ТВ он снимал телеинтервью с известными людьми, творческие вечера и авторские программы. Стали издаваться его книги — пьесы, стихи, художественная проза, мемуары и публицистика. В тяжелый для отечественной киноиндустрии период спонсоры вкладывали деньги в его фильмы. После 1991 года режиссер снял около 15 лент для кино и телевидения.


Эльдара Рязанова не стало 30 ноября 2015 года. Его именем названа улица в Москве. В октябре 2017 года в Самаре был торжественно открыт памятник кинорежиссеру рядом с домом, где он родился.

]]>
Григорий Чухрайhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2342/grigorii-chukhraiSat, 10 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Григорий Чухрай

КиноПерсоныСценарист

Его картинам рукоплескали в Каннах, его фильмы любил Хрущев, а экспериментальную киностудию поддерживал Косыгин. Григорий Чухрай выпустил один из самых премированных фильмов в истории отечественного кинематографа — «Балладу о солдате» — и изобрел инновационную экономическую модель кинопроизвод­ства. Он снял всего восемь кинокартин, но навсегда вошел в мировую историю киноискусства.


«Моя война»


Великая Отечественная война стала реперной точкой, определившей всю дальнейшую жизнь Григория Чухрая. Когда в августе 1941 года был объявлен набор добровольцев в Воздушно-десантные войска, Чухрай, тогда служивший в пехоте, сразу же подал рапорт и десантником попал на фронт. Он прошел всю войну: участвовал в Сталинградской битве, воевал на Донском, на 1-м и 2-м Украинских фронтах. Будучи десантником, неоднократно забрасывался в тыл врага. За героизм и мужество был награжден многочисленными орденами и медалями. Впоследствии он написал книгу воспоминаний «Моя война».


Принципы жизни на войне работают и в кино


После окончания войны Чухрай решил поступать во ВГИК. В окопах у него не было возможности изучать историю искусства и читать классическую литературу, поэтому, когда на экзаменах он не смог ответить на вопросы преподавателей, Чухрай сказал: «Если кто-нибудь в бою не оправдывал наших надежд, то не потому, что не знал приемов боя или обращения с оружием, а потому, что в критический момент ему не хватило чувства долга и собственного достоинства. Я старался поддерживать эти чувства. В искусстве буду делать то же». Такой ответ обезоружил комиссию, и Чухрай был принят в институт. К слову, свое обещание он не нарушил. Режиссер считал, что за каждый снятый фильм, как за любой человеческий поступок, надо отвечать по совести.


«Сорок первый»



Окончив университет, Чухрай долгое время работал то ассистентом, то вторым режиссером. Первый же фильм, снятый им в качестве режиссера-постановщика, снискал огромный успех. Это была экранизация одноименной повести Бориса Лавренева «Сорок первый». Григорий Чухрай четко знал, каким он хочет видеть будущий фильм, для него было важным донести свое видение Гражданской войны. Но у автора сценария Григория Колтунова были другие задачи — сгладить острые углы и выпустить картину, которая устроит руководство. Прийти к соглашению со сценаристом Чухрай не смог, поэтому он решил отойти от текста и снять фильм так, как он чувствует, а не так, как написал осторожный Колтунов. Такая вольность и донос сценариста, в котором тот назвал «Сорок первый» «белогвардейской стряпней», чуть не довели дело до суда. Карьера Чухрая была под угрозой. Но фильм случайно посмотрел Никита Хрущев и сказал: «Посылайте в Канны». Там «Сорок первый» отметили призом «За оригинальный сценарий и исключительные художественные достоинства», и Чухрай получил возможность снимать дальше.


«Баллада о солдате»



Cвой главный фильм — «Баллада о солдате» — Чухрай задумал еще во время войны. Он хотел отдать дань памяти тем, с кем он вместе шел в бой и кто не вернулся с войны. Но фильм снова подвергся идеологической критике. На взгляд оппонентов Чухрая, фильм не воспитывал зрителя, не вызывал патриотических чувств. От режиссера требовали удалить отдельные эпизоды, но он наотрез отказывался. В итоге картина была запрещена к показу в больших городах, что сразу перекрыло путь к широкой зрительской аудитории. Но волею судьбы фильм все же пробил себе дорогу. Картину снова посмотрел Никита Хрущев, который велел отправить и этот фильм Чухрая в Канны, где «Баллада о солдате» получила сразу две награды: «За лучший фильм для молодежи» и приз «За высокий гуманизм и исключительные художественные качества. «Баллада о солдате» стала одним из самых премированных фильмов в истории СССР. Среди призов (всего их больше сотни) — британская премия BAFTA, датская «Бодиль», призы фестивалей в Сан-Франциско, Варшаве, Милане.


Любимая награда Феллини



Всего режиссер снял восемь картин, в том числе советско-итальянскую ленту «Жизнь прекрасна» с Орнеллой Мути и Джанкарло Джаннини. С итальянцами Чухрая связывала давняя дружба. Это по его рекомендациям в 1963 году Феллини получил главный приз на Московском международном кинофестивале за свои «Восемь с половиной». Тогда советские номенклатурщики пытались всеми правдами и неправдами присудить премию отечественной производственной драме «Знакомьтесь, Балуев». Чухрай, возглавлявший жюри фестиваля, рискуя собственной карьерой, добился того, чтобы была награждена лента «Восемь с половиной».


Чужие фильмы дороже собственных



Чухрай проявил себя не только как режиссер, но и как талантливый руководитель. Десять лет он возглавлял Экспериментальную творческую киностудию (ЭТК) — инновационную с точки зрения экономики организацию. Студия, в отличие от остальных советских кинопроизводств, сама себя окупала и приносила серьезную прибыль. Этому способствовали экзотичный в рамках советской плановой экономики принцип личной заинтересованности сотрудников (например, зарплата режиссера зависела от успеха его фильма в прокате) и более скрупулезный подход к расходам — съемки картины планировались дольше, а осуществлялись быстрее, сотрудников работало меньше, но трудились они эффективнее. ЭТК выпустила такие легендарные ленты, как «Раба любви», «Белое солнце пустыни», «Иван Васильевич меняет профессию». Чухрай писал в своей автобиографии «Мое кино» о том, что для страны эта студия была важнее его творчества. Для Чухрая собственная выгода никогда не была на первом месте: «Какое счастье думать об интересах своей страны, а не о своих личных интересах!»


]]>
Руфина Нифонтоваhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/3449/rufina-nifontovaWed, 11 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Руфина Нифонтова

КиноПерсоныАктер кино

После школы Руфину Нифонтову не хотели принимать в Щепкинское училище, но уже в 25 лет она получила приз за лучшую женскую роль в фильме «Вольница». С тех пор актриса сыграла десятки ролей — на сцене, в кино и радиопостановках.


«Ты будешь актрисой!»


Руфина Нифонтова (по отцу — Питаде) родилась в Москве. Её мать работала на ткацкой фабрике, отец был железнодорожником. Руфина Питаде — четвертый ребенок в семье, у нее было три брата. Семья была творческой: отец пел в самодеятельности, мать играла в драматическом кружке, а братья — в любительском оркестре. Девочка с удовольствием участвовала в школьных театральных постановках и мечтала о большой сцене.


Но после школы её не принимали ни в одно театральное училище. В Щепкинском против абитуриентки выступила председатель комиссии Вера Пашенная: «Эта рыжая и тощая будет здесь учиться только через мой труп. Она же все время басом читает! Кого она у нас играть будет? Мужчин? Так давайте лучше мальчиков талантливых наберем!» Как вспоминала Руфина Питаде, мама отвела её во ВГИК — буквально за руку. Приемная комиссия отказала Питаде и там, однако её принял на свой курс режиссер Борис Бибиков. Питаде училась в одной группе с Изольдой Извицкой, Юрием Беловым и Надеждой Румянцевой.


«Помню, выбежала в коридор, завернулась в портьеру и давай рыдать. Рядом проходил профессор Борис Бибиков, услышал меня и сказал: «Ты станешь актрисой!»

Руфина Нифонтова


На втором курсе Руфина Питаде вышла замуж за Глеба Нифонтова — режиссера научно-популярных фильмов. Вскоре у них родилась дочь Ольга.



Лучшая женская роль и Малый театр


Пока Руфина Нифонтова училась во ВГИКе, предложений от режиссеров ей не поступало. Актриса вспоминала, что её не приглашали на пробы из-за «некрасивости и неуклюжести».


Однажды Руфина Нифонтова снялась в экранизации «Обломова» — курсовой работе своего знакомого — в роли Акульки. На актрису обратил внимание режиссер Григорий Рошаль. Он пригласил Нифонтову на главную роль в фильм «Вольница». В 1956 году на кинофестивале в Карловых Варах Нифонтова получила приз за лучшую женскую роль.


«Этот талантливый и чуткий режиссер помог мне стать актрисой. Он научил глубокому проникновению в образ, открыл передо мной богатую палитру выражения человеческих чувств».

Руфина Нифонтова


Через год она сыграла еще в одном фильме Рошаля — «Хождение по мукам». Эта картина принесла ей известность, и вскоре после премьеры Нифонтову пригласили в труппу Малого театра. Режиссер Михаил Царев предложил ей сыграть в «Каменном гнезде» финского драматурга Хеллы Вуолийоки.


Первая театральная постановка стала для Руфины Нифонтовой очень непростой. У нее не складывались отношения с партнером по спектаклю Верой Пашенной, Нифонтова едва не отказалась от роли. Со временем молодая актриса привыкла к тому, как Пашенная подходит к работе, и их отношения наладились. Нифонтова вспоминала: «Не было бы её, я бы не поняла, что такое театр». После премьеры критики отмечали их удачный сценический дуэт.



«Играть до конца»


В Малом театре Руфина Нифонтова играла в основном в современных пьесах. Она мечтала о главных ролях в классических постановках, но они в ее репертуаре встречались реже. Нифонтова играла Катерину в спектакле Веры Пашенной «Гроза», Одинцову в «Отцах и детях», Любовь Раневскую в телеспектакле «Вишневый сад» (режиссер Леонид Хейфец). О последней роли Нифонтовой критики писали восторженные отзывы, Виталий Вульф называл Раневскую в ее исполнении «пленительно красивой».


«Я пришла в театр для того, чтобы раскрепоститься, освободиться от всего того, что меня сдерживает, ограничивает, для того, чтобы воплотиться в десятках, в сотнях людей, для того, чтобы рассказать о нас с вами».

Руфина Нифонтова


За свою сценическую карьеру Руфина Нифонтова сыграла десятки ролей в спектаклях и телеспектаклях Малого театра. Своих персонажей актриса наделяла оригинальными чертами. Играя Сашу в постановке «Фома Гордеев» Бориса Львова-Анохина, она сама придумала сцену, где ее героиню выносили завернутой в ковер.


«Она была на грани смешения жанров. Это был гротеск, с одной стороны, и с другой — психологическое погружение в суть роли. Сцена начиналась с того, что она разворачивалась в этом ковре, и появлялось непонятное существо с невероятным гримом. Чудище, но удивительно гордое, красивое внутри и независимое».

Василий Бочкарев, актер


Кроме игры в театре, Руфина Нифонтова принимала участие в радиопостановках и снималась в кино — всего в ее фильмографии около 30 ролей. В последние годы жизни актриса болела, но продолжала играть на сцене. Нифонтова говорила: «Это исконный принцип Малого театра — играть до конца, на пределе своих возможностей, никогда не отдыхая на сцене». Актрисы не стало в 1994 году. Руфина Нифонтова похоронена на Ваганьковском кладбище.

]]>
Михаил Ромм http://yandex-rss.herokuapp.com/persons/2040/mikhail-rommMon, 05 Jan 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Михаил Ромм

КиноПерсоныСценарист

Известный режиссер родился в семье врача-революционера, находившегося в ссылке в Иркутске. В 1906 году его родители смогли вернуться в Москву. В 1917 году он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, но в годы революции оказался в Красной армии.


В 1925 году окончил ВХУТЕИН со специальностями скульптора и переводчика. С этого времени он начинает работать как литератор, журналист и сценарист. В 1930 году Ромм дебютировал как киносценарист. А в 1934 году — снял свой первый фильм, экранизацию новеллы Мопассана «Пышка». За ней последовали почетные работы — дилогия «Ленин в Октябре» (1937) и «Ленин в 1918 году» (1939).


В последующие годы Ромм делал звуковые фильмы, из которых наиболее известными стали «Адмирал Ушаков» (1953), «Корабли штурмуют бастионы» (1953) и снятая после долгих творческих поисков знаменитая лента «Девять дней одного года» (1962). В 1965 году на экраны вышла его прославленная документальная работа «Обыкновенный фашизм».


Скончался режиссер в возрасте 70 лет.


]]>
Юрий Любимовhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/3099/yurii-lyubimovFri, 06 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Юрий Любимов

КиноПерсоныАктер кино

Юрий Любимов прожил 97 лет — без малого век. И этот его век включил в себя столько событий, поворотов, бурь и триумфов, что хватило бы на приключенческий роман в нескольких томах. Первую половину жизни он был актером, вторую — режиссером. В годы войны служил в Ансамбле песни и пляски НКВД, сыграл довольного жизнью колхозника в фильме «Кубанские казаки», а потом создал театр, по всем статьям перпендикулярный режиму, дружил с диссидентами и правозащитниками, наконец, стал эмигрантом… Ему довелось увидеть закат и агонию своего главного детища — Театра на Таганке, но это печальное зрелище не сломило Любимова. До самого конца он ставил не только спектакли по всему свету, он режиссировал свою жизнь.


Юрий Любимов в 1939 году закончил Театральное училище им. Щукина, в 1946-м стал актером Театра им. Вахтангова. Играл Олега Кошевого в «Молодой гвардии», легкомысленного скульптора Шубина в инсценировке романа Тургенева «Накануне», правильно мыслящего политика Марка Пино в спектакле по пьесе Николая Вирты «Заговор обреченных», Ганю Иволгина в «Идиоте», Сирано де Бержерака, Ромео, Треплева. По меркам тогдашнего малокартинья Любимов довольно много снимался в кино — в ролях неглавных. Словом, актер он был успешный, но не первый. Ничто тогда не обнаруживало в нем бунтаря, носителя авангардных художественных идей.


С 1953 года Любимов преподавал в родном Щукинском училище. В 1963 году он взялся поставить со студентами курса Анны Орочко дипломный спектакль по пьесе Бертольда Брехта «Добрый человек из Сезуана» (в переводе на русский пьеса «Добрый человек из Сычуани» впервые была опубликована незадолго до того — в 1957 году). Постановка произвела сенсацию в театральной Москве. И стала первым спектаклем обновленного московского Театра на Таганке, руководителем которого был назначен в 1964 году Юрий Любимов. Он привел в театр многих выпускников Щукинского училища, участников дипломного спектакля: Зинаиду Славину, Аллу Демидову, Бориса Хмельницкого. Постепенно труппу пополнили Валерий Золотухин, Николай Губенко, Владимир Высоцкий, Леонид Филатов, Инна Ульянова. Любимовская Таганка быстро приобрела репутацию авангардного театра с «острым» репертуаром и непривычной манерой активного вовлечения зрителя в игру. Поэт Андрей Вознесенский — многолетний друг и автор театра — назвал Таганку «эпицентром свободолюбивой интеллигенции». За основу на Таганке взяли брехтовскую идею «эпического театра». Портрет драматурга встречал зрителей сразу при входе в театр. Антураж был нарочито спартанским: ни занавеса, ни богатых, тщательно выделанных декораций. Вместо них — многофункциональные конструкции, условные выгородки. В репертуаре любимовского театра всегда большое место занимали поэтические спектакли: «Товарищ, верь…» по произведениям Пушкина, «Послушайте!» по Маяковскому, «Антимиры» по Вознесенскому, «Павшие и живые» — из стихов поэтов-фронтовиков. Позже настал период инсценировок прозаических произведений: романа «Герой нашего времени», повестей «Живой» Бориса Можаева и «А зори здесь тихие…» Бориса Васильева. Этапными для театра стали спектакли Любимова «Десять дней, которые потрясли мир» (1965), «Жизнь Галилея» (1966), «Гамлет» (1971), «Мастер и Маргарита» (1977), «Владимир Высоцкий» (1981), «Борис Годунов» (1982). Два последних были запрещены к показу.


С самого начала существования Театра на Таганке Любимов отбивался от нападок чиновников, от их попыток закрыть спектакли. Театр был окружен мощным кольцом влиятельных друзей — деятелей культуры и науки, они очень помогали в борьбе с косной цензурой, но основной удар всегда принимал на себя руководитель Таганки. В 1984 году, находясь в командировке за рубежом, Любимов поделился с интервьюером газеты Times своими критическими размышлениями относительно культурной политики в СССР. Это стало для советских властей последней каплей, Любимов был лишен гражданства Советского Союза. Для сотрудников Театра на Таганке это стало страшным ударом. Многие, увы, в порыве демонстрации своей преданности Любимову некорректно вели себя по отношению к не менее гениальному режиссеру Анатолию Эфросу (он был назначен главным режиссером Таганки после лишения Любимова гражданства). До самой перестройки Юрий Петрович не мог вернуться в Москву и свой театр, но был чрезвычайно востребован в Европе, Израиле, США, ставил спектакли в знаменитых театрах мира.


Советское гражданство Любимову вернули в 1989-м, он приехал, чтобы восстановить некогда запрещенные спектакли и поставить новые. Но довольно быстро стало понятно, что многие актеры не готовы общаться с Любимовым в прежней манере, предполагавшей не просто жесткий, менторский тон режиссера, но и неприятные, провокационные комментарии, определения, на которые не скупился Юрий Петрович. Такова была его установка — не давать актерам поблажки. И раньше они его слушались, как строгого отца. Но «дети» выросли, выстояли в тяжелейшие годы отсутствия «отца» и теперь претендовали на элементарную человеческую благодарность. Часть труппы, возглавляемая актером и режиссером Николаем Губенко, отделилась от театра и стала существовать автономно под названием «Содружество актеров Таганки». Началась неприятная, стыдная пора дрязг и судов — две части некогда славного коллектива боролись за имущество. В итоге команде Губенко отошла Новая сцена театра, а коллектив Любимова остался в старом, историческом здании.



В начале 2000-х годов Юрий Любимов поставил в родном театре несколько спектаклей, высоко оцененных критикой — что позволило говорить о своеобразном ренессансе в творчестве мастера: композиции по роману «Евгений Онегин», по «Фаусту» Гете. Но в 2011 году в театре вновь вспыхнул скандал, и снова его причины лежали сугубо в материальной плоскости… Любимов ушел с поста главного режиссера Театра на Таганке, но не из профессии. В 2012-м, спустя полвека, он вернулся в Театр им. Вахтангова и поставил там четырехчасовой спектакль по роману Достоевского «Бесы». Следующей премьерой стала опера «Князь Игорь» в Большом театре. А последним спектаклем мастера стала опера-буфф «Школа жен» в московском театре «Новая опера». Юрия Петровича Любимова не стало 5 октября 2014 года, и с его кончиной закончилась очень важная глава истории отечественного театра второй половины XX века.


]]>
Георгий Товстоноговhttp://yandex-rss.herokuapp.com/persons/3134/georgii-tovstonogovFri, 06 Feb 2015 03:00:00 +0300Редакция портала «Культура.РФ»

Георгий Товстоногов

ТеатрыПерсоныХудожественный руководитель

Известный советский режиссер родился в Тифлисе, в семье дворянина, инженера-железнодорожника, и грузинской певицы. Еще будучи школьником, он проводил много времени в театре, где выступал его дядя. Окончив школу, Товстоногов поступил в Тбилисский железнодорожный институт, в котором преподавал его отец.


В 1931 году Товстоногов начал работать актером и ассистентом режиссера в тбилисском Русском ТЮЗе. Уже через два года он поставил там свой первый спектакль. Тогда же он поступил на режиссерский факультет ГИТИСа. В 1937 году отец режиссера был репрессирован, после чего Товстоногов был отчислен с 4-го курса, однако несколько месяцев спустя восстановлен.


Окончив ГИТИС, в 1938–1946 годы Товстоногов работал режиссером в Тбилисском русском драматическом театре им. А.С. Грибоедова. После окончания войны режиссер переехал в Москву, где был худруком Гастрольного реалистического театра, потом режиссером Центрального детского театра, при этом создавая постановки и на других сценах.


В 1949 году начался ленинградский период в жизни Георгия Александровича: он стал режиссером, а на следующий год — главным режиссером Театра им. Ленинского комсомола, где его имя прогремело, в частности, благодаря постановке «Оптимистической трагедии» Вишневского (1955). Через год он возглавил ленинградский Большой драматический театр (БДТ), восстановив его репутацию, потерянную в последние годы. Товстоногов руководил театром более 30 лет.


Скончался режиссер в возрасте 73 лет.

]]>